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COMICS
Adou 5

SINOPSIS Eight se ha convertido, bajo el influjo del profesor Inui, en una máquina de matar. El coronel Tsujiura intenta proteger la vida del muchacho a toda costa para poder servirse de su valioso poder. Sin embargo, la revelación de que Ewan puede extraer las semillas vegetales pondrá en peligro la existencia del laboratorio secreto, y el coronel tendrá que tomar una decisión muy difícil. ¿Valen lo mismo todas las vidas? BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW The fifth volume of ‘Adou’ delves into the winding and complex paths of its protagonists, exploring the darkest facets of human greed and power. Focusing on Eight’s transformation into a killing machine under Professor Inui’s influence, the plot uncovers new secrets of the enigmatic laboratory. Colonel Tsujiura, in his attempt to protect and utilize Eight’s power, faces deep moral dilemmas about the value of human life. Simultaneously, it is revealed that Ewan has the ability to extract plant seeds, threatening the continuity of the laboratory. This revelation forces the colonel to make critical decisions, increasing the suspense and intrigue. The corrupt ambition of the antagonists unfolds before the reader, who becomes caught in a web of mysteries and conspiracies. The art of the manga plays a crucial role in the narrative. With a meticulously detailed and expressive drawing style, each panel is a work of art that reflects the emotional intensity and complexity of the plot. The interaction between bold strokes and marked shadows intensifies the drama and enriches the visual experience, transporting the reader directly to the heart of the action and the characters’ internal conflict. The development of the characters in this volume is exceptional, exploring their internal motivations with a depth that reflects the chaos surrounding them. This approach promises even more exciting outcomes for future installments. ‘Adou 5’ not only captures the reader’s attention but also provokes deep reflection, acting as a dark mirror of the murkiest aspects of society and human nature, making it essential in any manga collection. SPANISH REVIEW El quinto tomo de ‘Adou’ profundiza en los caminos tortuosos y complejos de sus protagonistas, explorando las facetas más sombrías de la codicia y el poder humano. Centrándose en la transformación de Eight en una máquina de matar bajo la influencia del profesor Inui, la trama descubre nuevos secretos del enigmático laboratorio. El coronel Tsujiura, en su intento por proteger y utilizar el poder de Eight, se enfrenta a dilemas morales profundos acerca del valor de la vida humana. Simultáneamente, se revela que Ewan tiene la capacidad de extraer semillas vegetales, amenazando la continuidad del laboratorio. Esta revelación obliga al coronel a tomar decisiones críticas, incrementando el suspense y la intriga. La corrupta ambición de los antagonistas se despliega ante el lector, quien se ve atrapado en una red de misterios y conspiraciones. El arte del manga juega un papel crucial en la narrativa. Con un estilo de dibujo meticulosamente detallado y expresivo, cada viñeta es una obra de arte que refleja la intensidad emocional y la complejidad de la trama. La interacción entre los trazos audaces y las sombras marcadas intensifica el drama y enriquece la experiencia visual, transportando al lector directamente al corazón de la acción y el conflicto interno de los personajes. El desarrollo de los personajes en este tomo es excepcional, explorando sus motivaciones internas con una profundidad que refleja el caos que los rodea. Este enfoque promete desenlaces aún más emocionantes para las entregas futuras. ‘Adou 5’ no solo captura la atención del lector, sino que también provoca una profunda reflexión, actuando como un espejo oscuro de los aspectos más turbios de la sociedad y la naturaleza humana, haciéndolo esencial en cualquier colección de manga. // Autor: Amano Jaku // Editorial: Héroes de papel Score [...]

SINOPSIS Riko quedó herida de gravedad en el intento de proteger a Eight del ejército, pero el coronel Tsujiura ha usado el poder de Ewan para salvarle la vida, ya que la chica podría serle útil. Mientras, unos individuos que han descubierto la cara oculta del laboratorio ahondan en sus secretos. ¡El lado más oscuro de la codicia humana se cierne sobre Eight y Ewan! BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW Review of “Adou 4” “Adou 4” continues the intense and complex journey of its protagonists with a volume that delves into the darkest corners of human greed and power. Like its predecessor, this volume plunges us into a whirlwind of emotions and ethical dilemmas that test the morality of the characters. The plot centers on Riko, who, after her brave act of protecting Eight, is gravely injured. Her fate takes a turn when Colonel Tsujiura intervenes, driven not by compassion but by calculating Riko’s utility for his plans. The manipulation of life through the power of Ewan is used to explore the ethical dilemmas associated with the use of science and power, showcasing the author’s narrative mastery. Simultaneously, the mystery surrounding the laboratory intensifies when new characters uncover its most hidden side. This subplot adds an additional layer of intrigue and suspense, keeping the reader captivated and eager to discover the extent of the antagonists’ corruption and unchecked ambition. The richness of “Adou 4’s” narrative stands out through dialogues that both reveal and conceal, while detailed and expressive drawings effectively complement the depth of the plot, ensuring each page intensely conveys the drama depicted. Regarding character development, this volume exceptionally explores their internal motivations, particularly in the cases of Eight and Ewan, whose internal struggles reflect the chaos around them. Their evolution is pivotal to the series, and in “Adou 4,” they reach levels of depth that promise even more thrilling outcomes in future installments. In summary, “Adou 4” is a work that captures attention and provokes thought. It acts as a dark mirror reflecting the gloomiest aspects of society and human nature. With each volume, the “Adou” series establishes itself as essential in the collection of any manga enthusiast looking for a story rich in substance and genuine emotions. SPANISH REVIEW “Adou 4” sigue el intenso y complejo camino de sus protagonistas con una entrega que ahonda en los rincones más oscuros de la codicia y el poder humano. Al igual que en su predecesor, este tomo nos sumerge en un torbellino de emociones y dilemas éticos que ponen a prueba la moralidad de los personajes. La trama se centra en Riko, quien tras su valiente acto de proteger a Eight, queda gravemente herida. Su destino toma un giro cuando el coronel Tsujiura interviene, no movido por compasión, sino calculando la utilidad de Riko para sus planes. La manipulación de la vida a través del poder de Ewan se utiliza para explorar los dilemas éticos asociados al uso de la ciencia y el poder, mostrando la maestría narrativa del autor. Paralelamente, se intensifica el misterio que rodea al laboratorio, cuando nuevos personajes descubren su lado más oculto. Esta subtrama aporta una capa adicional de intriga y suspense, manteniendo al lector cautivado y ansioso por descubrir hasta dónde se extiende la corrupción y ambición desmedida de los antagonistas. La riqueza de la narrativa de “Adou 4” se destaca a través de diálogos que revelan y ocultan a la vez, mientras que un dibujo detallado y expresivo complementa eficazmente la profundidad de la trama, haciendo que cada página transmita con intensidad el drama representado. En cuanto al desarrollo de personajes, este tomo explora de manera excepcional sus motivaciones internas, particularmente en el caso de Eight y Ewan, cuyas luchas internas reflejan el caos que los rodea. Su evolución es fundamental para la serie, y en “Adou 4″, alcanzan niveles de profundidad que prometen desenlaces emocionantes en futuras entregas. Adou 4” es una obra que captura la atención y provoca reflexión. Actúa como un reflejo oscuro de los aspectos más sombríos de la sociedad y la naturaleza humana. Con cada tomo, la serie “Adou” se afianza como esencial en la colección de cualquier aficionado al manga en busca de una historia rica en sustancia y emociones auténticas. // Autor: Amano Jaku // Editorial: Héroes de papel Score [...]
Adou 4
Windbreaker 6

SINOPSIS Haruka Sakura se ha trasladado al instituto Fûrin, donde se encuentran los delincuentes más fuertes. Tras ganarse la confianza de sus compañeros, estos le ascienden a capitán de curso. Sin embargo, sin tiempo para poder asentarse, un giro inesperado de los acontecimientos hace tambalearse la nueva vida de Sakura. Para poder salvar a la amiga de la infancia de su compañero de clase, Sakura y sus compañeros de primer año deben entrar en la fortaleza de la violenta y temida banda KEEL. ¿Serán capaces de defenderse de sus enemigos? BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW Windbreaker 6, the latest installment by Satoru Nii, immerses readers into the turbulent world of Haruka Sakura at Fûrin High School, a notorious place for housing the region’s most feared delinquents. After earning the trust and respect of his peers, Sakura is promoted to class captain, a role that brings not only authority but also significant responsibilities. However, his leadership skills are abruptly tested when an unexpected turn of events threatens the stability of his school life. The story intensifies as Sakura and his freshman peers are forced to embark on a dangerous mission to rescue a classmate’s childhood friend, who has been kidnapped by the feared KEEL gang. This volume delves into a narrative where the loyalty and bravery of the young characters are tested in the crucible of adversity. From the perspective of character development and plot, Satoru Nii demonstrates exceptional skill in building a universe filled with challenges and internal conflicts. Sakura’s growth, from a newcomer to a leader capable of facing deadly dangers, is narrated with expertise that captures both his personal evolution and the complex dynamics among his team members. As these youths penetrate the fortress of KEEL, themes such as sacrifice, courage, and camaraderie are skillfully woven into the framework of an action shōnen manga. This volume not only reflects the characters’ resilience but also offers an introspective look at how shared experiences can forge unbreakable bonds even in the most challenging moments. Artistically, Windbreaker 6 stays true to the vibrant and energetic style that has defined the series from its inception. Satoru Nii, whose career took off in 2014 with this saga, employs a visual approach that effectively captures the intensity of emotions and action in each panel. The confrontations between Sakura and the KEEL gang are particularly notable, with combat sequences that are aesthetically striking and emotionally charged. This volume not only raises the previously established artistic standard but also ensures that readers remain hooked on the series’ constant evolution. Windbreaker 6 thus presents itself as an essential addition for any fan of shōnen manga, offering a perfect mix of exciting narrative, deep character development, and exceptional art. SPANISH REVIEW Windbreaker 6, la más reciente entrega de Satoru Nii, sumerge a los lectores en el turbulento mundo de Haruka Sakura en el Instituto Fûrin, un lugar notorio por albergar a los delincuentes más temidos de la región. Después de ganarse la confianza y el respeto de sus compañeros, Sakura asciende a capitán de clase, un rol que trae consigo no solo autoridad sino también grandes responsabilidades. Sin embargo, su capacidad de liderazgo es puesta a prueba de forma abrupta cuando un inesperado giro en los acontecimientos amenaza la estabilidad de su vida escolar. La historia se intensifica cuando Sakura y sus compañeros de primer año se ven obligados a emprender una peligrosa misión para rescatar a la amiga de la infancia de uno de ellos, quien ha sido secuestrada por la temida banda KEEL. Este volumen profundiza en una narrativa donde la lealtad y valentía de los jóvenes se examinan en el crisol de la adversidad. Desde la perspectiva del desarrollo de personajes y la trama, Satoru Nii exhibe una habilidad excepcional para construir un universo lleno de desafíos y conflictos internos. El crecimiento de Sakura, desde un recién llegado hasta convertirse en un líder capaz de enfrentarse a peligros mortales, se relata con una destreza que captura tanto su evolución personal como las complejas dinámicas entre los miembros de su equipo. A medida que estos jóvenes penetran en la fortaleza de KEEL, se exploran temas como el sacrificio, el coraje y la camaradería, hábilmente integrados en el marco de un manga shōnen de acción. Este volumen no solo es un reflejo de la tenacidad de los personajes, sino que también ofrece una mirada introspectiva a cómo las experiencias compartidas pueden forjar lazos inquebrantables incluso en los momentos más desafiantes. Artísticamente, Windbreaker 6 permanece fiel al estilo vibrante y enérgico que ha definido la serie desde sus inicios. Satoru Nii, cuya carrera despegó en 2014 con esta saga, emplea un enfoque visual que captura eficazmente la intensidad de las emociones y la acción en cada viñeta. Los enfrentamientos entre Sakura y la banda KEEL son particularmente notables, con secuencias de combate que son estéticamente impactantes y cargadas de emociones. Este volumen no solo eleva el estándar artístico previamente establecido, sino que también garantiza que los lectores sigan enganchados a la evolución constante de la serie. Windbreaker 6 se presenta así como una adición esencial para cualquier aficionado al manga shōnen, ofreciendo una mezcla perfecta de narrativa emocionante, desarrollo profundo de personajes y arte excepcional. // Autor: Satoru Nii // Editorial: Distrito Manga Score [...]

SINOPSIS Probablemente sea el videojuego perfecto. Simple pero adictivo, Tetris plantea un irresistible puzle sin fin que mantiene a los jugadores pegados a la pantalla. Si juegas durante un buen rato, observarás esas coloridas formas geométricas por todas partes. ¡Incluso las verás en sueños! Alexey Pajitnov tuvo una idea brillante. En 1984 creó Tetris mientras desarrollaba software para el Gobierno soviético. Cuando eludió el telón de acero, tuvo un éxito inmediato. Nintendo, Atari, Sega y otras desarrolladoras de videojuegos, tanto grandes como pequeñas, querían el Tetris y, en consecuencia, se produjo toda una guerra de ofertas, viajes clandestinos a Moscú, acuerdos a puerta cerrada, malentendidos innumerables y robos descarados. El autor superventas del New York Times, Box Brown, desenreda esta complicada trama y profundiza en el papel que desempeñan los juegos en el arte, la cultura y el comercio. Por primera vez y con todo lujo de detalles, Tetris: el juego del que todos hablan, cuenta la auténtica historia del videojuego más famoso del mundo. BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW Tetris, created in 1984 by Russian programmer Alexey Pajitnov, quickly transcended its humble beginnings when it was shared via floppy disks. This game, characterized by its simple but engaging mechanics of descending blocks, not only broke through the Iron Curtain but also captivated a global audience, amassing sales and downloads in the hundreds of millions. The phenomenon became so deeply ingrained in popular culture that a science fiction trilogy inspired by the game was announced in 2018. Beyond its commercial success, Tetris has a fascinating story filled with idealism, intrigue, and intense corporate battles. This story includes a mix of amateur game designers, Soviet bureaucrats, major electronic firms from Japan and the United States, and even controversial figures like Robert Maxwell, weaving a narrative that reflects both the chaotic spirit of its era and the transformative power of digital culture. Brown’s recounting of the Tetris saga also explores the broader context of the gaming industry, including the dramatic rise of companies like Nintendo and the socio-economic shifts of the 1980s that propelled video games to the forefront of global media industries. Although the book offers a detailed exploration of the technological and corporate histories that shaped gaming, it is criticized for its artistic execution. The visuals, considered forgettable, and the underdeveloped characters contrast sharply with Tetris’s dynamic legacy, resulting in a somewhat disappointing narrative experience. However, the work is notable for its educational value, offering insights into the interplay between cultural revolutions and the evolution of digital entertainment. Furthermore, the book delves into the economic conditions within the USSR during its decline and the business dynamics of game companies like Mirrorsoft and Nintendo, presenting a unique perspective on the latter years of the Cold War. This examination is enriched by a focus on the philosophical and anthropological aspects of gaming, such as competition and play, which are discussed in an accessible yet insightful manner. Brown’s clear, structured artistic style enhances the narrative, making complex historical and economic concepts easier to grasp. For those intrigued by the intersection of history, technology, and culture, this comic offers a comprehensive and engaging overview of the impact of Tetris on the gaming industry and its broader socio-economic implications, making it a recommended read for enthusiasts and scholars alike. SPANISH REVIEW Tetris, creado en 1984 por el programador ruso Alexey Pajitnov, trascendió rápidamente sus humildes orígenes cuando se compartió mediante disquetes. Este juego, caracterizado por su sencilla pero cautivadora mecánica de bloques descendentes, no solo atravesó la Cortina de Hierro, sino que también cautivó a una audiencia global, acumulando ventas y descargas en los cientos de millones. El fenómeno se integró tan profundamente en la cultura popular que en 2018 se anunció una trilogía de ciencia ficción inspirada en el juego. Además de su éxito comercial, Tetris tiene una historia fascinante llena de idealismo, intriga y batallas corporativas intensas. Esta historia incluye una mezcla de diseñadores de juegos amateurs, burócratas soviéticos y grandes firmas electrónicas de Japón y Estados Unidos, e incluso figuras controvertidas como Robert Maxwell, tejiendo una narrativa que refleja tanto el espíritu caótico de su época como el poder transformador de la cultura digital. El relato de Brown sobre la saga de Tetris también explora el contexto más amplio de la industria del juego, incluyendo el ascenso dramático de compañías como Nintendo y los cambios socioeconómicos de los años 80 que impulsaron los videojuegos a la vanguardia de las industrias mediáticas globales. Aunque el libro ofrece una exploración detallada de las historias tecnológicas y corporativas que moldearon el juego, se critica su ejecución artística. Las visuales, consideradas olvidables, y los personajes poco desarrollados contrastan marcadamente con el legado dinámico de Tetris, lo que resulta en una experiencia narrativa algo decepcionante. Sin embargo, la obra es notable por su valor educativo, ofreciendo percepciones sobre la interacción entre las revoluciones culturales y la evolución del entretenimiento digital. Además, el libro profundiza en las condiciones económicas dentro de la URSS durante su declive y la dinámica empresarial de compañías de juegos como Mirrorsoft y Nintendo, presentando una perspectiva única sobre los últimos años de la Guerra Fría. Este examen se enriquece con un enfoque en los aspectos filosóficos y antropológicos del juego, como la competencia y el juego, que se discuten de manera accesible pero perspicaz. El estilo artístico claro y estructurado de Brown realza la narrativa, facilitando la comprensión de conceptos históricos y económicos complejos. Para aquellos intrigados por la intersección de la historia, la tecnología y la cultura, este cómic ofrece una visión completa y atractiva del impacto de Tetris en la industria del juego y sus implicaciones socioeconómicas más amplias, haciéndolo una lectura recomendada para entusiastas y académicos por igual. // Autor: Box Brown // Editorial: Héroes de papel Box Brown es un dibujante, ilustrador y editor de cómics de Filadelfia y ganador del premio Ignatz. En 2014 publicó André el gigante: Vida y leyenda, obra que permaneció tres semanas en la lista de los más vendidos del New York Times. En 2011 fundó una editorial de cómics independiente llamada Retrofit Comics. Puedes ver todo su trabajo en boxbrown.com. Score [...]
Tetris
Adou 3

SINOPSIS Justo ahora que Eight había logrado despistar a sus perseguidores, aparece tras él un nuevo grupo de sicarios. Al igual que Eight, tienen la capacidad de transformar su cuerpo en órganos vegetales. Tras liquidar a uno de ellos, nuestro protagonista se verá acorralado por otros dos mutantes: Ain y Rin. Ambos han hecho una promesa y no descansarán hasta el día en que la cumplan. BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW The third volume of “Adou,” brought to us by Heroes de Papel, is a masterful display of relentless action and emotions that strike the reader. The narrative unfolds through a sequence of vibrant combats that not only advance the plot significantly but also unravel the complexities and hidden pasts of the characters. Those faces we recognize from previous installments blend with new figures that emerge, unfolding a richness of connections and unheard secrets. The plot gains a particularly emotive dimension with the backstory of an antagonist whose tale is unveiled in this volume, providing a narrative experience that goes beyond the impactful; it is viscerally moving. We plunge into a story of frustration, injustice, and melancholy, creating a contrast that is both bitter and heart-wrenching, reminding us that the struggles and tragedies of these fictional characters resonate with a surprising echo of reality. The choreography of the battles is another facet where “Adou 3” shines with skill. The fight scenes, crafted with meticulous attention to detail, capture the tension and urgency, keeping the reader on edge. The outcome of these confrontations is unexpected, adding an exciting and fresh nuance to the already rich tapestry of the saga. Visually, the manga continues to be a feast for the eyes. With a drawing style that favors an economy of strokes and settings that opt for geometric simplicity, the illustrator manages to effectively evoke the atmosphere surrounding the protagonists. This artistic approach is not only a perfect complement to the story but also enhances it, allowing the narrative to unfold with fluidity and magnetism. Overall, “Adou 3” stands as a gem of graphic storytelling, adeptly navigating between the beauty and desolation of its content. Each page is a testament to the author’s skill at weaving emotional complexity that perfectly allies with exceptional visual art. Fans of the series should brace themselves for a brutally emotive and resonant experience. The anticipation of how events will unfold in future volumes is undoubtedly immense. SPANISH REVIEW El tercer tomo de “Adou”, presentado por Héroes de Papel, es una exhibición magistral de acción incesante y emociones que impactan al lector. La narrativa se despliega a través de una secuencia de combates vibrantes que no solamente hacen avanzar la trama de manera significativa, sino que también desentrañan las complejidades y los pasados ocultos de los personajes. Aquellos cuyos rostros reconocemos de entregas anteriores se mezclan con nuevas figuras que surgen, desplegando una riqueza de conexiones y secretos inauditos. La trama adquiere una dimensión particularmente emotiva con la historia de un antagonista cuya historia se revela en este volumen, ofreciendo una experiencia narrativa que va más allá de lo impactante; es visceralmente conmovedora. Nos sumergimos en una narración de frustración, injusticia y melancolía, creando un contraste que es tanto amargo como desgarrador, y nos recuerda que las luchas y tragedias de estos personajes ficticios encuentran un eco sorprendente en la realidad. La coreografía de las batallas es otra faceta donde “Adou 3” brilla con destreza. Las escenas de lucha, elaboradas con minuciosa atención al detalle, capturan la tensión y la urgencia, manteniendo al lector expectante. El resultado de estos enfrentamientos es inesperado, añadiendo un matiz emocionante y fresco al ya rico tapiz de la saga. En el plano visual, el manga continúa siendo un festín para los ojos. Con un estilo de dibujo que favorece la economía de trazos y escenarios que apuestan por la simplicidad geométrica, el ilustrador consigue evocar con efectividad la atmósfera que rodea a los protagonistas. Este abordaje artístico no solo es un complemento perfecto para la historia, sino que la realza, facilitando que la narrativa se desenvuelva con fluidez y magnetismo. En su conjunto, “Adou 3” se afirma como una joya de la narrativa gráfica, que navega con habilidad entre la belleza y la desolación de su contenido. Cada página testimonia la destreza del autor para entretejer una complejidad emocional que se alía perfectamente con un arte visual excepcional. Los seguidores de la serie deberían prepararse para una experiencia brutalmente emotiva y resonante. La anticipación por ver cómo se desplegarán los sucesos en los próximos volúmenes es, sin duda, inmensa. // Autor: Amano Jaku // Editorial: Héroes de papel Score [...]

SINOPSIS El Japón del futuro. La acogida de grandes masas de inmigrantes ha convertido el país en un crisol de razas. Riko Saeki, una chica de 19 años cuya tendencia a decir las cosas sin pelos en la lengua le acarrea constantes problemas y cambios de trabajo, salva de ser atropellado por un camión a un misterioso niño llamado Eight. La policía no logra identificarlo y ella se lo lleva consigo cuando, de pronto, el ejército intenta asesinarlo. Riko descubrirá entonces el gran secreto de Eight y tomará la decisión de combatir con él al enemigo. BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW Windbreaker 5, by Satoru Nii, is a standout shōnen manga that has already captured the hearts of fans in Japan and promises to do the same worldwide. This fifth volume resumes with a seemingly normal life for Sakura Haruka following his thrilling victory over the formidable Shishitoren at Furin High School. However, this peace is short-lived; Sakura not only discovers new classmates with astonishing abilities but also encounters extraordinary upperclassmen who challenge his views on strength and leadership. Being elected as Class Captain marks a turning point in his personal development, triggering significant changes in his character and responsibilities. The plot thickens when a dark danger begins to loom over one of Sakura’s classmates, presenting a challenge that tests his newfound leadership. The fearsome team KEEL, known for its ruthless tactics, emerges as a palpable threat that needs immediate confrontation. This situation forces Sakura and his class to take action, plunging them into a conflict that serves both as a rite of passage and an opportunity to strengthen their bonds. The group dynamics and character interactions are exquisitely crafted, weaving a profound tale of friendship, loyalty, and personal sacrifice. Artistically, Satoru Nii continues to impress with a style that perfectly captures everything from intense action sequences to subtle emotional expressions. His ability to blend personal growth with vibrant action has cemented “Windbreaker” as a phenomenon within the genre. Since his debut in 2014 and his rise to fame with this series, Nii has significantly evolved as an artist and storyteller. This volume not only attests to his ability to create an immersive world and characters with whom readers can easily identify, but it also raises the bar for future installments of the series. Undoubtedly, “Windbreaker 5” is an essential addition to the collection of any shōnen manga enthusiast, offering a perfect mix of action, character development, and emotional tension. SPANISH REVIEW Windbreaker 5, obra de Satoru Nii, es un destacado manga shōnen que ya ha conquistado el corazón de los aficionados en Japón y promete hacerlo en todo el mundo. Este quinto volumen se reanuda con una vida aparentemente normal para Sakura Haruka tras su emocionante victoria sobre el formidable Shishitoren en el instituto Furin. Sin embargo, esta tranquilidad es breve; Sakura no solo descubre nuevos compañeros de clase con habilidades sorprendentes, sino que también se topa con senpai extraordinarios que desafiarán su concepción de la fuerza y el liderazgo. Ser elegido como Capitán de la Clase se convierte en un punto de inflexión en su desarrollo personal, desencadenando cambios significativos en su carácter y responsabilidades. La trama se intensifica cuando un oscuro peligro empieza a acechar a uno de los compañeros de Sakura, presentando un desafío que pone a prueba su nuevo liderazgo. El temible equipo KEEL, conocido por sus despiadadas tácticas, emerge como una amenaza palpable que necesita ser confrontada de inmediato. Este contexto obliga a Sakura y a su clase a actuar, sumergiéndolos en un conflicto que representa tanto un rito de iniciación como una oportunidad para fortalecer sus lazos. La dinámica del grupo y las interacciones entre los personajes están exquisitamente elaboradas, tejiendo un relato profundo sobre la amistad, la lealtad y el sacrificio personal. Artísticamente, Satoru Nii sigue impresionando con un estilo que captura a la perfección desde intensas secuencias de acción hasta sutiles expresiones emocionales. Su habilidad para fusionar el crecimiento personal con la acción vibrante ha consolidado a “Windbreaker” como un fenómeno dentro del género. Desde su debut en 2014 y su consagración con esta serie, Nii ha evolucionado notablemente como artista y narrador. Este volumen no solo testimonia su capacidad para crear un mundo envolvente y personajes con los que los lectores pueden identificarse fácilmente, sino que también eleva el listón para futuras entregas de la serie. Sin duda, “Windbreaker 5” es una adición esencial para la colección de cualquier aficionado al manga shōnen, ofreciendo una combinación perfecta de acción, desarrollo de personajes y tensión emocional. // Autor: Satoru Nii // Editorial: Distrito Manga Score [...]
Windbreaker 5
Windbreaker 4

SINOPSIS El instituto Fûrin es conocido como el centro con los alumnos más gamberros… y que a la vez son también los héroes de la ciudad. Tras matricularse en el Fûrin, Haruka Sakura se ve rodeado de nuevos amigos, mientras sigue luchando por convertirse en el más fuerte de la escuela. Pero antes hay que resolver la batalla final del torneo contra la Shishitôren, una banda que solo respeta la fuerza bruta. Es el esperado momento de la pelea entre los dos capitanes, los más fuertes de cada pandilla. ¿Qué tendrá preparado Umemiya para su enfrentamiento contra el ambicioso y egocéntrico Chôji Tomiyama? BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW In “Windbreaker Vol. 4” by Sotoru Nii, the climactic battle between Shishitoren and Furin reaches its zenith when Umemiya confronts Toriyama, piercing through his relaxed façade. Umemiya criticizes Toriyama’s leadership style, highlighting his preference for personal freedom and fun at the expense of strengthening his organization and empowering his subordinates. This confrontation not only determines the physical victor but also sets a standard for what true leadership entails. After the intense battle, Umemiya invites everyone to a celebration at the local diner. There, he plans to reflect on the battle with Sakura, delving into the nuances of the fight and seeking to better understand Sakura’s ambitions and underlying motives. As the series progresses, it transforms from simple fights and hierarchical tensions within Furin into a deeper exploration of character development, which I find particularly engaging. Umemiya emerges as a profound thinker who challenges others to self-reflect, thus fostering personal growth among his peers. Initially presented in a straightforward manner, Sakura’s interaction with Umemiya in this volume adds complexity to his character, revealing his aspirations to lead Furin and his initial reluctance to trust others—despite his actions suggesting otherwise. This dialogue not only deepens Sakura’s character but also elegantly unfolds his backstory, allowing it to emerge significantly within the broader narrative. This volume also enriches the setting and backstory of the series, providing insights into the town, the history of the school, and details about Umemiya and Kotoha, who runs the diner. The dynamic between Sakura and Kotoha hints at an emerging romantic subplot, adding another layer of intrigue to the storyline. This blend of action, character introspection, and lore expansion makes “Windbreaker Vol. 4” a compelling read, weaving together personal conflicts and potential romances against the backdrop of gang rivalry and school dynamics. SPANISH REVIEW En “Windbreaker Vol. 4” de Sotoru Nii, la batalla culminante entre Shishitoren y Furin alcanza su apogeo cuando Umemiya confronta a Toriyama, traspasando su fachada relajada. Umemiya critica el estilo de liderazgo de Toriyama, enfatizando su preferencia por la libertad personal y la diversión en detrimento de fortalecer su organización y empoderar a sus subordinados. Esta confrontación no solo decide al vencedor físico, sino que también establece un estándar sobre lo que realmente implica ser un líder. Tras la intensa batalla, Umemiya invita a todos a una celebración en el diner local. Ahí, planea reflexionar sobre la batalla con Sakura, profundizando en los matices del combate y buscando entender mejor las ambiciones y los motivos subyacentes de Sakura. A medida que avanza la serie, se transforma de simples peleas y tensiones jerárquicas dentro de Furin a una exploración más profunda del desarrollo de los personajes, lo cual encuentro particularmente atractivo. Umemiya se revela como un pensador profundo que desafía a otros a la auto-reflexión, fomentando así el crecimiento personal entre sus compañeros. Inicialmente presentado de manera sencilla, la interacción de Sakura con Umemiya en este volumen añade complejidad a su personaje, revelando sus aspiraciones de liderar Furin y su inicial reticencia a confiar en los demás, a pesar de que sus acciones indiquen lo contrario. Este diálogo no solo profundiza el carácter de Sakura, sino que también distribuye elegantemente su historia de fondo, permitiendo que se despliegue de manera significativa dentro de la narrativa más amplia. Este volumen también enriquece el contexto y la historia de fondo de la serie, ofreciendo perspectivas sobre la ciudad, la historia de la escuela y detalles sobre Umemiya y Kotoha, quien administra el diner. La dinámica entre Sakura y Kotoha insinúa una subtrama romántica emergente, agregando otra capa de intriga al argumento. Esta mezcla de acción, introspección de los personajes y expansión de la tradición hace de “Windbreaker Vol. 4” una lectura fascinante, entrelazando conflictos personales y romances potenciales en el marco de la rivalidad entre bandas y la dinámica escolar. // Autor: Satoru Nii // Editorial: Distrito Manga Score [...]

