PELÍCULAS
Hotel Royal
SINOPSIS
Después de quedarse sin dinero mientras viajaban con mochila en un pequeño pueblo dominado por hombres en el interior de Australia, dos amigos recurren a unas vacaciones de trabajo en el Royal Hotel. Cuando el comportamiento de los lugareños comienza a cruzar la línea, las chicas se encuentran atrapadas en una situación desconcertante que rápidamente se sale de su control.
Movie Short Review
English review
Pete Gleeson’s 2016 documentary “Hotel Coolgardie” might not have been a commercial hit, but it left a deep impression on those who saw it at film festivals. It narrates the experience of two Finnish tourists working in a bar in a remote Australian mining town, constantly facing sexist comments and behaviors from both the regular patrons and their manager. The strength of the documentary lies in its portrayal of the town’s toxic culture, so normalized that the blatant mistreatment of women went unquestioned, highlighting a disturbing acceptance of misogyny.
Inspired by “Hotel Coolgardie,” Kitty Green directs “The Royal Hotel,” transforming the documentary’s themes into a thriller that intensifies the original story in key aspects. The film introduces us to American tourists Hanna (Julia Garner) and Liv (Jessica Henwick), who, after running out of money while partying in Sydney, end up working in a dilapidated bar in a desolate mining town. Owned by Billy (Hugo Weaving), a middle-aged alcoholic, and his wife Carol (Ursula Yovich), the Royal Hotel becomes the setting for a harrowing few weeks. As the narrative unfolds, Green masterfully builds tension, focusing on Hanna’s growing unease with the bar’s patrons, particularly with the menacing Dolly (Daniel Henshall), while simultaneously maintaining a sense of impending danger lurking in the men’s aggressive behavior.
Green’s direction and nuanced performances, especially that of Julia Garner, elevate “The Royal Hotel” beyond a simple horror story, opting instead to explore the complex dynamics of gender, power, and culture. The film skillfully navigates the thin line between benign and threatening interactions, creating a suspenseful atmosphere without resorting to physical violence. However, the screenplay sometimes overemphasizes points already made through direction and performance, and the resolution feels somewhat unearned, leaning towards wish fulfillment. Despite these critiques, “The Royal Hotel” excels in creating a tension-filled narrative that reflects on broader issues of consent, masculinity, and the dangers women face, underscored by a strong central performance and a thoughtful exploration of its characters and setting.
Spanish review
El documental de Pete Gleeson, “Hotel Coolgardie” de 2016, quizás no se convirtió en un éxito comercial, pero dejó una profunda impresión en quienes lo vieron en festivales de cine. Narra la experiencia de dos turistas finlandesas trabajando en un bar en un remoto pueblo minero australiano, enfrentándose constantemente a comentarios y comportamientos sexistas tanto de los clientes habituales como de su gerente. La fuerza del documental radica en su representación de la cultura tóxica del pueblo, tan normalizada que el maltrato flagrante hacia las mujeres no se cuestionaba, subrayando una perturbadora aceptación del machismo.
Inspirada por “Hotel Coolgardie”, Kitty Green dirige “The Royal Hotel”, transformando los temas del documental en un thriller que intensifica la historia original en aspectos clave. La película nos presenta a las turistas estadounidenses Hanna (Julia Garner) y Liv (Jessica Henwick), quienes, tras quedarse sin dinero fiesteando en Sídney, terminan trabajando en un bar en decadencia en un desolado pueblo minero. Bajo la propiedad de Billy (Hugo Weaving), un alcohólico de mediana edad, y su esposa Carol (Ursula Yovich), el Royal Hotel se convierte en el escenario de unas semanas desgarradoras. A medida que se desarrolla la narrativa, Green construye magistralmente la tensión, centrándose en la creciente inquietud de Hanna con los clientes del bar, especialmente con el amenazante Dolly (Daniel Henshall), manteniendo al mismo tiempo una sensación de peligro inminente que acecha en el comportamiento agresivo de los hombres.
La dirección de Green y las actuaciones matizadas, especialmente la de Julia Garner, elevan “The Royal Hotel” más allá de una simple historia de terror, optando en cambio por explorar la compleja dinámica de género, poder y cultura. La película navega hábilmente la delgada línea entre interacciones benignas y amenazantes, creando una atmósfera llena de suspense sin recurrir a la violencia física. Sin embargo, el guion a veces enfatiza en exceso puntos ya expresados mediante la dirección y las actuaciones, y la resolución se siente algo inmerecida, inclinándose hacia la satisfacción de deseos. A pesar de estas críticas, “The Royal Hotel” sobresale al crear una narrativa cargada de tensión que reflexiona sobre cuestiones más amplias de consentimiento, masculinidad y los peligros que enfrentan las mujeres, subrayada por una actuación central sólida y una exploración cuidadosa de sus personajes y ambientación.
Hotel Royal – Trailer oficial
Movie information
// Scarlett Pictures, See-Saw Films, Fulcrum Media Finance.
// Director: Kitty Green
// Cast: Julia Garner, Jessica Henwick
SOBRE EL DIRECTOR
Kitty Green asistió al Victorian College of the Arts, donde estudió cine y televisión. Comenzó su carrera como directora de documentales. Su primer documental Ukraine Is Not a Brothel (2013) se centra en el movimiento feminista ucraniano “Femen”. Esta cinta ganó un premio AACTA al mejor largometraje documental australiano. Su siguiente proyecto fue el cortometraje The Face of Ukraine: Casting Oksana Baiul (2015) que ganó el premio al Mejor Cortometraje de No Ficción en el Festival de Cine de Sundance. Después del escándalo de Harvey Weinstein, Green aprovechó esto como una oportunidad para comenzar su viaje en la realización y dirección de películas de ficción. Quiso exponer la verdad sobre el acoso en el ambiente laboral, un evento tan repetitivo y perturbador que todavía ocurre hasta el día de hoy en el mundo moderno, a través de The Assistant (2019), su primera cinta de ficción.
Score [...]
How to Have Sex
SINOPSIS
Tres adolescentes británicas se van de vacaciones para celebrar sus ritos de iniciación: beber, salir de fiesta y ligar, en lo que debería ser el mejor verano de sus vidas.
Movie Short Review
English review
Molly Manning Walker’s directorial debut, “How To Have Sex,” explores the complex terrain of female adolescence through the experiences of three best friends: Tara (Mia McKenna-Bruce), Skye (Lara Peake), and Em (Enva Lewis), who travel to Malia after their exams with the goal of exploring their sexual freedoms. The film cleverly navigates the dichotomy between expectations and reality of this crucial life stage, distinguishing itself in the British cinema landscape, which has traditionally offered either grittier or more comedic takes on adolescence. Infused with the vibrant energy of youth and set against the backdrop of Brits abroad, it is characterized by its authentic representation of female friendship, underscored by a contemporary soundtrack.
The narrative evolves from comedic to a more serious exploration of sexual inexperience and its emotional repercussions, particularly through Tara’s journey. Her transition from exuberance to discomfort captures the often overlooked complexities of young female sexuality. McKenna-Bruce delivers a standout performance, reminiscent of the charismatic presence of Florence Pugh, establishing herself as a notable talent. Shaun Thomas, as Tara’s love interest, Badger, brings depth to a character that could seem cliché, adding charm to the film. Despite some first-feature missteps, Walker’s “How To Have Sex” stands out as a fresh and insightful addition to British cinema, addressing sensitive themes with a balance of humor and seriousness. It’s a film that transcends the superficial to offer a nuanced view of the challenges and joys of young womanhood, anchored by strong performances and a genuine portrayal of friendship and support.
Spanish review
El debut directorial de Molly Manning Walker, “Cómo tener sexo”, explora el complejo terreno de la adolescencia femenina a través de las experiencias de tres mejores amigas: Tara (Mia McKenna-Bruce), Skye (Lara Peake) y Em (Enva Lewis), quienes viajan a Malia tras sus exámenes con el objetivo de explorar sus libertades sexuales. La película navega con astucia la dicotomía entre las expectativas y la realidad de esta etapa crucial de la vida, distinguiéndose en el panorama del cine británico, el cual tradicionalmente ha ofrecido versiones más crudas o cómicas de la adolescencia. Impregnada de la energía vibrante de la juventud y con el telón de fondo de británicos en el extranjero, se caracteriza por su representación auténtica de la amistad femenina, subrayada por una banda sonora contemporánea.
La narrativa evoluciona de lo cómico a una exploración más seria de la inexperiencia sexual y sus repercusiones emocionales, especialmente a través del viaje de Tara. Su transición de la exuberancia al malestar captura las complejidades a menudo ignoradas de la sexualidad femenina joven. McKenna-Bruce ofrece una actuación destacada, que recuerda la presencia carismática de Florence Pugh, consolidándose como un talento notable. Shaun Thomas, en el papel del interés amoroso de Tara, Badger, aporta profundidad a un personaje que podría parecer cliché, añadiendo encanto a la película. A pesar de algunos errores propios de una primera obra, “Cómo tener sexo” de Walker se destaca como una adición fresca e insight a la cinematografía británica, abordando temas sensibles con un equilibrio entre humor y seriedad. Es una película que trasciende lo superficial para ofrecer una visión matizada de los desafíos y alegrías de la juventud femenina, anclada por actuaciones sólidas y una representación genuina de la amistad y el apoyo.
How to Have Sex – Trailer oficial
Movie information
// British Film Institute, Film4 Productions, Wild Swim Films
// Director: Molly Manning Walker
// Cast: Mia McKenna-Bruce, Samuel Bottomley, Lara Peake, Enva Lewis, Daisy Jelley
Score [...]
Imaginary
SINOPSIS
Cuando Jessica (DeWanda Wise) vuelve con su familia a la casa de su infancia, Alice (Pyper Braun), su hijastra más pequeña, comienza a desarrollar un extraño apego hacia Chauncey, el oso de peluche que encuentra en el sótano. En un primer momento, Alice y Chauncey se entretienen con juegos aparentemente divertidos que, poco a poco, irán volviéndose más siniestros y peligrosos. A medida que el comportamiento de Alice se va volviendo más inquietante, Jessica decide intervenir, pero cuando lo hace se da cuenta de que Chauncey es mucho más que un inofensivo oso de peluche.
Movie Short Review
English review
“Imaginary” joins the saturated category of uninspiring horror films that revolve around the theme of malevolent children’s toys, failing to bring anything new to a genre riddled with clichés. The film, borrowing elements from a wide range of horror movies, notably “Coraline,” is filled with predictable elements such as creepy basements, disturbing characters, and supernatural occurrences, culminating in a plot centered around a teddy bear with evil intentions. Directed by Jeff Wadlow and starring DeWanda Wise and Tom Payne, the story focuses on Jessica, a children’s book author, who, along with her family, moves back to her childhood home, triggering a series of sinister events linked to a teddy bear named Chauncey, found by her stepdaughter Alice. As the family settles in, Alice’s interaction with Chauncey, which starts off innocently, soon turns sinister, suggesting a deeper, darker connection to Jessica’s past.
The narrative attempts to build suspense with the inclusion of mysterious characters and cryptic clues about Jessica’s childhood and her experiences with imaginary friends. However, the execution falls short due to cliché-ridden storytelling and unconvincing performances, especially in the portrayal of the supernatural elements and the villainous teddy bear, Chauncey, whose presence fails to evoke the intended fear or intrigue. The film’s visuals and dialogue do little to enhance the story, offering a generic and monotonous horror experience that struggles to capture the audience’s attention or deliver any significant scares. Despite occasional nods to other horror classics and an underlying theme that explores the nature of imaginary friendships, “Imaginary” lacks the creativity and suspense necessary to stand out in the horror genre.
Ultimately, “Imaginary” fails to deliver a compelling horror film, relying too heavily on familiar tropes and a narrative that fails to captivate. The performances, while adequate, cannot save the film from its derivative plot and uninspired villain, making it a forgettable addition to the genre. The attempt to distinguish itself with practical effects and a critique of the use of modern CGI in horror does little to redeem the overall lack of originality and excitement. The film’s conclusion, aiming for a twist, ends up feeling forced and unsatisfactory, leaving viewers with the sense that much more could have been done to explore the intriguing premise of imaginary friendships gone awry.
Spanish review
“Imaginary” se suma a la saturada categoría de películas de terror poco inspiradoras que giran en torno al tema de juguetes infantiles malévolos, sin aportar novedades a un género plagado de clichés. La película, que toma prestados elementos de una amplia gama de filmes de terror, especialmente de “Coraline”, está repleta de elementos predecibles como sótanos inquietantes, personajes perturbadores y sucesos sobrenaturales, desembocando en una trama centrada en un oso de peluche con intenciones malvadas. Dirigida por Jeff Wadlow y protagonizada por DeWanda Wise y Tom Payne, la historia se enfoca en Jessica, una autora de libros infantiles, quien junto con su familia se muda a la que fuera su casa de infancia, desencadenando una serie de eventos siniestros vinculados a un oso de peluche llamado Chauncey, encontrado por su hijastra Alice. A medida que la familia se instala, la interacción de Alice con Chauncey, que comienza siendo inocente, pronto se torna siniestra, insinuando una conexión más profunda y oscura con el pasado de Jessica.
La narrativa intenta construir suspense con la inclusión de personajes misteriosos y pistas crípticas sobre la infancia de Jessica y sus experiencias con amigos imaginarios. Sin embargo, la ejecución se queda corta debido a una narrativa plagada de clichés y actuaciones poco convincentes, especialmente en la representación de los elementos sobrenaturales y del villano, el oso de peluche Chauncey, cuya presencia no logra evocar el temor o el interés deseado. Las visuales y el diálogo de la película hacen poco por realzar la historia, ofreciendo una experiencia de terror genérica y monótona que lucha por captar la atención de la audiencia o proporcionar algún susto significativo. A pesar de las ocasionales referencias a otros clásicos del terror y un tema subyacente que explora la naturaleza de las amistades imaginarias, “Imaginary” carece de la creatividad y el suspense necesarios para destacarse en el género del terror.
En definitiva, “Imaginary” no logra entregar una película de terror convincente, apoyándose excesivamente en tropos familiares y una narrativa que no logra cautivar. Las actuaciones, aunque adecuadas, no pueden salvar a la película de su trama derivativa y su villano sin inspiración, convirtiéndola en una adición olvidable al género. El intento de distinguirse con efectos prácticos y una crítica al uso de CGI moderno en el terror hace poco por redimir la falta general de originalidad y emoción. La conclusión de la película, que busca sorprender con un giro, termina sintiéndose forzada e insatisfactoria, dejando a los espectadores con la sensación de que se podría haber hecho mucho más para explorar la intrigante premisa de amistades imaginarias que toman un camino equivocado.
Imaginary – Trailer oficial
Movie information
// Lionsgate
// Director: Jeff Wadlow
// Cast: DeWanda Wise, Tom Payne, Taegen Burns, Pyper Braun, Veronica Falcón
SOBRE EL DIRECTOR
Se graduó en el Dartmouth College antes de asistir al Peter Stark Producing Program en la Escuela de Cine y Televisión de la Universidad de California del Sur, donde recibió el reconocimiento de recibir una beca USC Associates Endowment por sus logros académicos y fue uno de los diez finalistas a nivel nacional para el premio Coca-Cola Refreshing Filmmaker. Durante su último año en las escuela de cine, concibió y dirigió el corto The Tower of Babble (narrado por Kevin Spacey, sin acreditar), que fue seleccionado para una subvención Stark Special Projects. El corto recibió grandes aclamaciones en las secciones oficiales de más de treinta festivales de cine nacionales e internacionales, consiguiendo más de una docena de premios.
En su primer año fuera de la escuela, Wadlow recibió el premio George Méliès a la Innovación esponsorizado por Kodak, realizó una presentación de su corto en la gala de apertura del Festival de Cine de Virginia y se proyectó en la noche de los jóvenes directores del Museum of Art de Los Angeles County. También consiguió el gran premio del primer Chrysler Million Dollar Film Festival – una subvención de un millón de dólares para la realización de su primer largometraje. La película, llamada Cry Wolf, fue estrenada por Focus Features recaudando más de diez veces su presupuesto inicial en las taquillas, y recibiendo críticas espléndidas en múltiples publicaciones, incluyendo el LA Times y el New York Post. Durante los últimos tres años, Wadlow ha trabajado como director creativo y mentor para The Adrenaline Film Project, un programa que fundó para ayudar a aspirantes a cineastas de todas las edades a concebir, producir y rodar un cortometraje en sólo 72 horas.
Score [...]
Radical
SINOPSIS
En una ciudad fronteriza mexicana plagada de abandono, corrupción y violencia, un profesor frustrado prueba un nuevo método radical para romper la apatía de sus alumnos y desbloquear su curiosidad, su potencial… y puede que incluso su genialidad. Basada en una historia real.
Movie Short Review
English review
“Radical” tells the inspiring true story of Sergio Juárez Correa, a teacher in Matamoros, Mexico, who challenged the limitations imposed on his students by their socio-economic situation and the conventional education system. Played by Eugenio Derbez, Sergio believed in empowering his students to think independently, challenging the notion that standardized tests are the sole measure of intelligence. Although the film, directed and written by Christopher Zalla, can sometimes be predictable, it stands out for its portrayal of the resilience and potential of youth, highlighted by the compelling performances of its young cast. The story deeply moves when addressing the premature loss of potential in children from disadvantaged situations, emphasizing the broad implications of educational and social inequality.
Set in 2011, it follows Sergio as he navigates the challenges of teaching in a community besieged by poverty and crime. Despite facing obstacles such as the school’s dilapidated infrastructure and a lack of resources, Sergio’s dedication to his students remains steadfast. He strives to broaden their horizons by introducing them to the internet, hoping to inspire a departure from traditional rote learning methods. The narrative is vividly brought to life thanks to the cinematography of Mateo Londoño, capturing the harsh realities of Matamoros without exploiting its subjects. As Sergio fights against the apathy of the school administration and the lure of gang life threatening his students, we see his individualized approach to each child’s needs, whether it’s encouraging Nico, the class clown, to find his voice or supporting Paloma’s ambitious dream of becoming an astronaut.
Despite some elements of melodrama, Derbez’s portrayal of Sergio is marked by a sincere commitment to the transformative power of education. The film greatly benefits from the naturalistic performances of its young actors, particularly Jennifer Trejo as Paloma, who, despite her circumstances, dares to dream of the stars. “Radical” explores the impact of poverty on education and the importance of learning to learn, a concept that Sergio champions against an education system obsessed with quantifiable success. However, the film’s adherence to a formulaic narrative structure slightly undermines its message of innovation and critical thinking. Nonetheless, “Radical” offers a poignant reflection on the challenges and triumphs of education in adverse conditions, emphasizing the need for a more thoughtful and holistic approach to teaching and learning.
Spanish review
“Radical” relata la inspiradora historia real de Sergio Juárez Correa, un maestro en Matamoros, México, que desafió las limitaciones impuestas a sus estudiantes por su situación socioeconómica y el sistema educativo convencional. Interpretado por Eugenio Derbez, Sergio creía en empoderar a sus alumnos para que pensaran de manera independiente, desafiando la noción de que los exámenes estandarizados son la única medida de la inteligencia. Aunque la película, dirigida y escrita por Christopher Zalla, a veces puede predecirse, destaca por su representación de la resiliencia y el potencial de la juventud, resaltada por las convincentes actuaciones de su joven elenco. La historia conmueve profundamente al abordar la pérdida prematura del potencial en niños en situaciones desfavorecidas, destacando las amplias implicaciones de la desigualdad educativa y social.
Ambientada en 2011, sigue a Sergio mientras navega por los desafíos de enseñar en una comunidad asediada por la pobreza y el crimen. A pesar de enfrentarse a obstáculos como la infraestructura deteriorada de la escuela y la falta de recursos, la dedicación de Sergio hacia sus estudiantes permanece inquebrantable. Se esfuerza por ampliar sus horizontes introduciéndolos al internet, con la esperanza de inspirar una salida del método tradicional de aprendizaje de memoria. La narrativa cobra vida gracias a la cinematografía de Mateo Londoño, que captura las duras realidades de Matamoros sin explotar a sus sujetos. Mientras Sergio lucha contra la apatía de la administración escolar y la tentación de la vida de pandillas que amenaza a sus estudiantes, vemos su enfoque individualizado para las necesidades de cada niño, ya sea animando a Nico, el payaso de la clase, a encontrar su voz, o apoyando el sueño ambicioso de Paloma de convertirse en astronauta.
A pesar de ciertos elementos melodramáticos, la interpretación de Derbez de Sergio se caracteriza por un compromiso sincero con el poder transformador de la educación. La película se beneficia enormemente de las actuaciones naturalistas de sus jóvenes actores, especialmente de Jennifer Trejo como Paloma, quien, a pesar de sus circunstancias, se atreve a soñar con las estrellas. “Radical” explora el impacto de la pobreza en la educación y la importancia de aprender a aprender, un concepto que Sergio defiende en un sistema educativo obsesionado con el éxito cuantificable. Sin embargo, la adhesión de la película a una estructura narrativa formulaica socava ligeramente su mensaje de innovación y pensamiento crítico. Aun así, “Radical” ofrece una reflexión conmovedora sobre los desafíos y triunfos de la educación en condiciones adversas, subrayando la necesidad de un enfoque más reflexivo y holístico en la enseñanza y el aprendizaje.
Radical – Trailer oficial
Movie information
// 3Pas Studios
// Director: Christopher Zalla
// Cast: Eugenio Derbez, Daniel Haddad, Gilberto Barraza, Jennifer Trejo, Mia Fernanda Solis, Danilo Guardiola
Score [...]
Los niños de Winton
SINOPSIS
Un joven corredor de bolsa británico, Nicholas “Nicky” Winton (Anthony Hopkins), ayudó a rescatar a cientos de niños de los nazis en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, con la ayuda de su madre (Helena Bonham Carter). Un acto de compasión casi olvidado durante 50 años, y del que Nicky vive atormentado por los fantasmas de los niños a los que no pudo rescatar, culpándose por no haber hecho más.
Movie Short Review
English review
“The famous line from the Talmud, ‘Whoever saves one life saves the world entire,’ reached millions of new ears around the globe when quoted by Ben Kingsley in the closing scenes of Schindler’s List. This handsome and soberly stirring period piece focuses on another savior of souls in wartime Europe: Nicholas Winton, a Hampstead-born stockbroker who traveled to Czechoslovakia in 1938. From there, he helped more than 600 children, most of them Jewish, to find foster homes in Britain, all while Hitler’s army loomed at the country’s borders. Winton’s long-unsung efforts were brought to national attention in 1988 when his story was featured on the BBC magazine show ‘That’s Life!’, a cathartic moment cleverly used as the natural climax of this retelling of his heroic deeds. Portrayed as an older man by Anthony Hopkins, with subtle wit and moving restraint, and as a younger man by Johnny Flynn, who brings genuine period-drama flair while beautifully mirroring Hopkins’s manner and speech in flashback scenes.
After personally witnessing the desperate situation upon being summoned to Prague by his friend Martin Blake (Alex Sharp), the young Nicholas springs into action. He forms a children’s wing of the British Committee for Refugees from Czechoslovakia, enlisting his assertive German-Jewish mother (Helena Bonham-Carter, in a blustery now-see-here-young-man mode) to press the Home Office into quickly processing the necessary documents. The core creative team, director James Hawes of “Black Mirror” and “Slow Horses” fame, along with screenwriters Lucinda Coxon and Nick Drake, clearly understand the potency of their material, adopting a hands-off approach to their adaptation. They don’t craft especially artful connections between past and present timelines, and Nicholas himself is not given a conventional backstory. He is portrayed simply as a noble, unassuming individual, which limits the range of emotions Hopkins and Flynn are asked to convey throughout the film.
The re-enactment of the pivotal “That’s Life!” segment might carry a hint of appropriated valor. Initially, the film humorously criticizes the show’s unsophisticated tackiness—with Hopkins, TV dinner in lap, reaching in dismay for the remote—but later, it almost meticulously recreates it to elicit the emotional reaction it seeks from the audience. (Theatre actress Samantha Spiro delivers a commendable, non-imitative performance as Esther Rantzen.) Nevertheless, this scene is not merely a cheap trick but resonates with a deep, understated power that quietly emphasizes the moral imperative highlighted by its protagonist’s life. This narrative, while occasionally straying into melodramatic territory, ultimately serves as a poignant reminder of the impact one person can have on the lives of many, echoing the timeless message that to save one life is to save the world entire.
Spanish review
El famoso verso del Talmud, “Quien salva una vida, salva al mundo entero”, resonó en los oídos de millones de personas en todo el mundo cuando fue citado por Ben Kingsley en las escenas finales de la Lista de Schindler. Esta pieza de época, tanto elegante como emocionantemente sobria, se centra en otro salvador de almas en la Europa en guerra: Nicholas Winton, un corredor de bolsa nacido en Hampstead que viajó a Checoslovaquia en 1938, desde donde ayudó a más de 600 niños, la mayoría de ellos judíos, a encontrar hogares de acogida en Gran Bretaña, todo ello mientras el ejército de Hitler presionaba en las fronteras de su país. El trabajo largo tiempo no reconocido de Winton se convirtió en noticia nacional en 1988, cuando su historia fue contada en el programa de revista de la BBC “That’s Life!”, y este momento catártico ya preparado es astutamente utilizado como el clímax natural de esta reiteración de sus hazañas heroicas. Interpretado como un hombre mayor por Anthony Hopkins, con un ingenio sutil y una restricción conmovedora, y como uno más joven por Johnny Flynn, quien añade un verdadero dinamismo de drama de época mientras refleja bellamente el comportamiento y la dicción de Hopkins en sus escenas de flashback.
Después de ver por sí mismo la situación desesperada al ser convocado a Praga por su amigo Martin Blake (Alex Sharp), el joven Nicholas simplemente pasa a la acción, formando una sección infantil del Comité Británico para los Refugiados de Checoslovaquia y enlistando a su madre alemana-judía brusca (Helena Bonham-Carter, en un modo tormentoso de ahora-veamos-aquí-joven) para presionar a la Oficina del Interior para que procesara los documentos necesarios con rapidez. El equipo creativo central, el director James Hawes, conocido por “Black Mirror” y “Slow Horses”, y los guionistas Lucinda Coxon y Nick Drake, claramente saben que tienen en sus manos un buen material, y su adaptación denota un enfoque de no intervención. No se establecen conexiones especialmente artísticas entre las líneas de tiempo pasadas y presentes, mientras que al propio Nicholas no se le da mucho en términos de trasfondo convencional. Simplemente es una persona noble y modesta, lo que limita la variedad de matices que Hopkins y Flynn pueden interpretar a lo largo de la película.
Quizás haya también un dejo de valor robado en la recreación del crítico segmento de “That’s Life!”. Al principio, la película se burla abiertamente de la torpeza sin arte del programa, con Hopkins, con la cena en el regazo, buscando el control remoto con consternación, pero luego sigue esencialmente sus pasos para extraer del público la respuesta emocional que el momento exige. (La actriz de teatro Samantha Spiro hace una excelente y no imitativa Esther Rantzen.) Sin embargo, incluso así, la escena no es un golpe bajo, sino que resuena con un poder profundo y sobrio que subraya silenciosamente el llamado moral a las armas planteado por la propia vida de su sujeto.
Los niños de Winton – Trailer oficial
Movie information
// BBC Film, MBK Productions, See-Saw Films, Cross City Films, Filmnation Entertainment
// Director: James Hawes
// Cast: Anthony Hopkins, Lena Olin, Johnny Flynn, Helena Bonham Carter
Score [...]
The beast
SINOPSIS
En un futuro cercano, donde la inteligencia artificial reina, las emociones se han convertido en una amenaza. Para librarse de ellas, la joven Gabrielle decide purificar su ADN en una máquina que la sumergirá en sus vidas pasadas. Allí se reencuentra con Louis, su gran amor. Pero está abrumada por el miedo y por la sensación de que la catástrofe se avecina. Un historia ambientada en tres períodos distintos: 1910, 2014 y 2044.