SINOPSIS Haruka Sakura llega a la escuela de granujas por excelencia, el instituto Fûrin, con el fin de pelear su ascenso hasta la cima y convertirse en el nuevo líder. Pero cuando descubre que los alumnos del instituto han creado una banda llamada Bôfûrin, cuyo único propósito es la protección del barrio y de su gente, Sakura acepta formar parte de la causa y, por primera vez, decide usar sus puños para ayudar a los demás. La Bôfûrin y una banda rival, la Shishitôren, se enfrentarán en un torneo de combates individuales hasta llegar a las dos peleas finales, en las que lucharán contra los líderes de la Shishitôren: el amenazante y orgulloso vicecapitán, Togame, y su capitán, Tomiyama. BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW In “Windbreaker Vol. 3” by Sotoru Nii, the tension intensifies as characters from Furin face off against those from Shishitoren in intense individual battles. Sakura confronts Togame, the second-in-command of Shishitoren, and through their interaction, readers learn how the childlike Toriyama rose to the leadership of Shishitoren and the great sacrifice it entailed for Togame. This confrontation also reveals the motivations behind Furin’s presence on Shishitoren’s turf, as Sakura criticizes Shishitoren for preying on the weak, a revelation that helps Togame understand the underlying reasons for their conflict. This discovery sets the stage for the main event, where Toriyama will face Umemiya from Furin, setting up a clash loaded with personal stakes and revelations. The depiction of the fight scenes in the volume is both vivid and reflective. Nii’s meticulous attention to the choreography of the fights ensures that each punch and kick has consequences, highlighting the vulnerability of the characters, who are not portrayed as indestructible. This realistic approach to combat is enhanced by the gradual physical changes the characters undergo; fighters show swelling and injuries that develop over time rather than instantly, adding a layer of realism. Even characters who fought earlier in the volume continue to show signs of their battles as they watch from the sidelines, maintaining continuity and enhancing the manga’s immersive experience. Moreover, Nii skillfully integrates action with narrative development. The dynamic fight scenes are not just exciting visual spectacles but also serve to advance the plot and deepen character development. As fists fly and kicks are thrown, the backstory and personal growth of the characters unfold, giving deeper meaning to the action sequences. This blend of exposition and action ensures that the story progresses smoothly, keeping readers engaged both visually and emotionally, and setting the stage for future developments in the ongoing saga between Furin and Shishitoren. SPANISH REVIEW En “Windbreaker Vol. 3”, de Sotoru Nii, la tensión se intensifica mientras los personajes de Furin se enfrentan a los de Shishitoren en intensas batallas individuales. Sakura se enfrenta a Togame, el segundo al mando de Shishitoren, y a través de su interacción, los lectores descubren cómo Toriyama, de carácter infantil, ascendió al liderazgo de Shishitoren y el gran sacrificio que ello representó para Togame. Este enfrentamiento también revela las motivaciones detrás de la presencia de Furin en el territorio de Shishitoren, cuando Sakura critica a Shishitoren por atacar a los débiles, una revelación que permite a Togame comprender las razones subyacentes de su conflicto. Este descubrimiento prepara el escenario para el evento principal, donde Toriyama se enfrentará a Umemiya de Furin, anticipando un enfrentamiento cargado de apuestas personales y revelaciones. La representación de las escenas de lucha en el volumen es tanto vívida como reflexiva. La meticulosa atención de Nii en la coreografía de las peleas asegura que cada golpe y patada tengan consecuencias, resaltando la vulnerabilidad de los personajes, quienes no se muestran como indestructibles. Este enfoque realista del combate se enriquece con los cambios físicos graduales que experimentan los personajes; los luchadores muestran hinchazones y lesiones que se desarrollan con el tiempo en lugar de instantáneamente, añadiendo un nivel de realismo. Incluso los personajes que pelearon anteriormente en el volumen continúan mostrando signos de sus batallas mientras observan desde un costado, manteniendo la continuidad y mejorando la experiencia inmersiva del manga. Además, Nii integra hábilmente la acción con el desarrollo narrativo. Las dinámicas escenas de lucha no son solo espectáculos visuales emocionantes, sino que también sirven para avanzar la trama y profundizar el desarrollo de los personajes. Mientras los puños vuelan y las patadas se lanzan, se despliegan las historias de fondo y el crecimiento personal de los personajes, otorgando un significado más profundo a las secuencias de acción. Esta mezcla de exposición y acción asegura que la historia avance de manera fluida, manteniendo a los lectores enganchados tanto visual como emocionalmente, y preparando el terreno para futuros desarrollos en la saga continua entre Furin y Shishitoren. // Autor: Satoru Nii // Editorial: Distrito Manga Score [...]
Windbreaker 3
Un pulpo en la garganta

SINOPSIS Cuando cursaban primaria, después de haber estado con sus amigos Sarah y Secco en el bosque del lado de la escuela, Zero fue arrinconado por Madame Arbizzati y se vio obligado a delatar a uno de ellos y a esconder la verdad. Este secreto lo acompañó durante años bajo la forma de un pulpo aferrado a su garganta. Cuando Zero coincide con varios antiguos alumnos en ocasión del funeral de Madame Arbizzati decidirá confesar… pero no sale del todo bien y quizá desencadene una ola de verdades que esconden una absurda tragedia. Una tragedia del pasado, fraguada en esa misma escuela y que nadie podía haber previsto. BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW The maturation process confronts us with the revelation of how aspects previously crucial to us lose their significance as we become aware of the world’s increasing complexity. This transition into maturity, which involves the loss of our innocence, is tinged with bittersweet feelings, especially when we reflect on childhood actions we regret, often marked by our inability to foresee their consequences. Zerocalcare, the pseudonym of the renowned Italian comic artist Michele Reich, experienced this feeling during his childhood, capturing it in his work “A Squid in the Throat”. Published in Spain by Reservoir Books and originally released in Italy in 2012, this work follows “The Armadillo’s Prophecy” and, although it shares certain similarities with its predecessor, it is distinguished by its greater complexity. Unlike the previous one, which consisted of short stories, “A Squid in the Throat” unfolds over an extensive and well-structured narrative that spans three different epochs, revolving around a childhood secret that has haunted the author for years. “A Squid in the Throat” unfolds in three segments where Zerocalcare recounts an episode from his school days with his friends Sarah and Secco. In a moment of weakness, he betrays one of them to their teacher, Madame Arbizzati, but shifts the blame to a classmate, who then suffers from the harassment of her peers for years. This secret, symbolized by the pressure of a squid on his throat, has been a source of remorse throughout his childhood, adolescence, and adulthood. Through this story, Zerocalcare weaves a plot that oscillates between slice-of-life comedy and thriller, excelling in its more humorous aspect and using the mystery as a vehicle to advance the narrative. Beyond addressing the repercussions of keeping a secret, the work reflects on the transition from childhood to adolescence and from there to adulthood, a path filled with confusion and essential for the construction of our personality, highlighting the value of preserving innocence and not rushing to grow up. Visually, “A Squid in the Throat” retains Zerocalcare’s distinctive style, blending caricature elements with underground art influences and an exceptional use of contrast. This successful combination allows him to bring to life emblematic characters full of expressiveness. The structure of the work facilitates a fluid and dynamic reading, avoiding monotony through a varied composition of the pages. Reservoir Books has carefully edited this work, following the lines of the author’s previous publications and incorporating a prologue and an epilogue that add greater depth to the genesis and reflections of the author about the story. Although “A Squid in the Throat” is Zerocalcare’s first foray into the long-form format, it stands out for the maturity with which it tackles complex themes, maintaining a balance between humor, truth, and authenticity. Despite some imperfections typical of an author in the midst of an evolutionary process, the work offers an enriching reading that allows for a deeper exploration of the character of Zerocalcare, functioning autonomously and as a complement to his literary trajectory. SPANISH REVIEW El proceso de maduración nos enfrenta a la revelación de cómo aspectos antes cruciales para nosotros van perdiendo su peso ante la toma de conciencia sobre la complejidad creciente del mundo. Este tránsito hacia la madurez, que implica la pérdida de nuestra inocencia, se tiñe de una sensación agridulce, particularmente cuando reflexionamos sobre aquellas acciones de nuestra niñez de las que nos arrepentimos, a menudo marcadas por nuestra incapacidad de prever sus consecuencias. Zerocalcare, seudónimo bajo el cual se esconde Michele Reich, un renombrado historietista italiano, experimentó esta sensación en su infancia, plasmándola en su obra “Un pulpo en la garganta”. Publicada en España por Reservoir Books y lanzada originalmente en Italia en 2012, esta obra sigue a “La profecía del armadillo” y, aunque comparte ciertas similitudes con su antecesora, se distingue por su mayor complejidad. A diferencia de la anterior, compuesta por relatos cortos, “Un pulpo en la garganta” se desarrolla a lo largo de una narrativa extensa y bien estructurada que abarca tres diferentes épocas, girando en torno a un secreto de la infancia del autor que lo ha perseguido a lo largo de los años. “Un pulpo en la garganta” se despliega en tres segmentos donde Zerocalcare relata un episodio de su etapa escolar junto a sus amigos Sarah y Secco. En un momento de debilidad, traiciona a uno de ellos frente a su profesora, Madame Arbizzati, pero desvía la culpa hacia una compañera de clase, quien posteriormente sufre acoso por parte de sus compañeros durante años. Este secreto, simbolizado por la presión de un pulpo en su garganta, ha sido fuente de remordimientos durante su infancia, adolescencia y madurez. A través de esta historia, Zerocalcare teje una trama que navega entre la comedia costumbrista y el thriller, destacando en su faceta más humorística y utilizando el misterio como un vehículo para avanzar la narración. Más allá de tratar las repercusiones de guardar un secreto, la obra reflexiona sobre la transición de la niñez a la adolescencia y de ahí a la adultez, un camino lleno de confusión y esencial para la construcción de nuestra personalidad, resaltando el valor de conservar la inocencia y el no apresurarse a crecer. Desde el punto de vista visual, “Un pulpo en la garganta” conserva el estilo distintivo de Zerocalcare, fusionando elementos caricaturescos con influencias del arte underground y un manejo excepcional del contraste. Esta combinación exitosa le permite dar vida a personajes emblemáticos llenos de expresividad. La estructura de la obra facilita una lectura ágil y dinámica, evitando la monotonía a través de una composición variada de las páginas. Reservoir Books ha cuidado la edición de esta obra, siguiendo las líneas de publicaciones anteriores del autor e incorporando un prólogo y un epílogo que aportan mayor profundidad a la génesis y reflexiones del autor sobre la historia. Aunque “Un pulpo en la garganta” es la primera incursión de Zerocalcare en el formato de obra larga, destaca por la madurez con la que aborda temáticas complejas, manteniendo un equilibrio entre humor, verdad y autenticidad. A pesar de algunas imperfecciones propias de un autor en pleno proceso evolutivo, la obra ofrece una lectura enriquecedora que permite explorar más a fondo al personaje de Zerocalcare, funcionando de manera autónoma y como complemento a su trayectoria literaria. // Autor: Zerocalcare // Editorial: RESERVOIR BOOKS SOBRE EL AUTOR Zerocalcare es el seudónimo de Michele Rech (Arezzo, 1983), dibujante de cómics e ilustrador italiano. A finales de 2011 terminó su primer libro, La profezia dell’armadillo (La profecía del armadillo, Reservoir Books, 2016), con el que ganó el Premio Gran Guinigi, el galardón más importante del cómic italiano, otorgado en el festival Lucca Comics & Games. Desde entonces ha publicado, entre otras, las siguientes obras: Un polpo alla gola (2012; Un pulpo en la garganta, Reservoir Books, 2024), Dimentica il mio nome (2014, finalista del Premio Strega; Olvida mi nombre, Reservoir Books, 2019), Kobane Calling (2016, ganador del Premio Micheluzzi del Napoli Comicon; Reservoir Books, 2017), Macerie prime (2017) y Scheletri (2020; Esqueletos, Reservoir Books, 2022). Desde hace más de una década, cada libro suyo no ha hecho sino consolidarlo como uno de los mayores referentes de la cultura italiana actual, además de haber sido traducido a quince idiomas. En 2019 el MAXXI de Roma, el Museo Nacional de las Artes del siglo XXI, le dedicó una exposición retrospectiva, titulada «Scavare Fossati – Nutrire coccodrilli». En 2021 se estrenó en Netflix, en todo el mundo, su serie de animación Cortar por la línea de puntos, que ha sido un fenómeno de audiencia global y lo ha encumbrado internacionalmente. Score [...]

SINOPSIS ¡Da comienzo una reyerta entre las bandas Bofûrin y Shishitôren en la que solo los más duros vencerán! La Shishitôren es una pandilla que solo admite a los más fuertes… ¡y al parecer han venido al territorio Bofûrin con ganas de armar jaleo! Haruka, quien acaba de unirse a la banda del instituto Fûrin para proteger la ciudad, empieza con mal pie y por su culpa se inicia el conflicto con la Shishitôren. Ahora Umemiya, el líder de la Bofûrin, deberá dar la cara y enfrentarse en un combate en el que se jugará la reputación de la banda. BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW In “Windbreaker Vol. 2” by Sotoru Nii, a dramatic conflict unfolds when Sakura and another first-year student inadvertently provoke a neighboring gang, the Shishitoren. The tension escalates when the general of the Shishitoren, along with several members, challenges a select group from Bofurin to a one-on-one style tournament. This tournament is held at their headquarters, an abandoned theater that offers an exceptional view of the action on stage. This organized confrontation aims to settle old scores between the two gangs, featuring key matches that include Bofurin’s general, Umemiya, and Sakura. Initially, Umemiya’s unexpected hobby of vegetable gardening and his bubbly nature fail to impress Sakura, who questions his suitability as a leader. The narrative also delves into the personalities of the gang leaders, who exhibit a childlike demeanor until the need for seriousness arises. This similarity between the generals of Bofurin and Shishitoren might be a deliberate attempt by Nii to use them as foils for one another, suggesting a potential deeper exploration of their characters in future volumes. However, the portrayal of some Shishitoren members as stereotypical, underdeveloped delinquents is a point of contention. These characters appear as mere caricatures of the typical “Japanese delinquent,” lacking depth and complexity, which detracts from the otherwise rich character tapestry of the series. Despite these issues with character development, the pacing of the volume is admirably managed. The author skillfully avoids overloading this volume with all the pivotal fights, instead choosing to extend the climax into subsequent installments. This approach allows for a more nuanced buildup and ensures that each fight receives the attention it deserves, increasing anticipation for the upcoming confrontations. This careful pacing is a significant strength of the volume, promising more thrilling developments in the saga of Sakura, Umemiya, and their relentless rivals. SPANISH REVIEW En “Windbreaker Vol. 2”, obra de Sotoru Nii, se despliega un conflicto dramático cuando Sakura y otro estudiante de primer año provocan inadvertidamente a una banda vecina, los Shishitoren. La tensión se intensifica cuando el general de los Shishitoren, junto con varios miembros, reta a un selecto grupo de Bofurin a un torneo estilo uno contra uno. Este torneo se celebra en su cuartel general, un teatro abandonado que ofrece una vista excepcional de la acción en el escenario. Esta confrontación organizada tiene como objetivo resolver antiguas rencillas entre las dos bandas, destacando enfrentamientos clave que incluyen al general de Bofurin, Umemiya, y a Sakura. Inicialmente, el inesperado pasatiempo de Umemiya, la jardinería de vegetales, y su naturaleza efervescente no impresionan a Sakura, quien cuestiona su aptitud como líder. La narrativa profundiza también en las personalidades de los líderes de las bandas, quienes muestran un comportamiento infantil hasta que se hace necesario actuar con seriedad. Esta similitud entre los generales de Bofurin y Shishitoren podría ser un intento deliberado por parte de Nii de utilizarlos como contrapuntos entre sí, lo que sugiere una exploración más profunda de sus caracteres en los próximos volúmenes. Sin embargo, la representación de algunos miembros de los Shishitoren como delincuentes estereotipados y poco desarrollados genera controversia. Estos personajes parecen meras caricaturas del típico “delincuente japonés”, careciendo de profundidad y complejidad, lo que resta valor al rico entramado de personajes de la serie. A pesar de estos problemas en el desarrollo de personajes, el ritmo del volumen está admirablemente gestionado. El autor evita hábilmente saturar este volumen con todas las peleas cruciales, optando en cambio por extender el clímax a entregas posteriores. Este enfoque permite una construcción más matizada y asegura que cada combate reciba la atención que merece, incrementando la anticipación para los enfrentamientos venideros. Este cuidadoso ritmo es una fortaleza significativa del volumen, prometiendo desarrollos más emocionantes en la saga de Sakura, Umemiya y sus incansables rivales. // Autor: Satoru Nii // Editorial: Distrito Manga Sobre el autor Satoru Nii dio sus primeros pasos en el 2014 con un one-shot publicado en la Bessatsu Shônen Jump y, dos años más tarde, reaparece con Danshi bado-bu ni Joshi ga Magireteru, una serie de cinco tomos serializado en la revista Manga Box. En 2021 empieza el manga de éxito Wind Breaker, un shônen de pandilleros que ha causado furor en Japón y con el que ha dado el verdadero salto al estrellato. Score [...]
Windbreaker 2
Sazan y la chica del cometa 2

SINOPSIS Tras alcanzar el punto más interno del cosmos, Sazan y sus compañeros son recibidos por un ejército hostil de robots en una nave colosal de la que no hay posible escapatoria. La mente maquiavélica de su caudillo, Agurda, pretende destruir a la humanidad y crear una nueva civilización de cero. ¿Logrará la chica del cometa salvar el planeta azul? El desenlace de la extraordinaria ópera prima a todo color de Yuriko Akase. BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW “Sazan and the Comet Girl 2,” published by Héroes de Papel in two vibrant volumes, emerges as an indispensable sequel within a unique manga saga that captures interest from the beginning. The plot revolves around Mina, an enigmatic young woman endowed with extraordinary power and pursued by space pirates, whose fate is inextricably linked with that of Sazan, an interplanetary worker. This second volume plunges us even deeper into an intense journey through the cosmos, confronting our protagonists with an army of robots under the command of Agurda, a malevolent mind with plans to eradicate humanity and start a new civilization. With her narrative talent, Yuriko Akase envelops us in a space epic that perfectly balances thrilling action and moments of reflection, giving us the opportunity to delve into the mysteries surrounding the origins and fate of Eight. Unlike the first volume, this one moderates the pace of events, allowing for a more detailed analysis of the complexity of its characters and the mysterious universe they inhabit. The interaction between Sazan and Mina, filled with affection and camaraderie, offers us an intergalactic romance that faces the challenges of a cosmos full of dangers. A standout aspect of “Sazan and the Comet Girl 2” is its impressive use of color. Akase opts for watercolors to bring her creation to life, setting it apart from other manga works and offering an unprecedented visual experience. This technique not only enhances the beauty of each page but also deepens the emotions and narrative atmosphere. The influence of icons such as Toriyama and Miyazaki is evident, yet Akase imbues the work with her own voice and style, adding freshness and originality to the genre. In conclusion, “Sazan and the Comet Girl 2” takes us on a space journey filled with intense emotions and epic conflicts, all bathed in a spectacular chromatic display. Although the work navigates some traditional stereotypes, it stands out for its ability to evoke eighties nostalgia and address contemporary issues such as artificial intelligence and the future of humanity. Thanks to its charismatic characters and exceptional art, this series promises to captivate both manga fans and those seeking science fiction narratives with a heartfelt essence and a memorable visual section. SPANISH REVIEW “Sazan y la chica del cometa 2,” editado por Héroes de Papel en dos vibrantes volúmenes, emerge como una secuela indispensable dentro de una saga manga única que captura el interés desde sus inicios. La trama gira en torno a Mina, una enigmática joven dotada de un poder extraordinario y perseguida por piratas espaciales, cuyo destino se cruza inextricablemente con el de Sazan, un trabajador interplanetario. Este segundo volumen nos sumerge aún más en una intensa travesía por el cosmos, enfrentando a nuestros protagonistas contra un ejército de robots bajo el mando de Agurda, una mente perversa con planes de erradicar la humanidad para fundar una nueva civilización. Yuriko Akase, con su talento narrativo, nos envuelve en una epopeya espacial que destila una perfecta armonía entre la acción trepidante y momentos de reflexión, brindándonos la oportunidad de explorar las profundidades del enigma que rodea los orígenes y el destino de Eight. A diferencia del primer volumen, este modera el ritmo de los eventos, permitiendo un análisis más detallado de la complejidad de sus personajes y del misterioso universo en el que se desenvuelven. La interacción entre Sazan y Mina, cargada de afecto y compañerismo, nos ofrece un romance intergaláctico que enfrenta los retos de un cosmos lleno de peligros. Un aspecto sobresaliente de “Sazan y la chica del cometa 2” es su impresionante uso del color. Akase opta por las acuarelas para dar vida a su creación, diferenciándose notoriamente de otras obras manga y ofreciendo una experiencia visual sin precedentes. Esta técnica no solo realza la belleza de cada página sino que también profundiza las emociones y el ambiente narrativo. La influencia de iconos como Toriyama y Miyazaki es palpable, sin embargo, Akase impregna la obra con una voz y un estilo propios que aportan frescura y originalidad al género. En conclusión, “Sazan y la chica del cometa 2” nos embarca en un viaje espacial cargado de emociones intensas y conflictos épicos, todo ello bañado en un espectacular despliegue cromático. Aunque la obra navega por algunos estereotipos tradicionales, sobresale por su habilidad para evocar la nostalgia de los años ochenta y abordar temas de actualidad como la inteligencia artificial y el futuro de la humanidad. Gracias a sus personajes carismáticos y a un arte excepcional, esta serie promete cautivar tanto a los aficionados del manga como a aquellos que buscan narrativas de ciencia ficción con una esencia emotiva y un apartado visual memorable. // Autor: Yuriko Akase // Editorial: Heroes de papel SOBRE EL AUTOR Mangaka nacida en 1990. Su obra de debut, Sazan y la chica del cometa, fue la quinta finalista del prestigioso premio Manga Taishō en 2019. Su segunda obra, todavía en publicación, se titula Nightmare Busters. Score [...]

SINOPSIS El instituto Fûrin se ha granjeado la peor reputación entre los centros de la zona por tener la media más baja y los alumnos más rebeldes. Haruka Sakura es un joven recién llegado a la ciudad que quiere convertirse en el más fuerte del barrio y así proteger a todos aquellos que le importan. Para conseguir su propósito, lo primero que debe hacer es unirse a una pandilla llamada Wind Breaker, que representa a su instituto y cuyo objetivo es defender la ciudad del resto de bandas y maleantes. Sin embargo, ¡para que lo acepten deberá ganarse el respeto a puñetazos! BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW Since its debut in Magazine Pocket in early 2021, the manga series Wind Breaker (not to be confused with a webtoon of the same name) has captivated the Japanese audience, selling over 1.22 million copies in both digital and print formats. Now, we can also enjoy it in Spain thanks to Distrito Manga. Created by Satoru Nii, its engaging narrative and dynamic characters have not only led to an anticipated anime adaptation by Cloverworks but have also paved the way for its debut in the English print market. As the story is presented to an English-speaking audience, an essential question arises: Is Wind Breaker worth your time? The manga focuses on Haruka Sakura, a new student at Furin High School in Makochi City, known for its delinquent population and gang disputes. Determined to prove his strength and reach the top, Haruka soon realizes that the school and its surroundings are very different from what he expected. His adventure begins with an accidental act of heroism when he saves Kotoha Tachibana from a group of thugs, leading him to discover the town’s past and the collective effort of Furin’s students to protect their community, highlighting the importance of unity over individual power. Haruka Sakura’s personal struggle with acceptance and identity is the central pillar of Wind Breaker’s narrative. Known for his distinctive appearance and formidable fighting skills, Haruka has always been marginalized, which has led him to adopt a lone wolf mentality despite his deep desire for belonging. His interactions with the people of Furin High School and the town, including a significant encounter with the clumsy but well-intentioned Akihiko Nirei, begin to reshape his worldview. These experiences suggest a transformative journey ahead, challenging Haruka’s initial beliefs about strength and leadership. As he embarks on this new chapter, Haruka finds himself drawn into the lives of those around him, indicating that his path to the top might require embracing the community he initially sought to navigate alone. The appeal of Wind Breaker extends beyond its story, thanks to Satoru Nii’s compelling art and well-executed fight scenes that promise an exciting visual experience in its upcoming anime adaptation. The manga’s introduction to the English market by Kodansha, with translation by Jacqueline Fung and lettering by Michael Martin (and Andrew Copeland in the digital edition), ensures a seamless reading experience complemented by insightful translation notes. These elements, combined with the manga’s unique focus on belonging and growth within a delinquent setting, set it apart from its contemporaries and underline why Wind Breaker has quickly become a standout series. By exploring themes of misfit solidarity and personal discovery, Wind Breaker invites readers into a world where the journey to find one’s place and purpose is as thrilling as it is heartwarming. SPANISH REVIEW Desde su lanzamiento en Magazine Pocket a principios de 2021, la serie de manga Wind Breaker (que no se debe confundir con un webtoon del mismo nombre) ha conquistado al público japonés, alcanzando más de 1.22 millones de copias vendidas tanto en formatos digitales como impresos. Ahora, también podemos disfrutarla en España gracias a Distrito Manga. Creada por Satoru Nii, su cautivadora narrativa y personajes dinámicos no solo han llevado a una anticipada adaptación al anime por Cloverworks, sino también han abierto camino para su debut en inglés impreso. A medida que la historia se presenta ante una audiencia de habla inglesa, surge una pregunta esencial: ¿Vale la pena dedicarle tiempo a Wind Breaker? El manga se centra en Haruka Sakura, un nuevo estudiante en la Escuela Secundaria Furin en la ciudad de Makochi, conocida por su población de delincuentes y disputas entre bandas. Decidido a demostrar su fuerza y alcanzar la cima, Haruka pronto se da cuenta de que la escuela y su entorno son muy distintos a lo que esperaba. Su aventura comienza con un acto heroico accidental al salvar a Kotoha Tachibana de un grupo de matones, lo que le lleva a descubrir el pasado de la ciudad y el esfuerzo colectivo de los estudiantes de Furin para proteger su comunidad, destacando la importancia de la unidad sobre el poder individual. La lucha personal de Haruka Sakura por la aceptación y la identidad es el pilar central de la narrativa de Wind Breaker. Conocido por su apariencia distintiva y sus habilidades de lucha formidables, Haruka siempre ha sido marginado, lo que le ha llevado a adoptar una mentalidad de lobo solitario a pesar de su profundo deseo de pertenencia. Sus interacciones con las personas de la Escuela Secundaria Furin y la ciudad, incluyendo un encuentro significativo con el torpe pero bienintencionado Akihiko Nirei, comienzan a remodelar su visión del mundo. Estas experiencias sugieren un viaje transformador por delante, que desafía las creencias iniciales de Haruka sobre la fuerza y el liderazgo. Al embarcarse en este nuevo capítulo, Haruka se ve atraído por las vidas de aquellos a su alrededor, lo que indica que su camino hacia la cima podría requerir abrazar la comunidad que inicialmente buscó navegar solo. El atractivo de Wind Breaker se extiende más allá de su historia, gracias al convincente arte de Satoru Nii y las bien ejecutadas escenas de lucha que prometen una experiencia visual emocionante en su próxima adaptación al anime. La introducción del manga al mercado inglés por Kodansha, con traducción de Jacqueline Fung y rotulado por Michael Martin (y Andrew Copeland en la edición digital), garantiza una experiencia de lectura fluida complementada con notas de traducción perspicaces. Estos elementos, junto con el enfoque único del manga en la pertenencia y el crecimiento dentro de un entorno de delincuentes, lo diferencian de sus contemporáneos y subrayan por qué Wind Breaker se ha convertido rápidamente en una serie destacada. Al explorar temas de solidaridad entre inadaptados y descubrimiento personal, Wind Breaker invita a los lectores a un mundo donde el viaje para encontrar su lugar y propósito es tan emocionante como conmovedor. // Autor: Satoru Nii // Editorial: Distrito Manga Sobre el autor Satoru Nii dio sus primeros pasos en el 2014 con un one-shot publicado en la Bessatsu Shônen Jump y, dos años más tarde, reaparece con Danshi bado-bu ni Joshi ga Magireteru, una serie de cinco tomos serializado en la revista Manga Box. En 2021 empieza el manga de éxito Wind Breaker, un shônen de pandilleros que ha causado furor en Japón y con el que ha dado el verdadero salto al estrellato. Score [...]
Windbreaker 1
ADOU 2

SINOPSIS Eight, el misterioso niño fugado de unas instalaciones de máxima seguridad, ha sido acorralado por una unidad de militares, mientras su amiga Riko yace herida en el suelo. El coronel Tsujiura le ha ordenado a Renji que le ponga el collar al muchacho, que experimenta una extraña y poderosa reacción fisiológica. No muy lejos de allí, debajo de un puente, dos matones amenazan a un granuja embustero llamado Gero. BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW In the second volume of “Adou,” we delve even deeper into the dark and vertiginous universe introduced in its first installment. This continuation picks up the narrative right where we left off, following the grim conclusion that has deeply marked Eight, our young protagonist, whose existence is far from ordinary. The plot is enriched with the unveiling of new details about the enigmatic organization responsible for the experiments that have shaped Eight. Additionally, the arrival of Renji, a character shrouded in mystery and action, adds significant complexity to the story, giving it a new dimension. Although this volume maintains the characteristic intensity of the first, the pace of the narrative is modulated, allowing for a deeper immersion into the enigma of Eight’s origins. This strategic pause in the action facilitates a detailed exploration of the mysteries surrounding the protagonist, uncovering some secrets of his past and promising even more revelations in future installments. The plot, filled with action and mystery, captures the reader page by page, pulling them into the mystery that envelops the story. The end of this volume leaves readers in a state of eager anticipation, longing to discover more about the two enigmatic characters introduced at the end. This cliffhanger, far from being a point of frustration, heightens the anticipation for the challenges that Eight will face in the next tome, hinting at a path filled with obstacles and discoveries. “Adou 2” not only continues the tale of Eight’s struggle to understand his own identity but also expands the manga’s universe with the introduction of new characters and conflicts that significantly enrich the plot. In conclusion, “Adou 2” is an exceptional sequel that not only meets the expectations generated by the first volume but also greatly surpasses them. With its balanced mix of constant action, deep character development, and the gradual unveiling of mysteries, this volume stands as an indispensable contribution to the saga, keeping readers on the edge of their seats and longing for more. With its combination of suspense, science fiction, and moral dilemmas, “Adou” establishes itself as an essential work for manga fans, promising even more emotions and revelations in future deliveries. SPANISH REVIEW En el segundo volumen de “Adou,” nos adentramos aún más profundamente en el oscuro y vertiginoso universo introducido en su primera entrega. Esta continuación retoma la narrativa justo donde la dejamos, tras el sombrío desenlace que ha marcado profundamente a Eight, nuestro joven protagonista, cuya existencia dista mucho de ser común. La trama se enriquece con la revelación de nuevos detalles acerca de la enigmática organización responsable de los experimentos que han moldeado a Eight. Además, la llegada de Renji, un personaje envuelto en misterio y acción, añade una significativa complejidad a la historia, dotándola de una nueva dimensión. Aunque este tomo mantiene la intensidad característica del primero, el ritmo de la narrativa se modula, permitiendo una inmersión más profunda en el enigma de los orígenes de Eight. Esta pausa estratégica en la acción facilita una exploración detallada de las incógnitas que rodean al protagonista, descubriendo algunos secretos de su pasado y prometiendo aún más revelaciones en futuras entregas. La trama, repleta de acción y misterio, captura al lector página tras página, arrastrándolo hacia el misterio que envuelve la historia. El final de este volumen deja a los lectores en un estado de ansiosa expectación, deseosos de descubrir más acerca de los dos enigmáticos personajes introducidos al final. Este cliffhanger, lejos de ser un punto de frustración, eleva la anticipación por los retos que Eight deberá enfrentar en el siguiente tomo, insinuando un camino repleto de obstáculos y descubrimientos. “Adou 2” no solo continúa el relato de la lucha de Eight por comprender su propia identidad, sino que también amplía el universo del manga con la introducción de nuevos personajes y conflictos que enriquecen significativamente la trama. En conclusión, “Adou 2” es una secuela excepcional que no solo satisface las expectativas generadas por el primer tomo, sino que también las supera ampliamente. Con su mezcla equilibrada de acción constante, desarrollo profundo de los personajes y el gradual desvelo de misterios, este volumen se erige como una contribución imprescindible a la saga, manteniendo a los lectores en vilo y deseosos de más. Por su combinación de suspense, ciencia ficción y dilemas morales, “Adou” se consolida como una obra esencial para los aficionados al manga, augurando aún más emociones y revelaciones en las entregas futuras. // Autor: Amano Jaku // Editorial: Héroes de papel Score [...]

SINOPSIS El Japón del futuro. La acogida de grandes masas de inmigrantes ha convertido el país en un crisol de razas. Riko Saeki, una chica de 19 años cuya tendencia a decir las cosas sin pelos en la lengua le acarrea constantes problemas y cambios de trabajo, salva de ser atropellado por un camión a un misterioso niño llamado Eight. La policía no logra identificarlo y ella se lo lleva consigo cuando, de pronto, el ejército intenta asesinarlo. Riko descubrirá entonces el gran secreto de Eight y tomará la decisión de combatir con él al enemigo. BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW Héroes de Papel, a publisher recognized for its wide and diverse selection of books covering a broad range of topics, has continued to enrich its catalog with highly fascinating titles. Among them are “Fantastic World” by Ryo Hirano, “Hen Kai Pan” and “Ryuko” by Eldo Yoshimizu, “Sazan and the Comet Girl” by Yuriko Akase, and, more recently, “Gestalt” by Ringo Yoto. The inclusion of these works has not only delighted readers but also marked the expansion of the publisher’s manga catalog, inviting us to delve even deeper into this rich universe. In this context, today we turn our attention to “Adou” by Amano Jaku, a work that, since its debut in Kodansha’s Gekkan Young Magazine in 2019, has continued to be published, accumulating six volumes to date. The captivating and evocative cover instantly attracted us, suggesting the distinctive style of other renowned authors. “Adou” emerges as a surprisingly intriguing manga, whose start and initial development fervently invite us to continue reading. The influence of “Akira” by Katsuhiro Ōtomo is palpable from the first pages, offering a perfect mix of action, drama, science fiction, and supernatural elements, all set in a futuristic Japan characterized by its enormous cities and the coexistence of diverse races. The narrative begins with the story of a young man lost and confused in the crowd, who is rescued from imminent danger by a girl named Riko, marking the start of an exciting adventure for both. Behind this young man lies a mysterious organization that seems to be conducting experiments on children, in an attempt to awaken in them an enigmatic power closely linked to their emotions and feelings. The plot unfolds with a dynamic narrative and a fast pace, introducing exceptionally well-developed characters and immersing the reader in a vortex of mysteries and plot twists that effectively capture attention. As the story progresses, questions arise about the Adou, the essence of their powers, and the purposes behind their creation, issues that are anticipated to be explored in subsequent volumes. In conclusion, the first volume of “Adou” leaves us with an extraordinarily positive impression, standing out for its immersive story, deeply developed characters, and exceptional art. Undoubtedly, it is a promising work that motivates us to continue unraveling the mysteries it proposes, reaffirming Héroes de Papel’s commitment to publishing superior quality manga. SPANISH REVIEW Héroes de Papel, editorial reconocida por su amplia y diversa selección de libros que abarcan una gran variedad de temas, ha seguido enriqueciendo su catálogo con títulos sumamente fascinantes. Entre ellos se encuentran “Fantastic World” de Ryo Hirano, “Hen Kai Pan” y “Ryuko” de Eldo Yoshimizu, “Sazan y la chica del cometa” de Yuriko Akase, y, más recientemente, “Gestalt” de Ringo Yoto. La inclusión de estas obras no solo ha deleitado a los lectores sino que también ha marcado la expansión del catálogo de manga de la editorial, invitándonos a adentrarnos aún más en este rico universo. En este contexto, hoy dirigimos nuestra atención hacia “Adou” de Amano Jaku, una obra que, desde su debut en la Gekkan Young Magazine de Kodansha en 2019, no ha dejado de publicarse, acumulando hasta el momento seis volúmenes. La portada, cautivadora y evocadora, nos atrajo de manera instantánea, sugiriendo el estilo distintivo de otros autores renombrados. “Adou” emerge como un manga sorprendentemente intrigante, cuyo arranque y desarrollo inicial nos invitan fervientemente a continuar la lectura. La influencia de “Akira” de Katsuhiro Ōtomo es palpable desde las primeras páginas, ofreciendo una combinación perfecta de acción, drama, ciencia ficción y elementos sobrenaturales, todo ello situado en un Japón futurista caracterizado por sus enormes ciudades y la convivencia de diversas razas. La narrativa se inicia con la historia de un joven perdido y confuso en la multitud, que es rescatado de un peligro inminente por una chica llamada Riko, marcando el comienzo de una emocionante aventura para ambos. Detrás de este joven, se encuentra una organización misteriosa que parece llevar a cabo experimentos con niños, en un intento por despertar en ellos un poder enigmático, estrechamente vinculado a sus emociones y sentimientos. La trama se despliega con una narrativa dinámica y un ritmo acelerado, introduciendo personajes excepcionalmente bien desarrollados y sumergiendo al lector en un vórtice de misterios y giros argumentales que captan la atención de manera efectiva. A medida que la historia avanza, surgen interrogantes acerca de los Adou, la esencia de sus poderes y los propósitos detrás de su creación, cuestiones que se anticipa serán exploradas en volúmenes subsiguientes. En conclusión, el primer volumen de “Adou” nos deja una impresión extraordinariamente positiva, destacándose por su historia envolvente, personajes profundamente desarrollados y un arte excepcional. Indudablemente, es una obra prometedora que nos motiva a continuar explorando los enigmas que propone, reafirmando el compromiso de Héroes de Papel con la publicación de manga de calidad superior. // Autor: Amano Jaku // Editorial: Héroes de papel Score [...]
ADOU 1
CHAOS GAME

SINOPSIS Ran Suzuki, una reportera de una revista semanal con un profundo sentido de la justicia, investiga el vínculo existente entre un político y la Yakuza. Su vida correrá un grave peligro cuando los miembros de la organización mafiosa vayan a por ella… pero algo mucho peor está al acecho. BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW Héroes de Papel, a renowned publishing house in the realm of comics and manga, continues to expand its catalog with notable additions that stand as true gems of the genre. Among its most significant acquisitions are works such as “Adou” (亜童) by Amano Jaku, “Gestalt” (ゲシュタルト) by Ringo Yoto, “Ryuko” (龍子) and “Hen Kai Pan” by Eldo Yoshimizu, “Sazan and the Comet Girl” (サザンと彗星の少女) by Yuriko Akase, and “Fantastic World” (ファンタスティック ワールド) by Ryo Hirano. Recently, the publisher has surprised fans with the acquisition of “Chaos Game” (カオスゲーム) by Daiki Yamazaki, a title anticipated with great expectation, now available for pre-order on its website and set to release on December 14th. Originally serialized in the prestigious Afternoon magazine by Kodansha, and having published three volumes to date, this work has received praise and recommendations from manga luminaries such as Tatsuki Fujimoto (author of “Chainsaw Man”) and Gamon Sakurai (author of “Ajin”), heightening interest and expectations towards it. Daiki Yamazaki (山嵜大輝) emerged as a promising talent in the manga scene after winning the Winter 2020 edition of the Afternoon Shiki Shô contest for new artists, thanks to his supernatural drama “Kishibe no yume” (岸辺の夢). “Chaos Game” not only marks his debut in regular serialization but also represents his first work licensed in our country, generating excellent reception and great anticipation for subsequent volumes. This seinen is distinguished by a complex plot that merges elements of drama, mystery, the supernatural, and horror, sprinkled with occasional touches of humor. Its narrative, characterized by a fast pace and a quality that could easily be adapted into anime or cinema, promises an adaptation that would do justice to its immersive atmosphere and deep exploration of themes such as occultism, prophecies, and cults. The story begins with a detective perspective, following Ran Suzuki, a reporter embroiled in an investigation that confronts her with high-level politics, the yakuza, and media corruption. However, the tale evolves towards paranormal and hidden aspects, dragging Ran into a spiral of mystical and supernatural events. The appearance of a mysterious character and an unusual mark on her abdomen force Ran to seek the help of Kyōichi Azumna, a freelance writer expert in the paranormal, adding a rich layer of complexity to the plot. Visually, “Chaos Game” stands out for its exceptional graphical quality. Yamazaki presents a unique style, with precise strokes and pronounced contrast. The characters, intricately designed and easily distinguishable, along with an intelligent use of framing and perspectives, energize the scenes and fully immerse the reader in the story. The carefully crafted backgrounds enrich the narrative, elevating the reading experience to a higher plane. SPANISH REVIEW Héroes de Papel, reconocida editorial dentro del ámbito de los cómics y manga, continúa ampliando su catálogo con destacadas incorporaciones que se erigen como verdaderas joyas del género. Entre sus adquisiciones más notables figuran obras como “Adou” (亜童) de Amano Jaku, “Gestalt” (ゲシュタルト) de Ringo Yoto, “Ryuko” (龍子) y “Hen Kai Pan” de Eldo Yoshimizu, “Sazan y la chica del cometa” (サザンと彗星の少女) de Yuriko Akase, y “Fantastic World” (ファンタスティック ワールド) de Ryo Hirano. Recientemente, la editorial ha sorprendido a los aficionados con la adquisición de “Chaos Game” (カオスゲーム) de Daiki Yamazaki, un título que se anticipa con gran expectación, ya disponible para pre-reserva en su página web y con fecha de lanzamiento el 14 de diciembre. Originalmente serializado en la prestigiosa revista Afternoon de Kodansha, y habiendo publicado tres volúmenes hasta la fecha, esta obra ha recibido elogios y recomendaciones de figuras emblemáticas del manga como Tatsuki Fujimoto (autor de “Chainsaw Man”) y Gamon Sakurai (autor de “Ajin”), aumentando el interés y las expectativas hacia ella. Daiki Yamazaki (山嵜大輝) se reveló como un talento prometedor en el escenario del manga tras ser galardonado en la edición de invierno 2020 del concurso Afternoon Shiki Shô para nuevos artistas, gracias a su drama sobrenatural “Kishibe no yume” (岸辺の夢). “Chaos Game” no solo marca su estreno en una serialización regular, sino que también representa su primera obra licenciada en nuestro país, generando una excelente recepción y gran anticipación por los siguientes volúmenes. Este seinen se distingue por una trama compleja que fusiona elementos de drama, misterio, lo sobrenatural y el terror, aderezados con toques ocasionales de humor. Su narrativa, caracterizada por un ritmo acelerado y una calidad que bien podría trasladarse al anime o al cine, promete una adaptación que haría justicia a su envolvente atmósfera y profunda exploración de temas como el ocultismo, las profecías y los cultos. La historia comienza con una perspectiva detectivesca, siguiendo a Ran Suzuki, una reportera inmersa en una investigación que la confronta con la política de alto nivel, la yakuza y la corrupción en los medios. No obstante, el relato evoluciona hacia aspectos paranormales y ocultos, arrastrando a Ran a una espiral de eventos místicos y sobrenaturales. La aparición de un personaje misterioso y una insólita marca en su abdomen obligan a Ran a solicitar la ayuda de Kyōichi Azumna, un escritor freelance experto en lo paranormal, añadiendo una rica capa de complejidad a la trama. Visualmente, “Chaos Game” destaca por su excepcional calidad gráfica. Yamazaki presenta un estilo único, con trazos precisos y un contraste pronunciado. Los personajes, detalladamente diseñados y fácilmente distinguibles, junto con una inteligente utilización de encuadres y perspectivas, dinamizan las escenas y sumergen al lector de lleno en la historia. Los fondos, elaborados con esmero, enriquecen la narrativa, elevando la experiencia lectora a un plano superior. // Autor: Daiki Yamazaki // Editorial: Héroes de papel SOBRE EL AUTOR Mangaka. Con la obra Kishibe no yume, ganó la edición de invierno del 2020 del concurso Afternoon Shiki Shô para artistas noveles. Chaos game es su primera serie publicada en una revista. Score [...]