Movie Short Review
English review
This year, French cinema has taken a bold leap forward with two experimental adaptations of Henry James’s 1903 novella, “The Beast in the Jungle.” The first adaptation, by Patric Chiha, reimagines the story within the context of late 20th-century Parisian nightlife, while Bertrand Bonello’s “The Beast” presents a daring mix of genres, combining elements of thriller, dystopian futurism, and heritage cinema into a retro-futuristic hybrid. Bonello’s film, in particular, explores contemporary themes such as artificial intelligence, incel culture, and the impact of the digital era on the human soul, all while maintaining a refined psychological depth reminiscent of James’s original work. The involvement of Léa Seydoux and George MacKay adds allure to the film’s uncompromising exploration of these themes, promising to captivate audiences open to intellectual challenges.
Bonello’s adaptation introduces a gender reversal to James’s tale of a doomed relationship and an elusive epiphany, casting Seydoux as the protagonist awaiting a fateful destiny. The narrative spans different eras, from an early 20th-century Paris soirée to a dystopian future where AI has seemingly perfected society, yet human emotions are considered flaws. Seydoux’s character, Gabrielle, navigates through her past lives, including a stint in 2014 Los Angeles as a struggling French actress, highlighting the isolating and often superficial nature of Hollywood. This storyline is punctuated with moments of dark humor and critique of incel culture, as Seydoux’s encounters in L.A. reflect her experiences in a future society that both echoes and contrasts with her past.
“The Beast” intricately weaves its narrative threads, creating a rich tapestry of interconnected stories that span different times and places. The film’s visual narrative, complemented by Josée Deshaies’s elegant cinematography and Katia Wyszkop’s design, showcases the versatility of the lead actors as they embody the various incarnations of their characters. The film not only addresses pressing contemporary issues but also reflects Bonello’s ongoing engagement with the complexities of modern life and identity. Through its blend of historical depth, speculative fiction, and cultural commentary, “The Beast” stands as a testament to the enduring power and adaptability of French cinema, challenging audiences to engage with its profound and provocative themes.
Spanish review
Este año, el cine francés ha dado un audaz salto adelante con dos adaptaciones experimentales de la novela corta de Henry James de 1903, “La Bestia en la Jungla”. La primera adaptación, realizada por Patric Chiha, reimagina la historia en el contexto de la vida nocturna parisina de finales del siglo XX, mientras que “La Bestia” de Bertrand Bonello presenta una audaz mezcla de géneros, combinando elementos de thriller, futurismo distópico y cine patrimonial en un híbrido retro-futurista. En particular, la película de Bonello explora temas contemporáneos como la inteligencia artificial, la cultura incel y el impacto de la era digital en el alma humana, todo ello manteniendo una profundidad psicológica refinada que recuerda a la obra original de James. La participación de Léa Seydoux y George MacKay añade atractivo a la intransigente exploración de estos temas por parte de la película, prometiendo cautivar a audiencias abiertas a desafíos intelectuales.
La adaptación de Bonello introduce un cambio de género en la historia de James sobre una relación condenada y una epifanía esquiva, asignando a Seydoux el papel de la protagonista que espera un destino fatídico. La narrativa abarca diferentes épocas, desde una soirée parisina de principios del siglo XX hasta un futuro distópico donde la IA ha perfeccionado aparentemente la sociedad, pero las emociones humanas se consideran defectos. El personaje de Seydoux, Gabrielle, navega a través de sus vidas pasadas, incluyendo un período en 2014 en Los Ángeles como una actriz francesa en apuros, destacando la naturaleza aislante y a menudo superficial de Hollywood. Esta línea narrativa está salpicada de momentos de humor negro y crítica a la cultura incel, ya que los encuentros de Seydoux en L.A. reflejan sus experiencias en una sociedad futura que tanto hace eco como contrasta con su pasado.
“La Bestia” entrelaza intrincadamente sus hilos narrativos, creando un rico tapiz de historias interconectadas que abarcan diferentes tiempos y lugares. La narrativa visual de la película, complementada por la elegante cinematografía de Josée Deshaies y el diseño de Katia Wyszkop, muestra la versatilidad de los actores principales al encarnar las diversas encarnaciones de sus personajes. La película no solo aborda temas contemporáneos urgentes, sino que también refleja el compromiso continuo de Bonello con las complejidades de la vida moderna y la identidad. A través de su combinación de profundidad histórica, ficción especulativa y comentario cultural, “La Bestia” se erige como un testimonio del poder perdurable y la adaptabilidad del cine francés, desafiando al público a involucrarse con sus temas profundos y provocativos.
The Beast – Oficial trailer
Movie information
// Les Films du Bélier, My New Picture, Sons of Manual, arte France Cinéma, Eurimages
// Director: Bertrand Bonello
// Cast: Léa Seydoux, George MacKay, Dasha Nekrasova, Julia Faure, Guslagie Malanda
Score [...]
Suncoast
SINOPSIS
Una adolescente que vive con su madre debe llevar a su hermano a vivir a un centro especializado. Allí, entabla una inesperada amistad con un activista excéntrico en medio de protestas en torno a casos médicos controvertidos.
Movie Short Review
English review
“Suncoast,” a film that delves into the complexities of coming of age under the shadow of death, is a deeply autobiographical work by writer and director Laura Chinn. It presents a human drama on a small scale, tenderly examining the lives of its characters, particularly through Doris, portrayed by Nico Parker. Doris is an awkward teenager struggling with invisibility and lack of autonomy in a challenging world, facing family hardships including her brother Max’s terminal illness and her mother’s cynical dismissal of faith. Set against a backdrop of financial struggles and personal sacrifice, Doris’s story, although occasionally veering into formulaic territory, resonates with genuine sympathy and reflection on the ephemeral nature of life.
The plot thickens with the introduction of Paul, played by Woody Harrelson, a Christian activist marked by personal loss, whose life mirrors the grief enveloping Doris’s family. Despite the clichés surrounding his character, Harrelson endows Paul with sincere empathy that transcends the script’s more simplistic moments, inviting both the characters and the audience to reconsider their perceptions of life, death, and the connections that sustain us. As Doris begins to come out of her shell, influenced by a group of “friends” from school who initially seem to take advantage of her, the film shifts its focus from the solitary pain of its protagonists to the shared experiences that define our humanity, marking a transition to a communal exploration of grief and growth.
Despite its unremarkable plot and a screenplay that sometimes succumbs to clichés, “Suncoast” shines through its performances and the sensitive direction of Chinn, allowing the emotional truths of its characters to resonate with authenticity. Laura Linney delivers a multifaceted performance as Kristine, Doris’s mother, a woman consumed by relentless grief, balancing the harsh realities of her life with moments of unexpected tenderness. Similarly, Parker’s portrayal of Doris captures the tumultuous journey of adolescence, overshadowed by familial duty and the looming loss of a loved one, offering viewers a deeply relatable figure. Through its exploration of these intricate emotional landscapes, “Suncoast” invites its audience to embrace the complexity of its characters’ lives, weaving a narrative rich in empathy and a nuanced portrayal of enduring human resilience.
Spanish review
“Suncoast,” una película que explora las complejidades del paso a la adultez bajo la sombra de la muerte, es una obra profundamente autobiográfica de la escritora y directora Laura Chinn. Esta presenta un drama humano a pequeña escala que examina con ternura las vidas de sus personajes, especialmente a través de Doris, interpretada por Nico Parker. Doris es una adolescente torpe que lucha con la invisibilidad y la falta de autonomía en un mundo desafiante, enfrentándose a las dificultades familiares, incluida la enfermedad terminal de su hermano Max y el desdén cínico de su madre hacia la fe. Ambientada contra el telón de fondo de las luchas financieras y el sacrificio personal, la historia de Doris, aunque a veces cae en territorios formuláicos, resuena con una auténtica simpatía y reflexión sobre la naturaleza efímera de la vida.
La trama se complica aún más con la introducción de Paul, interpretado por Woody Harrelson, un activista cristiano marcado por la pérdida personal, cuya vida refleja el duelo que envuelve a la familia de Doris. A pesar de los clichés que rodean a su personaje, Harrelson dota a Paul de una empatía sincera que supera los momentos más simplistas del guion, invitando tanto a los personajes como a la audiencia a replantearse sus percepciones sobre la vida, la muerte y las conexiones que nos sostienen. A medida que Doris comienza a salir de su caparazón, influenciada por un grupo de “amigas” de la escuela que inicialmente parecen aprovecharse de ella, la película desplaza su enfoque del dolor solitario de sus protagonistas hacia las experiencias compartidas que definen nuestra humanidad, marcando una transición hacia una exploración comunitaria del duelo y el crecimiento.
A pesar de su trama poco destacada y un guion que a veces cede ante los clichés, “Suncoast” brilla gracias a sus actuaciones y la dirección sensible de Chinn, que permite que las verdades emocionales de sus personajes resuenen con autenticidad. Laura Linney ofrece una interpretación multifacética como Kristine, la madre de Doris, una mujer consumida por un duelo implacable, equilibrando las duras realidades de su vida con momentos de ternura inesperada. Del mismo modo, la interpretación de Parker como Doris capta el tumultuoso viaje de la adolescencia, eclipsado por el deber familiar y la pérdida inminente de un ser querido, ofreciendo a los espectadores una figura profundamente identificable. A través de su exploración de estos complejos paisajes emocionales, “Suncoast” invita a su audiencia a abrazar la complejidad de la vida de sus personajes, tejiendo una narrativa rica en empatía y una representación matizada de la resiliencia humana duradera.
Suncoast – Trailer oficial
Movie information
// Fox Searchlight
// Director: Laura Chinn
// Cast: Nico Parker, Woody Harrelson, Laura Linney, Matt Walsh, Scott MacArthur
Score [...]
Kung Fu Panda 4
SINOPSIS
Po se prepara para ser el líder espiritual del Valle de la Paz, buscando un sucesor como Guerrero Dragón. Mientras entrena a un nuevo practicante de kung fu, enfrenta al villano llamado “el Camaleón”, que evoca villanos del pasado, desafiando todo lo que Po y sus amigos han aprendido.
Movie Short Review
English review
The trend of top-tier actors lending their voices to animated films has yielded mixed results, from notable achievements to forgettable efforts. However, Jack Black consistently stands out as an exception, fully committing to every role he takes on, including the villainous Bowser in “The Super Mario Bros. Movie.” His over-the-top performance was a highlight in a film that otherwise wouldn’t have made much of an impact. In his most iconic voice role, Po in the “Kung Fu Panda” series, Black demonstrates his ability to add depth and charisma to animated characters. From the original trilogy to the fourth movie, Black’s enthusiasm for his character has been a key ingredient in the series’ success, helping to maintain its appeal even when the plots seem familiar or recycled.
“Kung Fu Panda 4” continues the adventures of Po as the Dragon Warrior, balancing his responsibilities with the challenges of potential new villains and the task of finding a successor. The film introduces a new antagonist, the shapeshifting sorceress Chameleon, voiced by Viola Davis, and a mysterious fox thief, Zhen, played by Awkwafina. While the narrative explores themes of self-doubt and responsibility similar to those in previous entries, it struggles with predictability and fails to fully develop its new characters or the setting of Juniper City. Despite these shortcomings, the film excels in its action sequences and visual splendor, continuing the franchise’s reputation for delivering thrilling animated combat and impressively rendered environments.
Despite its familiar plot, “Kung Fu Panda 4” benefits from the strong performances of its cast, particularly Black and Awkwafina, whose chemistry adds a dynamic layer to the film. The movie’s moral lessons on accepting change and the potential for personal growth resonate, even as the film itself falls into the trap of relying on past successes rather than forging new paths. Although the sequel may not be essential, it provides enough entertainment and visual appeal to be a valuable addition to the “Kung Fu Panda” saga, demonstrating the enduring appeal of its beloved characters and the richly animated world they inhabit.
Spanish review
La tendencia de actores de primer nivel prestando sus voces para películas animadas ha tenido resultados variados, desde logros notables hasta esfuerzos olvidables. Sin embargo, Jack Black se destaca consistentemente como una excepción, comprometiéndose plenamente con cada papel que interpreta, incluido el malvado Bowser en “La Película de Super Mario Bros.” Su actuación exagerada sobresalió en una película que, de otro modo, no habría dejado mucha huella. En su papel de voz más icónico, Po en la serie de “Kung Fu Panda”, Black demuestra su habilidad para aportar profundidad y carisma a los personajes animados. Desde la trilogía original hasta la cuarta película, el entusiasmo de Black por su personaje ha sido un ingrediente clave en el éxito de la serie, ayudando a mantener su atractivo incluso cuando las tramas parecen familiares o recicladas.
“Kung Fu Panda 4” continúa con las aventuras de Po como el Guerrero Dragón, equilibrando sus responsabilidades con los desafíos de nuevos villanos potenciales y la tarea de encontrar un sucesor. La película introduce una nueva antagonista, la hechicera cambiante Chameleon, con voz de Viola Davis, y una misteriosa ladrona zorra, Zhen, interpretada por Awkwafina. Aunque la narrativa explora temas de auto duda y responsabilidad similares a los de las entradas anteriores, lucha con su previsibilidad y falla en desarrollar completamente a sus nuevos personajes o el escenario de Juniper City. A pesar de estas deficiencias, la película destaca en sus secuencias de acción y esplendor visual, continuando la reputación de la franquicia por ofrecer combates animados emocionantes y entornos impresionantemente renderizados.
A pesar de su trama familiar, “Kung Fu Panda 4” se beneficia de las fuertes actuaciones de su elenco, en particular de Black y Awkwafina, cuya química añade una capa dinámica a la película. Las lecciones morales sobre aceptar el cambio y el potencial de crecimiento personal resuenan, incluso cuando la película misma cae en la trampa de depender de éxitos pasados en lugar de abrir nuevos caminos. Aunque la secuela puede no ser esencial, ofrece suficiente entretenimiento y atractivo visual para ser una adición valiosa a la saga de “Kung Fu Panda”, demostrando el atractivo perdurable de sus queridos personajes y el mundo ricamente animado que habitan.
Kung Fu Panda 4 – Trailer oficial
Movie information
// DreamWorks Animation
// Director: Mike Mitchell y Stephanie Stine
// Cast: Jack Black, Awkwafina, Viola Davis, Dustin Hoffman
Score [...]
Damsel
SINOPSIS
La boda de una joven con un príncipe encantador se convierte en una encarnizada lucha por sobrevivir cuando la ofrecen como sacrificio a una dragona escupefuego.
Movie Short Review
English review
From the outset, Juan Carlos Fresnadillo’s film “Damsel” seeks to subvert traditional fairy tale narratives, highlighting through its opening narration that this is not a story of heroic knights and chivalry. Instead, we see Millie Bobby Brown’s character embodying a damsel who rescues herself, using her wits and fury to navigate through dangers. This approach, aiming to showcase a strong female lead capable of overcoming adversity without the need for a knight’s rescue, is presented as a refreshing concept, though it might have seemed more innovative at the time of its announcement in 2020. The story, imbued with fairy tale elements, revolves around a centuries-old struggle involving brave soldiers, a besieged kingdom, and an evil dragon, all set in a world where decisions often lead to unforeseen consequences, flashbacks enrich the narrative, and the dialogue can seem somewhat rough. Despite these narrative choices, the film benefits from attractive action sequences and Brown’s compelling performance.
In this reimagined fairy tale, the plot centers on Elodie, portrayed by Brown, the determined daughter of Lord Bayford, played by Ray Winstone. Elodie is introduced as a leader with a strong sense of duty and compassion, willing to engage in physical labor to support her people facing desperate conditions. Her narrative arc challenges traditional expectations as she rejects an offer from a sinister figure proposing an escape to a wealthier kingdom, emphasizing her values and the importance of facing challenges directly. The story progresses as Elodie’s journey takes her to the luxurious kingdom of Aurea, filled with intrigue and gold but overshadowed by ominous traditions. Her marriage to Prince Henry leads her to a dangerous ceremony and, ultimately, a confrontation with a dragon, weaving themes of bravery, self-discovery, and the fight against daunting traditions.
Dan Mazeau’s screenplay introduces twists and characters that enrich the narrative, such as Angela Bassett’s role as a benevolent stepmother and details about Elodie’s interests that add depth to her character. The underlying message celebrates the idea that women are capable of being heroines in their own stories, regardless of the setting or era. Despite some narrative and thematic inconsistencies, Fresnadillo’s direction and world-building, along with strategic scares and a nuanced portrayal of the dragon, provide the foundation for an engaging fantasy tale. However, the film leaves some plot points and character arcs unexplored, resulting in a story that feels like it could have delved deeper into its own mythology. As Fresnadillo moves on to adapt “The Sword in the Stone” for Disney+, “Damsel” offers lessons on how to balance innovative storytelling with the depth and clarity needed to fully realize its ambitious fairy tale revisioning.
Spanish review
Desde el inicio, la película “Damsel” de Juan Carlos Fresnadillo busca subvertir las narrativas tradicionales de los cuentos de hadas, destacando a través de su narración inicial que esta no es una historia de caballeros heroicos y caballería. En su lugar, vemos al personaje de Millie Bobby Brown encarnando a una damisela que se rescata a sí misma, utilizando su ingenio y furia para navegar a través de los peligros. Este enfoque, que pretende mostrar a una protagonista femenina fuerte capaz de superar adversidades sin necesidad del rescate de un caballero, se presenta como un concepto refrescante, aunque podría haber parecido más innovador en el momento de su anuncio en 2020. La historia, impregnada de elementos de cuentos de hadas, gira en torno a una lucha centenaria que involucra a valientes soldados, un reino asediado y un dragón malévolo, todo ello en un mundo donde las decisiones a menudo conducen a consecuencias imprevistas, los flashbacks enriquecen la narrativa y los diálogos pueden parecer algo toscos. A pesar de estas elecciones narrativas, la película se beneficia de secuencias de acción atractivas y la convincente actuación de Brown.
En este cuento de hadas reinterpretado, la trama se centra en Elodie, interpretada por Brown, la decidida hija del Señor Bayford, interpretado por Ray Winstone. Elodie se nos presenta como una líder con un fuerte sentido del deber y compasión, dispuesta a realizar labores físicas para apoyar a su pueblo que enfrenta condiciones desesperadas. Su arco narrativo desafía las expectativas tradicionales cuando rechaza una oferta de una figura siniestra que propone escapar a un reino más rico, enfatizando sus valores y la importancia de enfrentar los desafíos de manera directa. La historia avanza a medida que el viaje de Elodie la lleva al lujoso reino de Aurea, lleno de intriga y oro pero ensombrecido por tradiciones ominosas. Su matrimonio con el Príncipe Henry la conduce a una ceremonia peligrosa y, finalmente, a un enfrentamiento con un dragón, entrelazando temas de valentía, auto descubrimiento y la lucha contra tradiciones imponentes.
El guion de Dan Mazeau introduce giros y personajes que enriquecen la narrativa, como el papel de Angela Bassett como una madrastra benevolente y detalles de los intereses de Elodie que agregan profundidad a su personaje. El mensaje subyacente celebra la idea de que las mujeres son capaces de ser heroínas en sus propias historias, independientemente del entorno o la época. A pesar de algunas inconsistencias narrativas y temáticas, la dirección de Fresnadillo y la construcción del mundo, junto con sustos estratégicos y una representación matizada del dragón, proporcionan la base para un cuento de fantasía cautivador. Sin embargo, la película deja algunos puntos de la trama y arcos de personajes sin explorar, resultando en una historia que parece que podría haber profundizado más en su propia mitología. A medida que Fresnadillo avanza para adaptar “La espada en la piedra” para Disney+, “Damsel” ofrece lecciones sobre cómo equilibrar la narrativa innovadora con la profundidad y claridad necesarias para realizar completamente su ambiciosa revisión del cuento de hadas.
Trailer oficial – Damsel
Movie information
// Netflix
// Director: Juan Carlos Fresnadillo
// Cast: Millie Bobby Brown, Nick Robinson, Angela Bassett, Robin Wright
SOBRE EL DIRECTOR
Juan Carlos Fresnadillo crece en Santa Cruz de Tenerife aunque en 1985 se traslada a Madrid para comenzar sus estudios de cine y fotografía. Comienza como ayudante de producción de algunos cortometrajes y poco más tarde, en 1987, funda su propia compañía de producción. El 1996 su corto ‘Esposados’ le vale su primera nominación al Oscar en la categoría de Mejor Cortometraje y a partir de entonces la crítica comienza a verle como una joven promesa del cine. En 2001 dirige su primer largometraje ‘Intacto’, por el que se hace con el premio Goya a Mejor Director Novel. De su trayectoria también destacan ’28 semanas después’ (2007), adaptación del clásico de Danny Boyle ’28 días después’, e ‘Intruders’ (2011).
Score [...]
El astronauta
SINOPSIS
Durante una misión de investigación, un astronauta descubre que su matrimonio está en problemas, Por suerte, cuenta con la ayuda de una misteriosa criatura escondida en su nave.
Movie Short Review
English review
Based on the 2017 novel “Spaceman of Bohemia,” Johan Renck’s film “Spaceman” delivers a unique mix of eccentricity and space odyssey. This Netflix drama, as genuine as it is fantastical, challenges viewers with its depth and creative vision, although it occasionally falls into the trap of taking itself too seriously. The story endeavors to explore deeper, more enriching themes, but at times risks seeming bland. Its plot takes us on a fascinating journey with Adam Sandler portraying astronaut Jakob Procházka, who, during a mission to the edge of the solar system, is met with silence from his pregnant wife, played by Carey Mulligan. This silence forebodes trouble, while mission control withholds devastating news. Jakob’s solitude in space, surrounded by the vast expanse and the hum of his spacecraft, forces him to confront the complexities of his life and relationships.
The plot thickens when Jakob encounters a mysterious, spider-like creature with six eyes, voiced by Paul Dano. This being, whom Jakob names Hanuš, seeks refuge and companionship after fleeing its destroyed home planet. This unlikely duo forms a bond that reflects Jakob’s introspection on human loneliness and guilt. Meanwhile, on Earth, Mulligan’s character, Lenka, prepares for single motherhood, highlighting the film’s exploration of solitude, forgiveness, and the search for meaning across species and space. The interactions between Jakob and Hanuš, filled with therapeutic exchanges and cultural learning, question the possibility of finding connection amidst profound isolation.
“Spaceman” stands out for its artistic direction, compelling performances, and impressive technical achievements. Sandler reveals a new aspect of his acting talent, though his performance occasionally lacks the intensity of previous roles. The film’s ASMR-like dialogue and ambient space sounds create a calming atmosphere that almost induces sleep, balanced by Dano’s captivating portrayal of Hanuš. Max Richter’s soundtrack and the sound design wrap the viewer in a sensory experience that complements the film’s visual and emotional depth. As the story progresses to its climactic act, “Spaceman” achieves a meditative quality that fulfills its philosophical and emotional promise. This film, imbued with a mix of universal themes and specific cultural references, offers a nuanced reflection on human existence, inviting audiences to dive into its artistic vision multiple times to fully appreciate its layers.
Spanish review
Basada en la novela de 2017 “Spaceman of Bohemia”, la película “Spaceman” de Johan Renck ofrece una mezcla única de extravagancia y odisea espacial. Este drama de Netflix, tan sincero como fantástico, desafía a los espectadores con su profundidad y visión creativa, aunque en ocasiones cae en el error de tomarse a sí mismo demasiado en serio. La historia intenta explorar temas más profundos y enriquecedores, pero a veces corre el riesgo de parecer insípida. Su trama nos lleva a un viaje fascinante con Adam Sandler interpretando al astronauta Jakob Procházka, quien, durante una misión en los confines del sistema solar, enfrenta el silencio de su esposa embarazada, interpretada por Carey Mulligan. Este silencio presagia problemas, mientras el control de la misión retiene noticias devastadoras. La soledad de Jakob en el espacio, rodeado de la inmensidad y el zumbido de su nave, lo obliga a enfrentar las complejidades de su vida y relaciones.
La trama se intensifica cuando Jakob encuentra a una misteriosa criatura parecida a una araña con seis ojos, con la voz de Paul Dano. Este ser, al que Jakob llama Hanuš, busca refugio y compañía después de huir de su planeta natal destruido. Esta improbable dupla forma un vínculo que refleja la introspección de Jakob sobre la soledad humana y la culpa. Mientras tanto, en la Tierra, el personaje de Mulligan, Lenka, se prepara para la maternidad en solitario, destacando la exploración de la película sobre la soledad, el perdón y la búsqueda de significado a través de especies y el espacio. Las interacciones entre Jakob y Hanuš, llenas de intercambios terapéuticos y aprendizaje cultural, cuestionan la posibilidad de encontrar conexión en medio de una profunda soledad.
“Spaceman” se distingue por su dirección artística, actuaciones convincentes y logros técnicos impresionantes. Sandler muestra una nueva faceta de su talento actoral, aunque su actuación ocasionalmente carece de la intensidad de roles anteriores. El diálogo estilo ASMR de la película y los sonidos ambientales del espacio crean una atmósfera relajante que casi induce al sueño, equilibrada por la cautivadora interpretación de Dano como Hanuš. La banda sonora de Max Richter y el diseño de sonido envuelven al espectador en una experiencia sensorial que complementa la profundidad visual y emocional de la película. A medida que la historia avanza hacia su acto climático, “Spaceman” alcanza una calidad meditativa que cumple su promesa filosófica y emocional. Esta película, impregnada de una mezcla de temas universales y referencias culturales específicas, ofrece una reflexión matizada sobre la existencia humana, invitando al público a sumergirse varias veces en su visión artística para apreciar completamente sus capas.
El astronauta – Oficial trailer
Movie information
// Netflix
// Director: Johan Renck
// Cast: Adam Sandler, Carey Mulligan, Paul Dano, Kunal Nayyar, Lena Olin, Isabella Rossellini
SOBRE EL DIRECTOR
Johan Renck es un cineasta sueco, nacido el 5 de diciembre de 1966, en Upsala, Suecia. Estudió negocios en la Stockholm School of Economics y mientras estaba en la universidad, salió con la cantante y exmodelo Camilla Henemark de Army of Lovers, quien lo introdujo en el negocio de la música sueca. Fue la mitad del dúo E-Type + Stakka B, pero se volvió solista después de dos sencillos y continuó lanzando música como Stakka Bo. Debido a un presupuesto muy ajustado, acabó dirigiendo el primer vídeo de su proyecto en solitario, y continuó haciendo sus propios vídeos, llegando a dirigir vídeos de otros artistas suecos como Titiyo y The Cardigans, estableciéndose como un talentoso director de videos, trabajando con artistas internacionales como Madonna, All Saints y Robbie Williams, entre otros. Debutó, en largometrajes con Downloading Nancy (2008) que cuenta la trágica historia de la fronteriza Nancy, que escapa de las circunstancias opresivas de su matrimonio sin amor y conoce a otra persona difícil y dolorosa llamada Louis. Ha destacado por dirigir episodios de televisión de series como Bloodline (2015) y Chernobyl (2019), además de la cinta El astronauta (2024)
Score [...]
Dune 2
SINOPSIS
Sigue el viaje mítico de Paul Atreides mientras se une a Chani y los Fremen en una guerra de venganza contra los conspiradores que destruyeron a su familia. Al enfrentarse a una elección entre el amor de su vida y el destino del universo conocido, Paul se esfuerza por evitar un futuro terrible que solo él puede prever.