SINOPSIS Mientras tiene que aprender a aceptar su inevitable ceguera, Billie emprende un viaje que la llevará de Middlesbrough a Londres. Atravesará el devastado mundo que ha traído consigo la Inglaterra post-austeridad, poblado por varios personajes cuyos problemas llegará a conocer de primera mano. Junto a ellos, buscará la inspiración para terminar sus últimos diez cuadros, así como la fuerza para seguir adelante con su vida. BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW “The Inevitable Blindness of Billie Scott,” the comic book debut of Zoe Thorogood and winner of the Russ Manning Award for Most Promising Newcomer at the 2023 Eisners, emerges as a captivating work. It tells the story of Billie Scott, a young painter passionate and obsessed with her art. The plot is triggered when Billie receives a unique opportunity: to exhibit in a renowned art gallery that requires ten new works from her. However, this exciting news is overshadowed by a daunting challenge: in fifteen days, Billie will lose her sight. This critical point initiates a profound introspective journey for Billie, leading her to reevaluate her life, confront adapting to significant changes, and learn to place her trust in others. As she struggles to maintain her relevance in the artistic world, personal relationships, previously neglected, gain unexpected value. Throughout her journey, Billie meets people whose dreams are both fulfilled and shattered, and each of these encounters leaves an indelible mark on her. Thus, a vital question arises: Will Billie be able to accept her impending blindness? This query accompanies the reader throughout the narrative, inviting them to reflect on the value of art and the importance of human relationships, as well as the emptiness that art can bring when lacking someone to share it with. Visually striking, the comic stands out for its exceptional graphic quality. Thorogood plays with a variety of styles ranging from manga to webcomic, cohesively blending them to enhance the narrative. The innovative and symbolic use of color, through flat tones that reflect the emotional states of the characters, adds a layer of immersion and experimentation to the work. Published by Reservoir Books in an attractive softcover edition, “The Inevitable Blindness of Billie Scott” stands as an essential work. Addressing themes such as art, obsession, and interpersonal relationships, it is destined to resonate with readers of all ages, especially a younger audience who will find a reflection of themselves in Thorogood’s universe. With this comic, Thorogood positions herself as a promising voice in the realm of contemporary comics, following in the footsteps of authors like Tillie Walden or Rosemary Valero-O’Connell, leaving us eagerly anticipating her future creations. SPANISH REVIEW “La inevitable ceguera de Billie Scott”, el debut en el mundo del cómic de Zoe Thorogood y galardonado con el Premio Russ Manning a la autora más prometedora en los Eisner de 2023, emerge como una obra cautivadora. En ella, se narra la historia de Billie Scott, una joven pintora apasionada y obsesionada por su arte. La trama se desencadena cuando Billie recibe una oportunidad única: exponer en una renombrada galería de arte que requiere diez obras nuevas de su autoría. Sin embargo, esta emocionante noticia se ve ensombrecida por un desafío abrumador: en quince días, Billie perderá la vista. Este punto crucial inicia un profundo viaje introspectivo para Billie, que la lleva a reevaluar su vida, enfrentarse a la adaptación a grandes cambios y aprender a depositar su confianza en otros. Mientras lucha por mantener su vigencia en el mundo artístico, las relaciones personales, hasta ese momento relegadas, adquieren un valor insospechado. A lo largo de su camino, Billie se encuentra con personas cuyos sueños están tanto cumplidos como destrozados, y cada uno de estos encuentros deja una huella imborrable en su ser. Así, se plantea una pregunta esencial: ¿Logrará Billie aceptar su inminente ceguera? Esta incógnita acompaña al lector a lo largo de la narración, invitándolo a reflexionar sobre el valor del arte y la importancia de las relaciones humanas, así como sobre el vacío que puede generar el arte cuando se carece de alguien con quien compartirlo. Visualmente impactante, el cómic se distingue por su excepcional calidad gráfica. Thorogood juega con una diversidad de estilos que van desde el manga hasta el webcómic, fusionándolos de manera coherente para potenciar la narrativa. El uso innovador y simbólico del color, mediante tonos planos que reflejan los estados emocionales de los personajes, añade una capa de inmersión y experimentación a la obra. Editado por Reservoir Books en una atractiva edición en tapa blanda, “La inevitable ceguera de Billie Scott” se erige como una obra imprescindible. Esta historia, que aborda temas como el arte, la obsesión y las relaciones interpersonales, está destinada a resonar con lectores de todas las edades, especialmente con un público juvenil que encontrará eco en el universo creado por Thorogood. Con este cómic, Thorogood se posiciona como una voz prometedora en el ámbito del cómic contemporáneo, en la estela de autoras como Tillie Walden o Rosemary Valero-O’Connell, dejándonos expectantes ante sus futuras creaciones. // Autor: Zoe Thorogood // Editorial: RESERVOIR BOOKS SOBRE EL AUTOR Zoe Thorogood (Ipswich, 1998) es una autora de cómic residente en Middlesbrough, Reino Unido. Estudió Diseño de arte para videojuegos en la De Montfort University (Leicester). Debutó como autora completa en 2020, primero con el fanzine autobiográfico Angel y luego con La inevitable ceguera de Billie Scott (Reservoir Books, 2023), novela gráfica publicada originalmente por la editorial inglesa Avery Hill. Ese mismo año ilustró parte de Poppy’s Inferno, un cómic sobre la cantante y youtuber estadounidense Poppy, para la editorial Simon & Schuster. También ha colaborado como artista invitada en la antología Haha (Image Comics, 2021) y como dibujante fija en la serie Rain (Image, 2022, junto a Joe Hill y David M. Booher). Su consagración ha llegado con su segunda novela gráfica, It’s Lonely at the Centre of the Earth (Image Comics, 2022). Recientemente, ha participado en la antología sobre superhéroes LGBT+ DC Pride: The New Generation (DC Comics, 2023). En 2019 fue galardonada con el premio a la mejor autora emergente de los Comic Scene Awards, y en 2020 ganó el premio al mejor debut en los Tripwire Awards por su fanzine Angel. En 2023 ha sido nominada a cinco premios Eisner por sus diferentes trabajos para la editorial Image. Score [...]
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La inevitable ceguera de Billie Scott
Sazan y la Chica del Cometa

SINOPSIS Sazan, un joven terrícola que se gana la vida en el espacio, conoce una noche a Mina, una misteriosa chica pelirroja. Su cuerpo encierra un gran secreto y, por ello, es víctima de constantes ataques. El día en el que han prometido volver a verse, Mina no se presenta al encuentro. Sazan va tras su rastro y descubre la existencia del “germen de la destrucción”… Una magnífica opera prima, clara deudora del manga y el anime de los ochenta, en la que destaca el color de las acuarelas de la gran Yuriko Akase. BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW The 1980s witnessed a revolution in creativity across various fields, and the realm of manga was no exception. This era was the cradle of iconic creations such as Akira, Dragon Ball, Doraemon, and the timeless Berserk, among others. Their inspiration and success continue to reverberate in the present, with some still making their debut in Spain today. Thus, it comes as no surprise to encounter contemporary works exuding an 80s aesthetic. “Sazan and the Comet Girl” (Sazan to Suisei no Shoujo) is the debut work of Yuriko Akase, published between 2015 and 2018 by Leed’s Torch magazine and distributed in Spain by Héroes de Papel Comics. It channels the look of 40-year-old classics, marrying them with beautiful watercolor visuals, to bring us a space odyssey replete with technology, love, honesty, and cosmic power battles. Our protagonist is Sazan Hoshino, an earthling who ekes out a living as an interplanetary worker in a distant future. After spending his day making repairs and missing the last transport to Earth, he ends up stranded at a spaceport, doomed to a cold, solitary night. However, his solitude is interrupted by the mysterious Mina, a woman of incredible power. Through returning him home and fending off space pirates, Sazan uncovers Mina’s perilous origin and destiny and finds himself thrust into an out-of-this-world adventure to save her life. The narrative crafted by Yuriko Akase is simple yet nostalgic, imbued with the charm and intensity of its epoch. The narrative beats in the first volume are well-placed and smoothly interconnected, yet some aspects feel slightly disjointed, like the villain’s motives. A small scene mid-story and a lengthy monologue towards the end seemingly aim to flesh out the antagonist, yet they fall short and appear uninspired. Similarly, Sazan’s motives for accompanying Mina reflect classic tropes where an attractive girl is enough to propel a man into a thousand adventures. The characters, embodying the clear inspiration from the 80s, are endearing despite their simplicity. Their arcs, such as space pirate Kid’s, are well-crafted and elicit reader sympathy. Sazan holds his own as the protagonist, and his dynamic with Mina serves as the solid foundation for the main plot. She is given room to display a wide range of emotions and powers, making her the most well-rounded character. The villain, on the other hand, ends up being a rather flat and unexciting character, hopefully redeemed in the second volume. The most striking aspect of “Sazan and the Comet Girl” is undoubtedly its artwork, a beautiful tribute to the era and a testament to painstaking effort. Character designs recall works like City Hunter, and facial expressions reminiscent of Dr. Slump. However, what truly elevates the visuals is the stunning watercolor work, highlighting details like Mina’s rainbow hair, the planets, spaceships, and crystalline caverns. Being a space-based narrative, it beautifully captures the emptiness and starlit splendor of the cosmos, quite literally immersing the reader into the Universe. As Akase’s debut in the vast world of manga, it’s an impressive feat. Despite minor narrative shortcomings, “Sazan and the Comet Girl” successfully bridges the nostalgic appeal of the past with a new generation of creators and readers, serving an entertaining adventure without necessarily revolutionizing the industry. The anticipation for the resolution in the next volume keeps us hooked, reminding us that there’s always more of the cosmos to explore, best enjoyed with companionship and an adventure ahead. SPANISH REVIEW La década de los 80 fue testigo de una revolución en la creatividad en diversos campos, y el mundo del manga no fue una excepción. Esta era fue la cuna de creaciones icónicas como Akira, Dragon Ball, Doraemon y la inmortal Berserk, entre otros. Su inspiración y éxito continúan resonando en la actualidad, con algunos aún haciendo su debut en España hoy. Por lo tanto, no sorprende encontrar obras contemporáneas que exudan una estética ochentera. “Sazan y la Chica del Cometa” (Sazan to Suisei no Shoujo) es la obra debut de Yuriko Akase, publicada entre 2015 y 2018 por la revista Torch de Leed y distribuida en España por Héroes de Papel Comics. Canaliza la estética de los clásicos de hace 40 años, casándola con hermosos visuales de acuarela, para traernos una odisea espacial repleta de tecnología, amor, honestidad y batallas de poder cósmico. Nuestro protagonista es Sazan Hoshino, un terrícola que se gana la vida como trabajador interplanetario en un futuro lejano. Tras pasar su día haciendo reparaciones y perder el último transporte a la Tierra, termina varado en un puerto espacial, condenado a una noche fría y solitaria. Sin embargo, su soledad se ve interrumpida por la misteriosa Mina, una mujer de poder increíble. Al llevarlo de vuelta a casa y defenderse de los piratas espaciales, Sazan descubre el origen y el destino peligrosos de Mina y se encuentra impulsado a una aventura fuera de este mundo para salvar su vida. La narrativa elaborada por Yuriko Akase es sencilla pero nostálgica, imbuida del encanto y la intensidad de su época. Los puntos narrativos en el primer volumen están bien colocados y se interconectan de manera fluida, sin embargo, algunos aspectos se sienten ligeramente disjuntos, como los motivos del villano. Una pequeña escena a mitad de la historia y un largo monólogo hacia el final parecen tener como objetivo dar cuerpo al antagonista, pero se quedan cortos y parecen poco inspirados. De manera similar, los motivos de Sazan para acompañar a Mina reflejan tropos clásicos donde una chica atractiva es suficiente para impulsar a un hombre a miles de aventuras. Los personajes, que encarnan la clara inspiración de los años 80, son entrañables a pesar de su simplicidad. Sus arcos, como el del pirata espacial Kid, están bien diseñados y provocan la simpatía del lector. Sazan se mantiene como protagonista y su dinámica con Mina sirve como base sólida para la trama principal. A ella se le da espacio para mostrar una amplia gama de emociones y poderes, lo que la convierte en el personaje más completo. El villano, por otro lado, termina siendo un personaje bastante plano y poco emocionante, con la esperanza de ser redimido en el segundo volumen. El aspecto más impactante de “Sazan y la Chica del Cometa” es sin duda su arte, un hermoso homenaje a la era y un testimonio del esfuerzo meticuloso. Los diseños de personajes recuerdan obras como City Hunter y las expresiones faciales son reminiscencias de Dr. Slump. Sin embargo, lo que realmente eleva los visuales es el impresionante trabajo en acuarela, que destaca detalles como el cabello arcoiris de Mina, los planetas, las naves espaciales y las cavernas cristalinas. Siendo una narrativa basada en el espacio, captura de forma hermosa el vacío y el esplendor estrellado del cosmos, sumergiendo literalmente al lector en el Universo. Como el debut de Akase en el vasto mundo del manga, es un logro impresionante. A pesar de las pequeñas deficiencias narrativas, “Sazan y la Chica del Cometa” logra unir el atractivo nostálgico del pasado con una nueva generación de creadores y lectores, sirviendo una aventura entretenida sin necesidad de revolucionar la industria. La anticipación por la resolución en el próximo volumen nos mantiene enganchados, recordándonos que siempre hay más cosmos para explorar, mejor disfrutado con compañía y una aventura por delante. // Autor: Yoriko Akase // Editorial: Héroes de Papel SOBRE EL AUTOR Mangaka nacida en 1990. Su obra de debut, Sazan y la chica del cometa, fue la quinta finalista del prestigioso premio Manga Taishō en 2019. Su segunda obra, todavía en publicación, se titula Nightmare Busters. Score [...]

SINOPSIS Sôsô y Hanami han sido conducidos al Arca, donde el Conserje les ordena cribar a la humanidad. Ahora, los elegidos han sido separados en dos grupos y enviados a las ciudades de París y Samarcanda. Allí deberán cumplir una misión: quitarles el «círculo de la regeneración» a los intercesores. En París, Sôsô se enfrentará a León, un ángel con un gran poder. Por si no fuera suficiente, el Conserje o Señor de la Destrucción empezará a castigar a los rebeldes, y los elegidos tendrán que encarar a ese ser transcendental. La tragedia se precipita. ¿Serán capaces Sôsô y Hanami de contenerla mientras ven cómo sus compañeros mueren en la batalla? ¡Sed testigos del sobrecogedor desenlace de este Génesis moderno! BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW The eagerly awaited final installment of “Gestalt” by Ringo Yoto plunges us headlong into the denouement of a modern-day Genesis. The unfolding drama of our protagonists, Sôsô and Hanami, tasked with sieving humanity, has been a journey of gripping narrative and stunning visuals that have surpassed every expectation set by the previous volumes. The chosen ones, having been separated into two groups and dispatched to the cities of Paris and Samarkand, are tasked with removing the “circle of regeneration” from the intercessors. In Paris, Sôsô confronts Leon, an angel of immense power, while the Janitor, or the Lord of Destruction, starts punishing the rebels. As tragedy accelerates, we’re left wondering whether Sôsô and Hanami will be able to contain it while watching their comrades fall in battle. This conclusion to the series builds on the complex moral dilemmas introduced in previous volumes and escalates them to an exhilarating climax. Yoto’s unique fusion of fiction, tension, anxiety, and humor is evident once more, and even more gripping as the stakes are raised in this final battle. His narrative has a unique style that evokes shades of survival and battle royale, reminiscent of acclaimed works like “Gantz”, “Akira” and “The Ghost in the Shell”. Visually, “Gestalt” continues to astonish with exceptional, detailed illustrations of characters and settings. Yoto’s artistic prowess is indisputable, with each vignette encapsulating the beauty and brutality of his apocalyptic world. His style, while recalling the grandeur of the aforementioned works, preserves its unique and original identity. The third volume of “Gestalt” is an exciting testament to Yoto’s evolution as both a writer and an artist. He continues to bring to life an absorbing world, complex characters, and moral dilemmas that challenge the reader, reflecting his mastery in the art of storytelling in a way that is thrilling, emotional, and profound. With this conclusion, Ringo Yoto solidifies himself as a powerful voice in contemporary manga. His innovative and distinctive approach is leaving an indelible mark on the industry, pushing the boundaries of what is expected from this genre. The “Gestalt” saga, in its entirety, is an unmissable read for any manga lover and those eager for new and intensely exciting narratives. His unique, refreshing approach continues to expand the boundaries of manga, making it a diverse and evolving form of storytelling. SPANISH REVIEW La tan esperada entrega final de “Gestalt”, de Ringo Yoto, nos sumerge de lleno en el desenlace de un Génesis moderno. El drama de nuestros protagonistas, Sôsô y Hanami, encargados de cribar la humanidad, ha sido un viaje de narrativa fascinante y visuales impresionantes que ha superado todas las expectativas planteadas por los volúmenes anteriores. Los elegidos, que han sido separados en dos grupos y enviados a las ciudades de París y Samarcanda, tienen la tarea de quitar el “círculo de la regeneración” de los intercesores. En París, Sôsô se enfrenta a León, un ángel de inmenso poder, mientras el Conserje, o el Señor de la Destrucción, comienza a castigar a los rebeldes. A medida que la tragedia se acelera, nos quedamos preguntándonos si Sôsô y Hanami serán capaces de contenerla mientras ven caer a sus camaradas en batalla. Esta conclusión de la serie se basa en los complejos dilemas morales introducidos en los volúmenes anteriores y los escala hasta un clímax emocionante. La única fusión de Yoto de ficción, tensión, ansiedad y humor es evidente una vez más, y aún más cautivadora a medida que se elevan las apuestas en esta batalla final. Su narrativa tiene un estilo único que evoca matices de supervivencia y batalla real, recordando a obras aclamadas como “Gantz”, “Akira” y “Ghost in the Shell”. Visualmente, “Gestalt” sigue asombrando con ilustraciones excepcionales y detalladas de personajes y escenarios. El talento artístico de Yoto es indiscutible, con cada viñeta encapsulando la belleza y la brutalidad de su mundo apocalíptico. Su estilo, aunque recuerda la grandeza de las obras mencionadas anteriormente, conserva su identidad única y original. El tercer volumen de “Gestalt” es un emocionante testimonio de la evolución de Yoto tanto como escritor como artista. Continúa dando vida a un mundo absorbente, personajes complejos y dilemas morales que desafían al lector, reflejando su dominio en el arte de contar historias de manera emocionante, emotiva y profunda. Con esta conclusión, Ringo Yoto se consolida como una voz poderosa en el manga contemporáneo. Su enfoque innovador y distintivo está dejando una huella indeleble en la industria, empujando los límites de lo que se espera de este género. La saga “Gestalt”, en su totalidad, es una lectura ineludible para cualquier amante del manga y para aquellos ávidos de narrativas nuevas e intensamente emocionantes. Su enfoque único y refrescante continúa expandiendo los límites del manga, convirtiéndolo en una forma de narración diversa y en constante evolución. // Autor: Ringo Yoto // Editorial: Héroes de Papel SOBRE EL AUTOR Score [...]
Gestalt 3
Gestalt 2

SINOPSIS El Conserje, un ser cuya naturaleza escapa al entendimiento humano, ha reunido en el Arca a un grupo de personas llegadas de todo el mundo entre las cuales se hallan Sôsô y Hanami. La orden que se les ha dado es «cribar a la humanidad». Pero ahora deberán pararle los pies a Vorn, un chico camboyano que se ha transformado en un monstruo implacable. ¿Qué elección tomar ante un exhumano que está destruyendo una ciudad y matando a miles de personas inocentes? La hecatombe se cierne sobre el mundo en esta versión moderna del mito del arca. BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW The highly anticipated second installment of “Gestalt,” a masterpiece by Ringo Yoto, unfolds before us with a narrative and graphic mastery that surpasses even the zenith of its debut. In this new volume, Yoto defies expectations and immerses us fully into the abyss of his dystopian world. Deepening the premise introduced in the first volume, the story leads us back to the Ark. There, our protagonists Sôsô and Hanami, accompanied by a gallery of multidimensional characters, face the threat of Vorn. This character, once human and now transformed into a monster, threatens to destroy an entire city and annihilate countless lives. Yoto, in a display of narrative mastery, here proposes a moral dilemma of great magnitude: how should our characters confront this beast that was once one of their own? Yoto excels in his ability to intertwine elements of drama, action, and philosophy in an exceptional way. The plot advances relentlessly, keeping the reader captive in the precariousness of tension. Ever more complex situations intertwine with the lives of the characters, who are immersed in a web of life-changing decisions. Yoto’s artistic skill is indisputable. His drawings surprise us once again with meticulousness in details, whether they be characters, landscapes, or action scenes. Each vignette of “Gestalt” encapsulates the beauty and brutality of the apocalyptic world he has created, giving rise to a visual aesthetic that has become Yoto’s unmistakable signature. This second part of “Gestalt” is a testament to Yoto’s evolution as both a writer and an artist. His ability to bring to life an absorbing world, complex characters, and moral dilemmas that challenge the reader is a reflection of his mastery in the art of storytelling in a manner that is thrilling, emotional, and profound. In this installment, Ringo Yoto confirms himself as a significant voice in contemporary manga. His innovative and distinctive approach is leaving an indelible mark on the industry, pushing the boundaries of what is expected from this genre. In conclusion, the “Gestalt” saga is an inescapable read for any manga lover and for those eager for new and intensely exciting stories. SPANISH REVIEW La tan anticipada segunda entrega de “Gestalt”, obra maestra de Ringo Yoto, se despliega ante nosotros con una maestría narrativa y gráfica que supera incluso el apogeo de su debut. En este nuevo volumen, Yoto desafía las expectativas y nos sumerge de lleno en el abismo de su mundo distópico. Profundizando en la premisa introducida en el primer tomo, la historia nos reconduce al Arca. Allí, nuestros protagonistas Sôsô y Hanami, en compañía de una galería de personajes multidimensionales, se enfrentan a la amenaza de Vorn. Este personaje, antes humano y ahora transformado en un monstruo, amenaza con destruir una ciudad entera y aniquilar innumerables vidas. Yoto, en un alarde de maestría narrativa, propone aquí un dilema moral de gran envergadura: ¿Cómo deben nuestros personajes afrontar a esta bestia que antaño fue uno de los suyos? Yoto sobresale en su habilidad para entrelazar elementos de drama, acción y filosofía de manera excepcional. La trama avanza de manera inexorable, manteniendo al lector cautivo en la precariedad de la tensión. Situaciones cada vez más complejas se entrelazan con la vida de los personajes, que se ven inmersos en una red de decisiones de trascendencia vital. La pericia artística de Yoto es indiscutible. Sus dibujos nos sorprenden una vez más con la minuciosidad en los detalles, ya sean personajes, paisajes o escenas de acción. Cada viñeta de “Gestalt” encapsula la belleza y la brutalidad del mundo apocalíptico que ha creado, dando lugar a una estética visual que se ha convertido en la inconfundible firma de Yoto. Esta segunda parte de “Gestalt” es un testamento de la evolución de Yoto tanto como escritor como artista. Su capacidad para dar vida a un mundo absorbente, personajes complejos y dilemas morales que desafían al lector, es un reflejo de su dominio en el arte de contar historias de manera apasionante, emotiva y profunda. En esta entrega, Ringo Yoto se confirma como una voz de peso en el manga contemporáneo. Su enfoque innovador y distintivo está dejando una marca indeleble en la industria, empujando los límites de lo que se espera de este género. En conclusión, la saga “Gestalt” es una lectura ineludible para cualquier amante del manga y para aquellos ávidos de historias novedosas e intensamente emocionantes. // Autor: Ringo Yoto // Editorial: Héroes de Papel SOBRE EL AUTOR Score [...]

SINOPSIS Tras la muerte de su madre, muy distanciada, Kat Somerville y su hija, Sybil, dejan atrás una vida difícil en Chicago y se instalan en el pintoresco —y quizá mortal— municipio de Comfort Notch, en Nuevo Hampshire. Gracias al tándem formado por el escritor Daniel Kraus, asiduo de las listas de los libros más vendidos del New York Times y responsable de títulos tan conocidos como La forma del agua o Trollhunters, y por la estrella en ciernes Chris Shehan, el dibujante de House of Slaughter, llega una visión perturbadora del otoño más bello de los Estados Unidos de América. BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW “Autumnal” a masterpiece of graphic novel created by Daniel Kraus, illustrated by Chris Shehan, and masterfully colored by Jason Wordie, immerses the reader in a haunting horror story set in an apparently idyllic town. This work tackles more than just a traditional fear plot; it also presents an emotionally charged narrative focused on the struggle of a mother, Kat Somerville, and her daughter, Sybil, against a traumatic past and a terrifying present. Upon inheriting her estranged mother’s house, the protagonists are drawn to the bucolic charm of Comfort Notch. However, this town quickly reveals a dark side, where children disappear, leaf-stuffed corpses emerge, and an enigmatic local legend weaves together to form a disturbing mystery. Despite “The Autumnal” not providing concrete answers, this ambiguity is precisely what accentuates its intriguing and chilling character. At the core of “Autumnal,” Kraus highlights the exploration of how mystery affects the characters and their generational trauma. Kat, being entangled in this mystery, is forced to confront her complex feelings towards her deceased mother and the impact they have on her relationship with Sybil. Meanwhile, the citizens of Comfort Notch are faced with the decision of how far they are willing to go to preserve their utopian status quo. This attention to the characters’ traumas, from Kat’s tumultuous past to the wounds she has passed on to Sybil, and the trauma that permeates the town’s history, becomes a thread that drives the plot. However, despite Kraus’s meticulous attention to these emotional aspects, the brevity of the eight issues of “Autumnal” limits the exploration of these themes. The citizens of Comfort Notch mostly remain as archetypes, and the relationship between Sybil and her mother is not as thoroughly explored as one would desire. Nevertheless, the central mystery, although predictable, provides a solid framework for the narrative. Comfort Notch, with its rich autumnal and woodland imagery, carries an air of witchcraft that, coupled with the uncertainty surrounding the mystery, adds an extra layer of complexity and terror to the story. Shehan’s abstract and awe-inspiring art, along with Wordie’s vibrant colors, are essential in conveying the horror in “Autumnal.” The images of corpses with leaves flowing from their mouths are unsettling and spectacular, and Shehan’s art becomes increasingly eerie as the story progresses. Wordie, with his palette bathed in reds and oranges, perfectly captures the autumnal atmosphere, generating a mix of nostalgia and terror. In summary, “Autumnal,” although imperfect in its character development and exploration of themes, when it works, it does so exceedingly well, offering a quick and chilling read with some of the most stunning illustrations in graphic novels. SPANISH REVIEW “Otoñal”, una obra maestra de la novela gráfica creada por Daniel Kraus, ilustrada por Chris Shehan y magistralmente coloreada por Jason Wordie, sumerge al lector en una inquietante historia de terror ambientada en un pueblo aparentemente idílico. Esta obra aborda más que solo una trama de miedo tradicional; presenta también una narrativa emocionalmente cargada centrada en la lucha de una madre, Kat Somerville, y su hija, Sybil, contra un pasado traumático y un presente aterrador. Tras heredar la casa de su alejada madre, las protagonistas se ven atraídas al encanto bucólico de Comfort Notch. Sin embargo, este pueblo revela rápidamente un lado oscuro, donde los niños desaparecen, los cadáveres rellenos de hojas emergen y una enigmática leyenda local se entreteje para formar un misterio perturbador. A pesar de que “The Autumnal” no proporciona respuestas concretas, esta ambigüedad es precisamente lo que acentúa su carácter intrigante y aterrador. En el núcleo de “Otoñal”, Kraus destaca la exploración de cómo el misterio afecta a los personajes y su trauma generacional. Kat, al verse envuelta en este misterio, se ve forzada a enfrentar sus sentimientos complejos hacia su difunta madre y el impacto de estos en su relación con Sybil. Mientras tanto, los ciudadanos de Comfort Notch se ven confrontados con la decisión de hasta dónde están dispuestos a llegar para preservar su utópico statu quo. Esta atención a los traumas de los personajes, desde el pasado tormentoso de Kat hasta las heridas que ha transmitido a Sybil, y el trauma que impregna la historia del pueblo, se convierte en un hilo conductor de la trama. No obstante, a pesar de la meticulosa atención de Kraus a estos aspectos emocionales, la brevedad de las ocho ediciones de “Otoñal” limita la profundización en estos temas. Los ciudadanos de Comfort Notch, en su mayoría, se mantienen como arquetipos y la relación entre Sybil y su madre no se explora de manera tan exhaustiva como se desearía. Sin embargo, el misterio central, aunque predecible, proporciona un esqueleto sólido para la narrativa. Comfort Notch, con su rica imaginería otoñal y forestal, lleva un aire de brujería que, junto con la incertidumbre que rodea el misterio, aporta una capa extra de complejidad y terror a la historia. El arte abstracto y sobrecogedor de Shehan y los colores vibrantes de Wordie son esenciales para transmitir el horror en “Otoñal”. Las imágenes de cadáveres con hojas fluyendo de sus bocas son inquietantes y espectaculares, y el arte de Shehan se vuelve cada vez más espeluznante a medida que la historia avanza. Wordie, con su paleta bañada en rojos y naranjas, logra capturar a la perfección la atmósfera otoñal, generando una mezcla de nostalgia y terror. En resumen, “Otoñal”, aunque imperfecta en su desarrollo de personajes y temas, cuando funciona, lo hace extremadamente bien, ofreciendo una lectura rápida y espeluznante con algunas de las ilustraciones más impresionantes en la novela gráfica. // Autor: Daniel Kraus // Editorial: ECC SOBRE EL AUTOR Daniel Kraus es un autor y guionista estadounidense, nació en Midland, Michigan y creció en Iowa. Junto a Guillermo del Toro escribió la novela Trollhunters. Score [...]
Otoñal
Gestalt 1

SINOPSIS Sôsô es un chico egoísta e insensible que solo busca nuevos estímulos con los que llenar el tedio cotidiano. Hanami, una estudiante de instituto con un gran sentido de la justicia, dispuesta a echar una mano a toda aquella persona que encuentre en un radio de tres metros. Dos polos opuestos que se conocen justo el día en que comienza el fin de la especie humana. Ambos serán abducidos y transportados al Arca, donde el Conserje les anunciará el reseteo de la humanidad y el nacimiento de un nuevo mundo. Catástrofe y supervivencia en una obra en la que los seres humanos han de cribarse entre sí. BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW Since Héroes de Papel ventured into publishing comics, in addition to their extraordinary books on various subjects, I have noticed a surge in the publishing market. This diversification began with the innovative “Fantastic World” by Ryo Hirano and continued with works such as “Hen Kai Pan” and “Ryuko” by Eldo Yoshimizu, “Sazan and the Comet Girl” by Yuriko Akase, and more recently, “Adou” by Amano Jaku. These unique creations from authors, perhaps lesser-known but with high-quality graphic and narrative styles, enrich the current landscape. One of these talented creators is Ringo Yoto, author of “Gestalt,” a work I analyze on this occasion. “Gestalt” is Yoto’s first work, serialized in 2021 in Kodansha’s Young Magazine, and consists of three volumes. The plot presents an apocalyptic setting where the protagonists, Sôsô Shinô and Hanami Shirokawa, face moral dilemmas to survive. I was captivated by the contrast between the characters and their approach to the so-called reboot of humanity, acquiring powers through special devices granted by an enigmatic individual known as “the caretaker.” The narrative blends elements of fiction, tension, anxiety, and humor in a style reminiscent of survival and battle royale, recalling celebrated works such as “Gantz,” “Akira,” and “The Ghost in the Shell.” Visually, “Gestalt” is a delight, with an exceptional, contrasting, and detailed graphic section in characters and settings. Yoto’s style is somewhat reminiscent of the great works mentioned above, but at the same time, it maintains its unique and original identity. Yoto’s ability to construct a visually striking and coherent world is evident on every page, being a crucial aspect for the work’s success. In summary, Ringo Yoto’s “Gestalt” is a must-read for manga enthusiasts and those interested in exploring new voices in this genre. The work combines an exciting plot with an astonishing graphic section, leaving me eager for the release of the second volume and future creations by Yoto. The emergence of talents like him in the publishing market signals the growth and diversification that the comic world, and particularly manga, is experiencing. Authors like Yoto, who bring their fresh and distinctive approach, are leaving their mark on the industry and, in doing so, expand the boundaries of what we can expect from these types of narratives. SPANISH REVIEW Desde que Héroes de Papel se aventuró en la publicación de cómics, además de sus extraordinarios libros de diversos temas, he observado un auge en el mercado editorial. Esta diversificación comenzó con la innovadora “Fantastic World” de Ryo Hirano y prosiguió con obras como “Hen Kai Pan” y “Ryuko” de Eldo Yoshimizu, “Sazan y la chica del cometa” de Yuriko Akase, y más recientemente, “Adou” de Amano Jaku. Estas creaciones singulares de autores, quizás menos conocidos pero con estilos gráficos y narrativos de alta calidad, enriquecen el panorama actual. Uno de estos talentosos creadores es Ringo Yoto, autor de “Gestalt”, obra que analizo en esta ocasión. “Gestalt” es la primera obra de Yoto, serializada en 2021 en la Young Magazine de Kodansha, y consta de tres tomos. La trama presenta un escenario apocalíptico donde los protagonistas, Sôsô Shinô y Hanami Shirokawa, enfrentan dilemas morales para sobrevivir. Me cautivó el contraste entre los personajes y su enfoque ante el llamado reinicio de la humanidad, adquiriendo poderes a través de dispositivos especiales otorgados por un enigmático individuo conocido como “el conserje”. La narrativa fusiona elementos de ficción, tensión, ansiedad y humor en un estilo que evoca a un survival y battle royale, rememorando obras consagradas como “Gantz”, “Akira” y “The Ghost in the Shell”. Visualmente, “Gestalt” resulta un deleite, con un apartado gráfico excepcional, contrastante y detallado en personajes y escenarios. El estilo de Yoto recuerda en cierto modo a las grandes obras antes mencionadas, pero al mismo tiempo, conserva su identidad única y original. La capacidad de Yoto para construir un mundo impactante y coherente visualmente se manifiesta en cada página, siendo un aspecto crucial para el éxito de la obra. En resumen, “Gestalt” de Ringo Yoto es una lectura imperdible para los aficionados al manga y aquellos interesados en explorar nuevas voces en este género. La obra combina una trama apasionante con un apartado gráfico asombroso, dejándome ansioso por el lanzamiento del segundo tomo y futuras creaciones de Yoto. La irrupción de talentos como él en el mercado editorial señala el crecimiento y diversificación que está viviendo el mundo del cómic y, en particular, el manga. Autores como Yoto, que aportan su enfoque fresco y distintivo, están dejando su huella en la industria y, al hacerlo, expanden los límites de lo que podemos esperar de este tipo de narrativas. // Autor: Ringo Yoto // Editorial: Héroes de Papel SOBRE EL AUTOR Score [...]

SINOPSIS El Mapa del Miedo fue una serie sobre lo oculto y lo sobrenatural…Un grupo de jóvenes son elegidos en un casting para el relanzamiento del mítico programa de los 90, dedicado a revelar la verdad tras los mitos de terror ibérico… Pero esas entidades son reales. BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW In the Karras edition, The Map of Fear immerses us in an exciting narrative created by El Torres, Jorge Iglesias, Pablo M. Collar, and Bea Gutiérrez. This young adult graphic novel combines elements of light horror and entertainment, demonstrating immense effort and brilliance in every detail. It effortlessly delves into countless aspects of our current society, diving into the horror genre in an astonishing way. Although the story could conclude here, it would be a real shame if it were not the beginning of something even greater, considering the great enjoyment it provides to its readers. From the beginning, expectations are high when seeing the names of the authors. The confidence in the writing of El Torres and Iglesias is virtually unlimited, and they do not disappoint at all. The plot follows four young streamers and tackles topics such as monsters from popular Spanish mythology hidden in Madrid, the evolution of our audiovisual industry, and the social changes of recent decades. The adventure created evokes the iconic films of the eighties from directors like Spielberg, Zemeckis, or Donner. El Torres and Iglesias demonstrate once again that there are no outdated stories, tones, or genres; it all depends on the talent to rescue them. The result is that these pages leave us wanting more, not for lack of quality, but because they awaken our imagination beyond what they tell us. El Torres’ talent for choosing his illustrators has always been impressive, and this time is no exception. Collar’s work is fabulous, and with Gutiérrez’s colors, it elevates even more. Although we were already familiar with their skills thanks to Wicca: Daughters of the Forest, in The Map of Fear, their art shines even more due to the nods and diverse elements that the script offers. Collar manages to capture both the supernatural and the everyday, from the youthful characters to the hidden, nocturnal Madrid that serves as the setting. This comic demonstrates how reality around us can be addressed without focusing on specific topics, and how reading can be pleasurable when authors are able to visualize an entire universe of adventures and show us only the part they desire. A true delight. Moreover, The Map of Fear is an outstanding example of a graphic novel that achieves perfect harmony between narrative and visual art. The plot unfolds fluidly and engagingly, while Collar and Gutiérrez’s visual style provides a unique and captivating atmosphere. The characters are well-developed, and their interactions are believable and exciting. This comic also stands out for the way it addresses cultural and social issues, further enriching the reading experience and expanding our knowledge of Spanish mythology and folklore. In summary, The Map of Fear is an essential graphic novel for any lover of the genre and a magnificent addition to the collection of any graphic novel enthusiast. SPANISH REVIEW En la edición de Karras, El mapa del miedo nos sumerge en una emocionante narrativa creada por El Torres, Jorge Iglesias, Pablo M. Collar y Bea Gutiérrez. Esta novela gráfica juvenil combina elementos de terror ligero y entretenimiento, demostrando un enorme esfuerzo y brillantez en cada detalle. Hace un repaso a innumerables aspectos de nuestra sociedad actual con facilidad, adentrándose en el género del terror de manera asombrosa. Aunque la historia podría concluir aquí, sería una verdadera lástima si no fuera el inicio de algo más grande, considerando el gran disfrute que proporciona a sus lectores. Desde el principio, las expectativas son altas al conocer los nombres de los autores. La confianza en la escritura de El Torres e Iglesias es prácticamente ilimitada, y no decepcionan en absoluto. La trama sigue a cuatro jóvenes streamers y aborda temas como monstruos de la mitología popular española escondidos en Madrid, la evolución de nuestra industria audiovisual y los cambios sociales de las últimas décadas. La aventura creada evoca las icónicas películas de los ochenta de directores como Spielberg, Zemeckis o Donner. El Torres e Iglesias demuestran una vez más que no hay historias, tonos o géneros pasados de moda; todo depende del talento para rescatarlos. El resultado es que estas páginas nos dejan con ganas de más, no por falta de calidad, sino porque despiertan nuestra imaginación más allá de lo que nos cuentan. El talento de El Torres para elegir a sus ilustradores siempre ha sido impresionante, y esta vez no es la excepción. La obra de Collar es fabulosa, y con el color de Gutiérrez se eleva aún más. Aunque ya conocíamos sus habilidades gracias a Wicca. Las hijas del bosque, en El mapa del miedo su arte brilla aún más debido a los guiños y elementos diversos que el guion ofrece. Collar logra capturar tanto lo sobrenatural como lo cotidiano, desde los personajes juveniles hasta el Madrid nocturno y oculto que sirve de escenario. Este cómic demuestra cómo se puede abordar la realidad que nos rodea sin necesidad de centrarse en temas específicos, y cómo la lectura puede ser placentera cuando los autores son capaces de visualizar todo un universo de aventuras y mostrarnos solo la parte que desean. Un verdadero deleite. Además, El mapa del miedo es un ejemplo sobresaliente de novela gráfica que logra una armonía perfecta entre la narrativa y el arte visual. La trama se desenvuelve de manera fluida y atractiva, mientras que el estilo visual de Collar y Gutiérrez aporta una atmósfera única y cautivadora. Los personajes están bien desarrollados y sus interacciones son creíbles y emocionantes. Este cómic también se destaca por la manera en que aborda temas culturales y sociales, enriqueciendo aún más la experiencia de lectura y ampliando nuestro conocimiento de la mitología y el folclore españoles. En resumen, El mapa del miedo es una novela gráfica imprescindible para cualquier amante del género y una magnífica adición a la colección de cualquier entusiasta de las novelas gráficas. // Autor: El Torres y Jorge Iglesias // Editorial: Karras SOBRE EL AUTOR El Torres es el seudónimo de Juan Antonio Torres, un guionista de cómic español nacido el 13 de marzo de 1972 en Málaga. Es conocido por su habilidad para mezclar géneros en sus obras, así como por su talento en la creación de historias de terror y misterio. Comenzó su carrera como guionista en la década de 1990 y desde entonces ha trabajado en numerosos proyectos tanto en España como en el extranjero. El Torres se graduó en la Universidad de Málaga con una licenciatura en Ciencias de la Información. Desde temprana edad, mostró un gran interés por el mundo del cómic y la literatura, lo que lo llevó a trabajar en varios fanzines antes de comenzar su carrera profesional. Su primer trabajo importante como guionista fue en la serie “Clase nocturna” de la editorial Dude Comics en 1998. A lo largo de los años, El Torres ha trabajado con varios artistas y editoriales, y ha sido el creador y guionista de muchas series de éxito, como “Nancy in Hell”, “El Velo”, “El Bosque de los Suicidas” y “Ghost Wolf”. También ha escrito guiones para editoriales internacionales como Image Comics, IDW Publishing y Dark Horse Comics. Además, fundó la editorial Amigo Comics en 2012, donde ha publicado sus propias obras y las de otros talentosos creadores españoles. Por otro lado, Jorge Iglesias, también conocido como Ken Niimura, nació el 2 de mayo de 1981 en Madrid. Es un ilustrador y guionista de cómic español de ascendencia japonesa. Su estilo de dibujo combina elementos del manga japonés con el cómic europeo, lo que le ha permitido desarrollar un estilo único y reconocible. Jorge Iglesias estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid y comenzó su carrera en el mundo del cómic publicando en fanzines y revistas independientes. Su primer trabajo profesional fue en la serie “El Otro Yo del Dr. Jekyll” de la editorial Dude Comics en 2003. La obra más conocida de Jorge Iglesias es “I Kill Giants”, una novela gráfica escrita por Joe Kelly y publicada por Image Comics en 2008. La historia sigue a una niña que lucha contra gigantes imaginarios mientras enfrenta problemas en su vida diaria. “I Kill Giants” recibió numerosos premios y fue adaptada a una película en 2017. Además de su trabajo en “I Kill Giants”, Jorge Iglesias ha colaborado con El Torres en proyectos como “El mapa del miedo” y “Wicca: Las hijas del bosque”. También ha trabajado en cómics de superhéroes como “Spider-Man” y “Wolverine” para editoriales como Marvel Comics y DC Comics. En resumen, El Torres y Jorge Iglesias son dos talentosos creadores españoles que han dejado una marca indeleble en la industria del cómic. Sus obras abarcan una amplia variedad de géneros y estilos, y han sido reconocidas por su habilidad para contar historias emocionantes y conmovedoras. Juntos, han creado algunas de las novelas gráficas más memorables y originales de la última década. Score [...]
El mapa del miedo
Los demonios de Alexia 1

SINOPSIS El Centro de Investigación de Fenómenos Sobrenaturales es una institución discreta cuya misión es luchar contra los fenómenos ocultos que se manifiestan en todo el planeta. El día que la joven Alexia llegue al centro, su vida se volverá al revés. Exorcista principiante pero talentosa, no puede controlar sus poderes, que se convertirán en su principal herramienta de trabajo. ¡Pero también es en la fuente de sus problemas! Rodeado por los mejores especialistas en ciencias ocultas, nuestra heroína dirigirá investigaciones policiales reales. En ellos los delincuentes clásicos son reemplazados por las fuerzas del mal. Para luchar mejor contra sus enemigos, Alexia tendrá que ir a Yorthopia, un país mítico que reúne todo el conocimiento oculto. BOOK SHORT REVIEW ENGLISH REVIEW The Demons of Alexia, created by writer Benoît Dugomier and illustrator Benoît Ers, establishes a special connection with the most traditional Franco-Belgian comic, evoking the mysteries of Tintin, while also managing to transport us to our present day in a very natural way. The timelessness of the work is similar to the effect of the cover of the Spanish edition of this first integral, which combines an antique flavor with a contemporary touch. The series, starring Alexia, a young woman who is half exorcist and half witch, approaches us as readers from different perspectives, delving into a new and mysterious world where every corner hides surprises. This first major story arc of four albums confirms the enormous potential of the series and a practical approach to entertainment, something that is very enjoyable in an era where the gruesome and the spectacular are common. Dugomier, an experienced writer in the world of comics, creates a well-constructed mystery story, introducing us to a protagonist accustomed to solving problems, a young, attractive, and restless exorcist. From there, he leaves us clues and open paths, allowing readers of any age to imagine how the plot can evolve. The story delves into Alexia’s personality, exploring what defines her inner self and her relationship with the fantastic setting in which she operates. The blend of these two aspects is very natural, and Dugomier skillfully adds elements, characters, and realities to the graphic novel’s universe. The Demons of Alexia is partly a personalist series, but Dugomier creates a microcosm around the protagonist that is equally powerful and could give rise to many more stories. This timeless comic is not limited to a specific audience group. Although Ers, the illustrator, opts for a youthful and simple drawing style, this does not mean that The Demons of Alexia should be considered exclusively as a juvenile comic. The story and the artwork know how to play with imagination in supernatural fantasy and with wonderful narrative ideas, presenting very well-modeled characters. Ers not only adapts to what Dugomier writes but makes it his own, drawing out all the possibilities of murky moments that, through his pencils, can be seen without a problem. The Demons of Alexia closes a cycle but opens a world, and that is what can be asked of an original story above anything else. The authors, Dugomier and Ers, offer us a protagonist whom it is a pleasure to follow, with elegance and good taste, enriching the readers’ experience in the graphic novel universe. SPANISH REVIEW Los demonios de Alexia, creada por el guionista Benoît Dugomier y el ilustrador Benoît Ers, establece una conexión especial con el cómic francobelga más tradicional, evocando los misterios de Tintín, a la vez que logra transportarnos a nuestros días de manera muy natural. La atemporalidad de la obra es similar al efecto de la cubierta de la edición española de este primer integral, que combina un sabor antiguo con un toque contemporáneo. La serie, protagonizada por Alexia, una joven mitad exorcista y mitad bruja, nos aborda como lectores desde distintas perspectivas, adentrándose en un mundo nuevo y misterioso donde cada rincón esconde sorpresas. Este primer gran arco argumental de cuatro álbumes confirma el enorme potencial de la serie y un enfoque práctico del entretenimiento, algo que resulta muy agradable en una era en la que lo truculento y lo espectacular son comunes. Dugomier, un guionista experimentado en el mundo del cómic, crea una historia de misterio bien construida, presentándonos a una protagonista acostumbrada a resolver problemas, una exorcista joven, atractiva e inquieta. A partir de ahí, nos va dejando pistas y caminos abiertos, permitiendo a lectores de cualquier edad imaginar cómo puede evolucionar la trama. La historia se adentra en la personalidad de Alexia, explorando lo que define su ser íntimo y su relación con el escenario fantástico en el que se desenvuelve. La mezcla de estos dos aspectos es muy natural, y Dugomier añade hábilmente elementos, personajes y realidades al universo de la novela gráfica. Los demonios de Alexia es en parte una serie personalista, pero Dugomier crea un microcosmos alrededor de la protagonista que es igual de potente y podría dar lugar a muchas más historias. Este cómic atemporal no se limita a un grupo específico de público. Aunque Ers, el ilustrador, apuesta por un dibujo juvenil y sencillo, esto no significa que Los demonios de Alexia deba considerarse como un tebeo exclusivamente juvenil. La historia y el dibujo saben jugar con la imaginación en la fantasía sobrenatural y con las ideas narrativas maravillosas, presentando personajes muy bien modelados. Ers no solo se adapta a lo que escribe Dugomier, sino que lo hace propio, sacando todas las posibilidades a momentos turbios que, en sus lápices, se pueden ver sin problema. Los demonios de Alexia cierra un ciclo, pero abre un mundo, y eso es lo que se le puede pedir a una historia original por encima de cualquier otra cosa. Los autores, Dugomier y Ers, nos ofrecen un personaje protagonista al que da gusto seguir, con elegancia y buen gusto, enriqueciendo la experiencia de los lectores en el universo de la novela gráfica. // Autor: Benoit Ers, Vincent Dugomier // Editorial: Nuevo Nueve SOBRE EL AUTOR Benoît Ers y Vincent Dugomier son dos destacados artistas del mundo del cómic europeo, que han creado conjuntamente la exitosa serie de novelas gráficas “Los demonios de Alexia”. A lo largo de sus carreras, ambos han trabajado en diversos proyectos que han dejado una huella en la industria del cómic. Benoît Ers nació el 1 de enero de 1971 en Ixelles, Bélgica. Desde muy joven, mostró un gran interés por el arte y el dibujo. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Lieja, donde se especializó en ilustración y cómic. Al terminar sus estudios, comenzó a trabajar en el ámbito del cómic francobelga, ilustrando para revistas y colaborando con otros artistas en diferentes proyectos. Su estilo de dibujo es fácilmente reconocible por su simplicidad y expresividad, lo que le permite comunicar emociones y situaciones complejas de manera efectiva. A lo largo de su carrera, Ers ha trabajado en numerosas series de cómics, incluyendo “Le Gang Mazda” y “Hell School”. Por otro lado, Vincent Dugomier, conocido en el ámbito profesional como Dugomier, nació el 12 de noviembre de 1964 en Bélgica. Desde temprana edad, Dugomier mostró habilidades para la escritura y la narración, lo que lo llevó a estudiar literatura y periodismo. Posteriormente, se adentró en el mundo del cómic como guionista, colaborando con diversos artistas y trabajando en múltiples proyectos. Su habilidad para crear historias intrigantes y personajes memorables lo convirtió en un guionista muy solicitado en la industria del cómic. Algunas de sus obras más destacadas incluyen “La Empresa” y “Chicos”. Fue en 2005 cuando Benoît Ers y Vincent Dugomier unieron fuerzas para crear la serie de cómics “Los demonios de Alexia”, que se convertiría en un gran éxito en Europa y en todo el mundo. La serie cuenta la historia de una joven llamada Alexia, mitad exorcista y mitad bruja, que se adentra en un mundo sobrenatural lleno de misterios y desafíos. La combinación del estilo de dibujo de Ers y las habilidades narrativas de Dugomier resultó en una obra que cautivó a lectores de todas las edades. “Los demonios de Alexia” ha sido reconocida por su originalidad, su estilo visual y su narrativa envolvente. La serie ha sido traducida a varios idiomas y ha sido objeto de numerosos premios y reconocimientos a lo largo de los años. Gracias al éxito de esta colaboración, Ers y Dugomier han seguido trabajando juntos en otros proyectos, como “L’envolée sauvage”, una serie de cómics ambientada en la Segunda Guerra Mundial. A lo largo de sus carreras, tanto Ers como Dugomier han sido invitados a participar en festivales y eventos de cómics en todo el mundo, donde han compartido sus conocimientos y experiencias con aficionados y profesionales del medio. Score [...]

SINOPSIS Para Superman, es un día cualquiera. Protege Metropolis de diversos villanos, incluida la organización conocida como Intergang, pero está a punto de surgir un peligro inconcebible en la remota Kazajistán. Se trata de un nuevo adversario al que el Hombre de Acero solo hará frente si lo permite Arión, un hechicero venido del pasado remoto de Atlantis, que le avisa de que el mundo está a punto de transformarse en una distopía horrible. Y será por su culpa. COMIC SHORT REVIEW ENGLISH Published by ECC in November 2022, it is understandable that, after the recent loss of Carlos Pacheco, we find ourselves in a state of great sensitivity and revisiting his creations becomes a tribute to his talent. Pacheco was exceptionally talented, and his illustrations continue to amaze readers. In “Superman: The Fall of Camelot,” both Busiek’s script and Pacheco’s art shine. Although not one of Superman’s most mentioned stories, few times have we seen such a deep knowledge of superheroes as that of Busiek and Pacheco. Together, they created an extraordinary work, aware of the limits of the genre and what makes their characters special. Everything in this work works, from the first issue centered on the relationship between Clark and Lois to the epic saga that gives the book its title, supported on a base of excellence and professionalism. Busiek manages to open the book by showing Lois in underwear naturally in Superman’s life, demonstrating his ability to plot an adventure that delights readers. For Busiek, everything has a place in superhero comics if it has a certain and wonderful internal logic. In this work, he presents a future in which Superman becomes an agent of destruction of humanity, allowing him to explore again what defines the hero. Although it is a self-contained story that does not aspire to define future continuity, the bet is ambitious. Busiek plays with Superman’s identity, Clark Kent’s loves, the elements that define the character, and the Justice League, achieving an intense, balanced, and classic rhythm in line with the authors involved. Of course, Pacheco also deserves recognition. His heroes look like such, and Superman, the first and most recognizable of all, demands a plus that the Spanish illustrator offers with impressive energy. The delight in his flight poses, the interaction with other characters, and all the fantastic iconography on these pages, including the revision of Superman himself, are brilliant and effective. Pacheco created comics in which nothing creaked, and everything seemed, literally, perfect. Busiek and Pacheco, in addition to being two wonderful authors, were friends who knew how to work together and knew what each brought to the other. There is no better formula for creating a superhero comic in general, and Superman in particular. Although “The Fall of Camelot” may not be a title that everyone cites when remembering their favorites, it is undeniable that no one can find weak points in this wonderful, entertaining, intelligent, and always satisfying comic, with the great Pacheco at the pencils. SPANISH Publicado por ECC en noviembre de 2022, es comprensible que, tras la reciente pérdida de Carlos Pacheco, nos encontremos en un estado de gran sensibilidad y que revisitar sus creaciones se convierta en un homenaje a su talento. Pacheco era excepcionalmente talentoso, y sus ilustraciones siguen asombrando a los lectores. En “Superman: La caída de Camelot”, tanto el guion de Busiek como el arte de Pacheco resplandecen. A pesar de no ser una de las historias más mencionadas de Superman, pocas veces se ha visto un conocimiento tan profundo de los superhéroes como el de Busiek y Pacheco. Juntos, crearon una obra extraordinaria, conscientes de los límites del género y lo que hace especial a sus personajes. Todo en esta obra funciona, desde el primer número centrado en la relación entre Clark y Lois hasta la épica saga que da título al libro, sustentada en una base de excelencia y profesionalismo. Busiek logra abrir el libro mostrando a Lois en ropa interior de manera natural en la vida de Superman, demostrando su habilidad para trazar una aventura que deleite a los lectores. Para Busiek, todo tiene cabida en el cómic de superhéroes si posee una cierta y maravillosa lógica interna. En esta obra, presenta un futuro en el que Superman se convierte en un agente de destrucción de la humanidad, permitiéndole explorar nuevamente lo que define al héroe. A pesar de ser una historia autoconclusiva que no aspira a definir la continuidad futura, la apuesta es ambiciosa. Busiek juega con la identidad de Superman, los amores de Clark Kent, los elementos que definen al personaje y la Liga de la Justicia, logrando un ritmo intenso, equilibrado y clásico, en consonancia con los autores involucrados. Por supuesto, Pacheco también merece reconocimiento. Sus héroes lucen como tales, y Superman, el primero y más reconocible de todos, exige un plus que el ilustrador español ofrece con una energía impresionante. El deleite en sus poses de vuelo, la interacción con otros personajes y toda la iconografía fantástica en estas páginas, incluyendo la revisión del propio Superman, son brillantes y efectivas. Pacheco creaba cómics en los que nada chirriaba y todo parecía, literalmente, perfecto. Busiek y Pacheco, además de ser dos autores maravillosos, eran amigos que sabían trabajar juntos y conocían lo que cada uno aportaba al otro. No hay mejor fórmula para crear un cómic de superhéroes en general, y de Superman en particular. Aunque “La caída de Camelot” puede no ser un título que todos citen al recordar sus favoritos, es indudable que nadie puede encontrar puntos débiles en este cómic maravilloso, entretenido, inteligente y que siempre deja buen sabor de boca, con el gran Pacheco a los lápices. // Author: Kurt Busiek // Editorial: ECC SOBRE EL AUTOR Kurt Busiek es un escritor estadounidense de cómics nacido en Boston en 1960. Es conocido por su trabajo en Marvel Comics y por ser el creador de Astro City, una serie de cómics independientes que ha recibido numerosos premios y reconocimientos. Busiek comenzó su carrera en los cómics a mediados de los años 80, trabajando en series como Power Man and Iron Fist y The Avengers para Marvel Comics. También trabajó en Marvel Fanfare y en el cómic de la serie de televisión Arma Mortal. En 1987, escribió Marvel Comics Presents, donde creó al personaje de Man-Thing. En la década de 1990, Busiek trabajó en varias series de Marvel, incluyendo The Avengers, Iron Man y Marvels. Esta última fue una miniserie de cuatro números que exploraba la historia del Universo Marvel desde la perspectiva de un fotógrafo corriente. La serie fue muy aclamada por la crítica y se convirtió en un éxito de ventas. En 1995, Busiek creó su propia serie de cómics, Astro City, en colaboración con el artista Brent Anderson. La serie se centraba en una ciudad llena de superhéroes y supervillanos, explorando los aspectos cotidianos de la vida de los personajes y las relaciones entre ellos. Astro City ha sido elogiada por su enfoque innovador y por su habilidad para mezclar elementos de diferentes géneros. Además de Astro City, Busiek ha trabajado en otras series independientes, como Thunderbolts y The Liberty Project. También ha escrito para otras editoriales, como DC Comics, donde ha trabajado en series como Superman, Wonder Woman y JLA/Avengers. En 2013, Busiek fue incluido en el Salón de la Fama de los Cómics Will Eisner en reconocimiento a su contribución a la industria del cómic. También ha recibido numerosos premios, como el Premio Eisner a la Mejor Serie Nueva por Astro City en 1996, el Premio Harvey al Mejor Escritor en 1999, y el Premio Bram Stoker al Mejor Cómic en 2009. Busiek es conocido por su enfoque innovador y su habilidad para combinar elementos de diferentes géneros en sus historias. Sus obras a menudo exploran temas profundos y complejos, como la identidad, la moralidad y la responsabilidad. Además de su trabajo en los cómics, también ha escrito novelas y ensayos sobre el medio, incluyendo “Marvels: Eye of the Camera” y “Untold Tales of Spider-Man: Strange Encounter”. En resumen, Kurt Busiek es uno de los escritores más influyentes y respetados de la industria del cómic. Su trabajo ha sido aclamado por la crítica y ha recibido numerosos premios y reconocimientos. Con su enfoque innovador y su habilidad para mezclar elementos de diferentes géneros, Busiek ha ayudado a definir la dirección del medio en las últimas décadas. Score [...]
Superman: La caída de Camelot
Mátalos a todos

SINOPSIS Las vidas de un grupo de adolescentes cambian de forma dramática cuando dos chicas son brutalmente asesinadas en su hasta entonces tranquilo pueblo. La presencia policial en la zona dificulta los trapicheos de Pola, mientras el tímido Daniel resiste impulsos cada vez más morbosos y los medios de comunicación especulan acerca de la identidad del asesino, alimentando la paranoia. COMIC SHORT REVIEW ENGLISH Published by ECC, “Kill Them All” by Antoine Maillard is a complex work that is not easy to digest. On the one hand, it immerses us in a fantastic thriller in which inexplicable events occur from a rational perspective. On the other hand, it focuses on the adolescent emotions of its characters, mostly high school students, and on the life of a small community with its interactions, forming a microcosm that can be extrapolated to the real life of readers. This combination, with its powerful black and white, creates an unsettling atmosphere that touches sensitive fibers and places a serial killer at the center of attention, making everything around him even more impactful. Although not a perfect work, “Kill Them All” disturbs the reader and leaves them reflecting after closing the last page. Maillard aims to portray the end of innocence from different perspectives. Adolescence is the ideal time for this, and the author presents characters who have left their childhood behind and others who struggle not to change. The presence of adults in the work contributes to generating negative emotions and a sad and oppressive atmosphere, which is aggravated by the appearance of the killer. The moral ambiguity in the plot is a double-edged sword, providing vitality and imbalance at the same time. However, the general feelings during the narration are positive, even with a somber ending. From a visual point of view, Maillard works with similar ideas. His style combines attractive realism with a dreamlike sensation, manifested in the appearances of the killer, where something is out of the ordinary, but the danger is not perceived until it is too late. The black and white illustrations with a graphite base are disturbing, and the changing portrait of adolescence manages to keep the reader’s attention. The good use of silences compensates for the choice of hieratic figures, avoiding this being a problem. In this way, “Kill Them All” fulfills its purpose of altering the reader, whether it be through the coldness of the community, the latent violence that explodes with the appearance of the serial killer, or the way it approaches adolescence. The work does so through diverse and, to some extent, contradictory avenues, although the story finally leads them coherently. SPANISH Publicada por ECC, “Mátalos a todos” de Antoine Maillard es una obra compleja que no resulta fácil de digerir. Por un lado, nos sumerge en un thriller fantástico en el que suceden eventos inexplicables desde una perspectiva racional. Por otro, se enfoca en las emociones adolescentes de sus personajes, en su mayoría estudiantes de secundaria, y en la vida de una pequeña comunidad con sus interacciones, conformando un microcosmos que puede extrapolarse a la vida real de los lectores. Esta combinación, con su poderoso blanco y negro, crea una atmósfera inquietante que toca fibras sensibles y sitúa a un asesino en serie en el centro de atención, haciendo que todo lo que le rodea sea aún más impactante. Aunque no es una obra perfecta, “Mátalos a todos” perturba al lector y lo deja reflexionando después de cerrar la última página. Maillard tiene como objetivo retratar el fin de la inocencia desde diferentes perspectivas. La adolescencia es el momento idóneo para ello, y el autor presenta personajes que han dejado atrás su niñez y otros que luchan por no cambiar. La presencia de adultos en la obra contribuye a generar emociones negativas y una atmósfera triste y opresiva, que se agrava con la aparición del asesino. La ambigüedad moral en la trama es un arma de doble filo, aportando vitalidad y desequilibrio a la vez. Sin embargo, las sensaciones generales durante la narración son positivas, incluso con un final sombrío. Desde el punto de vista visual, Maillard trabaja con ideas similares. Su estilo combina un realismo atractivo con una sensación onírica, manifestada en las apariciones del asesino, donde algo se sale de lo común, pero no se percibe el peligro hasta que es demasiado tarde. Las ilustraciones en blanco y negro con base de grafito resultan perturbadoras, y el retrato cambiante de la adolescencia logra mantener la atención del lector. El buen uso de los silencios compensa la elección de figuras hieráticas, evitando que esto sea un problema. De esta manera, “Mátalos a todos” cumple su propósito de alterar al lector, ya sea por la frialdad de la comunidad, la violencia latente que explota con la aparición del asesino en serie o la forma en que aborda la adolescencia. La obra lo hace a través de vías diversas y, en cierta medida, contradictorias, aunque la historia finalmente las reconduce de manera coherente. // Author: Antoine Maillard // Editorial: ECC SOBRE EL AUTOR Antoine Maillard es un dibujante y guionista francés nacido en 1985. Comenzó su carrera en el mundo del cómic en 2006, cuando colaboró en el proyecto “Les Enfants de la Résistance”, un cómic que narra la historia de tres niños durante la Segunda Guerra Mundial. Maillard trabajó en el proyecto durante varios años, lo que le permitió consolidarse como dibujante y guionista. En 2012, Maillard publicó su primera obra en solitario, “La Contessa”, una historia de aventuras que se desarrolla en el siglo XVIII y que mezcla elementos históricos con elementos fantásticos. La obra recibió críticas positivas y fue muy bien recibida por los lectores, lo que llevó a Maillard a publicar su segunda obra en solitario, “L’Inconnu du Pacifique”, en 2014. Esta obra cuenta la historia de un joven náufrago que es rescatado por un barco francés en el siglo XIX. Sin embargo, fue en 2019 cuando Maillard alcanzó un gran éxito con su obra “Mátalos a todos” (“Tuez-les tous”), publicada originalmente en Francia por Glénat y posteriormente en España por ECC. La obra se centra en una serie de asesinatos que tienen lugar en una pequeña comunidad y en la vida de los adolescentes que la conforman. Maillard se encargó tanto del guion como del dibujo de la obra, lo que le permitió crear una atmósfera inquietante y un estilo visual único. “Mátalos a todos” recibió numerosos premios, incluyendo el premio a la mejor obra en el festival de cómic de Angoulême en 2020. Maillard es conocido por su estilo de dibujo detallado y realista, que combina a la perfección con su habilidad para crear tramas complejas y emocionantes. Sus obras están influenciadas por el cine y la literatura, lo que le permite crear historias originales y llenas de sorpresas. Además de su trabajo en el mundo del cómic, Maillard también ha trabajado en otros medios, como el cine y la televisión. En 2017, colaboró con el director francés Jean-Pierre Jeunet en el diseño de vestuario de su película “Un cuento francés”. También ha trabajado en la creación de storyboards y animatics para anuncios de televisión y cortometrajes. En resumen, Antoine Maillard es uno de los dibujantes y guionistas más talentosos de su generación. Su obra “Mátalos a todos” es considerada una de las mejores obras del cómic europeo de los últimos años y le ha valido el reconocimiento de la crítica y el público. Su estilo de dibujo detallado y realista, combinado con su habilidad para crear tramas complejas y emocionantes, lo convierten en un autor a seguir de cerca en el futuro. Score [...]