Movie Short Review
English review
“Dune: Part Two” picks up exactly where the first film left off, showing the Fremen transporting the body of Jamis following his defeat by Paul Atreides. After the massacre of House Atreides, Paul decides to join the Fremen, much to his mother Jessica’s dismay. The Harkonnens, believing Paul and Jessica have been consumed by the desert, intensify their war against the Fremen, unleashing epic battles. Denis Villeneuve and his team masterfully craft these initial battle scenes, pitting the military might of the Harkonnens against the guerrilla tactics of the Fremen, who surprise their enemies by emerging from the sand. The action is magnificent, with massive ships exploding in the sky, emphasizing the high stakes of the conflict. Amid this chaos, Dave Bautista’s portrayal of Rabban Harkonnen highlights his lack of leadership, while Stellan Skarsgård’s character blends horror and villainy, reminiscent of Nosferatu and Jabba the Hutt.
The film’s narrative focuses on Paul Atreides’ transformation from a reluctant youth into a leader among the Fremen, guided by prophecies declaring him the chosen one. Stilgar, a Fremen leader played by Javier Bardem, recognizes Paul’s significance, drawing him deeper into Fremen society and closer to Chani, a warrior portrayed by Zendaya. As Paul assimilates, taking on the name Muad’Dib and swearing vengeance against the Harkonnens for his father’s death, his journey intertwines with broader themes of destiny and leadership. Elsewhere, Emperor Shaddam IV and his advisers scheme from afar, their machinations setting the stage for further conflict and intertwining with Paul’s quest for vengeance. Irulan, played by Florence Pugh, provides a narrative voice that helps navigate the complex political landscape of Arrakis, highlighting the delicate balance of power, betrayal, and strategy.
Beyond its plot, “Dune: Part Two” stands out for its technical mastery and nuanced performances. Cinematographer Greig Fraser surpasses his previous work with stunning visuals that capture the essence of each culture and the brutal beauty of the desert. Hans Zimmer’s score, unique to each faction, complements the visual storytelling, enhancing the film’s immersive quality. The effects, sound design, and fight choreography set new standards, showcasing the artistry behind blockbuster filmmaking. The cast, led by Timothée Chalamet and Zendaya, delivers performances that deepen the narrative’s emotional impact, with Rebecca Ferguson and Javier Bardem adding layers of complexity to their roles. Austin Butler’s portrayal of Feyd-Rautha stands out, adding a dynamic element of menace. While it has been compared to iconic sequels like “The Empire Strikes Back,” “Dune: Part Two” more closely resembles “The Lord of the Rings: The Two Towers,” expanding the saga’s scope and setting the stage for a grand conclusion.
Spanish review
“Dune: Parte Dos” retoma exactamente donde la primera película terminó, mostrando a los Fremen trasladando el cuerpo de Jamis tras su derrota ante Paul Atreides. Tras la masacre de la Casa Atreides, Paul decide unirse a los Fremen, para consternación de su madre Jessica. Los Harkonnen, creyendo que Paul y Jessica han sido consumidos por el desierto, intensifican su guerra contra los Fremen, desencadenando batallas épicas. Denis Villeneuve y su equipo elaboran magistralmente estas escenas de batalla iniciales, contraponiendo el poder militar de los Harkonnen con las tácticas de guerrilla de los Fremen, quienes sorprenden a sus enemigos emergiendo de la arena. La acción es magnífica, con naves gigantes explotando en el cielo, lo que subraya la alta tensión del conflicto. En medio de este caos, la interpretación de Dave Bautista como Rabban Harkonnen destaca su falta de liderazgo, mientras que el personaje de Stellan Skarsgård fusiona el horror y la villanía, recordando a Nosferatu y Jabba el Hutt.
La narrativa de la película se centra en la transformación de Paul Atreides de un joven reticente a un líder entre los Fremen, guiado por profecías que lo señalan como el elegido. Stilgar, un líder Fremen interpretado por Javier Bardem, reconoce la importancia de Paul, llevándolo más adentro de la sociedad Fremen y acercándolo a Chani, una guerrera interpretada por Zendaya. A medida que Paul se integra, adoptando el nombre de Muad’Dib y jurando venganza contra los Harkonnen por la muerte de su padre, su viaje se entrelaza con temas más amplios de destino y liderazgo. En otro lugar, el Emperador Shaddam IV y sus asesores traman a distancia, sus maquinaciones preparan el escenario para más conflictos, entrelazándose con la búsqueda de venganza de Paul. Irulan, interpretada por Florence Pugh, ofrece una voz narrativa que ayuda a navegar el complejo panorama político de Arrakis, destacando el delicado equilibrio de poder, traición y estrategia.
Más allá de su trama, “Dune: Parte Dos” destaca por su maestría técnica y actuaciones matizadas. El cinematógrafo Greig Fraser supera su trabajo anterior con visuales impresionantes que capturan la esencia de cada cultura y la belleza brutal del desierto. La banda sonora de Hans Zimmer, distintiva para cada facción, complementa la narrativa visual, mejorando la calidad inmersiva de la película. Los efectos, el diseño de sonido y la coreografía de lucha establecen nuevos estándares, mostrando el arte detrás de la realización de películas de gran presupuesto. El elenco, liderado por Timothée Chalamet y Zendaya, ofrece actuaciones que profundizan el impacto emocional de la narrativa, con Rebecca Ferguson y Javier Bardem añadiendo capas de complejidad a sus roles. La interpretación de Austin Butler como Feyd-Rautha sobresale, añadiendo un elemento dinámico de amenaza. Aunque se ha comparado con secuelas icónicas como “El Imperio Contraataca”, “Dune: Parte Dos” se asemeja más a “El Señor de los Anillos: Las Dos Torres”, ampliando el alcance de la saga y preparando el escenario para una conclusión grandiosa.
Dune 2 – Oficial Trailer
Movie information
// Legendary Pictures, Warner Bros., Villeneuve Films.
// Director: Denis Villeneuve
// Cast: Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Austin Butler, Javier Bardem
SOBRE EL DIRECTOR
Denis Villeneuve es un reconocido director y guionista canadiense, nacido el 3 de octubre de 1967, en Quebec, Canadá. Hijo de Nicole Demers y Jean Villeneuve, estudió cine en la Universidad de Quebec, Montreal, para luego trabajar en Radio-Canadá y realizar varios cortometrajes premiados. Fue escritor, productor y realizador del programa de televisión La course destination monde, donde aprendería varias técnicas prácticas que establecería en su narrativa. Durante gran parte de la década de los años 90 continuó su trabajo en la televisión canadiense, cambiando de estación, hasta que finalmente decide producir su primer largometraje Un 32 août sur terre (1998), que sería aclamada luego de su presentación en el Festival de Cannes. Poco tiempo después, Villeneuve mostraría su segundo trabajo, Maelström (2000), presente en la mayoría de los festivales alrededor del mundo. Aunque conocido y respetado en ambientes festivaleros, no sería hasta su tercer trabajo que el director sería reconocido como una de las voces más importantes del cine actual: Polytechnique (2009), cinta inspirada en la masacre que ocurrió en 1989 en la Escuela Politécnica de Montreal, la cual fue ganadora como la mejor película canadiense en el Festival de Toronto y fue una de las cintas más vistas en Canadá. Lograría aún más renombre con Incendies(2010), cinta que fue nominada al premio de la Academia en la categoría de Mejor película extranjera. Su siguiente cinta representa su entrada al cine norteamericano: Prisioneros(2013), que contaba con las actuaciones de Hugh Jackman y Jake Gyllenhaal. A esta siguieron cintas como Enemy (2013), Sicario: Tierra de nadie (2015) y finalmente llegaría una de sus cintas más emblemáticas La llegada (2016), aclamada película de ciencia ficción que sería nominada a varios premios Oscar, incluyendo mejor película y mejor director. Gracias a La llegada, Villeneuve se posicionó como el mejor candidato para dirigir la secuela de Blade Runner, Blade Runner 2049 (2017), la cual dirigió increíblemente bien de acuerdo al público y la crítica especializada. Ahora se encuentra preparando una nueva versión de Dune(2019), otra película de culto de la ciencia ficción que, en su momento, fue dirigida por David Lynch.
Score [...]
El clan del hierro
SINOPSIS
Basada en la vida de los inseparables hermanos Von Erich, que hicieron historia en el competitivo mundo de la lucha libre profesional a principios de la década de los 80. A través de la tragedia y el triunfo, bajo la sombra de su dominante padre y entrenador, los hermanos buscan la inmortalidad en el escenario más importante del deporte.
Movie Short Review
English review
“The Iron Claw,” directed and written by Sean Durkin, transforms the vibrant essence of a Texas summer into a moving reinterpretation of the Von Erich family saga, likened to a “King Lear” tragedy set within the world of wrestling. This epic narrative, inspired by real events so sorrowful that Durkin felt the need to tone down their reality to make them more believable on screen, inversely applies the wrestling ethos of feigning authenticity. The film carefully balances the magnitude of loss to maintain the audience’s belief in its truthfulness, focusing on the enduring love that remains after the tragedy. While some wrestling fans might view this adaptation as a form of historical omission, Durkin’s approach seems fitting for a sport where the line between reality and fiction is constantly blurred. The story, which reduces the number of brothers from six to four to simplify the narrative, portrays a family dominated by a patriarch’s obsession with victory, unable to see the personal battles he had set up for them to lose.
The narrative’s strength lies in its depiction of the Von Erich curse, passed from Fritz to his sons as a grim legacy, making even this softened version of their story resonate with the intensity of a championship wrestling match. The film, dubbed by some as “The Virgin Suicides” for boys or “Louisa May Alcott’s ‘Little He-Men,'” may stir controversy over its portrayal of the Von Erichs, especially Chris. Regardless of its reception, “The Iron Claw” stands out as a captivating drama about familial bonds, personal tragedy, and the relentless pursuit of a misunderstood legacy. The Von Erich brothers, depicted with depth and complexity, navigate their father’s demanding expectations, each seeking approval and identity in the shadow of a wrestling dynasty marked by tragedy and the insatiable need to win at all costs.
Durkin’s film is as much a study of masculinity and grief as it is a wrestling movie, with performances that lend credibility and emotional weight to its narrative. The story explores the consequences of Fritz’s inability to confront his pain and the impact of his denial on his family, particularly on his sons, who strive to live up to an impossible ideal. “The Iron Claw” emerges as a testament to the resilience of the human spirit, challenging traditional notions of strength and vulnerability. Through its exploration of the Von Erich family’s legacy, the film invites viewers to reflect on the cost of unattainable dreams and the value of recognizing and expressing one’s emotions, proving to be a profoundly emotional work that transcends the confines of its wrestling backdrop to deliver a universal message of hope and healing.
Spanish review
“The Iron Claw,” dirigida y escrita por Sean Durkin, convierte la esencia vibrante de un verano texano en una conmovedora reinterpretación de la saga de la familia Von Erich, comparada con una tragedia al estilo de “King Lear” ambientada en el mundo de la lucha libre. Esta narrativa épica, inspirada en hechos reales tan dolorosos que Durkin sintió la necesidad de suavizar su realidad para hacerla más creíble en pantalla, aplica de manera inversa el ethos de la lucha libre de fingir autenticidad. La película equilibra cuidadosamente la magnitud de la pérdida para mantener la creencia del público en su veracidad, centrándose en el amor perdurable que permanece tras la tragedia. Aunque algunos aficionados a la lucha libre podrían ver esta adaptación como una omisión histórica, el enfoque de Durkin parece adecuado para un deporte donde el límite entre realidad y ficción se desdibuja constantemente. La historia, que reduce el número de hermanos de seis a cuatro para simplificar la narrativa, presenta a una familia dominada por la obsesión de un patriarca por la victoria, incapaz de ver las batallas personales que les había preparado para perder.
La fortaleza de la narrativa radica en su descripción de la maldición de los Von Erich, transmitida de Fritz a sus hijos como un legado sombrío, haciendo que incluso esta versión atenuada de su historia resuene con la intensidad de un combate por el campeonato de lucha libre. La película, apodada por algunos como “Las vírgenes suicidas” para chicos o “Los pequeños hombres fuertes de Louisa May Alcott”, puede generar controversia por su representación de los Von Erich, especialmente de Chris. Sin embargo, independientemente de su recepción, “The Iron Claw” se destaca como un drama cautivador sobre los lazos familiares, la tragedia personal y la incesante búsqueda de un legado malinterpretado. Los hermanos Von Erich, retratados con profundidad y complejidad, navegan por las exigentes expectativas de su padre, cada uno buscando aprobación e identidad a la sombra de una dinastía de lucha libre marcada por la tragedia y la necesidad insaciable de ganar a toda costa.
La película de Durkin es tanto un estudio sobre la masculinidad y el duelo como una película de lucha libre, con actuaciones que otorgan credibilidad y peso emocional a su narrativa. La historia explora las consecuencias de la incapacidad de Fritz para enfrentar su dolor y el impacto de su negación en su familia, especialmente en sus hijos, quienes luchan por vivir según un ideal imposible. “The Iron Claw” emerge como un testimonio de la resiliencia del espíritu humano, desafiando las nociones tradicionales de fuerza y vulnerabilidad. A través de su exploración del legado de la familia Von Erich, la película invita a los espectadores a reflexionar sobre el costo de los sueños inalcanzables y el valor de reconocer y expresar las emociones, demostrando ser una obra profundamente emotiva que trasciende los límites de su trasfondo de lucha libre para entregar un mensaje universal de esperanza y sanación.
El clan del hierro – Trailer oficial
Movie information
// A24
// Director: Sean Durkin
// Cast: Holt McCallany, Maura Tierney, Grady Wilson, Valentine Newcomer, Zac Efron, Harris Dickinson
Score [...]
Secretos de un escándalo
SINOPSIS
Veinte años después de que el mediático romance entre Gracie Atherton-Yu (Julianne Moore) y su joven marido Joe escandalizara al país, con sus hijos a punto de graduarse en el instituto, se va a rodar una película sobre su historia. La actriz Elizabeth Berry (Natalie Portman) pasará un tiempo con la familia para intentar entender mejor a Gracie, a la que va a interpretar en la película, provocando que la dinámica familiar se deshaga bajo la presión de la mirada exterior.
Movie Short Review
English review
In Todd Haynes’ “May December,” Natalie Portman delivers a multifaceted performance as Elizabeth Berry, an actress portraying Gracie Atherton-Yoo, a character played by Julianne Moore who is enshrouded in a scandalous past. This psychodrama, filled with shifting identities and performative complexities, unfolds like a Russian doll, revealing its layers through clever and playful storytelling. The plot centers on Gracie’s controversial affair in the ’90s with a then 13-year-old, leading to her arrest and a life forever changed by public scrutiny and legal consequences. Years later, as Portman’s character immerses herself in Gracie’s world to prepare for a film role, the line between actress and subject blurs, setting the stage for a story of deep introspection and unexpected connections.
As Elizabeth Berry delves into Gracie’s life for her upcoming role in an indie film, the dynamics between her and Moore’s character evolve from tentative beginnings to a complex intertwining of lives. Their relationship, sparked by an unconventional first meeting involving an unpleasant package, grows as Elizabeth integrates into the family’s routine, seeking to understand Gracie beyond the scandal. This exploration of identity and transformation draws parallels to iconic films like Hitchcock’s thrillers and Bergman’s “Persona,” using a mix of suspenseful music and visual cues to blur the boundaries between the two women. The film’s direction and cinematography ingeniously play with these themes, suggesting a merging of selves that challenges the audience’s perception.
Haynes, along with writer Samy Burch, navigates the murky waters of identity dissolution, nodding to cinematic giants like “Citizen Kane” and “Sunset Boulevard,” while also resonating with the thematic essence of “Kate Plays Christine,” a film about an actress losing her sense of reality as she attempts to transform into Christine Chubbuck, a real-life news anchor who committed suicide on TV in the 1970s. Portman’s portrayal of Elizabeth, who becomes increasingly absorbed in Gracie’s persona to the point of adopting her mannerisms and even her past, showcases an impressive range that speaks to the core of what it means to act. Meanwhile, Moore’s portrayal of a woman caught between delusion and innocence, and Charles Melton’s performance as a man living in the shadow of his past, enrich the film’s exploration of truth, performance, and the often indistinguishable line between them. “May December” emerges as a richly layered narrative, inviting viewers to ponder the complexities of identity, memory, and the art of storytelling in cinema.
Spanish review
En “May December” de Todd Haynes, Natalie Portman brinda una actuación polifacética interpretando a Elizabeth Berry, una actriz que asume el papel de Gracie Atherton-Yoo, personaje interpretado por Julianne Moore y envuelto en un pasado escandaloso. Este psicodrama, repleto de identidades cambiantes y complejidades performáticas, se despliega como una muñeca rusa, revelando sus capas a través de una narrativa astuta y juguetona. La trama gira en torno al polémico affaire de Gracie en los 90 con un menor de entonces 13 años, lo que condujo a su arresto y a una vida permanentemente alterada por el escrutinio público y las consecuencias legales. Años después, a medida que el personaje de Portman se sumerge en el mundo de Gracie para prepararse para un rol cinematográfico, la línea entre la actriz y su sujeto se difumina, preparando el escenario para una historia de profunda introspección y conexiones inesperadas.
A medida que Elizabeth Berry se inmiscuye en la vida de Gracie para su próximo papel en una película independiente, la dinámica entre ella y el personaje de Moore evoluciona desde comienzos tentativos hasta un entrelazado complejo de vidas. Su relación, iniciada por un primer encuentro poco convencional que involucra un paquete desagradable, crece a medida que Elizabeth se integra en la rutina familiar, buscando comprender a Gracie más allá del escándalo. Esta exploración de la identidad y la transformación traza paralelos con películas icónicas como los thrillers de Hitchcock y “Persona” de Bergman, utilizando una combinación de música suspensiva y señales visuales para difuminar los límites entre las dos mujeres. La dirección y cinematografía de la película juegan ingeniosamente con estos temas, sugiriendo una fusión de identidades que desafía la percepción del espectador.
Haynes, junto al guionista Samy Burch, navega por las aguas turbias de la disolución de la identidad, haciendo guiños a gigantes cinematográficos como “Citizen Kane” y “Sunset Boulevard”, y al mismo tiempo resonando con la esencia temática de “Kate Plays Christine”, una película sobre una actriz que pierde su sentido de la realidad al intentar transformarse en Christine Chubbuck, una presentadora de noticias real que se suicidó en televisión en los años 70. La interpretación de Portman, quien se sumerge cada vez más en la persona de Gracie hasta adoptar sus modismos e incluso su pasado, demuestra un rango impresionante que habla del núcleo de lo que significa actuar. Mientras tanto, la interpretación de Moore como una mujer atrapada entre la ilusión y la inocencia, y la actuación de Charles Melton como un hombre viviendo a la sombra de su pasado, enriquecen la exploración de la película sobre la verdad, la actuación y la línea a menudo indistinguible entre ellas. “May December” emerge como una narrativa rica en capas, invitando a los espectadores a reflexionar sobre las complejidades de la identidad, la memoria y el arte de contar historias en el cine.
Secretos de un escándalo – Trailer oficial
Movie information
// Netflix
// Director: Todd Haynes
// Cast: Natalie Portman, Julianne Moore
Score [...]
Dream Scenario
SINOPSIS
Paul Matthews, un desventurado padre de familia, ve cómo su vida da un vuelco cuando millones de extraños empiezan a verle en sueños. Pero cuando sus apariciones nocturnas toman un giro de pesadilla, Paul se ve obligado a navegar por su nuevo estrellato.
Movie Short Review
English review
Throughout his extensive career spanning over 120 films, Nicolas Cage has portrayed a wide array of characters, but his performance in “Dream Scenario” might be considered his funniest role to date. As Paul Matthews, a disheveled college professor with emerging baldness, a gray beard, and a penchant for dad sweaters, Cage finds himself inexplicably appearing in strangers’ nightmares, only able to observe. This unique premise forms the foundation for a sharp social satire directed by Norwegian filmmaker Kristoffer Borgli, marking his debut in English. “Dream Scenario” critiques the contemporary culture obsessed with instant fame and the hasty judgments of cancel culture, offering Cage a new type of role as a whimpering victim. This scenario allows Cage to showcase his comedic talents in a role as unexpected as it is delightful, under the co-production of Ari Aster, a filmmaker known for his handling of surreal angst.
The film introduces us to Paul as a simple family man and an evolutionary biology professor who dreams of writing a revolutionary science book. Despite his mundane existence, Paul unwittingly becomes the star of a viral dream epidemic, attracting the attention of social media marketers eager to exploit his unique situation. The story intensifies as Paul’s passive dream presence becomes a subject of fascination and ridicule, leading to absurd situations including an uncomfortably funny encounter prompted by marketing assistant Molly, played by Dylan Gelula. As Paul’s dream appearances begin to take on a more sinister tone, the narrative delves into darker territory, reminiscent of Cage’s work in “Mandy” and showcasing the actor’s versatility in transitioning from comedic to menacing with ease.
“Dream Scenario” not only offers a biting critique of modern societal obsessions but also celebrates the dynamic collaboration between Cage and Borgli, who push the boundaries of comedy while maintaining a focus on the film’s satirical core. Borgli’s editing keeps the pace lively with creative cuts and flashbacks, capturing the whimsical yet poignant essence of the film. Cage, fully committed to the role of Paul, delivers a performance that is both hilarious and endearing, complemented by a carefully selected wardrobe that adds a timeless charm to the character. Through its clever narrative and standout performances, “Dream Scenario” invites audiences to enjoy its humor and social commentary, solidifying Cage’s status as a versatile actor capable of turning even the most eccentric roles into comedic gold.
Spanish review
A lo largo de su extensa carrera, con más de 120 películas, Nicolas Cage ha encarnado una amplia variedad de personajes, pero su actuación en “Dream Scenario” podría considerarse como su interpretación más divertida hasta la fecha. En el papel de Paul Matthews, un desaliñado profesor universitario con una incipiente calvicie, barba gris y una afición por los suéteres de padre, Cage se encuentra inexplicablemente apareciendo en las pesadillas de desconocidos, sin poder hacer otra cosa más que observar. Esta premisa tan peculiar es la base para una aguda sátira social dirigida por el cineasta noruego Kristoffer Borgli, en lo que representa su debut en inglés. “Dream Scenario” critica la cultura contemporánea obsesionada con la fama instantánea y los juicios apresurados de la cultura de cancelación, ofreciendo un nuevo tipo de papel para Cage como una víctima lloriqueante. Este escenario permite a Cage desplegar sus talentos cómicos en un rol tan inesperado como encantador, bajo la coproducción de Ari Aster, un cineasta conocido por su manejo de la angustia surrealista.
La película nos presenta a Paul como un hombre de familia sencillo y profesor de biología evolutiva, que sueña con escribir un libro de ciencia revolucionario. A pesar de su existencia rutinaria, Paul se convierte sin quererlo en la estrella de una epidemia de sueños virales, atrayendo la atención de mercadólogos de redes sociales ansiosos por explotar su peculiar situación. La historia se intensifica a medida que la pasiva presencia onírica de Paul se convierte en objeto de fascinación y burla, llevando a situaciones absurdas incluyendo un encuentro incómodamente divertido provocado por la asistente de marketing Molly, interpretada por Dylan Gelula. A medida que las apariciones de Paul en sueños comienzan a tomar un tono más siniestro, la narrativa se adentra en territorio más oscuro, recordando el trabajo de Cage en “Mandy” y mostrando la versatilidad del actor para pasar de lo cómico a lo amenazante con facilidad.
“Dream Scenario” no solo ofrece una crítica mordaz a las obsesiones de la sociedad moderna, sino que también celebra la colaboración dinámica entre Cage y Borgli, quienes exploran los límites de la comedia manteniendo el enfoque en el núcleo satírico de la película. La edición de Borgli mantiene el ritmo vivo con cortes creativos y flashbacks, capturando la esencia caprichosa pero conmovedora del filme. Cage, completamente entregado al papel de Paul, ofrece una actuación hilarante y entrañable, complementada por un vestuario cuidadosamente seleccionado que añade un encanto atemporal al personaje. A través de su narrativa ingeniosa y actuaciones destacadas, “Dream Scenario” invita al público a disfrutar de su humor y comentario social, consolidando el estatus de Cage como un actor versátil capaz de convertir incluso los roles más excéntricos en oro cómico.
Dream Scenario – Trailer oficial
Movie information
// A24, Square Peg, Wildling Pictures.
// Director: Kristoffer Borgli
// Cast: Nicolas Cage, Julianne Nicholson, Michael Cera, Tim Meadows, Dylan Gelula y Dylan Baker
Score [...]
Argylle
SINOPSIS
Cuando las tramas de sus libros empiezan a parecerse demasiado a las actividades de un siniestro sindicato clandestino, la introvertida autora de novelas de espías Elly Conway y su gato se ven inmersos en el verdadero mundo del espionaje… donde nada, ni nadie, es lo que parece.
Movie Short Review
English review
Matthew Vaughn stands out in the film world for his unique approach and preference for exploring less traveled paths, distancing himself from the traditional studio system and revolutionizing cinematic genres. Through movies like “Kick-Ass,” “Stardust,” and “Kingsman,” he has navigated superhero tales, fantasy adventures, and spy films, respectively, always imprinting his distinctive touch. His most recent project, “Argylle,” represents a novelty in his usual repertoire. This time, Vaughn returns to the espionage genre but opts for a less violent and more charmingly twisted narrative, delivering a story that surprises with its warmth and absence of the typical content that might unsettle the audience.
“Argylle” stands out not only for its moderated violence but also for its intricate plot and homage to the whimsical elegance and style of 1960s spy movies. Based on a supposedly real novel by the fictional author ‘Elly Conway,’ played by Bryce Dallas Howard, the film delves into a narrative full of twists and turns. With Henry Cavill as the suave Agent Argylle, the film immerses itself in a world of espionage filled with classic elements like stylish cocktails, dangerous femme fatales, and high-speed car chases. Despite dialing back his characteristic excesses, Vaughn’s playful spirit shines, offering a fresh perspective on the spy genre that captivates with its complexity and tribute to a bygone era of cinematic espionage.
The heart of “Argylle” lies in the dynamic between Bryce Dallas Howard’s Elly Conway and Sam Rockwell’s Aidan, an agent who sharply contrasts with the polished spies of Conway’s novels. As their paths cross and their relationship evolves amid a flurry of real-world spy drama, their chemistry and comedic timing elevate the film beyond its potential narrative pitfalls. Although the film races through its plot twists, leaving little room for the story to breathe, the action sequences and performances, especially the interaction between Howard and Rockwell, anchor the film. “Argylle” manages to balance its fast-paced plot and a crowded cast with moments of genuine emotion and humor, promising enough intrigue and entertainment to leave the audience looking forward to more adventures in Conway’s captivating world.
Spanish review
Matthew Vaughn se distingue en el mundo del cine por su enfoque único y su preferencia por explorar caminos menos transitados, alejándose del sistema tradicional de estudios y revolucionando los géneros cinematográficos. A través de películas como “Kick-Ass”, “Stardust” y “Kingsman”, ha navegado por cuentos de superhéroes, aventuras fantásticas y películas de espías, respectivamente, imprimiendo siempre su toque distintivo. Su proyecto más reciente, “Argylle”, representa una novedad en su repertorio habitual. En esta ocasión, Vaughn vuelve al género de espionaje pero opta por una narrativa menos violenta y más encantadoramente retorcida, entregando una historia que sorprende por su calidez y la ausencia del contenido típico que podría incomodar al público.
“Argylle” no solo se distingue por su violencia moderada, sino también por su trama intrincada y su homenaje a la caprichosa elegancia y estilo de las películas de espías de los años 60. Basada en una novela supuestamente real de la autora ficticia ‘Elly Conway’, interpretada por Bryce Dallas Howard, la película se adentra en una narrativa llena de giros y vueltas. Con Henry Cavill en el papel del elegante Agente Argylle, el film se sumerge en un mundo de espionaje repleto de elementos clásicos como cócteles con estilo, peligrosas femmes fatales y persecuciones de coches a alta velocidad. A pesar de reducir sus excesos característicos, el espíritu lúdico de Vaughn brilla, ofreciendo una nueva perspectiva del género de espías que cautiva con su complejidad y homenaje a una era pasada del espionaje cinematográfico.