SINOPSIS Un año después de los acontecimientos en Archer’s Peak, Erica Slaughter reaparece en Nuevo México para encargarse del caso de una niña que ha visto un nuevo tipo de monstruo, uno con implicaciones aterradoras. Pero la Orden de San Jorge no perdona, ni olvida, y que Erica rompiera sus lazos con la Casa Slaughter está a punto de tener consecuencias mortales. COMIC SHORT REVIEW ENGLISH In the fifth volume of “Something is Killing the Children” by James Tynion IV and Werther Dell’Edera, published by Planeta Cómic, the series continues after an exciting first arc consisting of three parts and a fourth volume that served as a retrospective. The plot remains thrilling, with the world of monsters in which Erika Slaughter operates showing appeal in two facets: the fantastic aspect, where impossible creatures evoke Stranger Things, and the more grounded aspect, focused on the emotions of the children attacked by monsters and the lodge that seeks to confront Erika. However, this volume feels more like an introduction to what’s to come, maintaining a brisk pace and introducing new characters with determining roles in the future. Nonetheless, the final scene is the most momentous, opening the doors to the next volume. From the beginning, “Something is Killing the Children” has a special touch, as it is evident that Tynion has created a complete world in his mind. While the first installment could have been enough, the series has the potential to continue expanding. The writer’s merit lies in his ability to advance the story while presenting more information and opening up new possibilities for the future. The climax of this volume shows an emotional intensity different from the previously seen physical action, revealing a shift in which humans become the monsters to protect themselves from, rather than supernatural creatures. This significant change requires time, which Tynion takes on these pages. One standout aspect of the series’ artwork is the complementarity between the writer and illustrator. For example, it is unclear whether Erika’s big eyes were in the original script or emerged in Dell’Edera’s character design, but both integrate them relevantly into the plot. Dell’Edera provides a striking and captivating visual style to “Something is Killing the Children,” with outstanding staging, intense action, and charismatic characters that support the series’ success. Erika is an interesting central character, both for the definition provided by Tynion and the visual representation by Dell’Edera. The series is a visual spectacle that blends genres and catches attention from the first cover. This visual quality would be meaningless if the content of the interior pages were not up to par and full of surprises. In summary, it is an excellent comic and a good series, with room for improvement in future episodes. The volume collects issues 21-25 of “Something is Killing the Children,” published by Boom! Studios between October 2021 and February 2022, and includes as extra content the original covers by Werther Dell’Edera. SPANISH En el quinto volumen de “Hay algo matando a los niños”, de James Tynion IV y Werther Dell’Edera, y publicado por Planeta Cómic, la serie avanza después de un emocionante primer arco argumental compuesto por tres partes y un cuarto volumen que funcionó como retrospectiva. La trama continúa siendo apasionante, con el mundo de monstruos en el que Erika Slaughter se desenvuelve, mostrando un atractivo en dos facetas: el aspecto fantástico, donde las criaturas imposibles evocan a Stranger Things, y el aspecto más apegado a la realidad, centrado en las emociones de los niños atacados por monstruos y en la logia que busca enfrentar a Erika. No obstante, este volumen se percibe más como una introducción a lo que vendrá, manteniendo un ritmo elevado y presentando nuevos personajes con roles determinantes en el futuro. A pesar de esto, la escena final es la más trascendental, abriendo las puertas al siguiente volumen. Desde sus inicios, “Hay algo matando a los niños” posee un toque especial, pues se intuye que Tynion ha creado un mundo completo en su mente. Si bien la primera entrega podría haber sido suficiente, la serie tiene el potencial de seguir expandiéndose. El mérito del escritor yace en su habilidad para avanzar en la historia mientras se presenta más información y se abren nuevas posibilidades para el futuro. El clímax de este volumen muestra una intensidad emocional distinta a la acción física previamente vista, revelando un cambio en el que los humanos se convierten en monstruos a los que protegerse, en lugar de las criaturas sobrenaturales. Este cambio significativo requiere tiempo, el cual Tynion toma en estas páginas. Un aspecto destacado del dibujo de la serie es la complementariedad entre escritor e ilustrador. Por ejemplo, se desconoce si los grandes ojos de Erika estaban en el guion original o si surgieron en el diseño de personajes de Dell’Edera, pero ambos los integran de manera relevante en la trama. Dell’Edera brinda un estilo visual impactante y cautivador a “Hay algo matando a los niños”, con una puesta en escena sobresaliente, acción intensa y personajes carismáticos que respaldan el éxito de la serie. Erika es un personaje central interesante tanto por la definición que le otorga Tynion como por la representación visual de Dell’Edera. La serie es un espectáculo visual que fusiona géneros y llama la atención desde la primera portada. Esta calidad visual no tendría valor si el contenido de las páginas interiores no estuviera a la altura y lleno de sorpresas. En resumen, es un cómic excelente y una buena serie, con margen de mejora para futuros episodios. El volumen recopila los números 21 a 25 de “Something is Killing the Children”, publicados por Boom! Studios entre octubre de 2021 y febrero de 2022, e incluye como contenido extra las portadas originales de Werther Dell’Edera. // Author: James Tynion IV // Editorial: Planeta Comic SOBRE EL AUTOR James Tynion IV es un escritor de cómics estadounidense, nacido el 14 de diciembre de 1987 en Nueva York. Tynion estudió escritura creativa en la Universidad de Sarah Lawrence y obtuvo un título de posgrado en escritura de guiones en la Universidad de Nueva York. Tynion comenzó su carrera en la industria del cómic en 2011 como ayudante editorial de Scott Snyder en la serie de DC Comics “Batman”. Posteriormente, Tynion trabajó como escritor de cómics en varias series de DC Comics, incluyendo “Batman Eternal”, “Detective Comics” y “Justice League Dark”. También ha trabajado en otros títulos de DC, como “The Backstagers” y “The Woods”. En 2016, Tynion lanzó su propia serie de cómics, “The Backstagers”, con ilustraciones de Rian Sygh. La serie sigue a un grupo de estudiantes que trabajan en los bastidores de una obra teatral en una escuela secundaria. La serie recibió críticas positivas por su enfoque inclusivo y diverso. Sin embargo, fue en 2019 cuando Tynion alcanzó la fama con su serie de terror “Something is Killing the Children”, publicada por Boom! Studios. La serie sigue a un grupo de niños que son atacados por monstruos en una pequeña ciudad y a la cazadora de monstruos Erika Slaughter, quien trata de detener la amenaza. La serie fue un éxito crítico y comercial, lo que llevó a Tynion a firmar un acuerdo exclusivo con Boom! Studios. En 2020, Tynion se unió al equipo creativo de la serie de Batman de DC Comics, escribiendo la serie “Batman” y “Joker War”. En “Joker War”, Tynion llevó a Batman a su límite, enfrentándolo a una guerra contra el Joker y sus secuaces en Gotham City. Además de su trabajo en cómics, Tynion ha escrito novelas de terror, como “The New Order” y “The Eighth Seal”. También ha sido reconocido por su trabajo en la industria del videojuego, trabajando en la creación de contenido para juegos como “Batman: Arkham Knight”. En su trabajo, Tynion es conocido por su enfoque en la construcción de mundos y personajes complejos y multidimensionales. Además, su escritura aborda temas como la inclusión, la diversidad y la lucha contra la injusticia. En 2021, Tynion anunció que dejaría la serie de Batman de DC Comics para enfocarse en proyectos de cómics originales, incluyendo “Something is Killing the Children” y “Wynd”. También se ha anunciado una serie de televisión en desarrollo basada en “Something is Killing the Children”. Con su enfoque en historias de terror y personajes complejos, James Tynion IV ha dejado una marca duradera en la industria del cómic. Su éxito ha sido reconocido con varios premios, incluyendo el Premio Eisner y el Premio GLAAD Media. Su trabajo continuará inspirando y cautivando a los lectores durante años. Score [...]
Hay algo matando a los niños 5
Agente de fútbol 1

SINOPSIS ¿Cómo se pide un aumento? ¿Deberías aceptar a la primera la oferta de fichaje del club de tus sueños? ¿Cómo funciona lo de clasificarse para el mundial? ¿De verdad ha llegado la hora de echar al entrenador?  ¡Tranquilos, futbolistas, vuestro representante está aquí para ayudaros a llegar a lo más alto! COMIC SHORT REVIEW ENGLISH Recently, I had the opportunity to read “Football Agent,” a work by Nohda Tatsuki published by Editorial Hidra. The book highlights the evolution experienced by the sports world in recent decades and how it is reflected in popular narrative. Manga and anime introduced us to “Captain Tsubasa,” which was adapted into the TV series “Oliver and Benji.” These stories used to focus on the protagonists, the football players. “Football Agent” addresses an aspect of the sport that was previously not as well known or relevant to fans: the world of sports agents. The series, created by Nohda Tatsuki, tells the lives of two agents with different approaches: an experienced and unscrupulous agent, and a young apprentice driven by his passion for the sport. The plot revolves around two main axes: the presentation of the characters and the specific stories of the footballers and coaches they represent. The series stands out for its focus on the contrasts between the characters and how they face each situation, from the hiring of foreign players to the injuries of veterans and coaching changes. Despite being a series about football, “Football Agent” focuses more on the behind-the-scenes aspects than on the action on the field. Tatsuki takes a drama and light comedy-centered approach, exploring the world of sports agents. The illustrations are detailed and well-crafted, both in the representation of the characters and in the settings. While some readers might miss more action on the field, “Football Agent” provides a fresh and current perspective in the sports manga genre. The series lays the groundwork for future stories, whether by bringing back characters or exploring how the actions of these agents influence the development of future events. Overall, it is an attractive read that offers a novel view of the world of football. SPANISH Hace poco tuve la oportunidad de leer “Agente de Fútbol”, una obra de Nohda Tatsuki publicada por Editorial Hidra. El libro pone de relieve la evolución experimentada por el mundo del deporte en las últimas décadas y cómo se refleja en la narrativa popular. El manga y el anime nos introdujeron a “Capitán Tsubasa”, que fue adaptado a la serie televisiva “Oliver y Benji”. Estas historias solían enfocarse en los protagonistas, los jugadores de fútbol. “Agente de Fútbol” aborda un aspecto del deporte que anteriormente no era tan conocido ni relevante para los aficionados: el mundo de los representantes deportivos. La serie, creada por Nohda Tatsuki, narra las vidas de dos agentes con enfoques distintos: un agente experimentado y sin escrúpulos, y un joven aprendiz movido por su pasión por el deporte. La trama se desarrolla en torno a dos ejes principales: la presentación de los personajes y las historias específicas de los futbolistas y entrenadores que representan. La serie destaca por su enfoque en los contrastes entre los personajes y la forma en que enfrentan cada situación, desde la contratación de jugadores extranjeros hasta las lesiones de veteranos y cambios de entrenador. A pesar de ser una serie sobre fútbol, “Agente de Fútbol” se enfoca más en los aspectos detrás de bambalinas que en la acción dentro del campo. Tatsuki adopta un enfoque centrado en el drama y la comedia ligera, explorando el mundo de los agentes deportivos. Las ilustraciones son detalladas y cuidadas, tanto en la representación de los personajes como en los escenarios. Si bien algunos lectores podrían echar de menos más acción en el campo, “Agente de Fútbol” brinda una perspectiva fresca y actual en el género del manga deportivo. La serie sienta las bases para futuras historias, ya sea recuperando personajes o explorando cómo las acciones de estos agentes influyen en el desarrollo de eventos futuros. En general, es una lectura atractiva que ofrece una visión novedosa del mundo del fútbol. // Author: Nohda Tatsuki // Editorial: Editorial Hidra SOBRE EL AUTOR Nohda Tatsuki es un mangaka (dibujante de manga) y escritor japonés conocido por su trabajo en el género del deporte, en particular en el fútbol. Nació en la ciudad de Kobe, Japón, el 8 de mayo de 1967. Desde joven, Tatsuki mostró un gran interés en el dibujo y la narración de historias. En su juventud, comenzó a trabajar en pequeñas publicaciones de manga amateur y envió sus trabajos a revistas de manga para su consideración. Después de graduarse de la Universidad de Arte de Osaka en 1992, trabajó como diseñador gráfico antes de dedicarse por completo a la creación de manga. En 1995, Tatsuki publicó su primera obra importante, “Rookies”, un manga sobre un equipo de béisbol de secundaria. El trabajo tuvo una gran recepción por parte del público y se adaptó a una serie de televisión en 2008. “Rookies” se convirtió en una de las obras más destacadas de Tatsuki y lo estableció como un autor de manga deportivo de renombre. En 2005, Tatsuki comenzó a publicar “Agente de Fútbol”, su obra más destacada hasta la fecha. La serie se centra en el mundo de los agentes deportivos y la forma en que representan a los jugadores de fútbol. La serie fue bien recibida y se adaptó a una serie de televisión en 2018. “Agente de Fútbol” también ayudó a Tatsuki a consolidarse como un autor de manga deportivo con una perspectiva única en el género. Además de “Rookies” y “Agente de Fútbol”, Tatsuki ha creado una serie de otros trabajos de manga deportivo. En 2001, publicó “Ace!”, una serie sobre un equipo de vóley de secundaria. En 2006, creó “Giant Killing”, un manga sobre un equipo de fútbol profesional japonés que lucha por llegar a la cima de la liga. “Giant Killing” se adaptó a una serie de televisión en 2010. El trabajo de Tatsuki se caracteriza por su enfoque en los personajes y las relaciones interpersonales, así como por su atención al detalle en la representación de los deportes. En particular, Tatsuki se ha destacado por su habilidad para crear personajes complejos y realistas que reflejan las complejidades del mundo del deporte. A lo largo de su carrera, Tatsuki ha sido galardonado con varios premios de manga, incluido el Premio Shogakukan de Manga en 2000 por “Rookies” y el Premio Kodansha de Manga en 2010 por “Giant Killing”. También ha sido reconocido por su contribución al mundo del manga deportivo, siendo invitado como orador a eventos de manga en todo Japón. En resumen, Nohda Tatsuki es un autor de manga deportivo japonés conocido por su habilidad para crear personajes realistas y complejos en el contexto del deporte. Su trabajo ha sido ampliamente reconocido y ha dejado una huella duradera en el mundo del manga deportivo. Score [...]

SINOPSIS Dani y Dorian Wytte han vivido un montón de aventuras desde que perdieron aquel autobús a la escuela. Colarse en el aquelarre los metió en más problemas de lo que preveían y terminaron involucrándose en una lucha abierta entre los brujos y los no-magos. Con sus padres y el resto de brujos sedientos de sangre y venganza y con los no-magos cada vez más acorralados, Dani y Dorian no saben de qué lado estar… ni si alguno de los bandos es realmente el suyo. Y eso incluye a su hermano, Damien, que ha desaparecido sin dejar rastro tras su coronación como Rey de los Brujos. Dani y Dorian deberán emprender un viaje a través del desierto hacia nuevos reinos para encontrar a sus amigos desaparecidos. En esta nueva aventura, descubrirán las crueles consecuencias del legado de los no-magos, el poder que corre por las venas de los Wytte y lo duro que es no estar nunca a salvo. Por suerte, no están solos. COMIC SHORT REVIEW ENGLISH In the aftermath of the first Hooky book, Dani and Dorian’s lives are irrevocably transformed. Dorian must choose a side, as his feelings for Monica deepen. Meanwhile, Dani becomes the haunted witch queen, grappling with her fears of who she is and who she might become. Monica faces her own emotional turmoil, struggling with her conflicting feelings for Dorian. Together, Mark, Dorian, Damien, Nico, and Dani embark on a quest to save William, while Monica’s eventual engagement to William looms in the background. As tensions rise, Dani and Dorian must choose their allegiances, with their perspectives and relationships becoming increasingly fractured. Dani longs for the unwavering loyalty Dorian once had for her, but she can no longer be the person she once was. Neither her friends nor Dorian, whose affection for Monica is increasingly evident, seem to understand the new Dani. Torn between her emotions and the ghosts of her past and present, Dani must make a choice. Hooky Volume Two, written by the incredible Miriam Bonastre Tur, is exactly what fans need in their lives. Each character in the series is unique, complex, and utterly captivating, providing a glimpse into their inner worlds. While the first book possessed a lighter tone, Volume Two delves into darker themes, exploring the profound changes in Dani’s character. No longer simply good or evil, she is now a multifaceted individual haunted by the events of the first book. Powerful emotional moments throughout the story reveal the depths of each character’s experiences. Volume Two balances lighthearted moments with serious undertones, featuring scenes that elicit smiles and laughter. The romantic subplot progresses, with Miriam masterfully maintaining tension and complications. The slow-burn, innocent romance is truly captivating, while the portrayal of Dorian and Dani’s twin relationship is flawlessly written. As their bond fractures and they confront their individual struggles, the siblings desire for the other to be something they are not. Set against a new backdrop, the book introduces fresh characters and scenes, with emotion at its core. Neither side of the conflict is portrayed as inherently good or evil, creating a blurred line that challenges the characters’ beliefs and loyalties. Focusing on the bonds between family and friends, Hooky Volume Two features imperfect yet endearing characters, such as Mark, Nico, Damien, Will, Monica, Dani, and Dorian, who readers will cheer for until the very end. This emotional series explores the familiar humans versus witches concept in a unique and engaging way, with both sides presenting compelling arguments. Miriam Bonastre Tur’s writing ensures that readers can empathize with and understand the motivations of all the characters. With its captivating plot, lovable characters, and intriguing themes, Hooky Volume Two weaves a remarkable story that will resonate with fans of the series. SPANISH En la secuela del primer libro de Hooky, las vidas de Dani y Dorian se ven transformadas irrevocablemente. Dorian debe elegir un bando, ya que sus sentimientos por Mónica se profundizan. Mientras tanto, Dani se convierte en la reina bruja atormentada, lidiando con sus miedos sobre quién es y en quién podría convertirse. Mónica enfrenta su propia agitación emocional, luchando con sus sentimientos encontrados por Dorian. Juntos, Mark, Dorian, Damien, Nico y Dani se embarcan en una búsqueda para salvar a William, mientras el compromiso eventual de Mónica con William se cierne en el fondo. A medida que aumentan las tensiones, Dani y Dorian deben elegir sus lealtades, y sus perspectivas y relaciones se vuelven cada vez más fracturadas. Dani anhela la lealtad inquebrantable que Dorian solía tener hacia ella, pero ya no puede ser la persona que era antes. Ni sus amigos ni Dorian, cuyo afecto por Mónica es cada vez más evidente, parecen comprender a la nueva Dani. Desgarrada entre sus emociones y los fantasmas de su pasado y presente, Dani debe tomar una decisión. Hooky Volumen Dos, escrito por la increíble Miriam Bonastre Tur, es exactamente lo que los fanáticos necesitan en sus vidas. Cada personaje de la serie es único, complejo y absolutamente cautivador, proporcionando un vistazo a sus mundos internos. Mientras el primer libro tenía un tono más ligero, el Volumen Dos profundiza en temas más oscuros, explorando los profundos cambios en el personaje de Dani. Ya no es simplemente buena o mala, ahora es una persona multifacética atormentada por los eventos del primer libro. Momentos emocionales intensos a lo largo de la historia revelan la profundidad de las experiencias de cada personaje. El Volumen Dos equilibra momentos ligeros con matices serios, presentando escenas que provocan sonrisas y risas. La trama romántica avanza, con Miriam manteniendo magistralmente la tensión y las complicaciones. El romance lento e inocente es verdaderamente cautivador, mientras que la representación de la relación entre los gemelos Dorian y Dani está escrita a la perfección. A medida que su vínculo se fractura y enfrentan sus luchas individuales, los hermanos desean que el otro sea algo que no son. Con un nuevo telón de fondo, el libro presenta personajes y escenas frescas, con la emoción en su núcleo. Ninguno de los bandos en el conflicto se presenta como inherentemente bueno o malo, creando una línea borrosa que desafía las creencias y lealtades de los personajes. Centrándose en los lazos entre familia y amigos, Hooky Volumen Dos presenta personajes imperfectos pero entrañables, como Mark, Nico, Damien, Will, Mónica, Dani y Dorian, por quienes los lectores animarán hasta el final. Esta serie emocional explora el conocido concepto de humanos contra brujas de una manera única y atractiva, con ambos lados presentando argumentos convincentes. La escritura de Miriam Bonastre Tur asegura que los lectores puedan empatizar y comprender las motivaciones de todos los personajes. Con su trama cautivadora, personajes entrañables y temas intrigantes, Hooky Volumen Dos teje una historia extraordinaria que resonará con los fanáticos de la serie. // Author: Míriam Bonastre Tur// Editorial: Ediciones Martínez Roca SOBRE EL AUTOR Míriam Bonastre Tur (1994), nació en Pineda de Mar, y estudió ilustración en la Escola Joso Centre de Còmic i Arts Visuals. Es conocida por haber sido parte del equipo creativo de Virtual Hero, un proyecto de El Rubius. Durante más de cuatro años, Míriam publicó semanalmente Hooky en Webtoon, plataforma digital de cómics, y su obra se convirtió en uno de los grandes éxitos internacionales de la plataforma. Gracias a este éxito, Hooky fue publicado en papel, siendo el primer tomo todo un éxito en España y en Estados Unidos, llegando incluso a entrar en las listas de más vendidos de The New York Times. Míriam también es colaboradora habitual de la revista Planeta Manga, en la que ha publicado junto a Blanca Mira, Laia López y Sara Lozoya, El príncipe de la calamidad. En la actualidad, Míriam está publicando el segundo tomo de Hooky. Score [...]
Hooky 2
Hooky

SINOPSIS Todo se complica cuando los mellizos Dani y Dorian pierden el autobús a la Escuela de Magia. Lo que debía ser el principio de su educación como brujos terminará en una serie de aventuras —y algún que otro lío— en las que conocerán a nuevos amigos de lo más dispares: Nico, el más gamberro de todos los chicos del lugar; la cursi y romántica princesa Monica; el apuesto y reservado Mark; a Pendragon, el mentor más despistado, e incluso una mascota de lo más extraña. Lo que Dani y Dorian no se esperaban era ser perseguidos por varias familias mágicas muy poderosas, que creen que uno de ellos dos es el Rey de las Brujas de una profecía. Este singular grupo de amigos deberá unirse para arreglar todos los malentendidos que han causado sus travesuras, pero ¿podrán arreglar también los conflictos del reino de una vez por todas? COMIC SHORT REVIEW ENGLISH Hooky, published by Ediciones Martínez Roca, is a captivating story about twin siblings, Dani and Dorian, who miss their bus to magic school and decide to stay with their aunt to learn magic instead. However, things take a dark turn when they are falsely accused of being traitors to witches, forcing them to run away and seek help from a soothsayer. Along the way, they befriend non-magical people, something that goes against their parents’ wishes. With their new friends, they embark on a journey to clear their names and reunite with their family. While one might initially expect a simple story about witches, Hooky offers well-developed, multi-dimensional characters that leave a lasting impression on the reader. Dani and Dorian are the main characters, but a princess, an orphan, and a popular boy in town also play significant roles in the story. Despite their differences, these characters become close friends and face various challenges together. The book’s strong point is its portrayal of characters who are flawed and struggle with their insecurities. As the story progresses, the reader watches them learn to focus on their strengths and form a strong bond as a team. This message of self-improvement and teamwork is particularly positive for young readers. In summary, Hooky is an enchanting read that captures the reader’s attention with its relatable characters and magical world. The beautiful artwork and engaging storyline make this book a must-read for any lover of fantasy. Additionally, the author’s other works are worth exploring for anyone who enjoys imaginative storytelling. I must also mention that I am thoroughly impressed with the quality of the print edition. The book is well-bound, and the paper quality is excellent, with vibrant colors that make the illustrations come to life. The attention to detail in the physical copy, such as the cover design and font choice, add to the overall reading experience. I highly recommend getting a physical copy of this book to truly appreciate its excellent production value. SPANISH Hooky, publicado por Ediciones Martínez Roca, es una historia cautivadora sobre los hermanos gemelos, Dani y Dorian, que pierden el autobús hacia la escuela de magia y deciden quedarse con su tía para aprender magia. Sin embargo, las cosas toman un giro oscuro cuando son falsamente acusados de ser traidores a las brujas, lo que los obliga a huir y buscar ayuda de una adivina. En el camino, entablan amistad con personas no mágicas, algo que va en contra de los deseos de sus padres. Con sus nuevos amigos, emprenden un viaje para limpiar sus nombres y reunirse con su familia. Aunque uno podría esperar inicialmente una historia simple sobre brujas, Hooky ofrece personajes bien desarrollados y multidimensionales que dejan una impresión duradera en el lector. Dani y Dorian son los personajes principales, pero una princesa, un huérfano y un chico popular en la ciudad también desempeñan roles significativos en la historia. A pesar de sus diferencias, estos personajes se convierten en amigos cercanos y enfrentan varios desafíos juntos. El punto fuerte del libro es su retrato de personajes con defectos y luchas con sus inseguridades. A medida que avanza la historia, el lector los ve aprender a centrarse en sus fortalezas y formar un fuerte vínculo como equipo. Este mensaje de auto-mejora y trabajo en equipo es particularmente positivo para los jóvenes lectores. En resumen, Hooky es una lectura encantadora que captura la atención del lector con sus personajes cercanos y su mundo mágico. La hermosa obra de arte y la trama atractiva hacen de este libro una lectura obligada para cualquier amante de la fantasía. Además, las otras obras del autor también son dignas de explorar para cualquiera que disfrute de la narrativa imaginativa. También debo mencionar que estoy completamente impresionado con la calidad de la edición impresa. El libro está bien encuadernado y la calidad del papel es excelente, con colores vibrantes que dan vida a las ilustraciones. La atención al detalle en la copia física, como el diseño de la cubierta y la elección de la fuente, contribuyen a la experiencia general de lectura. Recomiendo encarecidamente conseguir una copia física de este libro para apreciar verdaderamente su excelente valor de producción. // Author: Míriam Bonastre Tur // Editorial: Ediciones Martínez Roca SOBRE EL AUTOR Míriam Bonastre Tur (1994), nació en Pineda de Mar, y estudió ilustración en la Escola Joso Centre de Còmic i Arts Visuals. Es conocida por haber sido parte del equipo creativo de Virtual Hero, un proyecto de El Rubius. Durante más de cuatro años, Míriam publicó semanalmente Hooky en Webtoon, plataforma digital de cómics, y su obra se convirtió en uno de los grandes éxitos internacionales de la plataforma. Gracias a este éxito, Hooky fue publicado en papel, siendo el primer tomo todo un éxito en España y en Estados Unidos, llegando incluso a entrar en las listas de más vendidos de The New York Times. Míriam también es colaboradora habitual de la revista Planeta Manga, en la que ha publicado junto a Blanca Mira, Laia López y Sara Lozoya, El príncipe de la calamidad. En la actualidad, Míriam está publicando el segundo tomo de Hooky. Score [...]

SINOPSIS Las relaciones de una madre con su hijo al filo de la pubertad, encargos imposibles para representar como real un personaje de ficción, las dudas morales en torno a un profesor o el especial legado de un padre son algunas de las cuestiones que aborda Nadar en Transitorios, cuyos relatos no transitan por el camino más obvio. COMIC SHORT REVIEW ENGLISH The comic book “Transitorios” by Pep Domingo, also known as Nadar, published by Astiberri in the last weeks of 2022, is a work composed of four self-contained short stories that show how an event or casual encounter alters the characters’ lives and leads them to evolve and learn to begin a journey that modifies their course. The work deals with themes such as the complexity of family and emotional relationships, the difficult transition from adolescence to adulthood, concern for our legacy and the construction of collective memory, the difference between reality and fiction, and the subtle hidden violence with which we live daily. Nadar establishes himself as one of the best portraitists of the human condition in current comics thanks to stories that result in absolute universality. The characters in “Transitorios” are normal, contemporary people who live on the street, which gives them a startling verisimilitude and authenticity that the author possesses. Each story has its own personality and does not repeat narrative or argumentative resources, and they are told with subtlety and sensitivity, causing comedy to mix with drama and resulting in very different stories from each other. Nadar employs the tools of comics with a style in which there is no room for any accessory element that serves as an impediment to narrative clarity. His clean and unobtrusive stroke serves to create characters that are different from each other, perfectly recognizable, and tremendously expressive. The Astiberri edition has the usual quality and a fantastic cover and epilogue by Mery Cuesta. “Transitorios” is a work that shows all of Nadar’s talent and brings us back to the excellent observer of human nature that we knew in his early works. Although composed of several independent short stories, the work is coherent and very refreshing. The subtlety of each detail and the use of silences and ellipses create a work in which everything that is said, and especially what is not, acquires greater meaning. “Transitorios” is a work that brings us back to the excellent observer of human nature that we knew in his early works, and hopefully, we will have news of him as a complete author again soon. SPANISH El cómic “Transitorios” de Pep Domingo, también conocido como Nadar, publicado por Astiberri en las últimas semanas del 2022, es una obra compuesta por cuatro historias cortas autoconclusivas que muestran cómo un suceso o un encuentro casual altera la vida de los personajes y los lleva a evolucionar y aprender para comenzar un viaje que modifique su hoja de ruta. La obra trata temas como la complejidad de las relaciones familiares y afectivas, el difícil tránsito de la adolescencia a la edad adulta, la preocupación por nuestro legado y la construcción de la memoria colectiva, la diferencia entre la realidad y la ficción, y la sutil violencia soterrada con la que convivimos a diario. Nadar se consagra como uno de los mejores retratistas de la condición humana del cómic actual gracias a unas historias que resultan de una universalidad absoluta. Los personajes de “Transitorios” son personas normales y contemporáneas que viven a pie de calle, lo que les otorga una verosimilitud estremecedora y una autenticidad que tiene el autor. Cada historia tiene personalidad propia y no se repiten recursos narrativos ni argumentales, y están contadas con sutileza y sensibilidad, lo que provoca que se mezclen la comedia con el drama y resulten muy diferentes entre sí. Nadar emplea las herramientas propias del cómic con un estilo en el que no hay cabida para ningún elemento accesorio que sirva como impedimento para la claridad narrativa. Su trazo limpio y sin estridencias sirve para crear unos personajes que resulten diferentes entre sí, perfectamente reconocibles y tremendamente expresivos. La edición de Astiberri cuenta con la calidad acostumbrada y con una fantástica portada y epílogo de Mery Cuesta. “Transitorios” es una obra que muestra todo el talento de Nadar y que nos devuelve al excelente observador de la naturaleza humana que conocimos en sus primeros trabajos. Aunque se compone de varias historias cortas independientes, la obra es coherente y resulta muy refrescante. La sutileza de cada detalle y el uso de los silencios y las elipsis crean una obra en la que todo lo que se dice, y sobre todo lo que no, adquiere un mayor significado. “Transitorios” es un trabajo que nos trae de vuelta al excelente observador de la naturaleza humana que conocimos en sus primeros trabajos y del que ojalá volvamos a tener noticias como autor completo pronto. // Author: Pep Domingo // Editorial: ASTIBERRI SOBRE EL AUTOR Pep Domingo, también conocido como Nadar, es un autor español de cómics nacido en Castellón en 1980. Se graduó en Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia y comenzó su carrera como artista gráfico en 2004, trabajando en publicidad, diseño gráfico y animación. En 2013 publicó su primer cómic, “Papel estrujado”, con el que ganó el premio al Mejor Guión en el Salón del Cómic de Barcelona. En 2015 publicó “El mundo a tus pies”, que le consolidó como uno de los autores más interesantes del panorama español del cómic. A partir de entonces, Pep Domingo comenzó a trabajar para el mercado francés, donde ha publicado varias obras, entre ellas “L’Île aux Remords” (2016) y “Les Rues de Sable” (2018). En 2022 publicó “Transitorios”, una obra compuesta por cuatro historias cortas autoconclusivas, que ha sido muy bien recibida por la crítica y el público. El estilo de Pep Domingo se caracteriza por un trazo limpio y expresivo, y por su habilidad para retratar la cotidianidad y las emociones humanas de forma auténtica y cruda. Ha sido reconocido con varios premios, entre ellos el Premio Nacional del Cómic en 2019 por su obra “María y yo”, en la que narra su relación con su sobrina, que tiene autismo. Score [...]
Transitorios
No Sleep Till Shengal

SINOPSIS No Sleep Till Shengal nos cuenta el regreso de Zerocalcare a Oriente Medio. En primavera de 2021 viaja al norte de Irak, hasta el seno de la comunidad ezidí, un pueblo que sobrevivió al genocidio del ISIS en 2014, está bajo protección de las milicias kurdas y ve amenazada su autonomía por las tensiones internacionales. El propósito de Zero es documentar sus condiciones de vida y lucha. Esta es la crónica de un momento geopolítico preciso, en el que un puñado de personas se opone al poder abrumador de quienes llaman «terrorismo» a cualquier intento de resistencia, mientras el sueño del confederalismo democrático corre el riesgo de desaparecer para siempre ante la indiferencia de Occidente. COMIC SHORT REVIEW ENGLISH “Kobane Calling” by Zerocalcare is my favorite comic book, one of my favorite books of all time, and also one of the few I have ever re-read. I was already excited in May when the announcement of its ideal sequel was made. Holding the book on the day of its release filled me with emotion. I am saying this to justify my VERY HIGH expectations; expectations that were not at all disappointed, to be honest. I must also say that I would read a cookbook by Michele, that’s how much I admire him. I became acquainted with a situation that I had only heard of marginally (which is disheartening in itself). I appreciated his approach to such a delicate subject matter, and I even laughed a couple of times. Reading the book was an extremely pleasant experience, even without considering the thought-provoking topic. I felt the same comfort I always do while reading his comics. I turned the pages, imagining where the story would go, but this prediction didn’t affect the quality of the moment. It was like anticipating the next bite of your favorite dish, knowing the taste already, but still enjoying it. It was Zerocalcare zerocalcaring, as always, maybe a little too much this time. It has been 7 years since “Kobane Calling” and 11 years since “La profezia dell’armadillo.” Michele Rech, once an unknown artist on Facebook who feared his mother would be his only reader (a profile we all became fond of), has become a prominent intellectual figure in the Italian scene. His contributions to newspapers like “Internazionale” and “La Repubblica” are received as investigative journalism, and he has received multiple awards from the publishing industry. The first print run of his new releases increases every time, and he created one of Netflix’s most-watched series of all time. People everywhere line up for hours to attend his presentations, and his works are translated into various languages. How can the character he portrays in his comics (I understand it’s not an exact representation of himself, but at least it’s clearly autobiographically inspired) not have evolved? It’s undoubtedly a good thing that his enormous success hasn’t gone to his head (the Italian publishing market is already saturated with writers with oversized egos), and his frankness and humility give us hope for humanity. However, the experiences of these years must have given him a new awareness, which, of course, results in new perspectives and concepts. I’m curious to know how he sees things now. It would be a very appealing point of view. I also recognize there was a timid attempt in this direction with “Macerie prime,” focusing on graphic journalism. Nevertheless, I fear his future credibility may be at risk, having a voice with such a broad resonance that can shift opinions and mass culture. For example, in this case, thousands of Italians have an idea of the Yazidi massacre and may pay more attention to the indifference of European policies. In any case, this is just a collateral consideration. I loved “No Sleep Till Shengal” from the first to the last page, including goosebumps. I believe that we need many more storytellers like Zerocalcare, both for his pen and for his conscience. SPANISH “Kobane Calling” de Zerocalcare es mi cómic favorito, uno de mis libros favoritos de todos los tiempos y también uno de los pocos que he vuelto a leer. Ya estaba emocionado en mayo cuando se anunció su secuela ideal. Sostener el libro en el día de su lanzamiento me llenó de emoción. Lo digo para justificar mis expectativas MUY ALTAS, expectativas que, para ser honesto, no me decepcionaron en absoluto. También debo decir que leería un libro de cocina de Michele, eso es cuánto lo admiro. Me familiaricé con una situación de la que había oído hablar marginalmente (lo cual es desalentador en sí mismo). Aprecié su enfoque en un tema tan delicado, e incluso reí un par de veces. La lectura del libro fue una experiencia extremadamente agradable, incluso sin considerar el tema de reflexión. Sentí la misma comodidad que siempre siento al leer sus cómics. Pasé las páginas imaginando a dónde iría la historia, pero esta predicción no afectó la calidad del momento. Fue como anticipar el próximo bocado de tu plato favorito, sabiendo el sabor ya, pero disfrutándolo de todos modos. Fue el estilo Zerocalcare zerocalcaring, como siempre, tal vez un poco demasiado esta vez. Han pasado 7 años desde “Kobane Calling” y 11 años desde “La profezia dell’armadillo”. Michele Rech, una vez un artista desconocido en Facebook que temía que su madre fuera su única lectora (un perfil que todos nos encariñamos), se ha convertido en una figura intelectual prominente en la escena italiana. Sus contribuciones a periódicos como “Internazionale” y “La Repubblica” son recibidas como periodismo de investigación, y ha recibido múltiples premios de la industria editorial. La primera tirada de sus nuevas publicaciones aumenta cada vez más, y creó una de las series más vistas de Netflix de todos los tiempos. La gente de todo el mundo hace cola durante horas para asistir a sus presentaciones, y sus obras están traducidas a varios idiomas. ¿Cómo es posible que el personaje que retrata en sus cómics (entiendo que no es una representación exacta de sí mismo, pero al menos está claramente inspirado en su vida) no haya evolucionado? Sin duda, es bueno que su enorme éxito no le haya subido a la cabeza (el mercado editorial italiano ya está saturado de escritores con egos desmesurados), y su franqueza y humildad nos dan esperanza en la humanidad. Sin embargo, las experiencias de estos años deben haberle dado una nueva conciencia, lo cual, por supuesto, resulta en nuevas perspectivas y conceptos. Me intriga saber cómo ve las cosas ahora. Sería un punto de vista muy atractivo. También reconozco que hubo un tímido intento en esta dirección con “Macerie prime”, enfocado en el periodismo gráfico. No obstante, temo que su credibilidad futura pueda estar en riesgo, al tener una voz con una resonancia tan amplia que puede cambiar opiniones y la cultura de masas. Por ejemplo, en este caso, miles de italianos tienen una idea de la masacre de los yazidíes y pueden prestar más atención a la indiferencia de las políticas europeas. En cualquier caso, esta es solo una consideración colateral. Me encantó “No Sleep Till Shengal” de principio a fin, incluso me dio escalofríos. Creo que necesitamos muchos más narradores como Zerocalcare, tanto por su pluma como por su conciencia. // Author: Michele Rech // Editorial: Reservoir Books SOBRE EL AUTOR Michele Rech, conocido por su seudónimo artístico Zerocalcare, es un dibujante, escritor y activista político italiano nacido en Roma en 1983. Es ampliamente considerado como uno de los artistas de cómics más influyentes e innovadores de la actualidad en Italia. Comenzó su carrera como dibujante de cómics en 2007, publicando sus primeras obras en su blog personal y en algunas revistas independientes. Su trabajo comenzó a ganar popularidad rápidamente debido a su estilo único y distintivo, que mezcla la sátira política con la ficción autobiográfica y la fantasía. En 2011, publicó su primer libro, “La profezia dell’armadillo”, que rápidamente se convirtió en un éxito de ventas en Italia. Desde entonces, ha publicado varios libros más, entre ellos “Kobane Calling”, “Un polpo alla gola”, “Dimentica il mio nome” y “Macerie prime”. Sus obras han sido traducidas a varios idiomas y han sido objeto de aclamación crítica en todo el mundo. Además de su trabajo como dibujante de cómics, Michele Rech es un activista político de izquierda y ha participado en varios movimientos sociales y protestas. En particular, ha sido un defensor activo de los derechos de los refugiados y ha colaborado con organizaciones sin fines de lucro para concienciar sobre la situación de los refugiados en Europa. En 2020, creó y escribió la serie de televisión “Zero” para Netflix, que se convirtió en una de las series más vistas de la plataforma. También ha sido colaborador habitual de varios periódicos y revistas italianas, como “La Repubblica” e “Internazionale”. A lo largo de su carrera, Michele Rech ha recibido numerosos premios y reconocimientos por su trabajo, incluyendo el premio Micheluzzi en el Festival Internacional de Cómic de Lucca y el premio del Público en el Festival Internacional de Cómic de Angulema. En resumen, Michele Rech es un artista multifacético que ha dejado su huella en la cultura popular italiana y ha utilizado su plataforma para abogar por causas políticas y sociales importantes. Score [...]