El corazón de “Argylle” reside en la dinámica entre Elly Conway de Bryce Dallas Howard y Aidan de Sam Rockwell, un agente que contrasta marcadamente con los espías pulidos de las novelas de Conway. A medida que sus caminos se cruzan y su relación evoluciona en medio de un drama de espías del mundo real, su química y sincronización cómica elevan la película más allá de sus posibles fallos narrativos. Aunque la película avanza rápidamente a través de sus giros argumentales, dejando poco espacio para respirar, las secuencias de acción y las actuaciones, especialmente la interacción entre Howard y Rockwell, son el ancla de la película. “Argylle” logra equilibrar su trama acelerada y un elenco abarrotado con momentos de emoción genuina y humor, prometiendo suficiente intriga y entretenimiento como para dejar al público esperando más aventuras en el cautivador mundo de Conway.
Argylle – Oficial Trailer
Movie information
// Universal Pictures, Apple TV+
// Director: Matthew Vaughn
// Cast: Bryce Dallas Howard, Sam Rockwell, Henry Cavill, Bryan Cranston, Catherine O'Hara
SOBRE EL DIRECTOR
Matthew comezó su carrera como productor en 1996 con El sueño inocente, un thriller protagonizado por Michael Gambon y Rupert Graves. Creó Ska Films con el director Guy Ritchie en 1997 y al año siguiente realizó Lock and Stock, que obtuvo un excedente de 11 millones de libras sólo en el Reino Unido. Layer Cake. Crimen organizado supuso su debut como director.
Score [...]
Madame Web
SINOPSIS
Una historia de origen de la clarividente conocida como Madame Web, cuyas habilidades psíquicas le permiten ver dentro del mundo de las arañas.
Movie Short Review
English review
As the superhero genre begins to decline, a significant shift is observed, reminiscent of the early 2000s era characterized by its flamboyant and easily recognizable style. This was a period that comic book fans enthusiastically left behind, preferring the polished, expensive, and intricately connected cinematic universe that Marvel initiated in 2008. However, as these cinematic universes gradually lose the audience’s interest, there’s a return to less expensive productions. The industry seems to have exhausted its repertoire of A-list characters, forcing filmmakers to explore lesser-known and almost forgotten characters. This has led to films like S.J. Clarkson’s “Madame Web,” which, despite its peculiarities, offers a unique charm with its sincere and awkward narrative, representing a departure from the traditional superhero movie formula.
“Madame Web” stands out as an unconventional film within the superhero genre, focusing on a relatively obscure character from the Spider-Man universe and highlighting the journey of three Spider-Women before they acquire their powers. Instead of the usual action-packed sequences, the film spends more time exploring the panic and confusion of its main characters as they navigate their circumstances. This approach, along with its emphasis on the dynamics of young women forming bonds of friendship and solidarity, marks a significant contrast to the genre’s standard repertoire. The film’s narrative complexity, characterized by its mix of action, mystery, and moments of genuine connection, presents a fresh perspective in superhero storytelling, prioritizing character development over spectacle.
The portrayal of Cassandra Webb’s story, along with the whimsical kidnapping and bonding experiences of the main characters, underscores a narrative focused on kinship and overcoming adversity. “Madame Web” diverges from conventional superhero tropes, offering a pre-origin story that hints at the future heroic feats of its characters without delving into their power acquisition or battles. This narrative choice, along with its critique of masculinity within the superhero fandom, positions the film as a nuanced, if not entirely conventional, superhero narrative. Despite its potential disappointment to traditional superhero fans, “Madame Web” represents a significant, albeit subtle, evolution within the genre, suggesting a broader acceptance of diverse stories and characters in what could be considered the twilight of the superhero renaissance.
Spanish review
A medida que el género de superhéroes comienza a declinar, se observa un cambio notable que nos recuerda a la era de los primeros años 2000, caracterizada por su estilo extravagante y fácilmente reconocible. Esta fue una época que los aficionados a los cómics dejaron atrás con entusiasmo, prefiriendo el universo cinematográfico pulido, costoso e intrincadamente conectado que Marvel inició en 2008. Sin embargo, a medida que estos universos cinematográficos pierden progresivamente el interés del público, se observa un retorno a producciones menos costosas. La industria parece haber agotado su repertorio de personajes de primera línea, obligando a los cineastas a explorar personajes menos conocidos y casi olvidados. Esto ha dado lugar a películas como “Madame Web” de S.J. Clarkson, que, a pesar de sus peculiaridades, ofrece un encanto único con su narrativa sincera y torpe, representando una desviación de la fórmula tradicional de las películas de superhéroes.
“Madame Web” se destaca como una película poco convencional dentro del género de superhéroes, centrándose en un personaje relativamente oscuro del universo de Spider-Man y resaltando el viaje de tres Spider-Women antes de adquirir sus poderes. En lugar de las secuencias llenas de acción habituales, la película dedica más tiempo a explorar el pánico y la confusión de sus personajes principales mientras navegan por sus circunstancias. Este enfoque, junto con su énfasis en la dinámica de jóvenes mujeres formando lazos de amistad y solidaridad, marca un contraste significativo con el repertorio estándar del género. La complejidad narrativa de la película, caracterizada por su mezcla de acción, misterio y momentos de conexión genuina, presenta una nueva perspectiva en la narrativa de superhéroes, priorizando el desarrollo de los personajes sobre el espectáculo.
La representación de la historia de Cassandra Webb, junto con las experiencias de secuestro caprichoso y vínculo entre los personajes principales, subraya una narrativa centrada en la parentela y la superación de adversidades. “Madame Web” se aparta de los tropos convencionales de superhéroes, ofreciendo una historia de pre-origen que insinúa las futuras hazañas heroicas de sus personajes sin profundizar en la adquisición de sus poderes o batallas. Esta elección narrativa, junto con su crítica a la masculinidad dentro del fandom de superhéroes, posiciona a la película como una narrativa de superhéroes matizada, si no totalmente convencional. A pesar de su posible decepción para los fans tradicionales de superhéroes, “Madame Web” representa una evolución significativa, aunque sutil, dentro del género, sugiriendo una aceptación más amplia de historias y personajes diversos en lo que podría considerarse el crepúsculo del renacimiento de los superhéroes.
Madame Web – Trailer oficial
Movie information
// Sony Pictures
// Director: S.J. Clarkson
// Cast: Dakota Johnson, Sydney Sweeney, Celeste O'Connor, Isabela Merced, Tahar Rahim, Mike Epps, Emma Roberts Adam Scott
SOBRE EL DIRECTOR
S. J. Clarkson es una directora de televisión británica, conocida por dirigir series como Doctors, Casualty, EastEnders, Footballers’ Wives, Life on Mars y Anatomía de un escándalo.
Score [...]
American Fiction
SINOPSIS
El profesor de inglés y escritor Thelonious ‘Monk’ Ellison escribe una novela satírica bajo seudónimo, con la intención de denunciar la hipocresía de la industria editorial.
Movie Short Review
English review
In 1926, Langston Hughes wrote an essay expressing his disappointment with a young writer who aspired to be a poet, but not a “Negro poet,” using this sentiment to criticize the writer’s desire to conform to white norms. This essay, “The Negro Artist and the Racial Mountain,” highlighted the ongoing struggle of Black artists in America to navigate their identity and creativity in a society rooted in white supremacist ideals. This tension between Black artists, their work, and their audience has persisted, with mainstream Black artists in the U.S. often facing a complex mix of ignorance, projection, guilt, and fluctuating perceptions of their value. James Baldwin, in 1955, critiqued the genre of American protest fiction for its excessive sentimentality and stereotyping of Black lives, citing Richard Wright’s “Native Son” as an example of these pitfalls. Despite these criticisms, protest novels like Wright’s became commercial successes, indicating a market appetite for such narratives.
In the late ’90s and early 2000s, these tensions resurfaced, with the literary market pigeonholing Black writers into certain roles and celebrating works considered “authentic” by white editors and readers, often those that portrayed a narrow and harsh view of Black life. Percival Everett’s 2001 novel “Erasure,” a satire on the publishing industry’s treatment of Black authors, vividly captures this debate. Fast forward two decades, and Cord Jefferson’s adaptation of Everett’s novel into the film “American Fiction” offers a fresh and captivating perspective for a new generation facing similar existential dilemmas. The film follows Thelonious “Monk” Ellison (played by Jeffrey Wright), a middle-aged Black man and university professor struggling with a creative and personal crisis, as he navigates familial responsibilities, professional stagnation, and the narrow confines of the literary world.
“American Fiction” delves into the satire of the cultural market and the family drama inherent in Monk’s life, skillfully balancing these elements with humor. The film’s exploration of the pressures and expectations faced by Black artists resonates with audiences, sparking laughter and reflection at its premiere in Toronto. Through Monk’s journey, including his decision to publish a novel under a pseudonym that panders to market stereotypes and his subsequent struggle with the moral implications of his success, the film addresses the broader challenges of identity, creativity, and commercial success. With a stellar cast delivering nuanced performances, “American Fiction” critiques the commodification of identity in Hollywood and the broader existential crisis faced by Black artists, presenting a story that is both insightful and moving, inviting viewers to ponder the complexities of artistic integrity and racial identity.
Spanish review
En 1926, Langston Hughes escribió un ensayo expresando su decepción hacia un joven escritor que aspiraba a ser poeta, pero no un “poeta Negro”, utilizando este sentimiento para criticar el deseo del escritor de conformarse con las normas blancas. Este ensayo, “El artista Negro y la montaña racial”, resaltó la lucha continua de los artistas negros en América para navegar su identidad y creatividad en una sociedad arraigada en ideales supremacistas blancos. Esta tensión entre los artistas negros, su obra y su audiencia ha persistido, con artistas negros mainstream en EE. UU. a menudo enfrentándose a una mezcla compleja de ignorancia, proyección, culpa y percepciones fluctuantes de su valor. James Baldwin, en 1955, criticó el género de la ficción protesta americana por su sentimentalismo excesivo y estereotipación de las vidas negras, señalando a “Hijo nativo” de Richard Wright como un ejemplo de estas trampas. A pesar de estas críticas, novelas de protesta como la de Wright se convirtieron en éxitos comerciales, indicando un apetito de mercado por tales narrativas.
A finales de los 90 y principios de los 2000, estas tensiones resurgieron, con el mercado literario encasillando a los escritores negros en ciertos roles y celebrando obras consideradas “auténticas” por editores y lectores blancos, a menudo aquellas que mostraban una visión estrecha y dura de la vida negra. La novela “Erasure” de Percival Everett en 2001, una sátira sobre el tratamiento de los autores negros por parte de la industria editorial, captura vívidamente este debate. Avanzando dos décadas, la adaptación de esta novela por Cord Jefferson en la película “American Fiction” ofrece una perspectiva fresca y cautivadora para una nueva generación enfrentando dilemas existenciales similares. La película sigue a Thelonious “Monk” Ellison (interpretado por Jeffrey Wright), un hombre negro de mediana edad y profesor universitario luchando con una crisis creativa y personal, mientras navega responsabilidades familiares, estancamiento profesional y las estrechas limitaciones del mundo literario.
“American Fiction” se sumerge en la sátira del mercado cultural y el drama familiar inherente a la vida de Monk, equilibrando estos elementos con habilidad y humor. La exploración de la película sobre las presiones y expectativas enfrentadas por los artistas negros resuena con el público, provocando risas y reflexión en su estreno en Toronto. A través del viaje de Monk, incluyendo su decisión de publicar una novela bajo un seudónimo que se amolda a los estereotipos del mercado y su subsiguiente lucha con las implicaciones morales de su éxito, la película aborda los desafíos más amplios de identidad, creatividad y éxito comercial. Con un elenco estelar que ofrece actuaciones matizadas, “American Fiction” critica la mercantilización de la identidad en Hollywood y la crisis existencial más amplia enfrentada por los artistas negros, presentando una historia que es tanto perspicaz como conmovedora, invitando a los espectadores a reflexionar sobre las complejidades de la integridad artística y la identidad racial.
American Fiction – Trailer oficial
Movie information
// Orion Pictures, MRC Film, T-Street, 3 Arts Entertainment, Media Rights Capital (MRC)
// Director: Cord Jefferson
// Cast: Jeffrey Wright, Tracee Ellis Ross, Issa Rae, Sterling K. Brown
Score [...]
El chico y la garza
SINOPSIS
La película muestra el crecimiento psicológico de un adolescente a través de interacciones con sus amigos y su tío. Está basada en el libro de 1937 del mismo nombre escrito por Genzaburo Yoshino.
Movie Short Review
English review
When Guillermo del Toro emphasized that animation is not just a genre for children but a medium for art in his Oscar and BAFTA acceptance speeches for “Pinocchio,” he might well have been alluding to any film by Hayao Miyazaki, particularly his latest work, “The Boy and the Heron.” This film marks Miyazaki’s return after a decade, following his 2013 film “The Wind Rises,” which was intended to be his farewell to film directing. However, Miyazaki’s relentless creative force led to the creation of “The Boy and the Heron,” a visually striking and provocative film that reflects on life, death, and the cyclical nature of creation. Produced by Studio Ghibli and similar in thematic depth to Guillermo del Toro’s “Pan’s Labyrinth,” this film remains largely unadvertised, adding to its mystique.
“The Boy and the Heron,” a moving and visually impressive animation, tells the story of Mahito, an 11-year-old boy dealing with the complexities of life in World War II-era Japan. After losing his mother in a fire in Tokyo and moving to the countryside with his stern father and his new stepmother (who is also Mahito’s aunt), Mahito’s world is turned upside down. His struggle to adapt to these sudden changes and his feelings towards his new family are skillfully interwoven into the story, highlighting the emotional turmoil and sense of alienation he experiences. This turmoil intensifies when a mysterious gray heron appears, leading Mahito into a fantastical world at the boundaries of life and death, reality and absurdity, where he encounters a variety of enigmatic characters and creatures.
Miyazaki’s film, sometimes challenging in its comprehension, captivates audiences with its intricate narrative and mesmerizing animation, characteristic of Studio Ghibli’s renowned style. The plot, rich with symbolic elements and fantastical creatures, draws parallels to various live-action and science fiction films, blurring the lines between reality and fantasy. Despite its darker themes, reminiscent of Studio Ghibli’s “Grave of the Fireflies,” Miyazaki ensures the film concludes with a message of hope and the perpetual cycle of life. If “The Boy and the Heron” is indeed Miyazaki’s final work, it serves as a profound and timeless testament to his unparalleled artistry and narrative skill.
Spanish review
Cuando Guillermo del Toro destacó que la animación no es solo un género para niños, sino un medio para el arte durante sus discursos de aceptación del Oscar y el BAFTA por “Pinocho”, bien podría estar haciendo alusión a cualquier película de Hayao Miyazaki, en especial a su última obra, “El Niño y la Garza”. Esta película marca el regreso de Miyazaki tras una década, sucediendo a su film de 2013 “El Viento se Levanta”, que pretendía ser su despedida de la dirección cinematográfica. Sin embargo, la incansable fuerza creativa de Miyazaki condujo a la creación de “El Niño y la Garza”, una película visualmente impactante y provocadora que reflexiona sobre la vida, la muerte y la naturaleza cíclica de la creación. Producida por Studio Ghibli y similar en profundidad temática a “El Laberinto del Fauno” de Guillermo del Toro, este filme se mantiene mayormente sin publicidad, lo que aumenta su misticismo.
“El Niño y la Garza”, una animación conmovedora y visualmente impresionante, narra la historia de Mahito, un niño de 11 años que se enfrenta a las complejidades de la vida en el Japón de la época de la Segunda Guerra Mundial. Tras perder a su madre en un incendio en Tokio y mudarse al campo con su severo padre y su nueva madrastra (quien también es tía de Mahito), el mundo de Mahito se pone patas arriba. Su lucha por adaptarse a estos cambios repentinos y sus sentimientos hacia su nueva familia se entrelazan hábilmente en la historia, resaltando el turbulento estado emocional y la sensación de alienación que experimenta. Este tormento se intensifica cuando aparece una misteriosa garza gris, que lleva a Mahito a un mundo fantástico situado en los límites de la vida y la muerte, la realidad y lo absurdo, donde encuentra una variedad de personajes y criaturas enigmáticas.
La película de Miyazaki, a veces desafiante en su comprensión, cautiva al público con su narrativa intrincada y una animación hipnotizante, característica del reconocido estilo de Studio Ghibli. La trama, rica en elementos simbólicos y criaturas fantásticas, traza paralelos con diversas películas de acción real y ciencia ficción, difuminando las líneas entre realidad y fantasía. A pesar de sus temas más oscuros, que recuerdan a “La Tumba de las Luciérnagas” de Studio Ghibli, Miyazaki asegura que la película concluya con un mensaje de esperanza y el ciclo perpetuo de la vida. Si “El Niño y la Garza” es realmente la última obra de Miyazaki, sirve como un testamento profundo y atemporal a su incomparable arte y capacidad narrativa.
El chico y la garza – Trailer oficial
Movie information
// Toho
// Director: Hayao Miyazaki
SOBRE EL DIRECTOR
El cineasta y animador, Hayao Miyazaki, nació el 5 de enero de 1941 en Tokyo, Japón. Desde muy pequeño se interesó en los cómics y en la animación. En 1963 comenzó su carrera como animador en los estudios Toei Douga, ahí participó en muchos de los primeros clásicos de la animación japonesa y conoció a dos importantes figuras del mundo de la animación, Yasuo Otsuka y Isao Takahata, con quienes colaboró en su primer largometraje, La princesa encantada (1968). En los años 70 trabajó para Nippon Animation en donde realizó proyectos como El cuento de Heidi (1974) y Ana de las tejas verdes (1979). En 1979 debutó como director con la serie Conan el niño del futuro (1978) y al año siguiente realiza la cinta El castillo de Cagliostro (1979). En 1985 fundó su propio estudio de animación, Studio Ghibli, que se ha convertido en referencia cultural dentro del séptimo arte. Ahí realizó proyectos como La princesa Mononoke (1997), El viaje de Chihiro (2001), El castillo ambulante (2004) y Ponyo en el acantilado (2008). Entre sus proyectos más recientes se encuentran el cortometraje Boro the Caterpillar (2018) y la cinta Kimitachi wa dô ikiru ka, que actualmente se encuentra en la etapa de preproducción.
Score [...]
La sociedad de la nieve
SINOPSIS
El 13 de octubre de 1972, el vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, fletado para llevar a un equipo de rugby a Chile, se estrella en un glaciar en el corazón de los Andes
Movie Short Review
English review
Although ‘Society of the Snow’ is not a direct remake of the 1992 movie ‘Alive’, it shares many similarities with it, as both films narrate the same tragic events of 1972 involving the Old Christians rugby team from Stella Maris College. Based on two different books, ‘Alive: The Story of the Andes Survivors’ by Piers Paul Read and ‘La sociedad de la nieve’ by Pablo Vierci, both stories include the same characters and describe their harrowing experience. In both films, survivors participate as advisors, ensuring an authentic representation of the events. ‘Society of the Snow’ stands out by improving some of the less successful aspects of ‘Alive’, offering a more convincing version of this story of courage and survival.
The tragic story begins in October 1972 when the rugby team, along with friends and family, totaling 45 people, board a flight from Uruguay to Chile. The tragedy occurs over the Andes when the plane crashes, immediately claiming 12 lives, with more victims succumbing shortly after. The survivors, facing brutal cold and a scarcity of food, discover that rescue efforts have been suspended. This desperate situation leads them to a controversial decision: to survive, they must resort to cannibalism. ‘Society of the Snow’ focuses on this struggle against nature, showing the 16 survivors who endure 72 days in extreme conditions, facing avalanches and the moral dilemma of cannibalism as a means of survival.
Both ‘Alive’ and ‘Society of the Snow’ address the delicate topic of cannibalism with respect, avoiding sensationalism and focusing on the necessity of the survivors’ decision. Although the story is well-known to many, it maintains suspense and tension, especially in its portrayal of the survivors’ efforts to find help. ‘Society of the Snow’ differs from ‘Alive’ in its use of Spanish-speaking actors, which adds authenticity to the narrative. Directed by J.A. Bayona, known for ‘A Monster Calls’ and ‘Jurassic World: Fallen Kingdom’, the film combines stunning cinematography and a considerable budget to create a visually breathtaking and emotionally impactful experience, similar to Bayona’s earlier work in ‘The Impossible’. This film, with its captivating narrative and impressive production, offers a fascinating story of survival against all odds.
Spanish review
Aunque ‘Society of the Snow’ no es un remake directo de la película de 1992 ‘Alive’, comparte muchas similitudes con ella, ya que ambas películas narran los mismos trágicos eventos de 1972 que involucran al equipo de rugby Old Christians del Colegio Stella Maris. Basadas en dos libros diferentes, ‘Alive: The Story of the Andes Survivors’ de Piers Paul Read y ‘La sociedad de la nieve’ de Pablo Vierci, ambas historias incluyen los mismos personajes y describen su angustiante experiencia. En las dos películas, los supervivientes participan como asesores, garantizando una representación auténtica de los acontecimientos. ‘Society of the Snow’ destaca por mejorar algunos aspectos menos exitosos de ‘Alive’, ofreciendo una versión más convincente de esta historia de coraje y supervivencia.
La trágica historia comienza en octubre de 1972, cuando el equipo de rugby, junto con amigos y familiares, sumando 45 personas, embarcan en un vuelo de Uruguay a Chile. La tragedia ocurre sobre los Andes cuando el avión se estrella, cobrando inmediatamente 12 vidas y más víctimas sucumben poco después. Los supervivientes, enfrentando un frío brutal y escasez de alimentos, descubren que los esfuerzos de rescate han sido suspendidos. Esta situación desesperada los lleva a una decisión controvertida: para sobrevivir, deben recurrir al canibalismo. ‘Society of the Snow’ se centra en esta lucha contra la naturaleza, mostrando a los 16 supervivientes que soportan 72 días en condiciones extremas, enfrentando avalanchas y el dilema moral del canibalismo como medio de supervivencia.
Tanto ‘Alive’ como ‘Society of the Snow’ abordan con respeto el delicado tema del canibalismo, evitando el sensacionalismo y centrándose en la necesidad de la decisión de los supervivientes. Aunque la historia es conocida por muchos, mantiene suspenso y tensión, especialmente en su representación de los esfuerzos de los supervivientes por encontrar ayuda. ‘Society of the Snow’ se diferencia de ‘Alive’ en su uso de actores de habla hispana, lo que añade autenticidad al relato. Dirigida por J.A. Bayona, conocido por ‘A Monster Calls’ y ‘Jurassic World: Fallen Kingdom’, la película combina una cinematografía impresionante y un presupuesto considerable para crear una experiencia visualmente asombrosa y emocionalmente impactante, similar al trabajo anterior de Bayona en ‘The Impossible’. Esta película, con su narrativa cautivadora y producción impresionante, ofrece una fascinante historia de supervivencia contra todo pronóstico.
Movie information
// Netflix
// Director: J. A. Bayona
// Cast: Enzo Vogrincic, Matías Recalt, Agustín Pardella, Felipe, González Otaño, Luciano Chatton, Valentino Alonso, Francisco Romero
SOBRE EL DIRECTOR
Juan Antonio García Bayona nació el 9 de mayo de 1975 en Barcelona, Cataluña, España. Nacido en el seno de una familia con escasos recursos, creció en el barrio barcelonés de la Trinitat Vella. Estudió en la Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC). A los 19 años conoció a Guillermo del Toro, a quien ve como un mentor, en el Festival de Cine de Sitges.
Tras su graduación en la ESCAC, inició su carrera dirigiendo anuncios y videos musicales. Firmó su primer contrato, a los 20 años, con la banda española OBK y obtuvo el premio Ondas por el vídeo musical de Tú sigue así. Debido a su buen trabajo, su nombre resonó en la industria musical y poco tiempo después se convirtió también en el director de cabecera del grupo Camela. Fue el encargado de ilustrar la pieza Cómo repartimos los amigos, con la que el dúo Ella Baila Sola se despidió de su público. Ha trabajado en muchos videoclips para artistas como Pastora Soler, Enrique Bunbury y Miren Iza, así como con la banda británica, Keane. En 1999 dirigió el corto Mis Vacaciones y en 2002 El Hombre Esponja. En 2007 comenzó a trabajar en su primer largometraje, El Orfanato, en el que contó con la ayuda de Guillermo del Toro como coproductor. Por esta película, presentada en el Festival de Cannes, Bayona fue galardonado con el Goya a Mejor Director Novel en 2008, la cinta estuvo nominada en 14 categorías, de las cuales ganó 7. En agosto de 2010 inició el rodaje de Lo imposible. En marzo de 2012 dirigió el videoclip Disconnected, segundo single del álbum Strangeland, volviendo a trabajar con el cuarteto británico Keane. Fue el encargado de dirigir los dos primeros episodios de la serie Penny Dreadful, creada por John Logan. Entre sus últimos trabajos tenemos la dirección de Un monstruo viene a verme (2016), adaptación de la novela homónima de Patrick Ness y Jurassic World: El reino caído (2018).
Score [...]
Los que se quedan
SINOPSIS
A nadie le gusta el profesor Paul Hunham (Giamatti), ni a sus alumnos, ni a sus compañeros, ni al director de la escuela secundaria donde trabaja, a todos les resulta exasperante su pomposidad y rigidez. Sin familia y sin ningún lugar a donde ir durante las vacaciones de Navidad de 1970, Paul se queda en la escuela para supervisar a los estudiantes que no han podido viajar a casa. Después de unos días, solo queda allí un estudiante: un problemático chico de 15 años llamado Angus, un buen estudiante cuyo mal comportamiento siempre amenaza con expulsarlo. Junto a Paul y Angus está la cocinera Mary (Randolph), una mujer afroamericana que atiende a hijos privilegiados y cuyo propio hijo perdió la vida recientemente en Vietnam. Estos tres náufragos tan diferentes formarán una improbable familia durante dos semanas muy nevadas en Nueva Inglaterra.
Movie Short Review
English review
The phrase “they don’t make movies like they used to” may come across as a cliché, often uttered with a nostalgic sigh for the past, but it holds true, especially in today’s era where streaming platforms prefer content optimized for mobile devices over films tailored for the big screen. When a film arrives that evokes the craftsmanship of the past, it’s hard not to feel a certain nostalgia. Director and cinema enthusiast Alexander Payne captures this sentiment in “The Holdovers,” a film set in the 70s that seems to have been made in that era, from its quirky vintage opening titles to its overall aesthetic, including camera work, transitions, casting, and even the film stock used. Premiering at the Telluride Film Festival and later presented in Toronto, “The Holdovers” is more than a mere imitation of the past; it’s a finely tuned and sensitive comedy-drama that has a life of its own, reminiscent of character-driven films from that period as well as the independent hits of the 90s and 2000s that won over audiences at Sundance and the Oscars.
Returning to a style reminiscent of his films “Nebraska” and “The Descendants,” Payne leaves behind the complexity of his last project, “Downsizing,” for a simpler narrative that is both welcoming and familiar. This time, working from a script by television writer David Hemingson instead of his own, Payne delivers a story that balances the bittersweet without falling into sentimentality, in a manner that feels true to his style. The story revolves around three characters who unexpectedly find themselves spending Christmas together, creating a rich backdrop that feels like it was lifted from a great American novel, with a world that existed long before the first scene and continues long after the movie ends.
The central characters of the film form an unlikely trio brought together by circumstances. Paul Giamatti stars as Paul, a history teacher with a strict moral compass, who faces the challenge of supervising students during the holidays. He is joined by a rebellious teenager, Angus (played by newcomer Dominic Sessa), and a grieving cafeteria manager and mother, Mary (Da’Vine Joy Randolph). Together, they create an improvised community during what is supposed to be the happiest time of the year. Their individual struggles with loneliness, abandonment, and loss weave a nuanced narrative that avoids the expected tropes of creating a new family, instead presenting a portrait of individuals finding mutual solace amidst a desolate winter landscape. Randolph delivers a particularly moving performance, portraying a mother’s first Christmas without her son, with deeply affecting moments that position her as a strong contender for awards recognition. Alongside Giamatti’s layered portrayal of a misunderstood teacher and Sessa’s impressive debut performance, “The Holdovers” offers restrained emotional depth that makes its eventual reward all the more satisfying. In a sea of forgettable holiday films, “The Holdovers” stands out with its reflective, melancholic charm, potentially becoming a new classic in the holiday film canon.
Spanish review
La frase “ya no se películas hacen como antes” puede sonar a cliché, a menudo pronunciada con un suspiro nostálgico por el pasado, pero esto no le resta verdad, especialmente en la era actual donde las plataformas de streaming prefieren contenido optimizado para dispositivos móviles en lugar de películas diseñadas para la gran pantalla. Cuando llega una película que evoca la artesanía del pasado, es difícil no sentir una cierta nostalgia. El director y entusiasta del cine, Alexander Payne, captura este sentimiento en “The Holdovers”, una película ambientada en los años 70 que parece haber sido hecha en esa época, desde sus peculiares títulos de apertura vintage hasta su estética general, que incluye desde el trabajo de cámara hasta las transiciones, elecciones de casting y hasta el tipo de película utilizado. Estrenada en el festival de cine de Telluride y luego presentada en Toronto, “The Holdovers” es más que una simple imitación del pasado; es un drama cómico afinado y sensible que tiene vida propia, recordando las películas centradas en personajes de esa época, así como los éxitos independientes de los 90 y 2000 que conquistaron al público en Sundance y en los Óscar.
Regresando a un estilo que recuerda a sus películas “Nebraska” y “The Descendants”, Payne deja atrás la complejidad de su último proyecto, “Downsizing”, para adoptar una narrativa más simple que resulta acogedora y familiar. En esta ocasión, trabajando a partir de un guion del escritor de televisión David Hemingson en lugar de uno propio, Payne entrega una historia que equilibra lo agridulce sin caer en la sentimentalidad, de una manera que parece propia de su estilo. La historia gira en torno a tres personajes que, de manera inesperada, se encuentran pasando la Navidad juntos, creando un telón de fondo rico que parece extraído de una gran novela americana, con un mundo que existía mucho antes de la primera escena y que continúa mucho después de que termina la película.
Los personajes centrales de la película forman un trío improbable unido por las circunstancias. Paul Giamatti interpreta a Paul, un profesor de historia con un estricto sentido moral, quien se enfrenta al desafío de supervisar a los estudiantes durante las vacaciones. Se une a él un adolescente rebelde, Angus (interpretado por el debutante Dominic Sessa), y una madre y gerente de la cafetería en duelo, Mary (Da’Vine Joy Randolph). Juntos, crean una comunidad improvisada durante lo que se supone que es la época más feliz del año. Sus luchas individuales con la soledad, el abandono y la pérdida tejen una narrativa matizada que evita los tropos esperados de crear una nueva familia, presentando en su lugar un retrato de individuos que encuentran consuelo mutuo en medio de un paisaje invernal desolador. Randolph ofrece una actuación particularmente conmovedora, interpretando la primera Navidad de una madre sin su hijo, con momentos profundamente emotivos que la posicionan como una fuerte contendiente para reconocimientos en los premios. Junto con la interpretación estratificada de Giamatti de un profesor incomprendido y la impresionante actuación debut de Sessa, “The Holdovers” ofrece una profundidad emocional contenida que hace que su eventual recompensa sea aún más satisfactoria. En un mar de películas navideñas olvidables, “The Holdovers” destaca con su encanto reflexivo y melancólico, con potencial para convertirse en un nuevo clásico en el canon de películas festivas.
Los que se quedan – Trailer oficial
Movie information
// Focus Features
// Director: Alexander Payne
// Cast: Paul Giamatti, Da’Vine Joy Randolph, Carrie Preston, Dominic Sessa
SOBRE EL DIRECTOR
Alexander Payne es un director, productor y guionista norteamericano, nacido el 10 de febrero de 1961, en Omaha, Nebraska. El más joven de tres hijos, de un matrimonio dedicado a la industria del restaurante, Payne empezó a desarrollar su talento e interés por escribir cuando, durante su estancia en la Creighton Prep, tuvo la oportunidad de realizar una columna humorística en el periódico escolar. También mostraba interés en el cine, cuando su padre le regalo una cámara de Super 8MM a los 14 años. Posteriormente, estudió literatura e historia latinoamericana, en la Stanford University. Como parte de sus estudios en español, Alexander pasó una temporada en España, en la Universidad de Salamanca y después vivió una temporada en Medellín, Colombia, donde publicó artículos sobre los cambios sociales sucedidos en la región durante 1900 y 1930. Payne después estudió cine, en la UCLA Film School, donde obtuvo una maestría en Bellas Artes. Su trabajo tesis, el largometraje The Passion of Martin, fue celebrado y atrajo la atención de la industria de cine en Los Ángeles, lo que le conseguió un contrato con Universal Pictures. Payne empezó a darse a conocer, de manera importante, con la cinta La trampa(1999), por la que fue nominado a un premio de la Academia en la categoría de mejor guion adaptado en el 2000. Siguió cosechando éxitos con sus dos siguientes cintas, el drama Las confesiones del Sr. Schmidt (2002) y, especialmente, la comedia dramática Entre copas (2004). Payne es uno de los directores más aclamados del nuevo milenio, cuyas cintas por lo general giran alrededor de personajes de mediana edad quienes se enfrentan a una crisis fundamental en sus vidas para salir de ellas como personas nuevas. Su trayectoria incluye aclamados largometrajes como Los descendientes (2011), Nebraska (2013) y Pequeña gran vida (2017).
Score [...]
Ferrari
SINOPSIS
Verano de 1957. El ex piloto de carreras, Ferrari, está en crisis. La bancarrota acecha a la empresa que él y su esposa, Laura, construyeron de la nada diez años antes. Su tormentoso matrimonio se encuentra en medio de una gran crisis, mientras lidian con la muerte de su hijo. En esta crucial etapa, Ferrari tomará decisiones arriesgadas, apostándolo todo en una única carrera que atraviesa 1.000 millas a lo largo de toda Italia, la Mille Miglia.
Movie Short Review
English review
In “Ferrari,” Michael Mann’s vibrant film, the essence of the famed Italian car manufacturer is embodied in the vivid shade of rosso corsa, or “racing red,” during the financially unstable summer of 1957. This color not only graces the sleek race cars but also symbolizes the combative spirit of its founder, Enzo Ferrari, played with controlled intensity by Adam Driver. Slated for a Christmas release in the U.S., “Ferrari” is as unabashedly masculine and visceral as Mann’s previous works, packed with pulse-racing race scenes that promise an exhilarating cinematic experience. The screenplay by Troy Kennedy Martin, based on Brock Yates’ biography, skillfully balances the thrill of racing with Enzo’s personal crises, including a tense marriage and an affair, all during the critical summer of ’57.
Mann’s film smartly zeroes in on this pivotal period in Ferrari’s history, amplifying the tension on both the racetrack and Enzo’s private life. While the domestic scenes may lack the same adrenaline rush as the racing sequences, they provide insight into the complexity of a man known for his stoicism and sharp wit. Adam Driver adds depth to Enzo, a man defined by his commitment to automotive excellence. The film deftly traces Enzo’s past, revealing the roots of his passion for racing and his evolution from driver to industrial titan. Amid corporate pressures and mourning the loss of a son, Enzo also has to contend with the influence his wife, portrayed by Penélope Cruz, has over the company.
The narrative shifts to explore Enzo’s personal struggles, particularly his complicated relationships with his estranged wife Laura and his mistress Lina Lardi, played by Shailene Woodley. Despite Cruz’s compelling performance, Woodley’s casting seems out of place, and her scenes mark a rare melodramatic detour for Mann. The film navigates familial strife and the high stakes of the iconic Mille Miglia race, showcasing Mann’s distinctive talent as a filmmaker. The vivid racing scenes, captured by cinematographer Erik Messerschmidt, immerse the viewer in the perilous allure of motorsport. Though the movie concludes somewhat abruptly, its key scenes are filled with the excitement and danger that define Mann’s storytelling. While “Ferrari” may not reach the heights of Mann’s most acclaimed works, it remains a testament to his robust and energetic style.
Spanish review
En “Ferrari”, la vibrante película de Michael Mann, el alma de la famosa fabricante italiana de automóviles se plasma en el vibrante rojo corsa, o “rojo de carreras”, durante un verano financieramente precario en 1957. Este color no solo embellece los elegantes coches de carrera, sino que también simboliza el espíritu combativo de su fundador, Enzo Ferrari, interpretado con intensidad controlada por Adam Driver. Programada para su lanzamiento en Navidad en EE. UU., “Ferrari” es tan inequívocamente masculina y visceral como los trabajos anteriores de Mann, repleta de escenas de carreras que aceleran el pulso y prometen una emocionante experiencia cinematográfica. El guion de Troy Kennedy Martin, basado en la biografía de Brock Yates, equilibra hábilmente la emoción de las carreras con las crisis personales de Enzo, incluyendo un matrimonio tenso y un romance, todo durante el crítico verano del ’57.
La película de Mann se centra acertadamente en este período crucial de la historia de Ferrari, intensificando la tensión tanto en la pista como en la vida privada de Enzo. Aunque las escenas domésticas no tienen la misma emoción que las secuencias de carreras, ofrecen una visión de la complejidad de un hombre conocido por su estoicismo y agudo ingenio. Adam Driver aporta profundidad a Enzo, un hombre caracterizado por su compromiso con la perfección automotriz. La película navega hábilmente por el pasado de Enzo, revelando los orígenes de su pasión por las carreras y su transición de conductor a magnate de la industria. Entre las presiones corporativas y el duelo por la pérdida de un hijo, Enzo también debe lidiar con el control que su esposa, interpretada por Penélope Cruz, ejerce sobre la empresa.
La narrativa se desplaza para explorar los conflictos personales de Enzo, especialmente sus complicadas relaciones con su esposa Laura y su amante Lina Lardi, interpretada por Shailene Woodley. A pesar de la convincente actuación de Cruz, la elección de Woodley parece incongruente, y sus escenas representan un giro melodramático poco característico para Mann. La película transita por los conflictos familiares y los altos riesgos de la icónica carrera Mille Miglia, mostrando el talento distintivo de Mann como cineasta. Las escenas de carreras vívidas, capturadas por la cinematografía de Erik Messerschmidt, sumergen al espectador en la peligrosa belleza del automovilismo. Aunque la película concluye de manera algo abrupta, sus escenas clave están llenas de la emoción y el peligro que definen la narrativa de Mann. Aunque “Ferrari” puede no alcanzar las alturas de las obras más celebradas de Mann, sigue siendo un testimonio de su robusto y enérgico estilo.
Ferrari – Trailer oficial
Movie information
// Moto Productions, Iervolino & Lady Bacardi Entertainment
// Director: Michael Mann
// Cast: Adam Driver, Penélope Cruz, Shailene Woodley, Sarah Gadon, Gabriel Leone, Jack O'Connell, Patrick Dempsey
SOBRE EL DIRECTOR
Tras terminar sus estudios en la Escuela Internacional de Cine de Londres, Michael Mann comienza su carrera como cineasta desarrollando algunos documentales, anuncios publicitarios y cortometrajes, por los que comienza a destacar como una joven promesa del cine. En 1975 comienza a trabajar como guionista para diversas series de televisión como Starsky y Hutch y Police Story. Dirige su primera película para televisión, Hombre libre en 1979 y posteriormente desarrolla otros títulos como Ladrón o El Torreón. El éxito llega en 1984 al crear y producir la exitosa serie de televisión Corrupción en Miami. Posteriormente llevará a cabo también La historia del crimen. En 1992 dirige El último mohicano, que le permitirá obtener un gran reconocimiento y ser considerado uno de los cineastas más talentosos de su generación. A lo largo de su carrera como actor desarrolla exitosos filmes que le consolidan como uno de los grandes productores, director y guionistas de todos los tiempos como Heat, El dilema (1999), -que le vale su primera nominación al Oscar como Mejor Director- Ali (2001), Collateral (2004), Al aviador (2004) o Enemigos íntimos (2009).
Score [...]
Pobres criaturas
SINOPSIS
Bella Baxter es una joven revivida por el brillante y poco ortodoxo científico Dr. Godwin Baxter. Bajo la protección de Baxter, Bella está ansiosa por aprender. Hambrienta de la mundanidad que le falta, Bella se escapa con Duncan Wedderburn, un sofisticado y perverso abogado, en una aventura vertiginosa a través de los continentes. Libre de los prejuicios de su época, Bella se vuelve firme en su propósito de defender la igualdad y la liberación.
Movie Short Review
English review
In “Poor Things,” the latest film from Yorgos Lanthimos, we find a quintessential Victorian coming-of-age story at its core, set against the backdrop of extravagant sets and a visual maelstrom of the flesh. A contender for the Venice Golden Lion, the film stands out as an unexpectedly moving tale, even among its more provocative scenes, striking a balance between wit and depth. Emma Stone delivers an exceptional performance as Bella Baxter, a character reminiscent of a cross between “Frankenstein” and “Pygmalion,” showcasing her significant comedic talent. Bella is a creature with the mind of an infant and the body of a woman, under the tutelage of the ‘mad scientist’ Godwin Baxter, played by Willem Dafoe, whom she affectionately calls God.
Bella and God share an unconventional life, engaging in macabre pastimes within their secluded home, depicted through extreme fish-eye lenses and immersed in a stark black-and-white color scheme. Despite Godwin’s monstrous appearance and his overprotective demeanor, there’s a tenderness in his relationship with Bella, whose mind begins to mature from childlike innocence to teenage self-discovery. As Bella starts to confront her burgeoning sexuality, she is drawn not only to Godwin’s chosen suitor, the meek Max McCandles (Ramy Youssef), but also to the immediate satisfaction offered by the charming Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), a man described with lewd candor and portrayed with a roguish charm by Ruffalo.
Lanthimos infuses Bella’s evolution with his signature touch of the absurd, reshaping social norms through a lens that renders the ordinary into the alien. Bella becomes the ideal heroine for Lanthimos’ vision—an erotic and disruptive figure, whose innocence and newfound sexual liberation create an intriguing contrast. As Bella journeys through a steampunk-inspired world, she encounters a variety of characters who introduce her to new concepts, from self-improvement philosophy to gloomy fatalism, broadening her mind and experiences in a society that simultaneously fascinates and repels her. Emma Stone’s portrayal captures Bella’s transformation, reflecting her intellectual growth with an increased elegance and awareness. In this film, Lanthimos seems to shift from his typically dark perspective to one that implies empowerment and liberation, intertwining the literary spirits of Mary Wollstonecraft and Mary Shelley.
Spanish review
En “Poor Things”, la última película de Yorgos Lanthimos, encontramos una clásica historia victoriana de maduración personal en su esencia, más allá de la extravagancia de sus escenarios y la vorágine de lo carnal en su estética visual. Contendiente al León de Oro de Venecia, la película destaca como un cuento inesperadamente conmovedor, aun entre sus momentos más provocativos, logrando un equilibrio entre ingenio y profundidad. Emma Stone ofrece una interpretación excepcional como Bella Baxter, un personaje que evoca una mezcla entre “Frankenstein” y “Pigmalión”, desplegando su notable talento cómico. Bella es una criatura con la mente de un infante y el cuerpo de una dama de compañía, guiada por el ‘científico loco’ Godwin Baxter, interpretado por Willem Dafoe, a quien llama cariñosamente Dios.
Bella y Dios comparten una vida poco convencional, entregándose a pasatiempos macabros en su hogar aislado, retratados con lentes ojo de pez extremos y sumidos en una paleta de blanco y negro marcada. A pesar de la apariencia monstruosa y la naturaleza sobreprotectora de Godwin, hay una calidez en su relación con Bella, cuya mente comienza a madurar desde la inocencia infantil hacia el autodescubrimiento adolescente. A medida que Bella comienza a lidiar con su sexualidad emergente, se ve atraída no solo por el pretendiente elegido por Godwin, el tímido Max McCandles (Ramy Youssef), sino también por la gratificación inmediata que ofrece el atractivo Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), un hombre descrito con una franqueza libidinosa y encarnado con encanto picaresco por Ruffalo.
Lanthimos aplica su característico toque absurdo en la evolución del personaje de Bella, redefiniendo las normas sociales a través de una lente que convierte lo cotidiano en algo alienígena. Bella se convierte en la heroína ideal para la visión de Lanthimos: una figura tanto erótica como disruptiva, cuya inocencia y recién descubierta libertad sexual crean un contraste fascinante. Mientras Bella viaja por un mundo inspirado en el steampunk, conoce a una variedad de personajes que la introducen a nuevas ideas, desde la filosofía de la auto-mejora hasta el fatalismo melancólico, ampliando su mente y sus experiencias en una sociedad que a la vez la fascina y repulsa. La actuación de Emma Stone captura la transformación de Bella, reflejando su crecimiento intelectual con un aumento correspondiente en gracia y conciencia. En esta película, Lanthimos parece alejarse de su perspectiva típicamente sombría hacia una que sugiere empoderamiento y liberación, entrelazando los espíritus literarios de Mary Wollstonecraft y Mary Shelley.
Pobres criaturas – Trailer oficial
Movie information
// Element Pictures, Film4 Productions, Fox Searchlight, TSG Entertainment.
// Director: Yorgos Lanthimos
// Cast: Emma Stone, Ramy Youssef, Christopher Abbott, Jerrod Carmichael, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Margaret Qualley
SOBRE EL DIRECTOR
Yorgos Lanthimos es un director, guionista y productor griego, nacido el 27 de mayo de 1973, en Atenas, Grecia. Egresado de la escuela de cine y televisión, la Hellenic Cinema and Television School Stavrakos, Yorgos pasaría parte de la década de los años 90 dirigiendo videos para compañías de danza en Grecia. Para 1995, empezaría a dirigir comerciales publicitarios y videos musicales, así como cortometrajes experimentales y obras de teatro. Lanthimos formó parte del equipo creativo que estuvo a cargo del diseño de la ceremonia de apertura y clausura de los Juegos Olímpicos de Atenas, en 2004. Debutaría, en largometrajes, codirigiendo con su mentor, el director Lakis Lazopoulos, la cinta My Best Friend (2001), para luego dirigir, en solitario, Kinetta (2005) y la celebrada cinta Dogtooh (2009), con la que ganaría fama internacional, siendo reconocido con el premio Una cierta mirada, en el Festival de Cannes de 2009. Dicha cinta también fue nominada a los premios de la Academia, en la categoría de mejor cinta extranjera. Tras dirigir la cinta Alps (2011), Lanthimos sería responsable de la cinta La langosta (2015), presente nuevamente en el Festival de Cannes. Recientemente sus trabajos incluyen la aclamada El sacrificio del ciervo sagrado(2017) y The Favourite (2018), ésta última es una cinta protagonizada por Emma Stone y Rachel Weisz, la cual ya suena como una de las posibles ganadoras de la temporada de premios del 2019.
Score [...]
Lift: Un robo de primera claseLa trenza
SINOPSIS
Una banda internacional de atracadores recibe el encargo de evitar un ataque terrorista. Para ello, debe llevar a cabo un atraco en un avión en pleno vuelo
Movie Short Review
English review
In “Lift,” Cyrus, portrayed with impeccable coolness, appears immune to the spotlight as he confidently makes his way to his seat at an auction, coordinating with his team through a microphone. The film starts on a strong note, introducing us to the dynamics between Cyrus and his team, which includes Denton (Vincent D’Onofrio), Camila (Úrsula Corberó), Magnus (Billy Magnussen), Mi-Sun (Yun Jee Kim), and Luke (Viveik Kalra), as they operate within the auction house. Lurking from the shadows is Interpol agent Abby (Gugu Mbatha-Raw), an ambitious federal agent, who is on a mission to capture Cyrus and his gang. Right from the start, the film shows its potential by building an understanding of the characters and their interactions, setting the stage for the looming action.
However, as the plot progresses with Cyrus and his team seizing both an NFT and its creator, the film falters in its narrative approach. “Lift” seems to lack trust in its audience, resorting to heavy exposition instead of opting for subtlety or suspense. This over-explained narrative diminishes the potential for insightful commentary on the world of visual art and the allure of stolen goods. Instead, the film takes a straightforward approach, with Cyrus explicitly detailing their heist plan and goals to the captured artist. This lack of subtlety and mystery prompts the critic to take refuge in a classic of the genre to remind themselves that heist movies can indeed be fun and captivating.
The real drama in “Lift” begins when Abby, after consulting with her colleague Huxley (Sam Worthington) from a more prestigious division of Interpol, reluctantly joins forces with Cyrus’ crew for a larger mission. Their target is Jorgenson (Jean Reno), a billionaire plotting to cause worldwide chaos through hacking. Abby’s plan involves enlisting Cyrus and his team to steal gold from a flight without Jorgenson catching on. The film reveals that Abby and Cyrus have a complex shared history, adding a personal layer to their professional collaboration. Despite the talents of Kevin Hart and Gugu Mbatha-Raw, their on-screen chemistry seems off-balance, and the screenplay does not develop their relationship adequately. Hart’s performance, although aiming for a more serious tone, lacks the charisma and natural playfulness that could have brought his character to life.
Despite these challenges, “Lift” gains momentum as the team undertakes their most ambitious heist yet, driven by the promise of a surveillance-free future. The heist scenes, albeit somewhat unrealistic, bring a dose of excitement and urgency to the film, thanks to director Gray’s adept handling of the action sequences. While these moments don’t fully redeem the film, they do add a level of excitement and help to mitigate its earlier shortcomings.
Spanish review
En “Lift”, Cyrus, interpretado con una frialdad impecable, parece inmune al centro de atención mientras se dirige con confianza a su asiento en una subasta, coordinando con su equipo a través de un micrófono. La película arranca con buen pie, presentándonos las dinámicas entre Cyrus y su equipo, que incluye a Denton (Vincent D’Onofrio), Camila (Úrsula Corberó), Magnus (Billy Magnussen), Mi-Sun (Yun Jee Kim) y Luke (Viveik Kalra), mientras se desenvuelven en la casa de subastas. Desde las sombras, la agente de Interpol Abby (Gugu Mbatha-Raw), una ambiciosa agente federal, acecha con el objetivo de capturar a Cyrus y su banda. Desde el principio, la película muestra su potencial al construir un entendimiento de los personajes y sus interacciones, preparando el escenario para la acción que se avecina.
Sin embargo, a medida que la trama avanza y Cyrus y su equipo capturan tanto un NFT como a su creador, la película flaquea en su enfoque narrativo. “Lift” parece no confiar lo suficiente en su audiencia, recurriendo a una exposición forzada en lugar de optar por la sutileza o el suspense. Esta narrativa sobreexplicada merma la posibilidad de realizar comentarios sobre el mundo del arte visual y el encanto de los bienes robados. En lugar de ello, la película adopta un enfoque directo, con Cyrus detallando explícitamente su plan de robo y sus objetivos al artista secuestrado. Esta falta de matices y misterio lleva a la crítica a refugiarse en un clásico del género para recordar que las películas de atracos pueden ser divertidas y cautivadoras.
El verdadero drama de “Lift” comienza cuando Abby, después de consultar con su colega Huxley (Sam Worthington) de una división más prestigiosa de Interpol, se alía a regañadientes con la tripulación de Cyrus para una misión más grande. Su objetivo es Jorgenson (Jean Reno), un multimillonario que conspira para causar caos global a través del hackeo. El plan de Abby implica reclutar a Cyrus y su equipo para robar oro de un vuelo sin que Jorgenson se entere. La película revela que Abby y Cyrus comparten un pasado complejo, añadiendo una dimensión personal a su colaboración profesional. A pesar del talento de Kevin Hart y Gugu Mbatha-Raw, su química en pantalla parece desacompasada, y el guion no desarrolla adecuadamente su relación. La interpretación de Hart, aunque busca un tono más serio, carece de la carisma y la jovialidad natural que podrían haberle dado vida al personaje.
A pesar de estos desafíos, “Lift” cobra impulso a medida que el equipo se embarca en su atraco más ambicioso, motivado por la promesa de un futuro libre de vigilancia. Las escenas del atraco, aunque algo poco realistas, inyectan una dosis de emoción y urgencia a la película, gracias a la competente dirección de Gray en las secuencias de acción. Aunque estos momentos no redimen completamente la película, añaden cierto grado de emoción y ayudan a mitigar las deficiencias anteriores.
Lift: Un robo de primera claseLa trenza – Trailer oficial
Movie information
// Netflix
// Director: F. Gary Gray
// Cast: Kevin Hart1, Gugu Mbatha-Raw1, Vicente D'Onofrio1, Úrsula Corberó1, Billy Magnussen
Score [...]
Anatomía de una caída
SINOPSIS
Sandra, una escritora alemana, vive con su marido Samuel y su hijo ciego, Daniel, en un chalé en medio de los Alpes franceses. Cuando Samuel fallece en misteriosas circunstancias, la investigación no puede determinar si se trata de un suicidio o de un homicidio. Sandra es arrestada y juzgada por asesinato, y el proceso pone su tumultuosa relación y su ambigua personalidad en el punto de mira.
Movie Short Review
English review
Justine Triet’s film “Anatomy of a Fall,” winner of the prestigious Palme D’Or, masterfully portrays a complex woman through a courtroom drama. Sandra Hüller shines in her role, playing a widow who could either be a cunning husband-killer or a fiercely independent and challenging bisexual woman. This multifaceted character presents unique challenges in the legal realm. Initially slow to captivate the audience, the film gradually transforms into an absorbing and provocative drama, largely due to Hüller’s subtle and detailed performance. “Anatomy of a Fall” echoes the themes of Triet’s previous work, “Sibyl” (2019), especially in its exploration of artists and authority figures grappling with moral complexities. Despite a slow start, the film gains momentum and is expected to be well-received on streaming platforms, following its success in theaters.
The story is set in the French Alps and begins with the discovery of a lifeless body in the snow outside a family home. The deceased is Samuel, a struggling writer, found by his wife Sandra, a successful novelist, and their 11-year-old son, Daniel. Sandra’s reaction to her husband’s death is enigmatic, prompting the audience to wonder whether her grief is genuine or a façade. This mystery becomes a central theme, as the film delves into how we perceive and judge strangers. Sandra’s decision to hire Vincent, a defense lawyer and her former lover, adds more complexity to the plot. This choice not only raises questions about her judgment but also triggers scrutiny from an aggressive state prosecutor and the media, who dissect Sandra’s novels for clues to her alleged immorality.
The film also focuses on Daniel, a partially-sighted boy convincingly portrayed by Graner, who finds himself in a difficult situation. He is placed under the protection of a court guardian to shield him from his mother’s potential influence. This aspect of the story highlights the treatment of minors in the French legal system in court cases, showing the immense pressure Daniel faces from investigators and prosecutors. Triet’s innovative use of sound and visuals is notable, employing primary colors, interviews, recordings, and police reconstructions to enhance the narrative. The story fluidly transitions between audio recordings and flashbacks, enriching the storytelling. The use of diegetic music, such as a steel band playing calypso and a piano rendition of Isaac Albéniz’s ‘Asturia’ (Leyenda), effectively contributes to the film’s tense and cyclical atmosphere.