SINOPSIS En el territorio del Krai de Primorie, en el Extremo Oriente ruso, cerca de las fronteras de China y Corea del Norte, un tigre siberiano herido por un cazador furtivo se dedica a cazar humanos. No por hambre, sino por venganza, tiñendo la taiga siberiana con la sangre de sus víctimas. Ni las brigadas madereras controladas por la mafia chino-rusa, ni los agentes del Centro del Tigre de Amur, ni los experimentados ecologistas, están a salvo cuando Amba, el espíritu de los bosques, sale de caza.   COMIC SHORT REVIEW ENGLISH Gregorio Muro Harriet is a prominent comic book writer in the Franco-Belgian tradition who has demonstrated great mastery of the craft since his early work in the 1980s. Despite leaving his career in France due to disagreements with his publisher, he returned to comics in 2015, creating Harriet Editions to reissue his previous works and those of other authors, and resuming his career as a writer in the French-speaking market. One of his projects as a writer is Feroz, a contemporary story based on true events that takes place in the Primorye territory in the Russian Far East, near the borders of China and North Korea. In this context, a diverse group of people, including a group of ecologists, forest rangers, and members of the Sino-Russian mafia, must face a fierce wounded Siberian tiger that is on a brutal manhunt. The Feroz integral includes the two albums that make up the series, allowing the complete story to be read in one sitting. The work is divided into two well-defined parts: the first contextualizes the situation and introduces the abundant cast of characters, while the second focuses on the action and tension that steadily increase until the final resolution. Harriet’s script is solid and well-crafted, full of contemporary touches and diverse characters, and thoroughly researched. The characters, mostly well-constructed and developed, are full of nuances and contradictions that make them three-dimensional. The work is a smooth read, and the pace is fast thanks to the limited setting and shorter time frame compared to Harriet’s other fictional works. Alex Macho and Garluk, the artists behind the work, do a notable job of representing the snowy landscape, allowing readers to feel the cold through the horizontal panels full of details. The color perfectly accompanies the narrative, and the composition of the pages is designed to follow the tension and rhythm demanded by the script at every moment. Overall, Feroz is a work of exceptional quality, with a powerful ecological message and excellent graphics. In summary, Feroz is a work that, thanks to Harriet’s skill as a writer, the quality of Alex Macho and Garluk’s drawings, and the powerful ecological message, stands out as one of the most outstanding works in the Franco-Belgian comic book tradition in 2023. SPANISH Gregorio Muro Harriet es un destacado guionista de cómics francobelga que, desde sus primeros trabajos en los años ochenta, ha demostrado su gran dominio del oficio. A pesar de haber abandonado su carrera en Francia debido a desavenencias con su editorial, en 2015 decidió volver al cómic, creando Harriet Ediciones para reeditar sus trabajos anteriores y obras de otros autores, y retomando su carrera como guionista en el mercado francófono. Uno de sus proyectos como guionista es Feroz, una historia actual y basada en hechos reales que se desarrolla en el territorio Primorie, en el Extremo Oriente ruso, cerca de las fronteras de China y Corea del Norte. En este contexto, un variopinto grupo de personas, incluyendo a un grupo de ecologistas, agentes forestales y miembros de la mafia chino-rusa, debe enfrentarse a un feroz tigre siberiano herido que está llevando a cabo una brutal caza del hombre. El integral de Feroz incluye los dos álbumes que componen la serie, lo que permite leer la historia completa de una sola vez. La obra se divide en dos partes muy bien definidas: la primera contextualiza la situación y presenta al abundante elenco de personajes, mientras que la segunda se centra en la acción y la tensión que aumentan constantemente hasta la resolución final. El guion de Harriet es sólido y bien armado, lleno de toques contemporáneos y personajes diversos, y está profusamente documentado. Los personajes, en su mayoría muy bien construidos y desarrollados, están llenos de aristas y contradicciones que los convierten en tridimensionales. La obra es una lectura fluida y el ritmo es rápido gracias al escenario limitado y el periodo de tiempo más corto en comparación con otras obras de ficción de Harriet. Alex Macho y Garluk, los dibujantes de la obra, realizan un trabajo notable en la representación del paisaje nevado, lo que permite sentir el frío a través de las viñetas horizontales llenas de detalles. El color acompaña perfectamente la narrativa y la composición de las páginas está estudiada para acompañar la tensión y el ritmo que demanda el guion en cada momento. En conjunto, Feroz es una obra de enorme calidad, con un poderoso mensaje ecologista y un apartado gráfico de excelencia. En resumen, Feroz es una obra que, gracias a la habilidad de Harriet como guionista, la calidad de los dibujos de Alex Macho y Garluk, y el poderoso mensaje ecologista, se convierte en una de las más destacadas del cómic francobelga en este 2023. // Author: Gregorio Muro Harriet // Editorial: Harriet Ediciones SOBRE EL AUTOR Gregorio Muro Harriet (San Sebastián, 1954) es un destacado guionista de cómics francobelga. Desde sus primeros trabajos en la década de 1980, Muro Harriet ha demostrado su gran dominio del oficio, firmando obras notables como “La marca de la bruja”, que lo convirtieron en un valor en alza en el competitivo mundo del cómic francobelga. A pesar de haber abandonado su carrera en Francia debido a desavenencias con su editorial, en 2015 decidió volver al mundo del cómic, creando Harriet Ediciones para reeditar sus trabajos anteriores y obras de otros autores, y retomando su carrera como guionista en el mercado francófono. Entre sus proyectos más destacados como guionista se encuentra “Vergüenza y Olvido”, la historia de dos hermanos vizcaínos que participaron en la guerra hispano-estadounidense en 1898 en Filipinas, así como “Feroz”, una obra actual y basada en hechos reales que se desarrolla en el territorio Primorie, en el Extremo Oriente ruso. A lo largo de su carrera, Muro Harriet ha demostrado su pericia en el oficio, sabiendo llenar de toques contemporáneos y personajes diversos sus guiones de corte clásico y profusamente documentados. Además de su carrera en el mundo del cómic, Muro Harriet también se ha destacado en el mundo audiovisual, centrando su labor en esta industria durante más de 25 años. En conjunto, Gregorio Muro Harriet es un autor de gran importancia en el mundo del cómic francobelga, que ha sabido reinventarse y mantener su relevancia a lo largo de su extensa carrera. Score [...]
Feroz
Post Americana

SINOPSIS En el monte Cheyenne, hay unas instalaciones, conocidas como la Burbuja, que son el superbúnker más sofisticado del mundo. Fueron construidas para asegurar la supervivencia de la rama ejecutiva del gobierno americano, así como de los ciudadanos más importantes de América, en caso de que sucediera lo impensable. Cuando el mundo acabó, nadie de la rama ejecutiva llegó al santuario, pero sí la élite de la ciudadanía. Ochenta años después, uno de ellos se ha autoproclamado nuevo presidente de los Estados Unidos. ¿Cuál es su plan? Subyugar a los supervivientes del Páramo Americano usando los mismos recursos del búnker que estaban destinados a reconstruirlo. ¡Lo único que se interpone en su camino es una mortífera chica del Páramo que busca venganza obsesivamente! Una obra de Steve Skroce, el creador de Maestros, cocreador de We Stand On Guard y dibujante de los storyboards de The Matrix, coloreada por el ganador de vario premios Eisner Dave Stewart. COMIC SHORT REVIEW ENGLISH The apocalypse is a concept that often fascinates writers and is explored time and time again in literature. From stories of action and terror to dramas and romances, the apocalypse has been used to address themes such as our fears and problems through metaphors. One of the more recent comics to add to this sub-genre is Post Americana, written and drawn by Steve Skroce. Skroce is an American comic book artist and graphic designer, known for his work on The Matrix and other films by the Wachowski sisters. In Post Americana, Skroce takes us to a future where the United States has been reduced to chaos after an ancient cataclysm. The land of the free is now a wasteland populated by cannibal clans and groups more violent than a pack of hyenas. There, Carolyn, a tough woman of the wasteland, crosses paths with Mike, a rebel who has just escaped from a shelter called The Bubble. Since then, they both fight to stop the new leader of The Bubble, who wants to go out and ravage the wasteland to build a new nation on its ashes. Although Skroce focuses on stories full of action and savagery, the lack of a solid script leaves the work limping. Post Americana has all the ingredients of a good post-apocalyptic story, but the execution fails due to the lack of chemistry between the characters. Although there are emotional moments, they do not break through the barrier of what appears to be simply an excuse to advance the raunchy scenes and reach a lazy ending. In addition, Skroce’s artwork, while still the strong point of the comic, does not live up to his previous work, resulting in a less impressive work in visual terms. Nevertheless, Post Americana remains an entertaining work for those looking for a dose of post-apocalyptic action and savagery. SPANISH El apocalipsis es un concepto que a menudo fascina a los escritores, y que se explora una y otra vez en la literatura. Desde historias de acción y terror hasta dramas y romances, el apocalipsis se ha utilizado para abordar temas como nuestros miedos y problemas a través de metáforas. Uno de los cómics más recientes que se suman a este subgénero es Post Americana, escrito y dibujado por Steve Skroce. Skroce es un artista de cómics y diseñador gráfico estadounidense, conocido por su trabajo en Matrix y otras películas de las hermanas Wachowski. En Post Americana, Skroce nos lleva a un futuro donde Estados Unidos ha sido reducido al caos después de un antiguo cataclismo. La tierra de la libertad es ahora un páramo poblado por clanes caníbales y grupos más violentos que una jauría de hienas. Allí vive Carolyn, una mujer dura del páramo, cuyo camino se cruza con el de Mike, un rebelde recién fugado de un refugio llamado la Burbuja. Desde entonces, ambos luchan para detener al nuevo líder de la Burbuja, quien quiere salir a arrasar los páramos y construir una nueva nación sobre sus cenizas. Aunque Skroce se centra en historias llenas de acción y salvajismo, la falta de un guion sólido deja la obra cojeando. Post Americana tiene todos los ingredientes de una buena historia postapocalíptica, pero la ejecución falla debido a la falta de química entre los personajes. Aunque hay momentos emotivos, estos no logran romper la barrera de lo que aparenta ser simplemente una excusa para avanzar las escenas cafres y llegar a un final perezoso. Además, el dibujo de Skroce, aunque sigue siendo el punto fuerte del cómic, no está a la altura de su trabajo anterior, lo que resulta en una obra menos impresionante en términos visuales. A pesar de todo, Post Americana sigue siendo una obra entretenida para aquellos que buscan una dosis de acción y salvajismo postapocalíptico // Author: Steve Skroce // Editorial: Norma Editorial SOBRE EL AUTOR Steve Skroce es un artista de cómics y diseñador gráfico estadounidense nacido en 1963 en la ciudad de Vancouver, Canadá. Skroce se interesó por el arte desde joven y, después de graduarse en la Escuela de Diseño Emily Carr de Arte y Diseño en Vancouver, comenzó a trabajar como dibujante y diseñador de producción en el campo de la animación. En 1993, Skroce se trasladó a Los Ángeles para trabajar en los storyboards de la película de ciencia ficción “The Matrix”, dirigida por los hermanos Wachowski. A partir de ahí, Skroce trabajó en varias películas de los hermanos Wachowski, incluyendo “V for Vendetta” y “Speed Racer”. En el mundo del cómic, Skroce comenzó a trabajar para Marvel Comics en los años 90, donde se encargó de dibujar títulos como “The Amazing Spider-Man” y “Wolverine”. También trabajó en otros cómics como “X-Men Unlimited” y “Cable”. En 2004, Skroce publicó su primer cómic como autor completo, “Doc Frankenstein”, una serie limitada de seis números publicada por Burlyman Entertainment, la editorial de los hermanos Wachowski. La serie fue coescrita por Skroce y los hermanos Wachowski. En 2016, Skroce publicó su segunda serie limitada, “Maestros”, a través de Image Comics. Skroce escribió y dibujó la serie, que fue bien recibida por la crítica y los fans. La serie sigue a un grupo de magos que se ven obligados a volver a la vida cotidiana después de haber salvado al mundo de una invasión demoníaca. En 2020, Skroce publicó su última serie limitada hasta la fecha, “Post Americana”, también a través de Image Comics. Skroce escribió y dibujó la serie, que se desarrolla en un futuro postapocalíptico donde Estados Unidos ha sido reducido a un páramo violento y peligroso. En resumen, Steve Skroce es un artista de cómics y diseñador gráfico con una carrera prolífica en el mundo del cine y la animación. A lo largo de su carrera, ha trabajado en varias películas de los hermanos Wachowski y ha publicado varias series limitadas de cómics aclamadas por la crítica y los fans. Score 8 [...]

SINOPSIS La Ciudad Prisión, un lugar donde residen toda clase de delincuentes. Entre abundantes nevadas, Chloe sobrevive allí con su hermano pequeño; cuidar de él es lo único que la empuja a seguir adelante… Sin embargo, el plan que están tramando sus vecinos muy pronto cambiará sus vidas para siempre. Esta es la historia de una joven enjaulada que lucha en busca de una luz de esperanza. COMIC SHORT REVIEW ENGLISH The story of Soloist in a Cage is divided into two parts: the first describes Chloe’s struggle to protect her newborn brother in the Prison City, a walled city full of delinquency and abuse. The second part focuses on Chloe’s mission to rescue her brother, despite the difficulties she must face. The author of Soloist in a Cage is a promising artist who published this work for the first time in the digital magazine Manga Plus. The story stands out for its detailed drawing, which mainly uses dark and black colors to highlight the innocence of child characters. Although the script is predictable in some parts, the interaction of secondary characters and battle choreographies are exciting. In summary, Soloist in a Cage is a short and dynamic story that focuses on a sister’s struggle to save her brother in a hostile environment. The work stands out for its detailed and exciting drawing, as well as its well-defined characters and its message about the importance of innocence and family love. SPANISH La historia de Soloist in a Cage se divide en dos partes: la primera describe la lucha de Chloe por proteger a su hermano recién nacido en la Ciudad Prisión, una ciudad amurallada llena de delincuentes y abusos. La segunda parte se enfoca en la misión de Chloe de rescatar a su hermano, a pesar de las dificultades que debe enfrentar. La autora de Soloist in a Cage es una prometedora artista que publicó por primera vez esta obra en la revista digital Manga Plus. La historia se destaca por su dibujo detallado, que utiliza principalmente colores oscuros y negros para resaltar la inocencia de los personajes infantiles. Aunque el guion es previsible en algunas partes, la interacción de los personajes secundarios y las coreografías de batalla son emocionantes. En resumen, Soloist in a Cage es una historia corta y dinámica que se enfoca en la lucha de una hermana por salvar a su hermano en un ambiente hostil. La obra se destaca por su dibujo detallado y emocionante, así como por sus personajes bien definidos y su mensaje sobre la importancia de la inocencia y el amor familiar. // Author: Shiro Moriya // Editorial: Milky Way Ediciones SOBRE EL AUTOR Shiro Moriya es un dibujante de manga japonés nacido en la prefectura de Saitama en 1990. Comenzó a dibujar desde muy joven y se interesó por el manga después de leer Naruto. Estudió en la Universidad de Tokio de las Artes y se graduó en 2015 con un título en diseño de personajes. Moriya hizo su debut como dibujante de manga en 2016 con la obra Oshi no Ko, escrita por Akiko Higashimura. En 2020, colaboró con el guionista Yuya Takano en la obra Ori no naka no Soloist (Soloist in a Cage), que fue publicada en la revista digital Manga Plus. En Soloist in a Cage, Moriya utiliza un estilo de dibujo detallado con un uso predominante de colores oscuros y negros. Ha sido elogiado por su habilidad para representar los paisajes nevados y la acción emocionante en la obra. En general, Shiro Moriya es un dibujante de manga emergente con un futuro prometedor en la industria. Su habilidad para dibujar paisajes detallados y emocionantes escenas de acción han sido reconocidos en su trabajo en Soloist in a Cage. Score [...]
Soloist in a cage
Snow Angels 1

SINOPSIS Milliken y Mae Mae siempre han vivido en la trinchera, es lo único que conocen. Nacieron en ella y morirán en ella, como el resto de su gente. Nadie sale de las enormes paredes de hielo que la rodean. La vida en ella es hostil, pero sencilla si sigues las normas. Regla número uno, la trinchera provee. Todo lo necesario para vivir crece en sus paredes, nada bajo el hielo, o está en los dones que los dioses fríos dejaron. Regla número dos, nunca, nunca se sale de la trinchera. Fuera de la trinchera solo hay muerte. Los vientos de arriba arrancarían la carne de los huesos de cualquiera. Regla número tres, la trinchera nunca se acaba. Se extiende hasta el infinito en ambas direcciones. Buscar el final solo lleva a la muerte y la locura. Dejar la trinchera significa despertar al hombre de nieve, la muerte personificada. En el duodécimo cumpleaños de Milli, su padre lleva a las dos niñas a patinar durante la noche por la trinchera, un ritual de mayoría de edad en el que poner en práctica la pesca en el río helado, cazar a los perros salvajes que deambulan por sus orillas y dar las gracias de forma apropiada a sus dioses: los Fríos. A su regreso descubren que el hombre de hielo no es una leyenda. Existe… y ha venido a matarlos a todos. Ahora queda resolver una duda: ¿quién se ha saltado las reglas? COMIC SHORT REVIEW ENGLISH Comixology, the digital comics platform acquired by Amazon in 2014, has been a key element in the evolution of the American comic book market. In 2018, the company decided to create its own publishing label, Comixology Originals, which now has a notable collection of works. In 2020, thanks to an agreement with Dark Horse, they began publishing their works on paper, and finally, last month, Comixology Originals released its first title in Spain: Snow Angels. The work, written by Jeff Lemire with art by Jock, tells the story of Milliken and Mae Mae, who live in the Trench, a vast fault in the middle of the icy plain that serves as protection for their town. According to their beliefs, the Trench was created by the Frigid, ancient disappeared gods, and they should never leave it to live in peace. But when an ancient myth known as the Snowman arrives in their town determined to kill them all, Milliken, his sister, and his father have no choice but to flee. Lemire’s work is fundamentally terror and suspense, offering an adventure of extreme cold that involves the reader thanks to the importance of family in the story. Jock, for his part, provides excellent artwork, with rough and unappealing drawings that superbly capture the hostile environment of the Trench. While Snow Angels doesn’t revolutionize anything, it is a very entertaining and well-executed work that fulfills its purpose. It’s a great addition to the Comixology Originals catalog and leaves you wanting to read its second and final installment. In short, it’s a work that doesn’t blow your mind, but it does make for a good time. SPANISH Comixology, la plataforma digital de cómics adquirida por Amazon en 2014, ha sido un elemento clave en la evolución del mercado del cómic estadounidense. En 2018, la compañía decidió crear su propio sello editorial, Comixology Originals, que ya cuenta con una cantidad destacable de obras. En 2020, gracias a un acuerdo con Dark Horse, comenzaron a editar sus obras en papel y, finalmente, en el mes pasado, Comixology Originals lanzó su primer título en España: Snow Angels. La obra, escrita por Jeff Lemire y con arte de Jock, cuenta la historia de Milliken y Mae Mae, quienes viven en la Trinchera, una inmensa falla en medio de la gélida llanura que sirve como protección a su pueblo. Según sus creencias, la Trinchera fue creada por los Fríos, antiguos dioses desaparecidos, y para vivir en paz nunca deben abandonarla. Pero cuando un antiguo mito conocido como el Hombre de Nieve llega a su pueblo dispuesto a matarlos a todos, Milliken, su hermana y su padre no tienen otra opción que huir. La obra de Lemire es fundamentalmente de terror y suspense y ofrece una aventura de frío extremo que involucra al lector gracias a la importancia que tiene la familia en la historia. Jock, por su parte, aporta un excelente trabajo de arte, con un dibujo áspero y poco estético que logra plasmar de manera soberbia el ambiente hostil de la Trinchera. Si bien Snow Angels no revoluciona nada, es una obra muy entretenida y bien ejecutada que cumple con su propósito. Es una buena adición al catálogo de Comixology Originals y deja con ganas de leer su segunda y última entrega. En definitiva, una obra que no te vuelva la cabeza, pero que te hace pasar un buen rato. // Author: Jeff Lemire // Editorial: ASTIBERRI SOBRE EL AUTOR Jeff Lemire es un guionista, dibujante y autor de cómics canadiense nacido en 1976 en Essex County, Ontario. Es conocido por su estilo distintivo y su habilidad para combinar elementos de diversos géneros en sus obras, incluyendo la ciencia ficción, el terror y la narrativa intimista. Lemire comenzó su carrera en la industria del cómic trabajando en títulos independientes, como Lost Dogs y Essex County Trilogy, que le valieron reconocimientos y premios. Posteriormente, comenzó a colaborar con editoriales como DC Comics y Marvel Comics, donde trabajó en series como Animal Man, Green Arrow, Hawkeye y Old Man Logan, entre otras. En 2016, Lemire creó su propia serie original, Black Hammer, que se ha convertido en una de sus obras más aclamadas y populares. Ha continuado expandiendo este universo con una serie de spin-offs y colaboraciones con otros autores. Jock, cuyo nombre real es Mark Simpson, es un dibujante y artista británico nacido en Glasgow en 1972. Comenzó su carrera en el mundo del cómic en la década de 1990, trabajando en títulos como Judge Dredd y Lenny Zero para la editorial británica 2000 AD. Posteriormente, Jock comenzó a trabajar para editoriales estadounidenses como DC Comics y Marvel Comics, donde se convirtió en un artista muy solicitado por su estilo distintivo y su habilidad para crear atmósferas tensas y emocionales en sus obras. Es conocido por su trabajo en series como The Losers, Batman, Daredevil y Wytches, entre otras. En 2012, Jock colaboró con el director de cine Edgar Wright en la creación del póster promocional de la película The World’s End. Desde entonces, ha trabajado en numerosos proyectos de cine y televisión, creando diseños de personajes y conceptos visuales para películas como Dredd y Star Wars: The Last Jedi. Score [...]

SINOPSIS Edición original DC Comics: Batman: Earth One vol. 1 USA Hace años, un asesino puso fin a la vida de Thomas y Martha Wayne ante los ojos atónitos de su hijo Bruce. Ahora, el rico heredero ha adoptado la identidad de un justiciero nocturno que compensa con entusiasmo su falta de experiencia. Acompañado por Alfred Pennyworth, tendrá que desentrañar una conspiración que afecta al alcalde de Gotham City, un tal Oswald Cobblepot, y atrapar a un temible asesino en serie. Y no será más que el principio de una carrera repleta de adversarios que pondrán a prueba los límites de la entrega de Batman a la causa que se ha impuesto. COMIC SHORT REVIEW ENGLISH The DC Comics’ Earth One comic line offers a modern alternative for the publisher’s characters, allowing writers to bring their personal vision without continuity restrictions. While many characters have been adapted to this line, the most prominent are the Trinity: Superman, Batman, and Wonder Woman. In Superman: Earth One, J. Michael Straczynski presents a more Peter Parker-like version of Clark Kent, while Shane Davis emphasizes the greatness of Superman despite his lack of experience. Grant Morrison offers a feminist, assertive, kind, and Amazonian version of Wonder Woman, with Yanick Paquette contributing to this classic image with his drawing style. In Batman: Earth One, Geoff Johns and Gary Frank offer a different and updated view of the character, showing him as more vulnerable and less of a superhero. Johns is one of the best writers at DC Comics, responsible for some of the most significant and remarkable stories, such as Crisis Infinite, 52, Flashpoint, and Rebirth. His love for the characters and their classic stories leads him to deliver a mythical and recognizable view of the heroes. Batman: Earth One presents a deliberate yet skillful narration that prioritizes the presentation and evolution of the characters and their environment. The comic shows a new version of Bruce Wayne, Alfred, Gordon, and Bullock, who are recognizable in their roles but different from what fans are used to. Gary Frank is the artist of the work, and although there have been delays in publication, his classic and modern style complements the decadent atmosphere of Gotham. Jonathan Sibal’s ink and Brad Anderson’s color are perfect for the setting, and the chosen palette is suitable and attractive. The inspired art elevates the value of the comic even more. In summary, Batman: Earth One is an excellent choice for new Batman readers looking for something different and outside continuity, as well as for veterans of the character who want to enjoy a reimagining of Gotham and its characters. SPANISH La línea de cómics Tierra Uno de DC Comics ofrece una alternativa moderna para los personajes de la editorial, permitiendo a los autores plasmar su visión personal sin restricciones de continuidad. Si bien muchos personajes han sido adaptados a esta línea, los más destacados son la trinidad: Superman, Batman y Wonder Woman. En Superman: Tierra Uno, J. Michael Straczynski presenta una versión más cercana a Peter Parker de Clark Kent, mientras que Shane Davis destaca la grandeza de Superman, a pesar de su inexperiencia. Grant Morrison nos ofrece una versión feminista, reivindicativa, bondadosa y amazona de Wonder Woman, y Yanick Paquette contribuye a esta imagen clásica con su estilo de dibujo. En Batman: Tierra Uno, Geoff Johns y Gary Frank ofrecen una visión actualizada y diferente del personaje, donde se muestra más vulnerable y menos superhéroe. Johns es uno de los mejores guionistas de DC Comics, responsable de algunas de las historias más importantes y destacadas, como Crisis Infinita, 52, Flashpoint y Rebirth. Su amor por los personajes y sus historias clásicas lo lleva a entregar una mirada mítica y reconocible de los héroes. En Batman: Tierra Uno, se presenta una narración detenida pero hábil, que prioriza la presentación y evolución de los personajes y su entorno. El cómic muestra una nueva versión de Bruce Wayne, Alfred, Gordon y Bullock, siendo reconocibles en sus roles pero diferentes a lo que los fans están acostumbrados. Gary Frank es el dibujante de la obra, y aunque ha habido retrasos en la publicación, su estilo clásico y moderno a la vez, complementa la atmósfera decadente de Gotham. La tinta de Jonathan Sibal y el color de Brad Anderson, son perfectos para la ambientación y la paleta elegida es adecuada y atractiva. El arte inspirado eleva todavía más el valor del cómic. En resumen, Batman: Tierra Uno es una excelente opción para los nuevos lectores de Batman que buscan algo diferente y fuera de continuidad, así como para los veteranos del personaje que quieren disfrutar de una reimaginación de Gotham y sus personajes // Author: Geoff Johns // Editorial: ECC SOBRE EL AUTOR Geoff Johns es un guionista, productor y ejecutivo de televisión y cine estadounidense. Nacido en Detroit, Míchigan, en 1973, Johns comenzó a interesarse por los cómics desde muy joven, leyendo historias de Superman, Batman y la Liga de la Justicia. Después de graduarse de la universidad, trabajó en varias tiendas de cómics antes de mudarse a Los Ángeles para seguir una carrera en la industria del entretenimiento. Su carrera profesional en la industria del cómic comenzó en 1999, cuando se unió a DC Comics como asistente editorial. En 2000, escribió su primer cómic para DC, “Stars and S.T.R.I.P.E.”, protagonizada por el personaje de Courtney Whitmore, Stargirl. A partir de ahí, Johns comenzó a escribir para muchos otros personajes de DC, incluyendo Flash, Green Lantern, Aquaman, Batman y Superman. Durante su carrera en DC Comics, Johns ha trabajado en algunas de las historias más importantes y populares de la editorial, como “Green Lantern: Rebirth”, “Infinite Crisis” y “Blackest Night”. También ha sido uno de los arquitectos de los reinicios de la editorial, como “Flashpoint” y “DC Rebirth”. Además de su trabajo en cómics, Johns ha trabajado como productor y escritor en la industria del cine y la televisión. Ha sido productor ejecutivo de la serie de televisión “Smallville” y ha escrito para otras series de televisión como “The Flash” y “Supergirl”. También ha trabajado como escritor y productor de películas como “Aquaman” y “Wonder Woman 1984”. En 2018, Johns dejó su puesto como presidente y director creativo de DC Entertainment para establecer su propia productora, Mad Ghost Productions, donde sigue trabajando en proyectos de cómic, televisión y cine. Con una carrera que abarca más de dos décadas, Johns se ha convertido en uno de los guionistas más populares y respetados en la industria del cómic y del entretenimiento en general. Score 8.5 [...]
Batman: Tierra Uno
La Casa Slaughter 1

SINOPSIS Conoces a Aaron Slaughter como el responsable y el rival de Erica. Pero antes de que se enfundara la Máscara Negra, Aaron era un adolescente que se entrenaba en la Casa Slaughter. Sobrevivir dentro de la escuela ya es algo bastante duro, pero se complica mucho más cuando Aaron queda prendado de un misterioso chico destinado a ser su rival… Sumérgete aún más en el mundo de Hay algo matando niños con “”La marca del Carnicero””, con guiones de James Tynion IV (The Department of Truth, The Nice House on the Lake), cocreador de la serie y ganador del premio Eisner, y de Tate Brombal (Barbalien: Red Planet); e ilustrado por la estrella emergente Chris Shehan (The Autumnal) y por Werther Dell’Edera (Razorblades), cocreador de la serie y ganador del Premio Lucca Comics. COMIC SHORT REVIEW ENGLISH The surprise hit “Something is Killing the Children” was a resounding success. It’s not very common for an independent series to achieve certain sales figures, but James Tynion IV’s name had already been circulating in the comic book market, not just for being a writer for Batman and his allies. “Something is Killing the Children” was a huge blow for BOOM! Studios, which allowed them to expand their universe with spin-offs consisting of various specials and, above all, a regular series, “The House of Slaughter.” This is the one we have in our hands thanks to Planeta Comic. “The House of Slaughter” focuses on the secondary characters from the main series, and each storyline will be centered on different characters. This first volume focuses on Aaron Slaughter and can be read as a complement to the fourth volume of “Something is Killing the Children” as it tells a complete story about his fellow Mask Black member. The main problem with this series is that the first issue can be a bit tedious, but it has its positive side as it can stand alone as a story without needing to refer to the main series. As for the art, the main artist, Werther Dell’Edera, and colorist, Miquel Muerto, continue to imprint their style in “The House of Slaughter.” Chris Shehan, the artist of the first volume, does a good job of imprinting his vision of “The House of Slaughter’s” world. The dialogues and relationships between the characters are attractive, and the mystery behind the situation that leads them to the future is interesting. Although it doesn’t reach the heights of the main series, it leaves us wanting more. SPANISH La sorpresa que supuso “Hay algo matando niños” fue un éxito rotundo. No es muy común que una serie independiente alcance ciertas cotas de ventas, pero el nombre de James Tynion IV ya se venía escuchando en el mercado del cómic, y no solo por ser guionista de Batman y sus aliados. “Hay algo matando niños” supuso un gran golpe para BOOM! Studios, lo que les permitió expandir su universo con spin-offs, constando de especiales diversos y, sobre todo, una serie regular, “La Casa Slaughter”. Esta última es la que tenemos en nuestras manos gracias a Planeta Cómic. “La Casa Slaughter” se enfoca en los personajes secundarios de la serie principal, y cada arco argumental se centrará en personajes diferentes. Este primer tomo se centra en Aaron Slaughter y puede ser leído como complemento del cuarto tomo de “Hay algo matando niños”, ya que cuenta una historia completa sobre su compañero entre los Máscara Negra. El principal problema de esta serie es que el primer número puede resultar un poco tedioso, pero tiene su parte positiva, ya que sobrevive por sí mismo como historia, sin necesidad de acudir a la serie principal. En cuanto al apartado gráfico, el dibujante principal, Werther Dell’Edera, y el colorista, Miquel Muerto, continúan imprimiendo su estilo en “La Casa Slaughter”. Chris Shehan, el artista del primer tomo, hace un buen trabajo al imprimir su visión del mundo de “La Casa Slaughter”. Los diálogos y la relación entre los personajes son atractivos y el misterio detrás de la situación que les lleva a ese futuro es interesante. Aunque no llega a la altura de la serie principal, deja con ganas de saber más. // Author: James Tynion IV // Editorial: Planeta Comics SOBRE EL AUTOR James Tynion IV (nacido el 14 de diciembre de 1987) es un escritor de cómics estadounidense. Nació en New York y se graduó en la Universidad de Sarah Lawrence en 2010, donde estudió literatura inglesa y escritura creativa. Después de graduarse, Tynion comenzó a trabajar en la industria del cómic como asistente editorial en DC Comics. A partir de ahí, comenzó a escribir cómics, incluyendo trabajos en la serie “Batman Eternal”, “Detective Comics” y “Justice League Dark”. Tynion también ha trabajado en títulos de Image Comics, como “The Woods” y “Memetic”, y ha creado varias series para BOOM! Studios, como “Something is Killing the Children” y “Wynd”. Además de su trabajo en cómics, Tynion ha trabajado como guionista en la serie de televisión “The Batman” y como co-creador y escritor principal de la serie de terror “The Woods” para el servicio de streaming de Netflix. Tynion ha sido nominado a varios premios, incluyendo el Premio Eisner a Mejor Escritor en 2021 por su trabajo en “Something is Killing the Children”. Es conocido por su habilidad para crear historias emocionantes y profundas que conectan con el público. Score [...]