Spanish review
La película “Anatomía de una Caída” de Justine Triet, ganadora del prestigioso Palme D’Or, retrata magistralmente a una mujer compleja a través de un drama judicial. Sandra Hüller brilla en su papel, interpretando a una viuda que podría ser tanto una astuta asesina de su marido como una mujer bisexual independiente y desafiante. Este personaje multifacético presenta desafíos únicos en el ámbito judicial. Aunque inicialmente la película tarda en captar la atención del público, poco a poco se convierte en un drama absorbente y provocador, en gran parte gracias a la actuación sutil y detallada de Hüller. “Anatomía de una Caída” tiene ecos temáticos de la obra anterior de Triet, “Sibyl” (2019), especialmente en la exploración de artistas y figuras de autoridad que se enfrentan a complejidades morales. A pesar de un comienzo lento, la película gana ritmo y se espera que tenga una buena acogida en las plataformas de streaming, siguiendo su éxito en cines.
La historia se ambienta en los Alpes franceses y comienza con el hallazgo de un cuerpo sin vida en la nieve, fuera de una casa familiar. El fallecido es Samuel, un escritor en apuros, encontrado por su esposa Sandra, una novelista exitosa, y su hijo de 11 años, Daniel. La reacción de Sandra ante la muerte de su esposo es enigmática, haciendo que la audiencia se pregunte si su dolor es genuino o una fachada. Este misterio se convierte en un tema central, ya que la película profundiza en cómo percibimos y juzgamos a los desconocidos. La decisión de Sandra de contratar a Vincent, un abogado defensor y su antiguo amante, añade más complejidad a la trama. Esta elección no solo plantea dudas sobre su juicio, sino que también desencadena un escrutinio por parte de un fiscal estatal agresivo y de los medios de comunicación, que analizan las novelas de Sandra en busca de indicios de su supuesta inmoralidad.
El filme también se centra en Daniel, un niño parcialmente ciego interpretado de manera convincente por Graner, quien se encuentra en una situación complicada. Está bajo la protección de un tutor judicial para evitar la influencia de su madre. Este aspecto de la historia pone de relieve el trato que el sistema legal francés da a los menores en casos judiciales, mostrando la enorme presión que sufre Daniel por parte de investigadores y fiscales. El uso innovador de sonido e imagen por parte de Triet es destacable, empleando colores primarios, entrevistas, grabaciones y reconstrucciones policiales para mejorar la narrativa. La historia fluye entre grabaciones de audio y flashbacks, enriqueciendo el relato. La utilización de música diegética, como una banda de acero tocando calipso y una versión al piano de ‘Asturia’ (Leyenda) de Isaac Albéniz, contribuye eficazmente al ambiente tenso y cíclico de la película.
Anatomía de una caída – Trailer oficial
Movie information
// Les Films Pelléas, Les Films de Pierre
// Director: Justine Triet
// Cast: Sandra Hüller, Swann Arlaud, Milo Machado Graner, Antoine Reinartz, Samuel Theis, Jehnny Beth, Camille Rutherford
SOBRE EL DIRECTOR
Justine Triet es una cineasta francesa, nacida el 17 de julio de 1978, en Fécamp, Francia. Comenzó sus estudios en la École national supérieure des beaux-arts de Paris a la edad de 20 años y se graduó en 2003. Durante sus estudios, trabajó en estrecha colaboración con la fotógrafa alemana Barbara Leisgen y obtuvo su primera experiencia como guionista en colaboración con Thomas Levy-Lasne. Su carrera inicio en cortometrajes documentales de corriente política, para después enfocarse en la ficción primordialmente. En años recientes, Triet ha dirigido celebradas películas como Victoria (2016), Sibyl (2019) y esta por presentar su reciente cinta, en Cannes, Anatomie d’une chute (2023)
Score [...]
Beekeeper: El protector
SINOPSIS
La brutal campaña de venganza de Adam Clay (Jason Statham) adquiere tintes nacionales tras revelarse que es un antiguo agente de una poderosa organización clandestina conocida como “Beekeeper”.
Movie Short Review
English review
Jason Statham, famous for his roles as a transporter, mechanic, and spy, now stars in “The Beekeeper,” a B-movie set to be released in theaters on January 12th. Directed by David Ayer and written by Kurt Wimmer, this film returns Statham to an action-packed setting, albeit with a touch of unintentional humor. “The Beekeeper” is essentially a John Wick imitation, presenting vigilante violence with a seriousness that comically contrasts with its absurd plot. The proficient fight sequences are overshadowed by this humor, making it a unique addition to Statham’s filmography.
The plot centers around Adam Clay (played by Statham), a man of few words who deeply cares for his neighbor, Eloise (Phylicia Rashad). After finding Eloise dead, presumably by suicide, he becomes embroiled in a mystery involving a phishing scam led by Garnett (David Witts), a villainous character who runs his operations like a high-tech Las Vegas nightclub. The film portrays data-mining scams as flashy enterprises, a concept as unrealistic as the rest of the movie’s events. Once cleared of suspicion and aware of the fraud, Statham’s character embarks on a mission of revenge, declaring his intention to destroy Garnett’s operation. The film is filled with bee-related metaphors and statements, almost comically due to its repetitiveness, as Clay continually reaffirms his identity as a beekeeper protecting his hive.
The antagonist of Clay’s wrath is Derek (Josh Hutcherson), a stereotypical privileged tech bro, and his partner Wallace (Jeremy Irons), a former CIA chief. Despite the efforts of these adversaries, Clay, a retired beekeeper and super-soldier, is unstoppable in his pursuit of justice. The film’s climax features Clay crashing a lavish party to confront the villains, showcasing Statham’s signature combat skills. Although “The Beekeeper” may not compare to Statham’s more acclaimed films like “Transporter” or his work with Guy Ritchie, it offers a different kind of entertainment with its over-the-top extravagance and action-packed sequences. It may not be a cinematic masterpiece, but it allows Statham to shine in what he does best: dispensing justice with his fists.
Spanish review
Jason Statham, famoso por sus papeles de transportista, mecánico y espía, ahora protagoniza “The Beekeeper”, una película de serie B que se estrenará en cines el 12 de enero. Dirigida por David Ayer y escrita por Kurt Wimmer, esta película devuelve a Statham a un entorno de acción, aunque con un toque de humor involuntario. “The Beekeeper” es básicamente una imitación de John Wick, presentando violencia vigilante con una seriedad que contrasta cómicamente con su trama absurda. Las competentes secuencias de lucha quedan eclipsadas por este humor, convirtiéndola en una adición única a la filmografía de Statham.
La trama se centra en Adam Clay (interpretado por Statham), un hombre de pocas palabras que se preocupa profundamente por su vecina, Eloise (Phylicia Rashad). Tras encontrar a Eloise muerta, presuntamente por suicidio, se ve envuelto en un misterio relacionado con una estafa de phishing liderada por Garnett (David Witts), un personaje malvado que dirige sus operaciones como un club nocturno de alta tecnología en Las Vegas. La película muestra las estafas de minería de datos como empresas llamativas, un concepto tan poco realista como el resto de los eventos de la película. Una vez exonerado y consciente del fraude, el personaje de Statham se embarca en una misión de venganza, declarando su intención de destruir la operación de Garnett. La película está llena de metáforas y declaraciones relacionadas con las abejas, lo que le da un toque casi cómico por su repetitividad, mientras Clay reafirma continuamente su identidad como apicultor protegiendo su colmena.
El antagonista de la ira de Clay es Derek (Josh Hutcherson), un típico joven tecnológico y privilegiado, y su socio Wallace (Jeremy Irons), un exjefe de la CIA. A pesar de los esfuerzos de estos adversarios, Clay, un apicultor retirado y super soldado, es imparable en su búsqueda de justicia. El clímax de la película muestra a Clay irrumpiendo en una fiesta lujosa para enfrentarse a los villanos, mostrando las habilidades de combate características de Statham. Aunque “The Beekeeper” no se compara con películas más aclamadas de Statham como “Transporter” o su trabajo con Guy Ritchie, ofrece un tipo diferente de entretenimiento con su extravagancia exagerada y secuencias llenas de acción. Puede que no sea una obra maestra cinematográfica, pero permite a Statham brillar en lo que mejor sabe hacer: impartir justicia con sus puños.
Beekeeper: El protector – Trailer oficial
Movie information
// Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
// Director: David Ayer
// Cast: Jason Statham, Emmy Raver-Lampman, Josh Hutcherson, Bobby Naderi, Minnie Driver, Phylicia Rashad y Jeremy Irons.
SOBRE EL DIRECTOR
David Ayer es un director, guionista y productor norteamericano, nacido el 18 de enero de 1968, en Champaign, Illinois, Estados Unidos. Aunque su familia se mudó a Minnesota y, posteriormente, a Maryland, debido a su rebeldía y su indisciplina recurrente, lo corrieron de su casa sus propios padres cuando todavía era todavía joven. Derivado de esto, David se fue a vivir a Los Angeles, donde su primo le ofreció asilo. El hogar de su primo estaba en la conflictiva área de la ciudad, conocida como South Central, lugar predilecto de pandillas y delincuentes. Estas experiencias le sirvieron, en años futuros, para sus duros y violentos guiones.
Score [...]
La piscina
SINOPSIS
Ray Waller, una estrella del béisbol obligada a retirarse prematuramente a causa de una enfermedad degenerativa, se muda a una nueva casa con su esposa Eve, su hija adolescente Izzy y su hijo pequeño Elliot. Con la esperanza secreta de recuperarse y volver al deporte profesional, Ray convence a Eve de que la fabulosa piscina del jardín de su nuevo hogar será divertida para los niños y le servirá a él como terapia física. Pero un oscuro secreto del pasado de la casa desatará una fuerza malévola que arrastrará a toda la familia a las insondables profundidades del terror más asfixiante.
Movie Short Review
English review
You might have heard about the beach that rapidly ages people, but have you heard of the boring “Night Swim”? This supernatural film by Blumhouse and Atomic Monster, directed by Bryce McGuire, seems like a M. Night Shyamalan project, but it isn’t. “Night Swim” is McGuire’s first feature film and it’s about a haunted pool in a suburban neighborhood. The movie expands on his 2014 short film of the same name, co-directed with Rod Blackhurst. In the original version, a woman swims in a dark pool, feeling watched, before being dragged into the depths. In the feature film version, it starts with a similar scene but with a young girl, adding flashbacks from the 90s and a lot of exposition.
The film’s issue lies in its transition from a short to a full-length feature. It lacks tension, logical sense, and an emotional core, turning into an unconvincing ghost story about a modern family. The cast includes Wyatt Russell, a former professional hockey player turned actor, and Kerry Condon. They play a couple who buy a house with a pool for Russell’s character, Ray, who needs it for physical therapy after an early multiple sclerosis diagnosis. However, their lack of chemistry and the movie’s slow pacing make it less engaging. Other characters, like their children, are stuck in stereotypical roles, failing to add depth to the story.
The film’s attempt to build suspense falls flat, and even interesting design elements can’t save it. The story gets lost in its contradictions and unclear symbolism, with many key scenes bizarrely set during the day. Despite this, there’s an audience for this kind of film, one that enjoys the absurdity and the opportunity to mock the dialogue and plot. But as a horror film, “Night Swim” misses its mark. It turns the common fear of pools into something uninteresting, and viewers might find better entertainment in other options, like the movie “Frozen”. In summary, “Night Swim” transforms an initially promising short film into a forgettable feature that fails to deliver the scares.
Spanish review
Quizás hayas oído hablar de la playa que envejece rápidamente a la gente, pero ¿has oído hablar del aburrido “Night Swim”? Esta película sobrenatural de Blumhouse y Atomic Monster, dirigida por Bryce McGuire, parece un proyecto de M. Night Shyamalan, aunque no lo es. “Night Swim” es el primer largometraje de McGuire y trata sobre una piscina embrujada en un vecindario suburbano. La película amplía su cortometraje homónimo de 2014, co-dirigido con Rod Blackhurst. En la versión original, una mujer nada en una piscina oscura y se siente observada antes de ser arrastrada a las profundidades. En la versión largometraje, se inicia con una escena similar pero con una niña pequeña, añadiendo flashbacks de los años 90 y una gran cantidad de exposición.
El problema de la película radica en su transición de un corto a un largometraje. Carece de tensión, sentido lógico y un núcleo emocional, convirtiéndose en una historia de fantasmas poco convincente sobre una familia moderna. El elenco incluye a Wyatt Russell, exjugador profesional de hockey convertido en actor, y a Kerry Condon. Interpretan a una pareja que compra una casa con piscina para el personaje de Russell, Ray, que la necesita para ejercicios de fisioterapia tras un diagnóstico temprano de esclerosis múltiple. Sin embargo, la falta de química entre ellos y el lento ritmo de la película la hacen menos atractiva. Otros personajes, como sus hijos, están atrapados en roles estereotipados, sin aportar profundidad a la historia.
El intento de la película de construir suspense fracasa, y ni siquiera los elementos de diseño interesantes pueden salvarla. La historia se pierde en sus contradicciones y simbolismo poco claro, con muchas escenas clave ambientadas curiosamente durante el día. A pesar de esto, hay un público para este tipo de películas, uno que disfruta de la absurdidad y la oportunidad de burlarse de los diálogos y la trama. Pero como película de terror, “Night Swim” no cumple su objetivo. Convierte el miedo común a las piscinas en algo poco interesante, y los espectadores podrían encontrar mejor entretenimiento en otras opciones, como la película “Frozen”. En resumen, “Night Swim” transforma un cortometraje inicialmente prometedor en un largometraje olvidable que no logra provocar miedo.
La piscina – Trailer oficial
Movie information
// Universal Pictures
// Director: Bryce McGuire
// Cast: Wyatt Russell; Kerry Condon; Gavin Warren; Nancy Lenehan; Jodi Long; Ellie Araiza; Ben Sinclair; Evan Shafran
SOBRE EL DIRECTOR
El guionista y director Bryce McGuire estudió guion en el American Film Institute de Los Ángeles. Desde el inicio de su carrera en 2008, escribió y dirigió numerosos cortometrajes, dentro de los que destacan Jesus Fish (2013), Soon You Will Be Gone (2016) y Every House Is Hounted (2023). En 2023 presenta su primer largometraje, Aguas siniestras, película de terror basada en un cortometraje de McGuire y Rod Blackhurst, protagonizada por Wyatt Russell, Kerry Condon, Amélie Hoeferle y Gavin Warren, que sigue a una familia cuya piscina en el patio trasero está encantada.
Score [...]
The Marvels
SINOPSIS
Cuando sus obligaciones la envían a un agujero de gusano vinculado a un revolucionario kree, los poderes de Carol Danvers, la capitana Marvel, se entremezclan con los de Kamala Khan, también conocida como la Sra. Marvel y la sobrina de Carol, ahora astronauta de S.A.B.E.R., Monica Rambeau. Juntas, deberán salvar el universo como “The Marvels”.
Movie Short Review
English review
“The Marvels” continues the story where “Captain Marvel” left off, using flashbacks in the first half-hour to provide a broad framework for the plot. However, it’s useful to revisit the previous film to establish a stronger foundation, as the new installment builds upon the geopolitical and familial themes of “Captain Marvel.” The movie seeks to explore interplanetary dependence and sisterhood, going beyond conventional notions of good and evil, although it doesn’t fully achieve this ambitious goal.
Like many other MCU films, the main issue lies in its plot. “The Marvels” attempts to tackle more than it can handle within its brief duration of 1 hour and 45 minutes, resulting in abrupt endings and abandoned storylines. The narrative begins with Dar-Benn, a Kree, and her discovery of a powerful energy-infused bracelet. This object connects her to Kamala, the teenage protagonist of the “Ms. Marvel” series in Jersey City, where Kamala is a fervent follower of Captain Marvel. The film wastes no time in diving into action, as the powers of the bracelet unite Kamala, Carol, and Monica, allowing them to switch places during the use of their superpowers. This plot point enables the director to showcase her visual style and choreograph exciting fight sequences, adding an intimate touch to the storytelling.
The central focus of “The Marvels” revolves around the relationship between its three protagonists, which is one of the film’s strong points. Captain Marvel, leading a solitary life in space, becomes connected with Monica and Kamala through their intertwined powers, leading her to embrace vulnerability. Brie Larson, Teyonah Parris, and Iman Vellani exhibit natural chemistry and deliver captivating performances. While the risks in the film could be greater, the camaraderie among the protagonists shines. Larson’s portrayal of Captain Marvel is more refined, leaving behind her previous stiffness, while Parris adds warmth and depth to her character. However, it is Vellani who steals the show with her cheerful and humorous depiction of Kamala, offering comedic relief without resorting to clichés.
As the three women come together to save the galaxy, Kamala proves to be a key element, assisting Monica and encouraging Carol’s personal growth. The infectious energy of her character and her unique perspective significantly contribute to the film’s dynamics. With the right direction, Kamala could be the future of the franchise, adding depth and excitement to the Marvel Cinematic Universe.
Spanish review
“The Marvels” continúa la historia donde “Captain Marvel” la dejó, utilizando flashbacks en la primera media hora para proporcionar un amplio marco para la trama. Sin embargo, es útil revisitar la película anterior para establecer una base más sólida, ya que la nueva entrega se basa en los temas geopolíticos y familiares de “Captain Marvel”. La película busca explorar la dependencia interplanetaria y la hermandad, yendo más allá de las convencionales nociones de bien y mal, aunque no logra cumplir completamente este ambicioso objetivo.
Al igual que muchas otras películas del MCU, el principal problema radica en su argumento. “The Marvels” intenta abordar más de lo que puede manejar en su breve duración de 1 hora y 45 minutos, lo que conduce a finales abruptos y tramas abandonadas. La narrativa comienza con Dar-Benn, una Kree, y su descubrimiento de un poderoso brazalete infundido con energía. Este objeto la conecta con Kamala, la protagonista adolescente de la serie “Ms. Marvel” en Jersey City, donde Kamala es una ferviente seguidora de Captain Marvel. La película no pierde tiempo en sumergirse en la acción, ya que los poderes del brazalete unen a Kamala, Carol y Monica, permitiéndoles intercambiar lugares durante el uso de sus superpoderes. Este punto de la trama permite a la directora mostrar su estilo visual y coreografiar emocionantes secuencias de pelea, añadiendo un toque íntimo a la narración.
El enfoque central de “The Marvels” se centra en la relación entre sus tres protagonistas, lo cual es uno de los puntos fuertes de la película. Captain Marvel, que lleva una vida solitaria en el espacio, se conecta con Monica y Kamala a través de sus poderes entrelazados, lo que la lleva a abrazar la vulnerabilidad. Brie Larson, Teyonah Parris e Iman Vellani muestran una química natural y ofrecen actuaciones atractivas. Aunque los riesgos en la película podrían ser mayores, la camaradería entre las protagonistas brilla. La interpretación de Larson de Captain Marvel es más refinada, dejando atrás su rigidez anterior, mientras que Parris agrega calidez y profundidad a su personaje. Sin embargo, es Vellani quien se roba el espectáculo con su alegre y humorística representación de Kamala, ofreciendo alivio cómico sin recurrir a clichés.
A medida que las tres mujeres se unen para salvar la galaxia, Kamala demuestra ser una pieza clave, ayudando a Monica y alentando el crecimiento personal de Carol. La energía contagiosa de su personaje y su perspectiva única contribuyen significativamente a la dinámica de la película. Con la dirección adecuada, Kamala podría ser el futuro de la franquicia, agregando profundidad y emoción al Universo Cinematográfico de Marvel.
The Marvels – Trailer oficial
Movie information
// Marvel
// Director: Nia DaCosta
// Cast: Brie Larson, Teyonah Parris, Iman Vellani, Zawe Ashton, Park Seo-joon, Samuel L. Jackson
SOBRE EL DIRECTOR
Nia DaCosta siempre supo que quería ser escritora, pero no fue hasta que vio Apocalipsis (1979) que se interesó en el cine. Investigando el cine de la década de 1970, encontró inspiración en directores como Martin Scorsese, Sidney Lumet, Steven Spielberg y Francis Ford Coppola. Dando cita a Scorsese como su inspiración principal, DaCosta se inscribió en la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York, donde lo conoció mientras trabajaba como asistente de producción de televisión. Su para Little Woods fue uno de los 12 proyectos elegidos para los Laboratorios de guionistas y directores de Sundance 2015. La película se estrenó en el Festival de Cine de Tribeca en 2018 y recibió el premio Nora Ephron por “excelencia en la narración de una escritora o directora”. Se anunció a fines de 2018 que DaCosta había sido elegida para dirigir y coescribir Candyman (2020), una próxima secuela directa de la película de 1992 del mismo nombre producida por Jordan Peele a través de producciones de Monkeypaw.
Score [...]
The Killer
SINOPSIS
Después de un fatídico error, un asesino se enfrenta a sus jefes y a sí mismo en una persecución internacional que, según él, no es personal.
Movie Short Review
English review
“The Killer,” David Fincher’s latest work, marks a turning point in the debate over technology’s impact on the classic crime thriller genre. With technological advancements ranging from pocket watches to sophisticated multifunctional devices, this film diverges from the typical stories of mobsters, gangsters, and assassins set in bygone eras. Instead, “The Killer” integrates modern technology into its narrative. The protagonist, a nameless assassin portrayed by Michael Fassbender, skillfully uses current technologies in his missions, demonstrating how technology has merged with modern crime stories. From co-working spaces to Amazon Prime for acquiring gadgets and Google Maps for navigation, the film meticulously details the routines and precision necessary for the assassin’s work, offering an internal view of his mind through a firm and serious voice-over narration.
The film delves into themes of revenge and murder, but also deeply explores the assassin’s psyche, juxtaposing his violent acts with a mantra of calm and precision. This contrast contributes much of the film’s humor, with Fincher injecting witty commentary and light-hearted moments. Based on a French comic book, with screenplay contributions from Andrew Kevin Walker, the writer of “Se7en,” the movie pays homage to classic crime thrillers and incorporates some of Fincher’s characteristic styles. However, it lacks the innovative narrative risks of the director’s earlier works such as “Zodiac” and “The Girl with the Dragon Tattoo.” Its visual approach, not leveraging the vibrancy of a comic, opts for a more classical framing, and the narration, though insightful, does not add significant new depth to the genre.
Michael Fassbender, in the role of the emotionless assassin, delivers a chilling performance, blending into the background with a discreet appearance that intensifies the character’s menace. The film features a range of actors in brief but impactful roles, including Tilda Swinton as a glamorous murderess and Charles Parnell as the head of a network of hired assassins. The cinematography by Erik Messerschmidt and the soundtrack, though effective, do not stand out as much as Fincher’s previous collaborations. Despite its technical competence and adherence to genre conventions, “The Killer” does not rise to the top of Fincher’s filmography. It’s a competent and entertaining crime thriller on Netflix, but it doesn’t reach the heights of the director’s more acclaimed works.
Spanish review
“El asesino”, la última obra de David Fincher, marca un punto de inflexión en el debate sobre el impacto de la tecnología en el género de los thrillers criminales clásicos. Con el avance tecnológico, desde relojes de bolsillo a dispositivos sofisticados multifuncionales, esta película se distancia de las típicas historias de mafiosos, gangsters y asesinos ambientadas en épocas pasadas. En lugar de ello, “El asesino” integra la tecnología moderna en su narrativa. El protagonista, un asesino sin nombre interpretado por Michael Fassbender, utiliza hábilmente tecnologías actuales en sus misiones, demostrando cómo la tecnología se ha fusionado con las historias de crimen modernas. Desde espacios de co-working hasta Amazon Prime para adquirir dispositivos y Google Maps para la navegación, el filme detalla meticulosamente las rutinas y la precisión necesaria en el trabajo del asesino, ofreciendo una visión interna de su mente a través de una narración en off firme y seria.
El film explora temas de venganza y asesinato, pero también profundiza en la psique del asesino, contraponiendo sus actos violentos con un mantra de calma y precisión. Este contraste aporta gran parte del humor de la película, con Fincher inyectando comentarios ingeniosos y momentos ligeros. Basada en un cómic francés, con contribuciones al guion de Andrew Kevin Walker, escritor de “Se7en”, la película rinde homenaje a los clásicos thrillers criminales e incorpora algunos de los estilos característicos de Fincher. Sin embargo, carece de los riesgos narrativos innovadores de trabajos anteriores del director, como “Zodiac” y “La chica del dragón tatuado”. Su enfoque visual, que no aprovecha la vivacidad de un cómic, opta por un enmarcado más clásico, y la narración, aunque perspicaz, no aporta una nueva profundidad significativa al género.
Michael Fassbender, en el papel del asesino sin emociones, ofrece una actuación escalofriante, mezclándose en el trasfondo con una apariencia discreta que intensifica la amenaza del personaje. La película cuenta con una variedad de actores en roles breves pero impactantes, incluyendo a Tilda Swinton como una asesina glamurosa y a Charles Parnell como el jefe de una red de asesinos a sueldo. La cinematografía de Erik Messerschmidt y la banda sonora, aunque efectivas, no destacan tanto como en colaboraciones previas de Fincher. A pesar de su competencia técnica y su adhesión a las convenciones del género, “El asesino” no se eleva a lo más alto de la filmografía de Fincher. Es un thriller criminal competente y entretenido en Netflix, pero no alcanza las alturas de las obras más aclamadas del director.
The killer – Trailer oficial
Movie information
// Netflix
// Director: David Fincher
// Cast: Michael Fassbender, Tilda Swinton, Charles Parnell, Arliss Howard, Sophie Charlotte, Sala Baker, Kerry O'Malley
SOBRE EL DIRECTOR
El director y productor, David Fincher, nació el 28 de agosto de 1962 en Denver, Colorado, EE. UU. Durante su adolescencia se mudó con su familia a Oregon, estudió en la Ashland High School, mientras hacía filmes caseros con una cámara de 8mm. Comenzó a trabajar en Industrial Light and Magic, de George Lucas, en la producción de algunas películas y más tarde se integró a Korty Films como asistente de producción. Trabajó como productor de efectos visuales en la película animada Twice Upon a Time (1983). En 1984, dirigió un spot de la Sociedad Americana del Cáncer, en donde se mostraba un feto fumando, esto atrajo la atención de los productores del documental The Beat of the Live Drum (1985) y le dieron la oportunidad de dirigirlo. Realizó comerciales para empresas como Nike, Coca-Cola, Budweiser, Heineken, Pepsi, Levi’s, Converse, Revlon y Sony, entre muchas otras. Hizo muchos videos musicales como “We Don’t Have to Take Our Clothes Off”, de Jermaine Stewart, o “Express Yourself”, “Oh Father”, “Vogue” y “Bad Girl” de Madonna. Es conocido por haber dirigido cintas como Alien 3 , Seven, The Game, El club de la pelea, La habitación del pánico, Zodiac, Perdida y La chica del dragón tatuado. Estuvo nominado al Oscar por El curioso caso de Benjamin Button(2008)y dos años después por La red social (2010). En el 2018 dirigió y creó la serie de Netflix Mindhunter (2018), protagonizda por Jonathan Groff. Dos años después llevó a la pantalla grande el guion que escribió su padre, Jack Fincher, sobre el proceso de creación de la película más importante en la historia del cine: Ciudadano Kane. Por dicha producción, titulada Mank, Fincher fue nominado al Globo de Oro en la categoría de Mejor director.
Score [...]
Dejar el mundo atrás
SINOPSIS
Las vacaciones de una familia en una casa de lujo dan un giro inquietante cuando un ciberataque anula sus dispositivos… y dos desconocidos llaman a la puerta.