SINOPSIS Ernesto va a cumplir sesenta años y para los telediarios ya es considerado un anciano. Reacio a dejarse aplacar por el desánimo, emprende un viaje al pasado en busca de las claves para el futuro. Entre Mallorca y Barcelona, y entre pensamientos y recuerdos, el protagonista reflexiona sobre el paso de los años y sus consecuencias. Rememora conversaciones de sobremesa con sus amigos, en las que se recogían las preocupaciones de una generación frustrada por todas las promesas que su juventud auguraba, pero no cumplió. Con Lola, Héctor y Rita, y César, Ernesto comparte todas las inquietudes y pérdidas de una generación sobrepasada, pero también el anhelo de disfrutar de los años que les quedan en un mundo que no se adivina tan feliz como pensaban. COMIC SHORT REVIEW ENGLISH In his work “Boomers” published by Salamandra Graphic, Bartolomé Seguí (Palma de Mallorca, 1962) brings back the characters from his previous series Lola and Ernesto and Héctor and Rita, which appeared in the El Víbora magazine in the 80s and 90s. Seguí became a real-time chronicler of life in Barcelona as the city modernized. Over the years, Seguí has consolidated his talent in subsequent works such as “Blind Snakes” (Norma), “Let Chaos Reign” (Norma), “Stories from the Neighborhood” (Astiberri), and the adaptations of detective novel by Manuel Vázquez Montalbán “Carvalho”. In “Boomers”, the characters have aged and face the problems and ailments associated with old age, which leads them to reflect on their past and future. Through his characters, Seguí reflects the disillusionment of his generation in discovering that their dreams of youth of building a more just and honest world have been forgotten. The work explores old age and how to face it, as well as current problems affecting society such as the rise of the extreme right, lack of trust in political parties, and ecological problems. In addition, gentrification and excessive tourism in Barcelona and Mallorca are also addressed. Although the work does not delve deeply into these issues, the conversations between the characters show different viewpoints and prevent the work from becoming a manifesto by the author. Seguí’s graphic work in “Boomers” features a clear-line style, full of bright colors that capture the Mediterranean light. The page structure and handling of frames are cinematic, making the reading fluid and clear. Especially noteworthy is the scene in which Ernesto looks at photos of his past, in which Seguí shows in ten frames all the moments of happiness of the character. Salamandra Graphic’s edition is well-crafted and the design is beautiful, with a wonderful cover. In summary, “Boomers” is a narrative and vindictive work that shows Seguí is in a sweet spot in his career. SPANISH En su obra “Boomers” publicada por Salamandra Graphic, Bartolomé Seguí (Palma de Mallorca, 1962) revive a los personajes de sus series anteriores Lola y Ernesto y Héctor y Rita, que aparecieron en la revista El Víbora en las décadas de los 80 y 90. Seguí se convirtió en un cronista en tiempo real de la vida en Barcelona a medida que la ciudad se modernizaba. A lo largo de los años, Seguí ha consolidado su talento en obras posteriores como “Las serpientes ciegas” (Norma), “Hágase el caos” (Norma), “Historias del barrio” (Astiberri) y las adaptaciones de la novela de detective de Manuel Vázquez Montalbán “Carvalho”. En “Boomers”, los protagonistas han envejecido y enfrentan los problemas y achaques asociados con la edad, lo que los lleva a reflexionar sobre su pasado y futuro. A través de sus personajes, Seguí refleja el desencanto de su generación al descubrir que sus sueños de juventud de construir un mundo más justo y honesto han quedado en el olvido. La obra explora la vejez y cómo enfrentarla, así como los problemas actuales que afectan a la sociedad, como el auge de la extrema derecha, la falta de confianza en los partidos políticos y los problemas ecológicos. Además, también se aborda la gentrificación y el aumento desmedido del turismo en Barcelona y Mallorca. Aunque la obra no profundiza en estos temas, las conversaciones entre los personajes muestran diferentes puntos de vista y evitan que la obra se convierta en un manifiesto por parte del autor. El trabajo gráfico de Seguí en “Boomers” presenta un estilo de línea clara, lleno de colores luminosos que capturan la luz mediterránea. La estructura de página y el manejo de los encuadres son cinematográficos, lo que hace que la lectura sea fluida y clara. Destaca especialmente la escena en la que Ernesto mira fotos de su pasado, en la que Seguí muestra en diez viñetas todos los momentos de felicidad del personaje. La edición de Salamandra Graphic es cuidada y el diseño es bonito, con una portada maravillosa. En resumen, “Boomers” es una obra narrativa y reivindicativa que demuestra que Seguí está en un momento dulce de su carrera. // Author: Bartolomé Seguí // Editorial: Salamandra Graphic SOBRE EL AUTOR Bartolomé Seguí (Palma de Mallorca, 1962) es un reconocido dibujante de cómics y autor español. Desde muy joven se interesó por el arte, lo que lo llevó a estudiar en la Escuela de Artes y Oficios de Palma de Mallorca y luego en la Escuela de Bellas Artes de San Jorge en Barcelona. Seguí comenzó su carrera en el mundo del cómic a principios de los años 80 en la revista El Víbora, donde publicó sus primeras series como “Lola y Ernesto” y “Héctor y Rita”, que se centraban en la vida de jóvenes urbanitas de Barcelona en pleno proceso de modernización. A lo largo de los años, Seguí consolidó su talento en obras posteriores como “Las serpientes ciegas” (Norma), “Hágase el caos” (Norma) y “Historias del barrio” (Astiberri). Además de su trabajo como dibujante de cómics, Seguí ha colaborado en varias adaptaciones de novelas de detective de Manuel Vázquez Montalbán, como “Carvalho”, y ha realizado numerosas ilustraciones para libros infantiles y juveniles. También ha trabajado como diseñador gráfico y ha realizado carteles para festivales de cine y teatro. A lo largo de su carrera, Seguí ha recibido numerosos premios y reconocimientos, como el Premio Nacional de Cómic en 2009 por “Las serpientes ciegas”. Su obra se caracteriza por un estilo de línea clara, con personajes realistas y detallados, y una gran atención al paisaje urbano. Seguí es considerado uno de los autores más destacados de la historieta española y ha sido influenciado por autores como Hergé y Joost Swarte. En la actualidad, Seguí continúa trabajando en el mundo del cómic y publicó en 2021 su última obra “Boomers”, en la que retoma a los personajes de sus series anteriores para explorar temas como la vejez y la realidad social actual. Score 7.5 [...]
Boomers
Jonna y los megamonstruos 1

SINOPSIS Desde que los monstruos aparecieron y el mundo se secó, Rainbow ha ido de campamento en campamento en búsqueda de su hermana pequeña, Jonna, preguntando a todos los supervivientes. Un día, Jonna aparece en plena naturaleza, asilvestrada y más fuerte que nunca. Tan fuerte que es capaz de derribar a los monstruos de un solo puñetazo. Ha logrado sobrevivir todo este tiempo por su cuenta. Sin Rainbow. Sin nadie. Pero una vez juntas, las dos hermanas comprobarán de primera mano que los monstruos no son los únicos peligros que aguarda este nuevo mundo… COMIC SHORT REVIEW ENGLISH The comic book Jonna and the Megamonsters tells the story of Rainbow, who has been searching for her sister Jonna for a year in a post-apocalyptic world inhabited by dangerous monsters. Despite the slim chances of survival, Rainbow is determined to find her sister and will do whatever it takes to do so. The comic was created by Chris Samnee and Laura Samnee, and was inspired by their own daughters and their family life during the pandemic. The comic is aimed at a young audience and presents a thematic approach focused on the importance of family in a desolate world. The relationship between the two sisters is portrayed in a natural and believable way, allowing for an emotional connection between the characters and the reader. Visual storytelling is crucial in the comic, as the space available for the development of the plot and characters is limited. Fortunately, the creative team is able to compensate with exquisite and attractive artwork, especially in the designs of the monsters. Despite its short duration, Jonna and the Megamonsters is a work that conveys authenticity and empathy. The pace of the story is dynamic, making the pages fly by in no time. Although the comic reveals little of what it can be in the future, it is a work that entertains and emotionally connects with the reader, thanks to the dedication and love with which it was created. SPANISH El cómic Jonna y los Megamonstruos cuenta la historia de Rainbow, quien lleva un año buscando a su hermana Jonna en un mundo postapocalíptico habitado por monstruos peligrosos. A pesar de las escasas posibilidades de sobrevivir, Rainbow está decidida a encontrar a su hermana, y hará lo que sea necesario para lograrlo. El cómic fue creado por Chris Samnee y Laura Samnee, y se inspiró en sus propias hijas y en su vida familiar durante la pandemia. El cómic está dirigido al público infantil y presenta un enfoque temático centrado en la importancia de la familia en un mundo desolado. La relación entre las dos hermanas se representa de forma natural y creíble, lo que permite una conexión emocional entre los personajes y el lector. La narración visual es fundamental en el cómic, ya que el espacio del que dispone para el desarrollo de la trama y los personajes es reducido. Afortunadamente, el equipo creativo es capaz de compensarlo con un dibujo exquisito y atractivo, especialmente en los diseños de los monstruos. A pesar de su corta duración, Jonna y los Megamonstruos es una obra que transmite autenticidad y empatía. El ritmo de la historia es dinámico, lo que hace que las páginas vuelen en poco tiempo. Aunque el cómic deja entrever poco de lo que puede ser en el futuro, es una obra que divierte y conecta emocionalmente con el lector, gracias a la dedicación y el cariño con que fue creada. // Author: Chris Samnee Y Laura Samnee // Editorial: Astronave SOBRE LOS AUTORES Chris Samnee es un dibujante ganador de los premios Eisner y Harvey. Es conocido especialmente por su trabajo en Daredevil, Viuda Negra y Thor: El poderoso vengador. Vive en San Luis (Misuri) con su esposa Laura y sus tres hijas. Laura Samnee vive en San Luis (Misuri) con su esposo Chris y sus tres hijas. Este es su primer álbum Score [...]

SINOPSIS Este volumen tiene como protagonistas a un dentista obsesionado con su exnovio de instituto, dos inseparables amigos de la infancia que en el instituto empiezan a ir cada uno por su lado, un universitario que habla con su amante fallecido a través de un programa interactivo, un sonámbulo que acosa sin darse cuenta a un amigo, un estudiante que siempre lleva los auriculares puestos y al que una canción evoca momentos excitantes, el sorprendido observador de una inesperada escena durante la procesión del zorro divino y el dueño de un perro bastante más lanzado que él en materia amatoria. ¡Fascinantes historias cortas BL de una autora imprescindible! COMIC SHORT REVIEW ENGLISH SYUNDEI has established herself as a popular author thanks to her works published by Milky Way Ediciones, which combine her 80s drawing style with captivating stories. In her latest work, Disonancia, SYUNDEI demonstrates her versatility through seven short stories with different tones and atmospheres. Some of the author’s most popular works include Don’t Give Up, Nakamura!! and Total Eclipse of the Eternal Heart. Each story in the anthology has a simple yet effective premise that allows SYUNDEI to develop interesting stories. In Brace Kiss, the first story, she explores adolescent love and fetishes through the relationship between Kaihei and Riku. In Deko and Boko, the author talks about deep friendship and how it can help overcome difficulties that arise when we are not honest with our feelings. In Electrophantom, SYUNDEI tells a melancholic story about the pain we feel when we lose a loved one. In Spring Dream, she uses funny situations and misunderstandings to reinforce the humor in the story. Lastly, in Disonancia, the story that gives the collection its title, she explores a troubled relationship between Shun and Arata that is reinforced by the expressions of the characters. In summary, Disonancia is an entertaining volume thanks to the different atmospheres presented in each story. Although the drawing may seem repetitive, SYUNDEI demonstrates her ability to develop interesting stories from simple premises. SPANISH SYUNDEI se ha consolidado como una autora popular gracias a sus obras publicadas en Milky Way Ediciones, que combinan su estilo de dibujo ochentero con historias cautivadoras. En su última obra, Disonancia, SYUNDEI demuestra su versatilidad a través de siete historias breves con diferentes tonos y atmósferas. Algunas de las obras más populares de la autora son ¡¡No te rindas, Nakamura!! y Total eclipse of the eternal heart. Cada relato de la antología tiene una premisa sencilla pero efectiva que permite a SYUNDEI desarrollar historias interesantes. En Brace kiss, el primer relato, explora los amores de adolescencia y los fetiches a través de la relación entre Kaihei y Riku. En Deko y Boko, la autora habla sobre la amistad profunda y cómo puede ayudar a superar las dificultades que surgen cuando no somos sinceros con nuestros sentimientos. En Electrofantasma, SYUNDEI cuenta una historia melancólica sobre el dolor que sentimos cuando perdemos a un ser querido. En Sueño de primavera, utiliza situaciones divertidas y equívocos para reforzar la comicidad del relato. Por último, en Disonancia, la historia que da título al recopilatorio, explora una relación turbia entre Shun y Arata que se refuerza con las expresiones de los personajes. En resumen, Disonancia es un volumen entretenido gracias a las diferentes atmósferas que presenta cada historia. Aunque el dibujo pueda resultar repetitivo, SYUNDEI demuestra su habilidad para desarrollar relatos interesantes a partir de premisas sencillas. // Author: SYUNDEI // Editorial: Milky Way Ediciones SOBRE LA AUTORA SYUNDEI es una autora de manga japonesa nacida en la ciudad de Kanagawa. Comenzó su carrera en el mundo del manga como ilustradora de doujinshis, es decir, fanzines creados por aficionados, antes de dar el salto a la publicación profesional en 2015 con la obra “¡¡No te rindas, Nakamura!!” en la editorial Milky Way Ediciones. Desde entonces, SYUNDEI ha sido una autora prolífica en la editorial, publicando varias obras destacadas como “Total Eclipse of the Eternal Heart”, “Un Extraño En Primavera” y “Disonancia”. Su estilo de dibujo es conocido por su aire ochentero, con personajes y situaciones que evocan la nostalgia de los años 80 y 90. SYUNDEI ha demostrado ser una autora versátil capaz de crear historias con diferentes tonos y atmósferas, desde la comedia romántica hasta el drama psicológico. Sus personajes suelen ser adolescentes o jóvenes adultos que se enfrentan a situaciones complicadas y emocionales, a menudo relacionadas con la sexualidad y la identidad de género. Además de su trabajo en el manga, SYUNDEI también ha participado en proyectos como la creación de portadas de discos y la ilustración de novelas ligeras. En 2021, su obra “Total Eclipse of the Eternal Heart” fue adaptada a una película animada que recibió críticas positivas por su representación realista de las relaciones LGBT. En definitiva, SYUNDEI se ha convertido en una de las autoras de manga más populares de la actualidad gracias a su estilo único y sus historias conmovedoras y originales que han cautivado a los lectores de todo el mundo. Score [...]
Disonancia
Ninjak

SINOPSIS Colin King es NINJAK, un ex agente del MI6 que es insuperable en su trabajo. No hay objetivo que Colin no pueda alcanzar, ni misión que no pueda completar. Sin embargo, ¿Cómo podrá el mayor agente y espía del mundo enfrentarse al hecho de que su identidad, así como todos sus secretos, han sido revelados? Siendo el objetivo principal de todo el inframundo criminal, ¿en qué lugar del planeta podrá esconderse para sobrevivir? JEFF PARKER (Batman ‘66, Thunderbolts) se une al artista JAVIER PULIDO (The Amazing Spider-Man, Robin: Año Uno, She-Hulk) para presentarnos una historia de espías, dotada de suspenso y con giros inesperados que te dejarán sin aliento… COMIC SHORT REVIEW ENGLISH Ninjak is an important character in the Valiant Comics universe, although he wasn’t one of the first to have his own series. Created in 1993, he had to wait some time to have his own series, but in the meantime, he made appearances in other Valiant series. In 2012, when Valiant was relaunched, Ninjak was a secondary character in various series, but Matt Kindt took charge of his regular series, which was published in its entirety in Spain with top-notch artists. Ninjak’s story is reminiscent of spy and action genres, in a more classic tone than previous collections, similar to James Bond and less focused on the superhero theme. In the last four-issue miniseries, published in 2021, Ninjak is a free agent and must survive, save those he can, and defeat villains while on a mission in Turkey. The last Ninjak miniseries, besides having a good story, stands out for the artwork of Javier Pulido, an influential artist whose personal touch is present in every panel. His involvement in the creation process is total, playing with the original lettering, incorporating small drawings into narrative panels, and playing with onomatopoeia letters as a resource. The coloring is also his work, something not very common in the author, and he achieves strong tones with a lot of contrast between them, giving the comic a greater dynamism and making it more striking. However, the last Ninjak miniseries has generated controversy because in the last issue, fifteen pages were not drawn by Javier Pulido but by Beni Lobel, which has led to criticism from readers who were not satisfied with the change in the artwork. This has led to a discussion about some publishers’ lack of respect for artists. Despite this, the Ninjak miniseries is recommended because Pulido’s artwork is impressive and worth enjoying, but it is important that publishers respect their authors and their creative freedom and not be influenced by those seeking to return to their childhood. SPANISH Ninjak es un personaje importante de la editorial Valiant, a pesar de que no fue uno de los primeros en tener su propia serie. Creado en 1993, tuvo que esperar un tiempo para tener su propia serie, pero mientras tanto, hizo apariciones en las series de otros personajes de la editorial. En 2012, cuando Valiant renació, Ninjak era un personaje secundario en diferentes series, pero Matt Kindt se encargó de su serie regular, que fue publicada al completo en España con dibujantes de primera línea. La historia de Ninjak se asemeja al espionaje y la acción, en un tono más clásico que las anteriores colecciones, similar al de James Bond y menos centrado en la temática superheroica. En la última miniserie de cuatro números, publicada en 2021, Ninjak es un agente libre y deberá sobrevivir, salvar a los que pueda y derrotar a los villanos mientras está de misión en Turquía. La última miniserie de Ninjak, además de contar con una buena historia, destaca por el dibujo de Javier Pulido, un artista influyente cuyo sello personal está presente en cada viñeta. Su participación en el proceso de creación es total y juega con la rotulación original, incorporando pequeños dibujos en los cuadros de narración y jugando con las letras de las onomatopeyas como recurso. El color es también obra suya, algo no muy habitual en el autor, y logra tonos fuertes con mucho contraste entre ellos, que le dan un mayor dinamismo al cómic y lo hacen más llamativo. No obstante, la última miniserie de Ninjak ha generado controversia debido a que en el último número, quince páginas ya no estaban dibujadas por Javier Pulido, sino por Beni Lobel, lo que ha generado críticas por parte de los lectores que no estaban satisfechos con el cambio en el dibujo. Esto ha llevado a una discusión sobre la falta de respeto de algunas editoriales hacia los artistas. A pesar de esto, se recomienda la miniserie de Ninjak, ya que el trabajo gráfico de Pulido es impresionante y vale la pena disfrutarlo, pero es importante que las editoriales respeten a sus autores y su libertad creativa y no se dejen influir por los que buscan volver a su infancia. // Author: Jeff Parker // Editorial: Moztros SOBRE EL AUTOR Jeff Parker es un escritor de cómics estadounidense nacido en 1967 en Burlington, Carolina del Norte. Se graduó en la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill con una licenciatura en historia del arte y trabajó como diseñador gráfico antes de dedicarse por completo a escribir cómics. Comenzó su carrera en la industria del cómic como artista, pero rápidamente pasó a escribir guiones para varias editoriales, incluyendo Marvel Comics, DC Comics, Dark Horse Comics, Image Comics y Valiant Comics. En Marvel Comics, trabajó en títulos como “Hulk” y “Agents of Atlas”. En DC Comics, escribió para personajes como “Batman ’66”, “Aquaman” y “Wonder Woman”. También ha escrito para “Thunderbolts”, “Agents of Atlas”, “X-Men: First Class” y “Batman and the Outsiders”. Además de su trabajo en cómics, Parker también ha escrito para la televisión y ha sido productor ejecutivo en la serie de animación “Thunderbirds Are Go”. También ha escrito novelas gráficas como “Underground” y “The Interman”. A lo largo de su carrera, Parker ha recibido varios premios, incluyendo un Eisner Award en 2011 por su trabajo en “Atlas”. También ha sido nominado para varios Harvey Awards y ha sido reconocido por su contribución a la industria del cómic. Actualmente, Jeff Parker sigue activo en la industria del cómic, trabajando en proyectos para Marvel Comics y otros sellos. Su estilo de escritura se caracteriza por su habilidad para combinar la acción y el humor, creando historias emocionantes y entretenidas para los lectores. Score [...]

SINOPSIS Cuento de Navidad. Una historia de fantasmas, de Charles Dickens, es un clásico de la literatura adaptado infinidad de veces a todos los medios imaginables, incluido el cómic. Ahora, José Luis Munuera propone una versión en novela gráfica a la vez fidelísima y totalmente personal, en la que el personaje de Scrooge, ese epítome de la codicia y la misantropía, es interpretado por una mujer fascinante y determinada. COMIC SHORT REVIEW ENGLISH A Christmas Carol by Charles Dickens is a work that has been adapted multiple times throughout time in different media such as film, television, and comics. One of the most notable adaptations is A Christmas Carol. A Ghost Story, created by Carlos Giménez, which offers a pessimistic and bitter view of Christmas and life. Recently, a new adaptation of this work has been published, created by José Luis Munuera, which respects the essence of the original text but modernizes it and makes it more critical of the double standard prevalent during the holiday season. Munuera introduces significant changes in his adaptation, such as converting the main character, Scrooge, into a woman. This change allows the author to address new themes that connect with current issues, such as the challenges faced by women in positions of responsibility and the fight against prevailing prejudices in society. Furthermore, the work offers a detailed description of the society of the time, subtly represented through the characters seen in the background. In terms of narrative, Munuera’s work stands out for its brilliance and for the extraordinary designs of the ghosts that are very expressive and dynamic. The Astiberri edition is very similar to that of Bartleby the Scrivener and includes extras such as a preface by Dominique Barbéris and a postscript by Álex Romero. In short, with A Christmas Carol. A Ghost Story, Munuera continues his commitment to adapting great works of universal literature to comics, giving them his personal touch and adapting them to modern times to offer a critical view of the society in which we live. In summary, Munuera’s adaptation is a brilliant work that respects the essence of the original work, but at the same time modernizes it and makes it more critical of the double standard prevalent during the holiday season, offering a view more in line with current times. The change in Scrooge’s gender allows for a more three-dimensional and human character, while the depiction of society at the time is subtly represented through the characters seen in the background. Additionally, the designs of the ghosts are extraordinary and very expressive, while the Astiberri edition includes interesting extras. SPANISH Cuento de Navidad de Charles Dickens es una obra que ha sido adaptada en diversas ocasiones a lo largo del tiempo en diferentes medios como el cine, la televisión y el cómic. Una de las adaptaciones más destacadas es Canción de Navidad. Una historia de fantasmas, realizada por Carlos Giménez, que ofrece una visión pesimista y amarga de la Navidad y de la vida. Recientemente, se ha publicado una nueva adaptación de esta obra, realizada por José Luis Munuera, que respeta la esencia del texto original, pero lo moderniza y lo hace más crítico con la doble moral imperante en estas fechas. Munuera introduce cambios importantes en su adaptación, como la conversión del personaje principal, Scrooge, en una mujer. Este cambio permite al autor abordar nuevos temas que conectan con la actualidad, como las dificultades que enfrentan las mujeres en posiciones de responsabilidad y la lucha contra los prejuicios imperantes en la sociedad. Además, la obra ofrece una descripción minuciosa de la sociedad de la época, representada de manera sutil a través de los personajes que se ven en segundo plano. En términos narrativos, la obra de Munuera destaca por su brillantez y por unos diseños de los fantasmas extraordinarios que resultan muy expresivos y dinámicos. La edición de Astiberri es muy parecida a la de Bartleby, el escribiente, e incluye extras como un prefacio de Dominique Barbéris y un posfacio de Álex Romero. En definitiva, con Cuento de Navidad. Una historia de Fantasmas, Munuera continúa su apuesta por adaptar grandes obras de la literatura universal al cómic, dotándolas de su toque personal y adaptándolas a los tiempos actuales para hacer una visión crítica de la sociedad en la que vivimos. En resumen, la adaptación de Munuera es una obra brillante que respeta la esencia de la obra original, pero al mismo tiempo la moderniza y la hace más crítica con la doble moral imperante en estas fechas, ofreciendo una visión más acorde a los tiempos actuales. El cambio de sexo de Scrooge permite construir un personaje más tridimensional y humano, mientras que la descripción de la sociedad de la época se representa de manera sutil a través de los personajes que se ven en segundo plano. Además, los diseños de los fantasmas resultan extraordinarios y muy expresivos, mientras que la edición de Astiberri incluye interesantes extras. // Author: José Luis Munuera // Editorial: ASTIBERRI SOBRE EL AUTOR José Luis Munuera es un reconocido dibujante y guionista de cómic español nacido en Lorca, Murcia, en 1972. Comenzó su carrera en el mundo del cómic en la década de 1990, trabajando como dibujante para la editorial francesa Semic en la revista “X-Men”. Posteriormente, trabajó como dibujante en varias series, incluyendo “Spirou y Fantasio” y “La Mazmorra”. En 2002, Munuera comenzó a trabajar para la editorial francesa Dupuis, donde creó la serie “Les Campbell” junto al guionista Fabien Vehlmann. La serie se convirtió en un gran éxito y Munuera se convirtió en uno de los dibujantes más destacados del cómic europeo. En 2010, Munuera comenzó a trabajar como guionista y dibujante en la serie “Zorglub”, una spin-off de “Spirou y Fantasio”. Posteriormente, se encargó de la serie “Fraternity” y “Los Campbell en América”. En 2018, Munuera publicó “Canción de Navidad: Una historia de fantasmas”, una adaptación del clásico de Charles Dickens. Más recientemente, en 2021, publicó una adaptación de “Bartleby, el escribiente” de Herman Melville. José Luis Munuera es reconocido por su estilo de dibujo limpio y dinámico, y por su capacidad para crear personajes y situaciones emocionantes y humorísticas. Ha sido galardonado con varios premios en el mundo del cómic, incluyendo el premio al Mejor Álbum de Autor Español en el Salón del Cómic de Barcelona por “Bouche du Diable”. Score [...]
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Cuento de Navidad. Una historia de fantasmas
Dragon Age: Asesino de magos

SINOPSIS ¡El legendario guionista Greg Rucka empieza una historia completamente nueva ambientada en el inmersivo mundo de fantasía oscura de Dragon Age! Tessa y Marius son unos mercenarios unidos por un vínculo inquebrantable que se ven obligados a eliminar a aquellos que usan la magia para hacer daño a los demás. Cuando traicionan a un poderoso patrón que pretendía matarlos una vez hubieran terminado su trabajo, se ven obligados a huir y a unirse a la Inquisición. Con la brecha en el cielo que está destruyendo el mundo, hay algo más que temer que a los Venatori y a un antiguo patrón iracundo. ¿Podrán Tessa, Marius y la Inquisición vencer a la mayor amenaza a la que se haya enfrentado jamás Thedas? COMIC SHORT REVIEW ENGLISH The world of comic book publishing has always relied on licenses from other media, such as movies, toys, and literature. Even the big two publishers dabble in adaptations and spin-offs of stories outside the comic book world. For independent publishers, these licenses have become an important source of income, with some of these comics being the bestsellers of the past decade outside of Marvel and DC. With the video game industry being the most powerful cultural industry today, licenses from video games have become even more attractive. Dragon Age: Magekiller is one such adaptation. Dragon Age: Magekiller is set in the magical world of Thedas and is written by Greg Rucka, one of the most beloved comic book writers of the last few decades. The book is illustrated by Spanish artist Carmen Carnero, who has gained recognition for her recent work on Marvel’s Captain Marvel and Captain America. The story follows Marius and Tessa, two mercenaries hired to eliminate rogue mages who have gone too far in their abuse of power. The series is published by Dark Horse and distributed by ECC. The adaptation stands out due to the richness of the Dragon Age franchise, which has spawned not only video games but also novels, board games, and comic books. The world-building and attention to detail are evident, with small references to literary works of Varric Tethras and other Easter eggs that will delight fans of the series. However, the story can also be enjoyed on its own merits by those unfamiliar with the franchise. The art is noteworthy for its adherence to the aesthetic rules of the game and its excellent narrative flow, especially in the second half of the series. While the series may rely heavily on first-person narration by Tessa, it is also highly accessible, making it an enjoyable read for both fans of the franchise and newcomers alike. SPANISH El mundo de la publicación de cómics siempre ha dependido de licencias de otros medios, como películas, juguetes y literatura. Incluso los dos grandes editores se adentran en adaptaciones y spin-offs de historias fuera del mundo del cómic. Para los editores independientes, estas licencias se han convertido en una importante fuente de ingresos, con algunos de estos cómics siendo los más vendidos de la última década fuera de Marvel y DC. Con la industria de los videojuegos siendo la industria cultural más poderosa hoy en día, las licencias de videojuegos se han vuelto aún más atractivas. Dragon Age: Asesino de magos es una de estas adaptaciones. Dragon Age: Asesino de magos se desarrolla en el mundo mágico de Thedas y está escrito por Greg Rucka, uno de los escritores de cómics más queridos de las últimas décadas. El libro está ilustrado por la artista española Carmen Carnero, quien ha ganado reconocimiento por su trabajo reciente en Captain Marvel y Captain America de Marvel. La historia sigue a Marius y Tessa, dos mercenarios contratados para eliminar a magos rebeldes que han abusado de su poder. La serie es publicada por Dark Horse y distribuida por ECC. La adaptación destaca debido a la riqueza de la franquicia de Dragon Age, que ha generado no solo videojuegos sino también novelas, juegos de mesa y cómics. La creación de mundo y la atención al detalle son evidentes, con pequeñas referencias a las obras literarias de Varric Tethras y otros huevos de Pascua que deleitarán a los fanáticos de la serie. Sin embargo, la historia también puede ser disfrutada por sus propios méritos por aquellos que no están familiarizados con la franquicia. El arte es notable por su adherencia a las reglas estéticas del juego y su excelente flujo narrativo, especialmente en la segunda mitad de la serie. Si bien la serie puede depender en gran medida de la narración en primera persona de Tessa, también es muy accesible, lo que la convierte en una lectura agradable tanto para los fanáticos de la franquicia como para los recién llegados. // Author: Greg Rucka // Editorial: ECC SOBRE EL AUTOR Greg Rucka es un reconocido escritor de cómics y novelas estadounidense nacido en San Francisco en 1969. Se graduó en la Universidad de Vassar con una licenciatura en ciencias políticas y después estudió en la Universidad de Southern California para obtener un máster en escritura de guiones. Rucka comenzó su carrera como escritor de cómics en la década de 1990, trabajando en series como “Batman” y “Wonder Woman” para DC Comics. También creó su propia serie, “Whiteout”, que fue adaptada a una película en 2009. En 2000, escribió “Queen & Country” para Oni Press, una serie que seguía a los agentes del servicio secreto británico en misiones de espionaje. La serie fue muy aclamada y recibió varios premios Eisner. Además de su trabajo en cómics, Rucka ha escrito varias novelas, incluyendo “Keeper” y “A Fistful of Rain”, así como novelas gráficas como “Stumptown” y “Lazarus”. También ha trabajado en adaptaciones de cómics a la pantalla, como en la serie de televisión “Gotham” y en la película “The Old Guard”. Rucka es conocido por sus historias de acción y aventuras, así como por su compromiso con la representación diversa en sus obras. Ha recibido varios premios Eisner, Harvey y GLAAD por su trabajo en la industria del cómic y es considerado uno de los escritores más influyentes de su generación. Score 7.5 [...]
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SINOPSIS Kamoda y su hija Kasumi son conducidos por un cuervo y un símbolo misterioso al Instituto de Investigación de Francia, donde conocen al extravagante director, un hombre que afirma que puede cambiar el destino de Kamoda con un atrevido robo de pintura en el Louvre de París. Entrega única, que cuenta con la colaboración del mismo museo del Louvre de París. COMIC SHORT REVIEW ENGLISH The manga Mujirushi tells the story of Kamoda, a humble flip-flop manufacturer who starts evading taxes, leading to a tax inspection that forces him to close his factory. In addition, his wife leaves him and he is left to care for his daughter Kasumi. Kamoda decides to produce thousands of masks of Beverly Duncan, a businesswoman who aspires to be the next president of the United States. However, when Duncan loses popularity, the masks have no commercial outlet and Kamoda becomes even more indebted. In their search for a financial solution, Kamoda and Kasumi come across a crow carrying a mysterious message and follow its trail to the Laboratory of France, where they meet the Director, who persuades Kamoda to steal a painting from the Louvre Museum. The Director promises to sell a fake painting as if it were the original to help Kamoda pay off his debts. However, the political plot of Beverly Duncan has an unexpected impact on Kamoda’s life and the resolution of the story is rushed. In terms of artistic design, the manga stands out for Urasawa’s carefully crafted character and scenery designs, as well as the homage to mangaka Akatsuka Fujio. Urasawa uses Kamoda’s desperation as a political satire to criticize the current political drift, based on populism, manipulation of public opinion, and lack of ethics. The plot develops at an adequate pace, although a greater number of pages would have allowed for greater depth in the story and a less forced resolution. Overall, Mujirushi is an entertaining manga that fulfills its goal of connecting manga art with the Louvre Museum, but is more suitable for those who have already read other works by Urasawa. Planeta Cómic’s edition is correct, although the lack of color printing of the original pages and the rushed resolution of the story are negative points. SPANISH El manga Mujirushi cuenta la historia de Kamoda, un humilde fabricante de chanclas que comienza a evadir impuestos, lo que lo lleva a una inspección de hacienda que lo obliga a cerrar su fábrica. Además, su esposa lo abandona y lo deja al cuidado de su hija Kasumi. Kamoda decide producir miles de máscaras de Beverly Duncan, una empresaria que aspira a ser la próxima presidenta de Estados Unidos. Sin embargo, cuando Duncan pierde popularidad, las máscaras no tienen salida comercial y Kamoda se endeuda aún más. En su búsqueda de una solución financiera, Kamoda y Kasumi se encuentran con un cuervo que lleva un mensaje misterioso y siguen su pista hasta llegar al Laboratorio de Francia, donde conocen al Director, quien los persuade para que Kamoda sustraiga un cuadro del Museo del Louvre. El Director promete vender una falsificación del cuadro como si fuera el original para ayudar a Kamoda a pagar sus deudas. Sin embargo, la trama política de Beverly Duncan tiene un impacto inesperado en la vida de Kamoda y la resolución de la historia es apresurada. En términos artísticos, el manga destaca por los diseños de personajes y escenarios cuidadosamente elaborados de Urasawa, así como por el homenaje al mangaka Akatsuka Fujio. Urasawa utiliza la desesperación de Kamoda como una sátira política para criticar la deriva política actual, basada en populismos, manipulaciones de la opinión pública y falta de ética. La trama se desarrolla a un ritmo adecuado, aunque una mayor cantidad de páginas habría permitido una mayor profundidad en la historia y una resolución menos forzada. En general, Mujirushi es un manga entretenido que cumple su objetivo de conectar el arte del manga con el Museo del Louvre, pero es más adecuado para aquellos que ya han leído otras obras de Urasawa. La edición de Planeta Cómic es correcta, aunque se echa en falta la impresión en color de las páginas originales y la resolución apresurada de la historia es una nota negativa. // Author: Naoki Urasawa // Editorial: Planeta comic SOBRE EL AUTOR Naoki Urasawa es un mangaka japonés nacido en Tokio en 1960. Desde joven mostró interés por el dibujo y la música, y se graduó en la Escuela de Arte de Musashino en 1983. Comenzó su carrera profesional como asistente de varios autores de manga, incluyendo a Kazuo Umezu, autor de “The Drifting Classroom”, y luego debutó como dibujante en solitario en 1985 con la obra “Beta!”. A partir de entonces, Urasawa ha creado numerosos mangas aclamados por la crítica y el público, como “Yawara!”, “Monster”, “20th Century Boys”, “Billy Bat” y “Pluto”. Sus obras suelen caracterizarse por tratar temas complejos y profundos, como la identidad, la justicia, la religión y la política, y por su estilo de dibujo realista y detallado. Urasawa ha recibido numerosos premios a lo largo de su carrera, incluyendo el Premio Shogakukan en la categoría de manga general en tres ocasiones, el Gran Premio de la Asociación de Manga de Japón y el Premio Cultural Osamu Tezuka. Además, sus obras han sido adaptadas a otros medios, como anime, películas y series de televisión. A pesar de su éxito, Urasawa ha mantenido una actitud modesta y humilde hacia su trabajo, y ha expresado su agradecimiento a los lectores y a otros artistas de manga que lo han inspirado. Su influencia en el mundo del manga y en la cultura popular en general es incuestionable, y su legado como uno de los grandes mangakas de la historia del género está asegurado. Score [...]
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Mujirushi. El signo de los sueños
Extremity vol.2

COMIC SHORT REVIEW SINOPSIS Thea era una artista que tenía una vida apacible y una familia que la amaba. Pero lo perdió todo cuando los Paznina atacaron a los Roto. Ahora no sueña con una vida mejor, sino con tomar represalias contra el clan que destruyó lo que más quería. Consumida por la sed de venganza, ¿hasta dónde estará dispuesta a llegar? Daniel Warren Johnson, responsable de Wonder Woman: Tierra muerta, firma esta obra donde la belleza y la imaginación de Studio Ghibli se combinan con la intensidad de Mad Max. Extremity contiene los 12 números de la serie original y material adicional proporcionado por el autor en exclusiva para la presente edición. ENGLISH In Extremity Volume 2, Daniel Warren Johnson continues to tell the story of the feuding post-apocalyptic tribes, the Roto and the Panzina. As Thea and Rollo embark on a revenge mission initiated by the death of their mother, they discover a third group in hiding. This group teaches them the values of peacemaking and how to break the cycle of violence. Through this volume, Johnson conveys his message of the futility of conflict through a combination of bloody violence, creativity, and love. His expressive art is complemented by the colors of Mike Spicer, making this book visually attractive and full of interesting commentary on the role of art in a civilization. Extremity Volume 2 surpasses the achievements of the first volume with an even more complex story and characters. It is a fitting close to the series, leaving readers wanting more. SPANISH En Extremity Volume 2, Daniel Warren Johnson continúa contando la historia de las tribus postapocalípticas enfrentadas, los Roto y los Panzina. Mientras Thea y Rollo se embarcan en una misión de venganza iniciada por la muerte de su madre, descubren un tercer grupo escondido. Este grupo les enseña los valores de la pacificación y cómo romper el ciclo de violencia. A través de este volumen, Johnson transmite su mensaje sobre la inutilidad del conflicto a través de una combinación de violencia sangrienta, creatividad y amor. Su arte expresivo se complementa con los colores de Mike Spicer, lo que hace que este libro sea visualmente atractivo y lleno de comentarios interesantes sobre el papel del arte en una civilización. Extremity Volume 2 supera los logros del primer volumen con una historia y personajes aún más complejos. Es un cierre apropiado para la serie, que deja a los lectores con ganas de más. // Author: Daniel Warren Johnson // Editorial: ECC 9.5 [...]