Movie Short Review
English review
In the Netflix thriller “Leave the World Behind,” directed by Sam Esmail and based on Rumaan Alam’s 2020 novel, the end of the world is depicted in a unique and unsettling way. The story unfolds over a weekend in a secluded hamlet on Long Island, where Amanda and Clay, a white couple from Brooklyn, are vacationing with their two children. Their peace is interrupted when G.H. and Ruth, an elegant African-American father-daughter duo, unexpectedly arrive at their doorstep, claiming ownership of the house and seeking refuge after a mysterious and catastrophic event in New York City. This event has caused a blackout, disabled the internet and phones, and triggered emergency broadcasts, leaving everyone uncertain about the true nature of the crisis. Despite Amanda’s racist apprehensions and Clay’s more accommodating attitude, they allow G.H. and Ruth to stay, setting the stage for a tense and eerie cohabitation where strange phenomena begin to manifest, such as malfunctioning navigation equipment, hypnotized animals, and inexplicable noises. The lack of information about these events makes everyone feel trapped and helpless, as if in a pre-modern era.
The film delves into the characters’ psyche, showing how the unknown catastrophe amplifies their deepest fears and biases. Amanda’s racism surfaces as she suspects the newcomers, while Clay struggles with his self-image as a liberal. G.H., accustomed to charming his way out of situations, finds himself disoriented. The direction of Sam Esmail, known for “Mr. Robot,” accentuates the characters’ paranoia through unsettling symmetry in the scene composition, giving their actions an almost predestined air. The dialogue, meticulously crafted by Esmail, is elevated and artificial, which greatly benefits Mahershala Ali’s character, G.H., who captivates the audience from his first appearance. Julia Roberts, in the role of Amanda, has some difficulty with the dialogue-heavy script, in contrast to her more natural acting style. However, Ali’s portrayal of G.H. is so compelling that he dominates the film with his charisma and a slightly disturbing demeanor.
While “Leave the World Behind” remains true to the plot of the novel, the film diverges in its focus and tone. Alam’s book satirizes bourgeois comforts, using luxurious domestic details to contrast with the impending apocalypse, creating tension between external chaos and internal luxury. Esmail’s adaptation, on the other hand, moves away from these tactile pleasures, instead highlighting a different form of bourgeois self-indulgence that becomes evident in the film’s final, impactful scene. This scene sharply critiques contemporary streaming content, suggesting that it feeds a fundamental aspect of the human soul. Esmail’s execution of this theme is so incisive that it stands out, especially for a film produced by Netflix, a platform synonymous with mainstream streaming entertainment.
Spanish review
En el thriller de Netflix “Dejar el mundo atrás”, dirigido por Sam Esmail y basado en la novela de 2020 de Rumaan Alam, se presenta el fin del mundo de una manera única e inquietante. La historia se desarrolla durante un fin de semana en un apartado pueblito de Long Island, donde Amanda y Clay, una pareja blanca de Brooklyn, vacacionan con sus dos hijos. Su tranquilidad se ve interrumpida cuando G.H. y Ruth, un elegante dúo padre-hija afroamericanos, llegan inesperadamente a su puerta, alegando ser los dueños de la casa y buscando refugio tras un misterioso y catastrófico suceso en Nueva York. Este evento ha provocado un apagón, ha desactivado el internet y los teléfonos, y ha desencadenado transmisiones de emergencia, dejando a todos en la incertidumbre sobre la verdadera naturaleza de la crisis. A pesar de las aprensiones racistas de Amanda y la postura más complaciente de Clay, permiten que G.H. y Ruth se queden, dando lugar a una convivencia tensa y espeluznante donde comienzan a manifestarse fenómenos extraños, como equipos de navegación fallando, animales hipnotizados y ruidos inexplicables. La falta de información sobre estos sucesos hace que todos se sientan atrapados e impotentes, como si estuvieran en una era premoderna.
La película profundiza en la psique de los personajes, mostrando cómo la catástrofe desconocida amplifica sus miedos y prejuicios más profundos. El racismo de Amanda emerge al sospechar de los recién llegados, mientras que Clay lucha con su imagen de liberal. G.H., acostumbrado a salirse con la suya encantando a los demás, se encuentra desorientado. La dirección de Sam Esmail, conocido por “Mr. Robot”, acentúa la paranoia de los personajes a través de una inquietante simetría en la composición de las escenas, otorgando a sus acciones un aire casi predestinado. Los diálogos, meticulosamente elaborados por Esmail, son elevados y artificiales, lo que beneficia enormemente al personaje de G.H. interpretado por Mahershala Ali, quien desde su primera aparición cautiva al público. Julia Roberts, en el papel de Amanda, tiene ciertas dificultades con el guion cargado de diálogos, en contraste con su estilo actoral más natural. Sin embargo, la interpretación de Ali como G.H. es tan impactante que domina la película con su carisma y una actitud ligeramente inquietante.
Aunque “Dejar el mundo atrás” se mantiene fiel a la trama de la novela, la película difiere en su enfoque y tono. El libro de Alam satiriza los confort burgueses, utilizando detalles domésticos lujosos en contraste con el apocalipsis inminente, creando una tensión entre el caos externo y el lujo interno. La adaptación de Esmail, por otro lado, se aleja de estos placeres táctiles, destacando en cambio una forma diferente de autocomplacencia burguesa que se hace evidente en la impactante y última escena de la película. Esta escena critica agudamente el contenido de transmisión contemporáneo, sugiriendo que alimenta un aspecto fundamental del alma humana. La ejecución de este tema por parte de Esmail es tan incisiva que destaca, especialmente para una película producida por Netflix, una plataforma sinónimo de entretenimiento en streaming.
Dejar el mundo atrás – Trailer oficial
Movie information
// Netflix
// Director: Sam Esmail
// Cast: Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha'la Herrold, Kevin Bacon
SOBRE EL DIRECTOR
Sam Esmail es un cineasta norteamericano, nacido el 17 de septiembre de 1977, en Hoboken, Nueva Jersey. De familia egipcia, Esmail sufrió un trastorno obsesivo-compulsivo cuando era niño y luego se le diagnosticó un trastorno de ansiedad social. En su adolescencia trabajó en el laboratorio de computación durante la universidad, antes de asistir a la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York y obtener una Maestría en Bellas Artes del Conservatorio del American Film Institute. Si bien empezó su carrera como escritor, destacando su guion para Sequels, Remakes & Adaptations, el cuál logro colarse a la BlackList, empezó trabajando en la producción y desarrollo de varias series de televisión, logrando encumbrar su éxito con la aclamada serie Mr. Robot (2015-2019), de la cuál es el creador. Recientemente, es uno de los productores de series como Gaslit (2022) y The Resort (2022)
Score [...]
Aquaman y el reino perdido
SINOPSIS
Al no poder derrotar a Aquaman la primera vez, Black Manta, todavía impulsado por la necesidad de vengar la muerte de su padre, no se detendrá ante nada para derrotar a Aquaman de una vez por todas. Esta vez Black Manta es más formidable que nunca y ejerce el poder del mítico Tridente Negro, que desata una fuerza antigua y malévola. Para derrotarlo, Aquaman recurrirá a su hermano encarcelado Orm, el ex rey de la Atlántida, para forjar una alianza improbable. Juntos, deben dejar de lado sus diferencias para proteger su reino y salvar a la familia de Aquaman, y al mundo, de una destrucción irreversible.
Movie Short Review
English review
The original “Aquaman” movie, with its unique blend of seriousness and humor, turned out to be a pleasant surprise. It succeeded in transforming the Aquaman character into someone both serious and amusing. Despite having a rather generic plot, the film stood out for its imaginative elements, such as Julie Andrews voicing a sea monster and a memorable scene featuring Pitbull’s cover of Toto’s “Africa” as Aquaman headed to the Sahara Desert. The sequel, “Aquaman and The Lost Kingdom,” showcases flashes of this creative brilliance, especially when the main adventure begins. However, the film starts on a weaker note, with a montage of Arthur Curry balancing fatherhood, his duties as Aquaman, and his role as the King of Atlantis. This introductory sequence seems disjointed, like a last-minute reshoot, filled with poorly incorporated jokes that don’t quite convince, such as Arthur’s line about his unique ability to talk to fish.
The first part of “Aquaman and The Lost Kingdom” focuses on Arthur’s dissatisfaction with his life, covering everything from the mundane aspects of parenting to tedious council meetings in Atlantis. Meanwhile, the villain Black Manta, portrayed by Yahya Abdul-Mateen II, returns with a magical trident that poses a global threat. To stop him, Arthur must join forces with his imprisoned brother Orm, played by Patrick Wilson, and embark on an adventure that takes them around the world. Directed by James Wan, known for “Furious 7,” the film eventually finds its rhythm with a blend of humor and action. The dynamic between Arthur and Orm is both amusing and touching, and Wilson’s portrayal of Orm contributes greatly to the film’s charm as he discovers the human world. The story turns into a combination of a road trip and a classic-style adventure, taking the audience to a variety of exotic locations.
Like its predecessor, the sequel excels in world-building and the introduction of fantastical elements. Fan favorites return, and new creatures and realms are added, creating an appealing mix of science fiction/fantasy that distinguishes Aquaman. The lost kingdom of Necrus, in particular, is visually stunning, combining special effects and practical sets to create a believable and richly detailed world. Although “Aquaman and The Lost Kingdom” tries to incorporate an environmental message, it doesn’t fully delve into this theme, being somewhat overshadowed by the plot and the mythology of Atlantis. The film is enjoyable, particularly during its adventurous segments, but it doesn’t reach the impact of the original. More than just a sequel, it marks the end of both Aquaman’s story and the DC Extended Universe, concluding without much connection to the broader universe. The film satisfactorily concludes Arthur’s story, and regardless of the future directions of DC’s cinematic universe, it leaves a legacy of two remarkably creative superhero movies, including an octopus spy that plays the drums.
Spanish review
La película original de “Aquaman”, con su mezcla única de seriedad y humor, resultó ser una grata sorpresa. Logró transformar al personaje de Aquaman en alguien tanto serio como divertido. A pesar de tener una trama bastante genérica, el film destacó por sus elementos imaginativos, como la voz de Julie Andrews para un monstruo marino y una escena memorable con la versión de Pitbull de “Africa” de Toto, sonando mientras Aquaman se dirigía al desierto del Sahara. La secuela, “Aquaman y El Reino Perdido”, tiene destellos de esta brillantez creativa, especialmente cuando la aventura principal comienza. Sin embargo, la película inicia de forma más débil, con un montaje de Arthur Curry equilibrando la paternidad, sus deberes como Aquaman y su rol como Rey de Atlantis. Esta secuencia introductoria parece desarticulada, como si fuera una regrabación de último minuto, llena de chistes mal incorporados que no terminan de convencer, como la línea de Arthur sobre su habilidad única para hablar con los peces.
La primera parte de “Aquaman y El Reino Perdido” se centra en la insatisfacción de Arthur con su vida, abarcando desde los aspectos mundanos de la paternidad hasta las tediosas reuniones del consejo en Atlantis. Mientras tanto, el villano Black Manta, interpretado por Yahya Abdul-Mateen II, regresa con un tridente mágico que representa una amenaza global. Para detenerlo, Arthur debe unirse a su hermano encarcelado Orm, interpretado por Patrick Wilson, y embarcarse en una aventura que los lleva por todo el mundo. Bajo la dirección de James Wan, conocido por “Furious 7”, la película encuentra finalmente su ritmo con una mezcla de humor y acción. La dinámica entre Arthur y Orm es tanto divertida como conmovedora, y la interpretación de Wilson como Orm aporta gran parte del encanto de la película mientras este descubre el mundo humano. La historia se convierte en una combinación de viaje por carretera y aventura al estilo clásico, llevando al público a una variedad de ubicaciones exóticas.
Al igual que su predecesora, la secuela destaca en la construcción de mundos y la introducción de elementos fantásticos. Regresan personajes favoritos y se añaden nuevas criaturas y reinos, creando una mezcla atractiva de ciencia ficción/fantasía que distingue a Aquaman. El reino perdido de Necrus, en particular, es visualmente impresionante, combinando efectos especiales y sets prácticos para crear un mundo creíble y ricamente detallado. Aunque “Aquaman y El Reino Perdido” intenta incorporar un mensaje ambiental, no profundiza completamente en este tema, quedando algo eclipsado por la trama y la mitología de Atlantis. La película es disfrutable, especialmente durante sus segmentos aventureros, pero no alcanza el impacto del original. Más que una simple secuela, marca el final tanto de la historia de Aquaman como del Universo Extendido de DC, concluyendo sin mucha conexión con el universo más amplio. La película concluye la historia de Arthur de manera satisfactoria, y sin importar las futuras direcciones del universo cinematográfico de DC, deja un legado de dos películas de superhéroes notablemente creativas, incluyendo hasta un pulpo espía que toca la batería.
Aquaman y el reino perdido – Trailer oficial
Movie information
// Warner Bros
// Director: James Wan
// Cast: Jason Momoa, Patrick Wilson, Amber Heard
SOBRE EL DIRECTOR
James Wan es un director, productor y guionista malayo, nacido el 26 de febrero de 1977, en Kuching, Malasia. Paso su infancia y adolescencia en Australia, en la localidad de Perth, donde estudió en Royal Melbourne Institute of Technology. Desde que era un niño, Wan soñaba con convertirse en director de cine.
Su primer trabajo semi profesional fue con el mediometraje de horror, Stygian (2000), el cual dirigió con Shannon Young, por el cual obtuvo el premio “Best Guerilla Film”, referencia a la producción de escasos recursos y operando en la sombras, en el Melbourne Underground Film Festival, en el año 2000. En 2003, Wan, junto a un compañero y amigo de la universidad, Leigh Whannell, escribió y empezó la producción de una historia que llevaba en la mente por varios años. Al terminar el guion del largometraje, Wan y Whannell decidieron filmar una pequeña secuencia del mismo y vender la idea a algún estudio. El corto fue dirigido por Wan y estelarizado por el propio Whannell y Charlie Clouser, quien hacia la música original del mismo. La secuencia llamó la atención de Lionsgate, quien accedió a producir la cinta, con un bajo presupuesto, lo suficiente para que Wan mostrara su talento. A la postre, esa pequeña idea se convertiría en una de las cintas de horror más exitosas de todos los tiempo: Saw (2004), la cual crearía una saga de ocho películas y presentaría el nacimiento de un icónico villano, Jigsaw. En una epoca donde el cine de horror se había vuelto un género repetitivo y sin inspiración, la cinta de Wan daba un respiro merecido al género y volvía a gozar de la popularidad entre el público.
Tras el éxito de la cinta, James dirigió, a continuación, la película Dead Silence (2007), el thriller Sentencia de muerte (2007) y otra cinta de horror, que daría paso a varias secuelas, La noche del demonio (2010) Wan volvería a sorprender a crítica y publico con su siguiente cinta, El Conjuro (2013), sobre las experiencias de los demonologos Warren. Poco después dirigiría la secuela de La noche del demonio: Capítulo 2 (2013) y sería seleccionado para continuar con la larga saga de cintas de acción, con Rápidos y furiosos 7 (2015). Volvería al horror, con la secuela El Conjuro 2 (2016) Wan es uno de los directores más solicitados en la actualidad, creador de terribles atmósferas, sutiles y efectivos movimientos de cámara y una narrativa poderosa, que lo ha hecho avanzar por méritos propios. Actualmente se encuentra por estrenar la cinta Aquaman (2018), sobre el cómic publicado por DC.
Score [...]
Wish: El poder de los deseos
SINOPSIS
Asha y una pequeña bola de energía ilimitada llamada Star demuestran que cuando la voluntad de un ser humano valiente se conecta con la magia de las estrellas, pueden suceder cosas maravillosas.
Movie Short Review
English review
In Disney’s movie “Wish,” set in the fictional kingdom of Rosas and ruled by the sorcerer Magnifico (voiced by Chris Pine), we are presented with a fascinating plot: the inhabitants of Rosas give up their greatest dream to Magnifico when they turn 18. This act, justified as an exchange for safety and peace, raises questions about authority and control. The film symbolizes a crucial moment for Disney in its centennial, with Magnifico representing traditional authority and empire, and Asha (Ariana DeBose), a 17-year-old girl who challenges the established order, symbolizing revolution and community. Since its founding in 1923, Disney has evolved from a small animation studio to a global conglomerate, known for its classic animation and enduring world-building, but also criticized for its conservative values and regressive norms. “Wish” reflects Disney’s dilemma about its future direction in a new century.
Directed by Chris Buck and Fawn Veerasunthorn, “Wish” attempts to combine the old and the new, but it doesn’t fully succeed in merging these elements. Despite its attractive blend of 2D and 3D animation and a strong soundtrack with contemporary and traditional elements, the film’s magic feels somewhat flat. Asha’s story begins as she plans to ask the king to fulfill her grandfather Sabino’s (Victor Garber) wish during a kingdom-wide ceremony. Her strategy to challenge Magnifico’s methods leads her to question why he hoards the wishes, triggering her radicalization and a mission to free Sabino’s wish with the help of a magical creature, Star, and her talking goat, Valentino (Alan Tudyk). The plot evolves into a mission to free the kingdom from Magnifico’s autocratic rule, symbolizing Disney’s potential transition.
Although “Wish” has promising elements, it concludes in a safe and lukewarm manner, failing to fully commit to its theme of rebellion. It reflects the current need for significant change in the established order, hinted at in the film’s powerful final number. Asha, a courageous biracial teenager, represents the potential future of both Rosas and the Disney brand. She is portrayed as a young woman who loves her people and holds radical ideas about their collective power. Chris Pine’s portrayal of Magnifico contrasts with Asha’s fearless spirit, though the film doesn’t fully explore Magnifico’s motivations, resulting in somewhat unconvincing character development. Despite its flaws, “Wish” contains a timely and winning formula, representing a significant moment for Disney as it navigates between its legacy and future direction.
Spanish review
En la película “Wish” de Disney, ambientada en el reino ficticio de Rosas y gobernado por el hechicero Magnifico (con la voz de Chris Pine), se nos presenta una trama fascinante: los habitantes de Rosas entregan su mayor sueño a Magnifico al cumplir 18 años. Este acto, justificado como un intercambio por seguridad y paz, plantea cuestionamientos sobre la autoridad y el control. La película simboliza un momento crucial para Disney en su centenario, con Magnifico representando la autoridad tradicional y Asha (Ariana DeBose), una joven de 17 años que desafía el orden establecido, simbolizando la revolución y la comunidad. Desde su fundación en 1923, Disney ha pasado de ser un pequeño estudio de animación a un conglomerado global, conocido por su animación clásica y la creación de mundos perdurables, pero también criticado por sus valores conservadores y normas regresivas. “Wish” refleja el dilema de Disney sobre su dirección futura en un nuevo siglo.
Dirigida por Chris Buck y Fawn Veerasunthorn, “Wish” intenta combinar lo antiguo y lo nuevo, pero no logra unir completamente estos elementos. A pesar de su atractiva mezcla de animación 2D y 3D y una banda sonora fuerte con elementos contemporáneos y tradicionales, la magia de la película parece algo plana. La historia de Asha comienza cuando planea pedir al rey que cumpla el deseo de su abuelo Sabino (Victor Garber) durante una ceremonia en todo el reino. Su estrategia para desafiar los métodos de Magnifico la lleva a cuestionar por qué este acumula los deseos, lo que desencadena su radicalización y una misión para liberar el deseo de Sabino con la ayuda de una criatura mágica, Star, y su cabra parlante, Valentino (Alan Tudyk). La trama se convierte en una misión para liberar el reino del gobierno autocrático de Magnifico, simbolizando la posible transición de Disney.
Aunque “Wish” tiene elementos prometedores, concluye de manera segura y tibia, sin comprometerse totalmente con su tema de rebeldía. Refleja la necesidad actual de un cambio significativo en el orden establecido, insinuado en el poderoso número final de la película. Asha, una valiente adolescente birracial, representa el futuro potencial tanto de Rosas como de la marca Disney. Se muestra como una joven que ama a su pueblo y tiene ideas radicales sobre su capacidad para ejercer poder colectivo. La interpretación de Chris Pine como Magnifico contrasta con el espíritu intrépido de Asha, aunque el filme no profundiza completamente en las motivaciones de Magnifico, resultando en un desarrollo de personaje algo poco convincente. A pesar de sus fallos, “Wish” contiene una fórmula oportuna y ganadora, representando un momento significativo para Disney mientras navega entre su legado y su dirección futura.
Wish: El poder de los deseos – Trailer oficial
Movie information
// Walt Disney Pictures
// Director: Chris Buck, Fawn Veerasunthorn
// Cast: Ariana DeBose, Alan Tudyk, Chris Pine, Evan Peters
SOBRE EL DIRECTOR
Chris Buck es un director, guionista y animador estadunidense con una larga trayectoria en Walt Disney Studios. Comenzó haciendo la animación de películas como El zorro y el sabueso (1981), Oliver y su pandilla (1988), La sirenita (1989), entre muchas otras. Empezó su carrera como guionista con Pocahontas (1995) y debutó como director en Tarzán (1999). Ha sido guionista y director de exitosas cintas animadas como Los reyes de las olas (2007), película que dirigió junto a Ash Brannon y con la que recibió su primera nominación en la categoría a Mejor pelicula animada en los premios Oscar. Regresó a los estudios Walt Disney para dirigir junto a Jennifer Lee una nueva película animada de princesas: Frozen: Una aventura congelada (2013). Esta cinta recibió muy buena crítica y fue galardonada con dos premios Oscar, incluyendo uno para Lee y Buck por mejor película animada. Volvió a trabajar con esos personajes y junto a Jennifer Lee en el cortometraje Frozen fiebre congelada (2015) y lo volverá a hacer en la esperada secuela Frozen 2 (2019).
Score [...]
Los juegos del hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes
SINOPSIS
Ambientada en un Panem postapocalíptico, nos hace retroceder varias décadas antes del comienzo de las aventuras de Katniss Everdeen. El joven Coriolanus Snow será el mentor de Lucy Gray Baird, la niña seleccionada como tributo del empobrecido Distrito 12. La joven sorprenderá a todos al cantar en la ceremonia de inauguración de los Décimos Juegos del Hambre en los que Snow intentará aprovecharse de su talento y encanto para sobrevivir.
Movie Short Review
English review
The prequel to the Panem saga, “The Hunger Games: A Ballad of Songbirds and Snakes,” both in its novelized version by Suzanne Collins and its film adaptation, delves into the backstory of the series’ villain, President Snow. Published in 2020, the novel and its faithful film adaptation face a common challenge: making Snow’s story as compelling as other key plot elements. Directed by Francis Lawrence, responsible for “Catching Fire” and both parts of “Mockingjay,” the film starts strong in a post-war dystopian setting known as ‘The Dark Days’. Set sixty-four years before Katniss, it follows the young Coriolanus Snow, played by Tom Blyth, and his family’s struggles. Coriolanus, known to friends and family as Coryo, sees a glimmer of hope when assigned to mentor a tribute in the Hunger Games, where he meets the itinerant singer Lucy Gray Baird, portrayed by Rachel Zegler. This raises the question: will Lucy Gray lead him to redemption, or is his path to villainy already set?
The film includes everything fans of the Panem saga might expect: state-enforced cruelty, complex romance, deep philosophical themes, Machiavellian politics, genetically modified creatures, and characters with whimsical names. Central themes of trust and betrayal are skillfully intertwined in the plot, creating tension and intrigue. The Hunger Games themselves are portrayed with grim intensity, using a range of primitive and advanced weapons that add brutality to the spectacle. Rachel Zegler shines as Lucy Gray, capturing the character’s survival instincts and her ability to perform under pressure. Her rendition of Lucy Gray’s songs is particularly noteworthy, demonstrating their impact on Snow and foreshadowing his future. Tom Blyth delivers a nuanced performance as Coriolanus, subtly hinting at Donald Sutherland’s portrayal in the original series, but it is Zegler who truly stands out.
However, towards the end, the film, like the novel, falters. Lucy Gray becomes a more distant character, and the plot, in its attempt to align with the original trilogy, loses focus on its main strength and fails to deliver a satisfying climax. Despite this, the film has its merits, including detailed production design and a strong supporting cast. Viola Davis brings energy to her role as Dr. Gaul, and Peter Dinklage, playing Casca Highbottom, adds depth to his character, though his screen time is limited. In the end, the film repeats the common pitfalls of prequels, focusing more on setting the stage for the original story than creating a compelling narrative in its own right. Knowing the endpoint of Snow’s journey, the film needed to offer more substance to truly captivate its audience.
Spanish review
La precuela de la saga de Panem, “Los juegos del hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes”, tanto en su versión novelada por Suzanne Collins como en su adaptación cinematográfica, se sumerge en la historia del villano de la serie, el Presidente Snow. Publicada en 2020, la novela y su fiel adaptación cinematográfica enfrentan un reto común: hacer que la historia de Snow sea tan atractiva como otros elementos clave de la trama. Dirigida por Francis Lawrence, responsable de “En llamas” y ambas partes de “Sinsajo”, la película comienza de manera sólida en un entorno distópico post-guerra conocido como ‘Los Días Oscuros’. Ambientada sesenta y cuatro años antes de Katniss, sigue al joven Coriolanus Snow, interpretado por Tom Blyth, y las dificultades de su familia. Coriolanus, conocido como Coryo, ve una esperanza al ser asignado para mentorizar a un tributo en los Juegos del Hambre, donde conoce a la cantante itinerante Lucy Gray Baird, interpretada por Rachel Zegler. Surge la pregunta: ¿Lucy Gray lo llevará a la redención o ya está marcado su camino hacia la maldad?
La película incluye todos los elementos que los seguidores de la saga de Panem podrían esperar: crueldad impuesta por el estado, romance complejo, temas filosóficos profundos, política maquiavélica, criaturas genéticamente modificadas y personajes con nombres extravagantes. Los temas centrales de confianza y traición se entrelazan hábilmente en la trama, creando tensión e intriga. Los propios Juegos del Hambre se muestran con una intensidad sombría, utilizando un abanico de armas primitivas y avanzadas que añaden brutalidad al espectáculo. Rachel Zegler brilla como Lucy Gray, capturando los instintos de supervivencia del personaje y su habilidad para actuar bajo presión. Su interpretación de las canciones de Lucy Gray es especialmente destacable, mostrando su influencia en Snow y presagiando su futuro. Tom Blyth ofrece una actuación matizada como Coriolanus, insinuando sutilmente la interpretación de Donald Sutherland en la serie original, pero es Zegler quien realmente sobresale.
Sin embargo, hacia el final, la película, al igual que la novela, flaquea. Lucy Gray se convierte en un personaje más distante y la trama, en su intento de alinearse con la trilogía original, pierde el foco en su principal fortaleza y no logra entregar un clímax satisfactorio. A pesar de esto, la película tiene sus méritos, incluyendo un diseño de producción detallado y un sólido elenco secundario. Viola Davis aporta energía a su papel como la Dra. Gaul y Peter Dinklage, interpretando a Casca Highbottom, añade profundidad a su personaje, aunque su tiempo en pantalla sea limitado. Al final, la película repite los errores comunes de las precuelas, centrándose más en preparar el escenario para la historia original que en crear una narrativa convincente por sí misma. Conociendo el desenlace del viaje de Snow, la película necesitaba ofrecer más sustancia para cautivar verdaderamente a su audiencia.
Los juegos del hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes – Trailer oficial
Movie information
// Lionsgate
// Director: Francis Lawrence
// Cast: Tom Blyth, Rachel Zegler, Josh Andrés Rivera, Hunter Schafer, Jason Schwartzman, Burn Gorman, Peter Dinklage, Viola Davis
SOBRE EL DIRECTOR
Francis Lawrence es un cineasta y productor estadounidense. Trabajó como segundo asistente de cámara en la película Pump Up the Volume (1990), dirigida por Allan Moyle antes de obtener su licenciatura en producción cinematográfica en la Loyola Marymount University Film School. También trabajó como primer asistente de dirección en la película Marching out of Time (1993) dirigida por Anton Vassil, y luego se unió al ex compañero Michael Jason Rosen en la codirección de videos musicales. Después de establecerse como director de videos musicales y comerciales, Lawrence hizo su debut como director de largometrajes con el thriller sobrenatural Constantine (2005) y desde entonces dirigió la película de terror post-apocalíptica Soy leyenda (2007), el drama romántico Agua para elefantes (2011), tres de las cuatro películas de la serie de películas de Los Juegos del Hambre, y el thriller de espías Operación Red Sparrow (2018). Francis Lawrence dirige See, una futura serie producida para Apple TV +, escrita por Steven Knight.