SINOPSIS Thea era una artista que tenía una vida apacible y una familia que la amaba. Pero lo perdió todo cuando los Paznina atacaron a los Roto. Ahora no sueña con una vida mejor, sino con tomar represalias contra el clan que destruyó lo que más quería. Consumida por la sed de venganza, ¿hasta dónde estará dispuesta a llegar? Daniel Warren Johnson, responsable de Wonder Woman: Tierra muerta, firma esta obra donde la belleza y la imaginación de Studio Ghibli se combinan con la intensidad de Mad Max. Extremity contiene los 12 números de la serie original y material adicional proporcionado por el autor en exclusiva para la presente edición. COMIC SHORT REVIEW ENGLISH In Extremity vol.1 , Thea of the Roto Clan has lost everything that defines her – her skill, her passion, her desire – and is now forced to carve out a future of endless paternal expectations and violence. With her mother lost to an invading force and her right hand, the source of her artistic talent, taken in the scuffle, Thea and her family are pushed to the brink of extinction by the corrosive me-and-mine ideology endemic to the floating-island cultures of this comic book. Thea’s father, Jerome, is consumed by revenge, while her academically-inclined brother, Rollo, is pitied by him. The regional monarch is a ruthless woman with no grasp of forgiveness, creating an intense atmosphere of unwilling sacrifice. Through Johnson’s aggressive line art and hard-set jawlines, wrinkled knuckles, and stringy, dark hair, readers experience the drama of a wife who refuses to abandon her war-criminal husband, a son who betrays his father by refusing to murder, and an old falconer who seeks a better future for Thea. EXTREMITY is a story of dark futures and difficult choices, and the resounding fury of a cosmos that resents every breath of its characters. SPANISH En Extremity vol.1, Thea del Roto Clan ha perdido todo lo que la define -su habilidad, su pasión, su deseo- y ahora se ve obligada a labrarse un futuro de interminables expectativas paternas y violencia. Con su madre perdida por una fuerza invasora y su mano derecha, la fuente de su talento artístico, tomada en la pelea, Thea y su familia se ven empujados al borde de la extinción por la corrosiva ideología del yo y los míos endémica de la flotación. culturas insulares de este cómic. El padre de Thea, Jerome, está consumido por la venganza, mientras que su hermano, Rollo, con inclinaciones académicas, se compadece de él. La monarca regional es una mujer despiadada que no entiende el perdón, creando una atmósfera intensa de sacrificio involuntario. A través de las líneas agresivas de Johnson, las mandíbulas marcadas, los nudillos arrugados y el cabello oscuro y fibroso, los lectores experimentan el drama de una esposa que se niega a abandonar a su esposo criminal de guerra, un hijo que traiciona a su padre al negarse a asesinar, y un viejo cetrero que busca un futuro mejor para Thea. EXTREMITY es una historia de futuros oscuros y elecciones difíciles, y la furia resonante de un cosmos que se resiente de cada respiración de sus personajes. // Author: Daniel Warren Johnson // Editorial: ECC SOBRE EL AUTOR Daniel Warren Johnson es un artista de cómics y escritor estadounidense, nacido en 1984 en el estado de Illinois. Comenzó a interesarse por el dibujo y la ilustración desde muy joven, y después de graduarse de la Universidad de Columbia en Chicago, comenzó a trabajar como diseñador gráfico. En 2012, publicó su primer cómic, titulado “Space-Mullet!”, una serie de ciencia ficción autopublicada. Su trabajo llamó la atención de los editores de Image Comics, y en 2016, publicó su primer cómic con ellos, “Murder Falcon”, una serie de ciencia ficción y fantasía sobre una banda de rock que lucha contra monstruos alienígenas. Desde entonces, ha escrito y dibujado varios cómics para Image, incluyendo “Extremity”, una historia de venganza y redención ambientada en un mundo de ciencia ficción, y “Wonder Woman: Dead Earth”, una miniserie que sigue a la heroína en un futuro postapocalíptico. También ha trabajado en proyectos para Marvel, incluyendo “Marvel Zombies: Resurrection” y “Beta Ray Bill”. Johnson es conocido por su estilo de dibujo detallado y su narrativa emocional y conmovedora. Ha sido nominado para varios premios Eisner, incluyendo Mejor Serie Nueva por “Extremity” y Mejor Historia Única por “Wonder Woman: Dead Earth”. También ha ganado el premio Russ Manning Promising Newcomer en los Premios Eisner de 2017. Además de su trabajo en cómics, Johnson también es músico y ha tocado en varias bandas. Actualmente vive en Chicago con su esposa e hijos. Score 9 [...]
Extremity vol.1
Batman: The Dark Knight Returns review

Frank Miller, Klaus Janson (Illustrator), Lynn Varley (Illustrator) The Dark Knight Returns by Frank Miller is an iconic work of comic book literature. Upon its release in the late eighties, it quickly established itself as one of the greatest Batman stories ever written, rivaled only by Miller’s own work, Year One, and Alan Moore’s The Killing Joke. Its impact is still felt today and its legacy is something to be admired. I recently had the chance to read the source material and I truly understand why this story made such a huge impact. Klaus Janson’s art style is often seen as challenging to look at, but when utilized effectively it manages to capture both the dissonance and melancholy of the plot quite effectively. At its best, it gives the story an eerie feeling, haunting each page and leaving a lingering imagery. On the other hand, it can also confuse readers because it doesn’t have the refinement of modern comic books. Frank Miller’s writing is simply superb. He captures the essence of Batman in a way that is both unique and relatable. He is not portrayed as a noble, sympathetic hero, but rather as a warrior who is resilient and resourceful, and always makes the right choices no matter the cost. The media coverage panels also add a unique touch, as it feels like you are part of the citizens of Gotham watching the events unfold on television. The story culminates in an epic battle between Batman and Superman, which is something to behold. It is a fantastic take on the strained relationship between the two heroes and shows why they are so different and yet so complementary. The Dark Knight Returns is a timeless classic. It is deftly written and captures the spirit of Batman in a way that is both meaningful and entertaining. It is a must-read for any Batman fan and I highly recommend it. The Dark Knight Returns de Frank Miller es una obra icónica de la literatura de cómics. Tras su lanzamiento a finales de los años ochenta, rápidamente se estableció como una de las mejores historias de Batman jamás escritas, rivalizada solo por el propio trabajo de Miller, Year One, y The Killing Joke de Alan Moore. Su impacto todavía se siente hoy y su legado es algo digno de admiración. Recientemente tuve la oportunidad de leer el material original y realmente entiendo por qué esta historia tuvo un impacto tan grande. El estilo artístico de Klaus Janson a menudo se considera difícil de ver, pero cuando se utiliza de manera efectiva logra capturar tanto la disonancia como la melancolía de la trama de manera bastante efectiva. En el mejor de los casos, le da a la historia una sensación inquietante, inquietante en cada página y dejando imágenes persistentes. Por otro lado, también puede confundir a los lectores porque no tiene el refinamiento de los cómics modernos. La escritura de Frank Miller es simplemente excelente. Captura la esencia de Batman de una manera que es a la vez única e identificable. No se le presenta como un héroe noble y compasivo, sino como un guerrero resistente e ingenioso, que siempre toma las decisiones correctas sin importar el costo. Los paneles de cobertura de los medios también agregan un toque único, ya que se siente como si fueras parte de los ciudadanos de Gotham viendo cómo se desarrollan los eventos en la televisión. La historia culmina en una batalla épica entre Batman y Superman, que es algo digno de contemplar. Es una versión fantástica de la tensa relación entre los dos héroes y muestra por qué son tan diferentes y, sin embargo, tan complementarios. The Dark Knight Returns es un clásico atemporal. Está hábilmente escrito y captura el espíritu de Batman de una manera significativa y entretenida. Es una lectura obligada para cualquier fan de Batman y lo recomiendo encarecidamente. 8.5 [...]

COMIC SHORT REVIEW SINOPSIS Nicolas Cox está decidido a demostrar su valía en el mundo de la esgrima de competición y ganarse un lugar junto a leyendas de ese deporte, como el padre al que nunca ha llegado a conocer. Por ello sueña con recibir la formación necesaria para competir. Tras ser aceptado en la conocida escuela privada Kings Row, Nicholas es empujado a un mundo sin piedad. A través de enfrentamientos, rivalidades y romances entre compañeros de equipo, Nicholas y los chicos de Kings Row descubrirán que la esgrima va mucho más allá de floretes y estocadas. De la aclamada autora C. S. Pacat (El príncipe cautivo) y la popular artista Johanna the Mad.Escuela de esgrima es una serie que te atrapará desde la primera página. ENGLISH This opening volume of the Fencing School graphic novel series is quite introductory. We are introduced to the characters, their motivations for fencing, and the rivalry between the protagonists that will continue into the rest of the story. Nicholas Cox has not had an easy life and has always had to fight to reach his goals (like learning fencing). His economic struggles are also revealed. On the other hand, Seiji Katayama has practiced fencing since childhood and is one of the best. Nicholas wants nothing more than to defeat him. The story is engaging and the illustrations are beautiful, conveying situations and emotions without too much text. I’m eagerly awaiting the second volume! SPANISH Este volumen de apertura de la serie de novelas gráficas de la Escuela de Esgrima es bastante introductorio. Se nos presenta a los personajes, sus motivaciones para la esgrima y la rivalidad entre los protagonistas que continuará en el resto de la historia. Nicholas Cox no ha tenido una vida fácil y siempre ha tenido que luchar para alcanzar sus objetivos (como aprender esgrima). También se revelan sus luchas económicas. Por otro lado, Seiji Katayama practica esgrima desde pequeño y es uno de los mejores. Nicholas no quiere nada más que derrotarlo. La historia es atractiva y las ilustraciones son hermosas, transmiten situaciones y emociones sin demasiado texto. ¡Espero con ansias el segundo volumen! // Author: C.S. Pacat // Editorial: Ediciones Urano 7.5 [...]
Escuela de Esgrima vol.1
ARN el navegante

COMIC SHORT REVIEW SINOPSIS ARN el navegante ¡Las Historias de la Tierra Incontable dan el salto al cómic! Para narrar la azarosa existencia de Arn, el Navegante, un humano que fue capaz de perseguir sus sueños y de convertirlos en realidad, más allá de los límites y las distancias de la inabarcable Nayrda, y más allá de las diferencias entre las criaturas que la habitan.  “-¿Cómo es posible? -Leazah de los Nayl suspiró profundamente, evocando un recuerdo que parecía lejano-. ¿Cómo es posible que lo hayáis olvidado? Los elfos le veneran casi como a uno de sus iguales, y vosotros lo habéis desterrado a las leyendas y los cuentos… Y nunca, jamás, ha habido otro de vuestra especie que haya hecho tanto por vosotros, humano.” ENGLISH REVIEW I have read ARN el navigador and I liked the narration, as well as the message that is to be conveyed at the end. However, I have some reservations. Women are very sexualized and the part where I almost stopped reading was when the pirates rape a girl. For me, the violence in this scene doesn’t add anything to the plot, it’s just gratuitous. This illustrated novel is not for me, I don’t like seeing half-naked women all the time. I haven’t read anything else by the author, but I don’t rule out reading any of his novels in the future. SPANISH REVIEW I have read ARN el navegante and I liked the narration, as well as the message that is to be conveyed at the end. However, I have some reservations. Women are very sexualized and the part where I almost stopped reading was when the pirates rape a girl. For me, the violence in this scene doesn’t add anything to the plot, it’s just gratuitous. This illustrated novel is not for me, I don’t like seeing half-naked women all the time. I haven’t read anything else by the author, but I don’t rule out reading any of his novels in the future. // Author: Házael González // Editorial: Dolmen Editorial 6.5 [...]

Molly Knox Ostertag I was so thrilled to get an Advanced Reader Copy (ARC) of “The Girl From the Sea” by Molly Knox Ostertag–a middle grade series coming to Netflix. As a coastal, oceanic person living in the Maritimes, selkie stories have always held a special place in my heart. This sapphic story puts a delightful LGBT twist on the traditional tale: Morgan is a gay teen living in Lunenberg, a small port town, and while she is not out of the closet, she is planning her escape. After being rescued from drowning by Keltie, the two start to fall in love, making Morgan’s secret more difficult to hide. I’m glad that this book centers around a gay teen in a small town in Nova Scotia! Unfortunately, it’s not always the most progressive place when it comes to LGBT issues. Queer people often flee the East Coast in order to fully become themselves or move to the “big city” of Halifax. However, some return home once they are secure in their identity and some leave their homes behind, much like selkies leaving the sea to be with a person they love. Estaba tan emocionado de obtener una copia de lectura avanzada (ARC, por sus siglas en inglés) de “The Girl From the Sea” de Molly Knox Ostertag, una serie de grado medio que llegará a Netflix. Como persona costera y oceánica que vive en las Marítimas, las historias de selkies siempre han ocupado un lugar especial en mi corazón. Esta sáfica historia le da un delicioso giro LGBT a la historia tradicional: Morgan es una adolescente gay que vive en Lunenberg, una pequeña ciudad portuaria, y aunque no ha salido del armario, está planeando su escape. Después de ser rescatados de ahogarse por Keltie, los dos comienzan a enamorarse, lo que hace que el secreto de Morgan sea más difícil de ocultar. ¡Me alegro de que este libro se centre en un adolescente gay en un pequeño pueblo de Nueva Escocia! Desafortunadamente, no siempre es el lugar más progresista cuando se trata de temas LGBT. Las personas queer a menudo huyen de la costa este para convertirse en ellas mismas o mudarse a la “gran ciudad” de Halifax. Sin embargo, algunos regresan a casa una vez que están seguros de su identidad y otros dejan sus hogares atrás, al igual que las selkies que abandonan el mar para estar con la persona que aman. 8 [...]
The Girl from the Sea review
Once & Future – vol.1 review

Kieron Gillen Duncan is a very clumsy character and a bit neurotic, even though he means well. His grandmother Bridgette, however, is the opposite: she is a retired monster hunter who is forced to return to the battlefield when a group of nationalists unearths the sword of Excalibur with the intention of unleashing all kinds of horrors on the world. Duncan is shocked to learn of her grandmother’s exploits and realizes that it is up to her if he is to survive the coming chaos. Once & Future does not waste time in introducing the different characters, nor in creating a context of the world. We’ve seen monster hunters before, but not with this approach. Writer Kieron Gillen plays with the existing folklore surrounding the legend of Excalibur and the horrors of today to create an incredible story from the get-go. It took me very little time to consider whether this first volume would not be too brief. Artist Dan Mora highlights the personalities of each character in his stellar work. You get a pretty good idea of who a character is based on this artist’s designs. For example, Duncan frowns almost constantly, as if he’s always worried about something, even giving the appearance of being a bit off about what’s going on around him. Meanwhile, Bridgette has a sly look, showing that she knows more than she’s letting on. Once & Future features colorist Tamra Bonvillain, bringing her own energy to every landscape, battle, and character. In addition, we can appreciate the intensity of the battle amplified by the letterer Ed Dukeshire. In general, the great cast of artists that surrounds this story is undeniable. Once & Future is definitely a brutal comic that you can’t miss. You won’t want to miss this magnificent tale of monsters and folklore mixed with some great character work. The creators have set the bar pretty high with this debut number. I’m looking forward to the next one. Duncan es un personaje muy torpe y un poco neurótico, aunque tiene buenas intenciones. Su abuela Bridgette sin embargo es todo lo contrario: es una cazadora de monstruos retirada que se ve obligada a volver al campo de batalla cuando un grupo de nacionalistas desentierra la espada de Excalibur con la intención de desatar todo tipo de horrores en el mundo. Duncan se sorprende al enterarse de las hazañas de su abuela y se da cuenta de que depende de ella si quiere sobrevivir al caos que se avecina. Once & Future no pierde el tiempo en presentar a los diferentes personajes, ni en realizar un contexto del mundo. Hemos visto cazadores de monstruos antes, pero no con este planteamiento. El escritor Kieron Gillen juega con el folklore existente alrededor de la leyenda de Excalibur y los horrores de la actualidad para crear una historia increíble desde el primer momento. He tardado muy poco en plantearme si este primer tomo no sería demasiado breve.  El artista Dan Mora destaca las personalidades de cada personaje en su obra estelar. Tienes una idea muy clara de quién es un personaje en función de los diseños de este artista. Por ejemplo, Duncan tiene el ceño fruncido casi constantemente, como si siempre estuviera preocupado por algo, incluso da la apariencia de estar algo ido sobre lo que ocurre a su alrededor. Mientras tanto, Bridgette tiene una mirada astuta, lo que demuestra que sabe más de lo que deja ver. Once & Future cuenta con la colorista Tamra Bonvillain, que suma su propia energía a cada paisaje, batalla y personaje. Además, podemos apreciar la intensidad de la batalla amplificada por el rotulista Ed Dukeshire. En general, es innegable el gran elenco de artistas que rodea esta historia. Once & Future es definitivamente un cómic brutal que no os podéis perder. No querrás perderte esta magnífica historia de monstruos y folklore mezclada con un gran trabajo de personajes. Los creadores han dejado el listón bastante alto con este número de debut. Estoy deseando que esté el siguiente. 8.5 [...]

A Wall Trough Hell – vol.1 Goran Sudzuka y Garth Ennis nos llevan a dar un paseo por el Infierno, muy a los True Detective. AfterShock Comics tiene una sólida lista de grandes creadores que publican libros, y entre ellos encontramos a Garth Ennis. Garth Ennis nos trae A Walk Through Hell, su última serie de terror mezclado con violencia y fusionado con el género policíaco. Y esto aparece después de su tan aclamado éxito Preacher, donde el personaje principal, Jesse, está poseído por la descendencia de un ángel y un demonio, lo que le da una voz que le permite mandar a otros. En 2018 debutó A Walk Through Hell, donde dos agentes del FBI llamados McGregor y Shaw entran en un almacén después de que otros dos agentes hayan desaparecido en su interior y de que un equipo al completo de SWAT se suicidara poco después de entrar. Con estos antecedentes, Shaw y McGregor pronto quedan atrapados en los pasillos laberínticos del almacén y se pierden en una especie de infierno personal. A Walk Through Hell presenta abundantes flashbacks. También hay un enfoque en un caso pasado de Shaw y McGregor que persigue a la pareja. La estructura del cómic puede ser un poco confusa y puede saltar de manera discordante. El dúo también descubre que el almacén no es un edificio ordinario y se encuentran con escenas como la de un personaje que intenta dispararse en la cabeza, lo que no funciona sin importar cuántas veces aprieten el gatillo. En mi opinión, este no es el mejor trabajo de Garth Ennis. Si bien la idea inicial y la historia en sí es muy buena, considero que no está del todo bien desarrollada, llegando a ser bastante confusa a ratos, aunque en los momentos buenos te sorprende. Si eres muy fan de Garth Ennis, no te puedes perder esta obra que me recuerda a “True Detective” en algunos momentos en cuanto al género policial y a la forma en la que te presenta la historia. Título: A walk through Hell nº 01Contenido: A walk through Hell nº 1-5 (título original)Autor: Garth Ennis. Goran Sudzuka. Ive Svorcina.Editorial: Planeta CómicTemática: Cómic y manga | Cómic y manga juvenil | Independiente americano juvenilColección: Independientes USA | A walk through HelNúmero de páginas: 136 [...]
A Wall Trough Hell – vol. 1 review
Mutafukaz 1

COMIC SHORT REVIEW SINOPSIS Mutafukaz 1 de Run. ¡Bienvenidos a Dark Meat City, la ciudad más grande de New California! Una metrópolis compuesta infinidad de barrios controlados por distintas bandas callejeras. Angelino es un joven que comparte piso con su amigo Vinz en una de estas barriadas de mala muerte. Allí conviven con la delincuencia y el malestar, pero un día, mientras intenta ganarse el pan como repartidor de pizza, es atropellado y comienza a tener un terrible dolor de cabeza al que le acompaña un efecto secundario: empieza a ver que las sombras cobran un aspecto un tanto extraño. Lo que no sabe Angelino es que, por otro lado, el equipo de wrestling llamado Lucha Última, se verán envueltos en una encrucijada de proporciones bíblicas que puede suponer el fin de la Tierra tal y como la conocemos. ENGLISH REVIEW Angelino and Vinz are two teens living in the lawless and dangerous city of Dark Meat City. After Angelino is involved in a car accident which leaves him without a job, he starts experiencing strange hallucinations. This leads him to visit a doctor, a decision which proves to be a mistake. Now, both Angelino and Vinz must flee from government agents who want them dead because of Angelino’s visions. Will they be able to survive in such a hostile environment? Run’s artwork is unique and powerful, really making the story come alive. He creates a world of misery, crime, and death, and creates a spark of mystery that piques the reader’s interest. Angelino is a black teenager with a round head and eyes that take up half his face, and Vinz has a skull head on fire. They live in a bad hotel full of cockroaches, which they consider their pets. They also have another friend, Will, a humanoid bat. Although there is a conspiracy side to the story, it will not be revealed until the next volume. SPANISH REVIEW Angelino y Vinz son dos adolescentes que viven en la ciudad peligrosa y sin ley de Dark Meat City. Después de que Angelino se ve involucrado en un accidente automovilístico que lo deja sin trabajo, comienza a experimentar extrañas alucinaciones. Esto lo lleva a visitar a un médico, una decisión que resulta ser un error. Ahora, tanto Angelino como Vinz deben huir de los agentes del gobierno que los quieren muertos a causa de las visiones de Angelino. ¿Serán capaces de sobrevivir en un entorno tan hostil? La obra de arte de Run es única y poderosa, lo que realmente hace que la historia cobre vida. Crea un mundo de miseria, crimen y muerte, y crea una chispa de misterio que despierta el interés del lector. Angelino es un adolescente negro con una cabeza redonda y ojos que ocupan la mitad de su cara, y Vinz tiene una cabeza de calavera en llamas. Viven en un mal hotel lleno de cucarachas, a las que consideran sus mascotas. También tienen otro amigo, Will, un murciélago humanoide. Aunque hay un lado de la conspiración en la historia, no se revelará hasta el próximo volumen. // Author: Run // Editorial: DIBBUKS 8.5 [...]

COMIC SHORT REVIEW SINOPSIS MONSTRUOS. Estamos en 1964. Bobby Bailey no se da cuenta de que va a enfrentarse a su trágico destino al entrar en una oficina de reclutamiento del Ejército de los EE.UU. Reservado, herido, inocente, intentando olvidar un pasado y buscando un futuro, Bobby es el candidato perfecto para un programa experimental del gobierno estadounidense, la infame continuación de un programa genético descubierto en la Alemania nazi 20 años antes, durante los últimos días de la Segunda Guerra Mundial. El único aliado y protector de Bailey, el sargento McFarlane, interviene y desencadena una serie de acontecimientos en cascada que escapan al control de todo el mundo. Mientras los monstruos del título se multiplican, convirtiéndose al mismo tiempo en reales y metafóricos, el relato llega a un crescendo de consecuencias morales. ENGLISH REVIEW Barry Windsor-Smith has been widely recognized for his magnum opus, Monsters, which was recently awarded the top prize at the 2022 Eisner Awards. It took him 37 years to finish the 360-page book, and he is 71 years old. Monsters is an intense and detailed exploration of humanity’s capacity for evil, violence, and suffering. It draws on influences from Ingmar Bergman’s The Serpent’s Egg, John Wagner’s The History of Violence, Cormac McCarthy’s Blood Meridian, as well as Johnny Got His Gun and Emil Ferris’s My Favorite Thing is Monsters. The story is framed by the almost mythic Hulk origin story, and is also inspired by Frankenstein. It explores the devastating effects of war and domestic abuse, and how they can be passed down through generations. The artwork is brilliant and masterful, and the story is multi-layered and complex. While it is a difficult read, it is a powerful reminder of the horror and cruelty that is still present in the world today. Congratulations to Barry Windsor-Smith for winning the highest honor in the comic book industry, and for his incredible 37-year journey in creating Monsters. SPANISH REVIEW Barry Windsor-Smith ha sido ampliamente reconocido por su obra magna, Monsters, que recientemente recibió el primer premio en los Premios Eisner 2022. Le tomó 37 años terminar el libro de 360 páginas y tiene 71 años. Monsters es una exploración intensa y detallada de la capacidad de la humanidad para el mal, la violencia y el sufrimiento. Se basa en influencias de The Serpent’s Egg de Ingmar Bergman, The History of Violence de John Wagner, Blood Meridian de Cormac McCarthy, así como Johnny Got His Gun y My Favourite Thing is Monsters de Emil Ferris. La historia está enmarcada en la casi mítica historia del origen de Hulk, y también está inspirada en Frankenstein. Explora los efectos devastadores de la guerra y el abuso doméstico, y cómo pueden transmitirse de generación en generación. La obra de arte es brillante y magistral, y la historia tiene múltiples capas y es compleja. Si bien es una lectura difícil, es un poderoso recordatorio del horror y la crueldad que todavía está presente en el mundo de hoy. Felicitaciones a Barry Windsor-Smith por ganar el mayor honor en la industria del cómic y por su increíble viaje de 37 años creando Monstruos. // Author: Barry Windsor-Smith // Editorial: Dolmen Editorial 8 [...]
Monsters
The Midnight Tales vol.1

COMIC SHORT REVIEW SINOPSIS Midnight tales. Desde los Ghats crematorios de Benarés hasta las playas de Inglaterra, las heroínas de Midnight Tales comparten la misma mitología. Cada una de estas Midnight Girls lucha contra las fuerzas de las sombras y los espíritus malignos. Son miembros de la Orden de la medianoche, un grupo compuesto esencialmente por mujeres. Son guardianas y están orgullosas por pertenecer a una corporación secreta pero que, por otra parte, las priva de una vida normal. ENGLISH REVIEW The Midnight Tales, a secret society of witches protecting the world from darkness, is the centerpiece of this first volume of Midnight Tales. “Last Dance” captures teenage drama and plenty of action and twists, while “Samsara” is heavily influenced by Hinduism and revolves around the concept of death. In “Nightmare from the Coast”, a witch challenges another to explore a mysterious city in the sea, leading to a path of death and sacrifices. “Demonic Garden”, the only story to be continued in future volumes, follows a young girl being pursued by the Devil and hidden by the Order. Additionally, “Before the Storm” focuses on a girl discovering her magical powers and finding help from her close friends. Presenting these stories in a magazine-style format with illustrations, pages from the Order’s archives, and real stories, this volume is full of action, drama, magic, and light and darkness. Fans of the genre are sure to be pleased and eagerly await future publications. SPANISH REVIEW The Midnight Tales, una sociedad secreta de brujas que protegen al mundo de la oscuridad, es la pieza central de este primer volumen de Midnight Tales. “Last Dance” captura el drama adolescente y mucha acción y giros inesperados, mientras que “Samsara” está fuertemente influenciado por el hinduismo y gira en torno al concepto de la muerte. En “Pesadilla de la costa”, una bruja desafía a otra a explorar una ciudad misteriosa en el mar, que la lleva a un camino de muerte y sacrificios. “Demonic Garden”, la única historia que continuará en volúmenes futuros, sigue a una joven perseguida por el diablo y escondida por la Orden. Además, “Before the Storm” se centra en una niña que descubre sus poderes mágicos y encuentra la ayuda de sus amigos cercanos. Presentando estas historias en un formato estilo revista con ilustraciones, páginas de los archivos de la Orden e historias reales, este volumen está lleno de acción, drama, magia, luz y oscuridad. Los fanáticos del género seguramente estarán encantados y esperarán con ansias futuras publicaciones. // Author: Mathieu Bablet; Guillaume Singelin // Editorial: DIBBUKS 8 [...]

Grant Morrison The Doom Patrol stands out among DC’s Rebirth for being utterly bizarre and oozing quality on every page. I had never been exposed to the Grant Morrison series from the late 80’s and early 90’s, but after seeing what’s in the new series I’ve become a die-hard Morrison fan and my brain has blown from him. This series is an ode to the universal fundamental value of the absurd, a place where worlds can only exist in wonderful and thunderous minds. It is a coherent surrealism, a continuous distortion where lysergic minds spend time among equals. The Doom Patrol fits into everything that is not normal, magical, sleepover, logical or understandable to ordinary minds. La Doom Patrol destaca entre el Rebirth de DC por ser absolutamente extraña y exudar calidad en cada página. Nunca había estado expuesto a la serie de Grant Morrison de finales de los 80 y principios de los 90, pero después de ver lo que hay en la nueva serie me he convertido en un fan incondicional de Morrison y su cerebro tronado. Esta serie es una oda al valor fundamental universal de lo absurdo, un lugar donde los mundos no pueden existir más que en mentes maravillosas y tronadas. Es un surrealismo coherente, una distorsión continua donde las mentes lisérgicas pasan el tiempo entre iguales. La Doom Patrol encaja en todo lo que no es normal, mágico, pijamero, lógico ni comprensible para las mentes comunes. 8.5 [...]
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La Patrulla Condenada, Libro Uno: Desde las cenizas review
Chainsaw Man, Vol. 1 review

Tatsuki Fujimoto Chainsaw Man Vol. 1 is a captivating story that follows the journey of Denji, a poor young man living with his pet devil, Pochita. After being targeted by the Yakuza, Denji makes a deal with Pochita, who replaces his heart and gives him the power to turn into the chainsaw devil. He is then recruited as a professional devil hunter by the public safety devil hunters. Denji’s true goal is to find someone to love, but he also wants to touch some boobs (with consent of course). The story is a great combination of fun action and depressing realism, which makes it even more entertaining to read. The characters are also great, with Denji being particularly loveable and relatable. The artwork by Tatsuki Fujimoto is also amazing, with it being both sweet and brutal when necessary. All in all, this was an incredible introduction to the series and I cannot wait to read the next volumes. Hombre motosierra vol. 1 es una historia cautivadora que sigue el viaje de Denji, un joven pobre que vive con su demonio mascota, Pochita. Después de ser atacado por Yakuza, Denji hace un trato con Pochita, quien reemplaza su corazón y le da el poder de convertirse en el demonio de la motosierra. Luego es reclutado como cazador de demonios profesional por los cazadores de demonios de seguridad pública. El verdadero objetivo de Denji es encontrar a alguien a quien amar, pero también quiere tocar algunas tetas (con su consentimiento, por supuesto). La historia es una gran combinación de acción divertida y realismo deprimente, lo que la hace aún más entretenida de leer. Los personajes también son geniales, con Denji siendo particularmente adorable y identificable. La obra de arte de Tatsuki Fujimoto también es increíble, siendo dulce y brutal cuando es necesario. Considerándolo todo, esta fue una introducción increíble a la serie y no puedo esperar para leer los próximos volúmenes. 10/10 10 [...]

Jeff Lemire, Dean Ormston (Illustrator), Dave Stewart (Illustrator), Todd Klein (Letterer) I’m not sure what to think of this story yet – it starts as a meditation on aging and loss, and suddenly speeds up, taking a sharp left turn to become something more wild and unpredictable. Jeff Lemire is at the top of his game, with Dave Stewart as the colorist, Todd Klein as the letterer, and Dean Ormston as the illustrator. Together, they explore the history of comics and art, referencing The House of Mystery, The Dreaming, Sweet Tooth, and surrealism. Lucy Weber (aka the new Black Hammer) returns to the Farm, where the truth about what happened to Spiral City’s heroes is revealed. Memory erasing and dream sequences are used as plot devices, and Lucy ascends to her rightful place as successor. I’m still trying to figure out what I think of this story and I’m hoping to understand it better with the next issues. Todavía no estoy seguro de qué pensar de esta historia: comienza como una meditación sobre el envejecimiento y la pérdida, y de repente se acelera, dando un giro brusco a la izquierda para convertirse en algo más salvaje e impredecible. Jeff Lemire está en la cima de su juego, con Dave Stewart como colorista, Todd Klein como rotulista y Dean Ormston como ilustrador. Juntos, exploran la historia de los cómics y el arte, haciendo referencia a The House of Mystery, The Dreaming, Sweet Tooth y el surrealismo. Lucy Weber (también conocida como la nueva Black Hammer) regresa a la Granja, donde se revela la verdad sobre lo que les sucedió a los héroes de Spiral City. El borrado de memoria y las secuencias de sueños se utilizan como dispositivos de trama, y Lucy asciende al lugar que le corresponde como sucesora. Todavía estoy tratando de averiguar qué pienso de esta historia y espero entenderla mejor en los próximos números. 7.5 [...]
Black Hammer, Vol. 3: Age of Doom, Part One review
Black Hammer vol.2 review

Jeff Lemire Jeff Lemire’s Black Hammer series, winner of the 2017 Eisner award for best ongoing series, is a heartfelt mix of superheroes and realistic character-driven stories set in the bleak and desolate northern Canadian towns Lemire knows so well. The first volume of the series set up the story, introducing a group of superheroes with unique and troubled backstories who find themselves stuck on a farm in northern Canada. In this volume, Lucy arrives to nudge them to escape, introducing them to a mysterious city and a hammer that hints at some kind of connection to the Black Hammer. With characters drawn with both heart and detail by Dean Ormston and David Rubin, this volume is a great mix of the geeky and the personal, and promises even more with the next volume. La serie Black Hammer de Jeff Lemire, ganadora del premio Eisner 2017 a la mejor serie en curso, es una mezcla sincera de superhéroes e historias realistas basadas en personajes ambientadas en las sombrías y desoladas ciudades del norte de Canadá que Lemire conoce tan bien. El primer volumen de la serie establece la historia, presentando a un grupo de superhéroes con historias de fondo únicas y problemáticas que se encuentran atrapados en una granja en el norte de Canadá. En este volumen, Lucy llega para empujarlos a escapar, presentándoles una ciudad misteriosa y un martillo que insinúa algún tipo de conexión con el Martillo Negro. Con personajes dibujados con corazón y detalle por Dean Ormston y David Rubin, este volumen es una gran mezcla de lo geek y lo personal, y promete aún más con el próximo volumen. 8 [...]

Jeff Lemire y Dean Ormston This comic is a must-read for its attention to detail in world-building, its humorous dialogue, and its sentimentality. Jeff Lemire expertly weaves Golden Age comics, horror comics, DC’s “Crisis” comic tropes, and characters akin to Adam Strange, Mary Marvel, Captain America, Martian Manhunter, Raven, and Swamp Thing into a unique story. The art, illustrated by Dean Ormston who recovered from a stroke to finish this project, is stunning, thanks in part to Dave Stewart’s colors and Todd Klein’s letters. The thick pages and additional features make this a crisply designed book. This is still one of my favorite Jeff Lemire comics. Este cómic es una lectura obligatoria por su atención al detalle en la construcción del mundo, su diálogo divertido y su sentimentalismo. Jeff Lemire teje magistralmente cómics de la Edad de Oro, cómics de terror, tropos de la “Crisis” de DC y personajes similares a Adam Strange, Mary Marvel, Captain America, Martian Manhunter, Raven y Swamp Thing en una historia única. El arte, ilustrado por Dean Ormston que se recuperó de un derrame cerebral para terminar este proyecto, es impresionante, gracias en parte a los colores de Dave Stewart y las letras de Todd Klein. Las páginas gruesas y las características adicionales hacen de este un libro bien diseñado. Esta sigue siendo una de mis historietas favoritas de Jeff Lemire. 9 [...]
Black Hammer vol.1 review