Score [...]
Plan en familia
SINOPSIS
Dan Morgan es muchas cosas: un marido devoto, un padre cariñoso, un reputado vendedor de coches. También es un exasesino. Y, cuando su pasado alcanza su presente, se ve obligado a embarcar a su ingenua familia en un viaje por carretera sin igual.
Movie Short Review
English review
“The Family Plan,” the new film on Apple TV+, revitalizes the familiar concept of family comedy with a slight twist. Typically, these movies feature rugged, muscular men like Vin Diesel, Dave Bautista, and Dwayne Johnson in unexpected childcare roles, highlighting the humor of a masculine figure in a domestic setting. However, “The Family Plan” deviates from this overused joke. Mark Wahlberg plays Dan, a former undercover government assassin turned car salesman who genuinely enjoys his domestic life in Buffalo, New York. Married for 18 years to Jessica, a physical therapist, Dan is a creature of habit, content with his routine life, averse to social media, and cherishing annual visits to the theme park where he and Jessica had their first date. Nevertheless, Dan’s ordinary existence conceals a secret past, and a casual internet photo exposes his former life, endangering him and his family.
Reluctant to reveal his past to his family, Dan embarks on a road trip to Las Vegas under the pretext of a family trip, aiming to meet with a former associate to obtain new identities. The journey, intended as an exciting element of the script, drags on without much humor or development, culminating in an anti-climactic revelation of Dan’s secret to his family. Director Simon Cellan Jones and screenwriter David Coggeshall fail to revitalize this predictable plot, resulting in an extended 119-minute movie that lacks humor and surprises. The film turns into a typical action movie in its third act, but the poorly executed fight scenes fail to save the story.
The cast of “The Family Plan,” including Zoe Colletti and Van Crosby as Dan’s stereotypical Generation Z children, and Michelle Monaghan in a forgettable role as his wife, struggle with the uninspiring material. Mark Wahlberg, both the lead actor and producer, delivers a bland performance as Dan. Unlike his roles in the “Daddy’s Home” series, Wahlberg fails to effectively portray the contrast between Dan’s past and present, reducing the character to a middle-aged, boring man who occasionally engages in combat. The film’s inability to balance its predictable, formulaic nature with an engaging narrative results in a movie that is neither exciting nor memorable, akin to the “first Dan” described in the film: reliable but unexciting.
Spanish review
“Plan en familia”, el nuevo filme de Apple TV+, revitaliza el concepto familiar de comedia con un ligero giro. Comúnmente, estas películas presentan a hombres rudos y musculosos, como Vin Diesel, Dave Bautista y Dwayne Johnson, en roles inesperados de cuidado infantil, destacando el humor de una figura masculina en un rol doméstico. Sin embargo, “El Plan Familiar” se aleja de este chiste trillado. Mark Wahlberg interpreta a Dan, un ex asesino encubierto del gobierno que se convierte en vendedor de autos y disfruta genuinamente de su vida doméstica en Buffalo, Nueva York. Casado durante 18 años con Jessica, una fisioterapeuta, Dan es un hombre de costumbres, satisfecho con su vida rutinaria, reacio a las redes sociales y apreciando las visitas anuales al parque temático donde él y Jessica tuvieron su primera cita. No obstante, la existencia ordinaria de Dan oculta un pasado secreto, y una foto casual en internet revela su antigua vida, poniendo en peligro a él y a su familia.
Dan, reacio a revelar su pasado a su familia, emprende un viaje por carretera a Las Vegas bajo el pretexto de un viaje familiar, con el objetivo de encontrarse con un antiguo asociado y obtener nuevas identidades. El viaje, que se pretendía como un elemento emocionante del guion, se prolonga sin mucho humor ni desarrollo, culminando en una revelación anticlimática del secreto de Dan a su familia. El director Simon Cellan Jones y el guionista David Coggeshall no logran revitalizar esta trama predecible, resultando en una película extendida de 119 minutos que carece de humor y sorpresas. La película se convierte en un típico filme de acción en su tercer acto, pero las mal ejecutadas escenas de lucha no logran rescatar la historia.
El elenco de “Plan en familia”, incluyendo a Zoe Colletti y Van Crosby como los estereotipados hijos de la Generación Z de Dan, y Michelle Monaghan en un papel olvidable como su esposa, luchan con el material poco inspirador. Mark Wahlberg, tanto actor principal como productor, ofrece una actuación insípida como Dan. A diferencia de sus roles en la serie “Guerra de Papás”, Wahlberg no logra retratar efectivamente el contraste entre el pasado y el presente de Dan, reduciendo al personaje a un hombre de mediana edad y aburrido que ocasionalmente participa en combates. La incapacidad de la película para equilibrar su naturaleza predecible y fórmula con una narrativa atractiva resulta en un filme que no es ni emocionante ni memorable, similar al “primer Dan” descrito en la película: confiable pero poco estimulante.
Plan en familia – Trailer oficial
Movie information
// Apple TV+
// Director: Simon Cellan Jones
// Cast: Mark Wahlberg, Michelle Monaghan, Ciarán Hinds
Score [...]
Godzilla Minus One
SINOPSIS
Japón, desolado tras el fin de la segunda guerra mundial, entra en crisis tras la aparencia de un monstruo atómico.
Movie Short Review
English review
Takashi Yamazaki’s latest release, “Godzilla Minus One,” premieres just before the 70th anniversary of the iconic 1954 film “Gojira,” directed by Ishiro Honda, marking a significant milestone in the Godzilla franchise. In Honda’s original version, Godzilla appears as a gigantic amphibious creature, symbolizing the aftermath of nuclear war and reflecting the destruction caused by weapons of mass destruction. This portrayal set a somber tone, emphasizing the endless cycle of devastation in times of war. Contrarily, the 1995 film “Godzilla vs. Destoroyah” introduced a new monster, born from the remnants of the Oxygen Destroyer, a weapon created to defeat Godzilla. Over the years, Godzilla’s role has evolved. During the Showa era in the 60s and 70s, he went from being a fearsome villain to becoming Japan’s defender, fighting off extraterrestrial threats and becoming a symbol of national pride, embodying the country’s prolonged resentments from the war.
In “Godzilla Minus One,” Yamazaki reimagines Godzilla as a representation of historical revisionism. Unlike the grotesque portrayal in 2016’s “Shin Godzilla,” this version depicts Godzilla with a more human-like appearance, featuring expressive eyes and strong, muscular shoulders, highlighting a more action-oriented approach. The film’s visual effects are impressive, capturing every detail of Godzilla’s destructive power with incredible clarity. The plot follows Shikishima, a kamikaze pilot struggling with survivor’s guilt, and his journey alongside engineer Tachibana and an orphan they adopt. Here, Godzilla symbolizes not nuclear horror, but the enduring trauma of war. The film moves away from the original’s pessimistic view, offering a more optimistic perspective on breaking the cycle of wartime destruction.
“Godzilla Minus One” explores themes of pacifism and survival. The film’s scientist, Kenji, devises a non-violent strategy to defeat Godzilla, emphasizing the importance of preserving life over destruction. This shift in focus represents a departure from traditional Godzilla narratives, which centered on horror and monster battles. The film also reflects on human resilience, with Shikishima questioning his past decisions and the impact of his survival. While the movie may not offer deeply new insights, it stands out in the Godzilla series for highlighting the human spirit and determination. Despite some deviations from classic Godzilla elements, the film retains iconic scenes and music, satisfying long-time fans while exploring new thematic ground. However, this Godzilla lacks the horror element of earlier versions, resembling more an antagonist in an action movie than a traditional monster, presenting a unique perspective on the Godzilla legacy.
Spanish review
La última entrega de Takashi Yamazaki, “Godzilla Minus One”, se estrena justo antes del 70 aniversario del icónico filme “Gojira” de 1954, dirigido por Ishiro Honda, marcando así un hito importante en la franquicia de Godzilla. En la versión original de Honda, Godzilla aparece como una criatura anfibia gigante, simbolizando las secuelas de la guerra nuclear y reflejando la destrucción causada por armas de destrucción masiva. Esta representación estableció un tono sombrío, enfatizando el ciclo interminable de devastación en tiempos de guerra. Contrariamente, la película de 1995 “Godzilla vs. Destoroyah” introdujo un nuevo monstruo, surgido de los restos del Destructor de Oxígeno, arma creada para vencer a Godzilla. A lo largo de los años, el papel de Godzilla ha evolucionado. Durante la era Showa en los años 60 y 70, pasó de ser un villano temible a convertirse en el defensor de Japón, luchando contra amenazas extraterrestres y convirtiéndose en un símbolo del orgullo nacional, encarnando los resentimientos prolongados del país a causa de la guerra.
En “Godzilla Minus One”, Yamazaki reinventa a Godzilla como una representación de la revisión histórica. A diferencia de la representación grotesca en “Shin Godzilla” de 2016, esta versión muestra a Godzilla con una apariencia más humana, con ojos expresivos y hombros musculosos y poderosos, destacando un enfoque más orientado a la acción. Los efectos visuales de la película son impresionantes, capturando cada detalle del poder destructivo de Godzilla con una claridad increíble. La trama sigue a Shikishima, un piloto kamikaze que lucha con la culpa del superviviente, y su viaje junto al ingeniero Tachibana y un huérfano que adoptan. Aquí, Godzilla simboliza no el horror nuclear, sino el trauma duradero de la guerra. La película se aleja de la visión pesimista del original, ofreciendo una perspectiva más optimista sobre la ruptura del ciclo de destrucción en tiempos de guerra.
“Godzilla Minus One” explora temas de pacifismo y supervivencia. El científico de la película, Kenji, ideó una estrategia no violenta para derrotar a Godzilla, resaltando la importancia de preservar la vida sobre la destrucción. Este cambio de enfoque representa una desviación de las narrativas tradicionales de Godzilla, centradas en el horror y las batallas de monstruos. La película también reflexiona sobre la resiliencia humana, con Shikishima cuestionando sus decisiones pasadas y el impacto de su supervivencia. Aunque la película no ofrece percepciones profundamente nuevas, destaca en la serie de Godzilla por resaltar el espíritu y la determinación humanos. A pesar de algunas desviaciones de los elementos clásicos de Godzilla, la película conserva escenas y música icónicas, satisfaciendo a los fans de largo plazo mientras explora nuevos terrenos temáticos. Sin embargo, este Godzilla carece del elemento de horror de las versiones anteriores, pareciéndose más a un antagonista de película de acción que a un monstruo tradicional, presentando una perspectiva única sobre el legado de Godzilla.
Godzilla Minus One – Trailer oficial
Movie information
// Toho
// Director: Takashi Yamazaki
// Cast: Ryunosuke Kamiki, Minami Hamabe, Yuki Yamada, Munetaka Aoki, Hidetaka Yoshioka, Sakura Ando, Kuranosuke Sasaki
SOBRE EL DIRECTOR
Takashi Yamazaki se interesó por los efectos especiales desde su adolescencia, por lo que viajó a Tokio a con el propósito de estudiar y convertirse en un técnico de efectos especiales en la escuela de arte Asagaya. Con 19 años, mientras cursaba su segundo año de carrera, trabajó a media jornada en una productora comercial. En 1986, ya graduado, Yamazaki entró a formar parte de la corporación Shirogumi, donde, dentro del departamento de efectos visuales y composición digital. Actualmente es miembro del estudio de animación y efectos especiales Shirogumi. Yamazaki hizo su debut como director con Juvenile (2000). Ganó el premio a mejor director y mejor guion en los premios de la academia Japonesa en 2006 por Always Sanchōme no Yūhi (2005). En 2023 presenta Godzilla Minus One, la película número 37 de la franquicia Godzilla, en la que el Japón de la posguerra lidia con el surgimiento de Godzilla.
Score [...]
Wonka
SINOPSIS
Basada en el personaje que protagoniza ‘Charlie y la fábrica de chocolate’, el libro infantil más emblemático de Roald Dahl y uno de los más vendidos de todos los tiempos, ‘Wonka’ cuenta la historia de cómo el mayor inventor, mago y chocolatero del mundo se convirtió en el querido Willy Wonka que conocemos hoy en día, centrándose en su juventud y en cómo conoció a un Oompa-Loompa en una de sus primeras aventuras.
Movie Short Review
English review
Paul King, known for his innovative low-budget debut with “Bunny and the Bull” (2009) and his successful work on the “Paddington” films, has nearly perfected his craft with “Wonka.” Despite some flaws, this big-budget musical fantasy set in the Roald Dahl universe and starring Timothée Chalamet, is essentially a ‘Paul King creation’. The film tells the journey of a young and creative Wonka, portrayed by Chalamet, who dreams of sharing his innovative chocolate creations with the world. His arrival in the global candy capital brings challenges, including conflicts with the chocolate cartel boss, Slugworth, and being forced into labor. However, Wonka’s steadfast vision and his friendships with outcasts, like the orphan Noodle, keep his dream alive.
King, along with co-writer Simon Farnaby, skillfully weaves social commentary into this fantastical story, creating a Dickens-meets-Poppins world. The film smartly contrasts themes such as greed versus need and corporate versus personal, showcasing King’s ability to transition from high-quality British TV comedy to film, supported by a talented cast including alumni from “Peep Show” and “Ghosts”. Chalamet brings a unique interpretation to Wonka, avoiding mimicking previous portrayals by Gene Wilder or Johnny Depp. His Wonka is a blend of innocence and cunning, warmly connecting with the character of Noodle, played by Calah Lane. Hugh Grant, following his role in “Paddington 2,” also makes a notable appearance as a grumpy Oompa Loompa, adding charm to the movie.
The film’s visual style is vibrant and imaginative, mixing elements like different types of film, 2D animation, and a Wizarding World-esque atmosphere, all contributing to its unique and handcrafted personality. Surreal scenes, including Wonka, Noodle, a giraffe, and a song, enhance the film’s appeal. The music, composed by Joby Talbot with songs by Neil ‘Divine Comedy’ Hannon, transforms key moments into musical highlights. Although the film sometimes struggles with pacing and an overload of British stars, King’s focus on the main characters and themes of companionship and compassion, akin to “Paddington,” brings warmth and anti-cynical uplift to the story, making “Wonka” a delightful treat for those seeking joy in their cold December.
Spanish review
Paul King, quien se destacó por su innovador debut de bajo presupuesto con “Bunny and the Bull” (2009) y su exitoso trabajo en las películas de “Paddington”, casi ha perfeccionado su arte con “Wonka”. A pesar de algunos defectos, esta fantasía musical de gran presupuesto ambientada en el universo de Roald Dahl y protagonizada por Timothée Chalamet, es esencialmente una ‘creación de Paul King’. La película relata el viaje de un joven y creativo Wonka, interpretado por Chalamet, que sueña con compartir sus innovadoras creaciones de chocolate con el mundo. Su llegada a la capital mundial del dulce trae desafíos, incluyendo conflictos con el jefe del cartel del chocolate, Slugworth, y el verse obligado a trabajar. Sin embargo, la firme visión de Wonka y su amistad con marginados, como la huérfana Noodle, mantienen su sueño vivo.
King, junto con el coguionista Simon Farnaby, entrelaza hábilmente el comentario social en esta historia fantástica, creando un mundo al estilo Dickens se encuentra con Poppins. La película contrasta inteligentemente temas como la avaricia frente a la necesidad y lo corporativo frente a lo personal, mostrando la habilidad de King para pasar de la comedia británica de televisión de alta calidad al cine, con el apoyo de un elenco talentoso que incluye exalumnos de “Peep Show” y “Ghosts”. Chalamet aporta una interpretación única a Wonka, evitando imitar representaciones anteriores de Gene Wilder o Johnny Depp. Su Wonka mezcla inocencia y astucia, conectando cálidamente con el personaje de Noodle, interpretado por Calah Lane. Hugh Grant, tras su papel en “Paddington 2”, también realiza una notable aparición como un malhumorado Oompa Loompa, sumando encanto a la película.
El estilo visual de la película es vibrante e imaginativo, mezclando elementos como diferentes tipos de película, animación 2D y un ambiente al estilo del Mundo Mágico, contribuyendo todos a su personalidad única y artesanal. Escenas surrealistas, incluyendo a Wonka, Noodle, una jirafa y una canción, aumentan el atractivo del film. La música, compuesta por Joby Talbot con canciones de Neil ‘Divine Comedy’ Hannon, convierte momentos clave en destacados musicales. Aunque la película a veces lucha con el ritmo y una sobrecarga de estrellas británicas, el enfoque de King en los personajes principales y en temas de compañerismo y compasión, similares a “Paddington”, aporta calidez y un levantamiento anti-cínico a la historia, haciendo de “Wonka” un deleite encantador para aquellos que buscan alegría en su frío diciembre.
Wonka – Trailer oficial
Movie information
// Warner Bros
// Director: Paul King
// Cast: Timothée Chalamet, Keegan-Michael Key, Sally Hawkins, Rowan Atkinson, Olivia Colman, Jim Carter
SOBRE EL DIRECTOR
Paul King se graduó en el St Catharine’s College de Cambridge con honores de primera clase en inglés en 1999. Mientras estaba en Cambridge conoció a Richard Ayoade, Matthew Holness y Alice Lowe, y pasó a dirigirlos en el Festival de Edimburgo en Garth Marenghi’s FrightKnight (nominada al Premio Perrier en 2000) y Netherhead (ganadora del Premio Perrier en 2001). También fue el director de la serie The Mighty Boosh de la BBC: dirigió las tres temporadas (ganando una nominación al BAFTA como Mejor Director Revelación en 2005), así como sus giras en vivo en 2006 y 2008. Encontró reconocimiento internacional por su trabajo en las películas de comedia familiar Paddington (2014) y su secuela de 2017, que le valieron nominaciones al BAFTA a Mejor Película Británica y Mejor Guion Adaptado. King dirige Wonka (2023) una película sobre los orígenes de Willy Wonka protagonizada por Timothée Chalamet.
Score [...]
Napoleón
SINOPSIS
Narra los orígenes del líder militar francés y su rápido e imparable ascenso de oficial del ejército a emperador de Francia. La historia se ve a través de la lente de la relación adictiva y volátil de Napoleón Bonaparte con su esposa y único amor verdadero, Josefina.
Movie Short Review
English review
Ridley Scott’s latest historical epic, “Napoleon,” features a four-hour director’s cut, but the 157-minute theatrical version feels incomplete and summarized. The film attempts to narrate the life of the legendary Napoleon Bonaparte, but it only manages to skim the surface of his complex personality. Portrayed by Joaquin Phoenix, Napoleon is presented as an enigmatic and somewhat childish figure. Although the portrayal leans towards humor, capturing Napoleon’s impulsiveness and immaturity, it fails to delve deeply into his motivations or how he achieved his immense power. David Scarpa’s script adds intentional comedy to the character, but Napoleon remains elusive, giving the impression that his rise to greatness was more accidental than deliberate.
The film begins amidst the turmoil of the French Revolution, showing a young Captain Napoleon witnessing the execution of Marie Antoinette. This period is marked by violence and fear, underscored by the omnipresent guillotine. The narrative quickly follows Napoleon’s rapid ascension from captain to general and eventually to emperor, but in a hurried manner that leaves out many details and explanations. The pace of the film is relentless, covering significant historical events and periods of time at such a speed that it’s difficult to fully comprehend the impact of Napoleon’s path to power. Despite the rapid pace, the film fails to convey a complete understanding of how his rise to power actually occurred, leaving the audience with more questions than answers.
Among the battles and military campaigns, skillfully orchestrated by Scott, lies the compelling story of Napoleon’s relationship with Joséphine, portrayed by Vanessa Kirby. Kirby’s portrayal of Joséphine is more nuanced and less constrained, providing a contrast to Phoenix’s Napoleon. Their turbulent romantic relationship, highlighted by a dramatic episode where Napoleon abandons his troops to confront Joséphine about her affair, is a focal point of the film. This part of the story, where Joséphine oscillates between remorse and assertiveness, represents a fascinating dynamic in their relationship. However, the film only briefly touches on this aspect, leaving the viewer yearning for a deeper exploration of their complex bond.
Spanish review
La última epopeya histórica de Ridley Scott, “Napoleón”, cuenta con una versión del director de cuatro horas, pero la versión teatral, de 157 minutos, se siente incompleta y resumida. La película intenta relatar la vida del legendario Napoleón Bonaparte, pero apenas logra rozar la superficie de su compleja personalidad. Interpretado por Joaquin Phoenix, Napoleón se muestra como una figura enigmática y algo infantil. Aunque la representación tiende al humor, capturando la impulsividad e inmadurez de Napoleón, no profundiza en los motivos que lo impulsan o en cómo logró su inmenso poder. El guion de David Scarpa añade comedia intencional al personaje, pero Napoleón sigue siendo una figura esquiva, dando la impresión de que su ascenso a la grandeza fue más accidental que deliberado.
La película comienza en medio de la agitación de la Revolución Francesa, mostrando a un joven capitán Napoleón presenciando la ejecución de María Antonieta. Este período está marcado por la violencia y el miedo, subrayado por la omnipresente guillotina. La narrativa sigue rápidamente el ascenso de Napoleón de capitán a general y finalmente a emperador, pero de una manera apresurada que omite muchos detalles y explicaciones. El ritmo del filme es implacable, cubriendo eventos históricos significativos y períodos de tiempo a tal velocidad que es difícil comprender completamente el impacto del camino al poder de Napoleón. A pesar del ritmo rápido, la película no logra transmitir una comprensión completa de cómo realmente sucedió su ascenso al poder, dejando al público con más preguntas que respuestas.
Entre las batallas y campañas militares, hábilmente orquestadas por Scott, se encuentra la historia convincente de la relación de Napoleón con Joséphine, interpretada por Vanessa Kirby. La interpretación de Kirby de Joséphine es más matizada y menos restringida, proporcionando un contraste con el Napoleón de Phoenix. Su turbulenta relación amorosa, destacada por un episodio dramático en el que Napoleón abandona a sus tropas para confrontar a Joséphine sobre su aventura, es un punto focal de la película. Esta parte de la historia, donde Joséphine oscila entre el arrepentimiento y la asertividad, representa una dinámica fascinante en su relación. Sin embargo, la película solo toca brevemente este aspecto, dejando al espectador con el deseo de una exploración más profunda de su complejo vínculo.
Napoleón – Trailer oficial
Movie information
// Columbia Pictures, Apple TV+
// Director: Ridley Scott
// Cast: Joaquin Phoenix, Vanessa Kirby, Tahar Rahim, Rupert Everett
SOBRE EL DIRECTOR
Tras una temporada en la BBC, Ridley Scott formó la compañía de producción de publicidad RSA (Ridley Scott Associates) en 1967 con su hermano menor Tony Scott, y pasó los siguientes 10 años haciendo algunos de los anuncios de televisión más conocidos y queridos que se hayan visto en la televisión británica. Su debut como cineasta fue con Los duelistas (1977), con la que ganó el Premio del Jurado a la Mejor Primera Obra en Cannes en 1977. Scott se interesó en hacer ciencia ficción y aceptó la oferta de dirigir la película de terror de bajo presupuesto de ciencia ficción de Alien, el octavo pasajero (1979), un éxito crítico y comercial que estableció firmemente su reputación mundial como director de cine. Desde entonces, ha sido nominado a tres Premios de la Academia por Dirección por Thelma & Louise (1991), Gladiador(2000) y La caída del halcón negro (2001), así como por co-producir Misión Rescate (2015), que también dirigió.
Score [...]
Los asesinos de la luna
SINOPSIS
Ambientada en la Oklahoma de la década de 1920, narra los asesinatos en serie de los miembros de la nación indígena Osage, que era muy rica en petróleo; una serie de crímenes brutales que más tarde se conocería como el “Reinado del Terror”.
Movie Short Review
English review
Martin Scorsese’s film, “Killers of the Flower Moon,” is often seen as the Western he always wanted to create. However, this American epic, which investigates the genocidal conspiracy against the Osage Nation in the 1920s, truly stands out when it explores other genres during its extensive duration. Initially, it presents itself as a gangster drama, reminiscent of Scorsese’s previous works like “The Irishman,” with brutal killings, bitter narratives, and a critical view of the corrupt nature of American capitalism. Although “Gimme Shelter” is missing from the soundtrack, Robbie Robertson’s anachronistic music complements and deepens the narrative. The film’s backdrop, known as the “Reign of Terror” following the discovery of oil in Oklahoma, offers a vast and complex setting for Scorsese’s intimate crime saga. Based on the book by David Grann, the movie focuses on the sociopath behind the Osage murders and the cowboy sent to stop him, reflecting tectonic changes in American history.
The film’s antagonist, William Hale, sees the Osage as mere custodians of wealth that, in his view, rightfully belongs to white Americans. This belief underscores the film’s exploration of murder committed under the guise of white progress. Eric Roth’s screenplay, diverging from Grann’s expansive conspiracy thriller, quickly identifies the murderers, focusing instead on their intricate relationship. The adaptation minimizes the role of Tom White, the law enforcement figure, to avoid overshadowing the suffering of the Osage community. Despite powerful performances by Native American actors, their portrayal of the horror faced by their community is overshadowed by a prevailing silence. However, Roth’s adaptation excels in developing multifaceted characters behind the massacre, creating a captivating character study and a twisted love story about an Osage woman who unknowingly marries one of her family’s murderers.
Leonardo DiCaprio delivers a remarkable performance as Ernest Burkhart, a key figure in the massacre. The film begins with Ernest’s return to Fairfax, Oklahoma, after World War I, highlighting the change in power dynamics due to the Osage’s newfound wealth. The narrative explores the various ways in which white people try to exploit this wealth, including through marriage. Ernest, portrayed as an attractive but simple-minded man, is manipulated by his uncle, William Hale, into marrying an Osage woman, Mollie Kyle. Mollie, played by Lily Gladstone, is a sharp and resilient character, although her presence in the film is limited. The relationship between Ernest and Mollie, initially genuine, becomes complex as the story unfolds, revealing the dark reality behind their union. Towards the end, the film narrows its focus, leaving some characters and themes underexplored, but still manages to convey a powerful message about exploitation, both personal and historical, in America.
Spanish review
La película de Martin Scorsese, “Killers of the Flower Moon”, a menudo es vista como el western que él siempre quiso crear. Sin embargo, esta épica americana, que investiga la conspiración genocida contra la Nación Osage en la década de 1920, realmente destaca cuando explora otros géneros durante su extensa duración. Inicialmente, se presenta como un drama de gánsteres, recordando obras anteriores de Scorsese como “The Irishman”, con asesinatos brutales, narraciones amargas y una visión crítica de la naturaleza corrupta del capitalismo americano. Aunque falta “Gimme Shelter” en la banda sonora, la música anacrónica de Robbie Robertson complementa y profundiza la narrativa. El telón de fondo de la película, conocido como el “Reinado del Terror” tras el descubrimiento de petróleo en Oklahoma, ofrece un amplio y complejo escenario para la íntima saga criminal de Scorsese. Basada en el libro de David Grann, la película se centra en el sociópata detrás de los asesinatos de los Osage y en el vaquero enviado para detenerlo, reflejando cambios tectónicos en la historia americana.
El antagonista del film, William Hale, ve a los Osage como meros custodios de una riqueza que, según él, pertenece legítimamente a los americanos blancos. Esta creencia subraya la exploración de la película sobre el asesinato cometido bajo la fachada del progreso blanco. El guion de Eric Roth, que se desvía del thriller de conspiración expansivo de Grann, identifica rápidamente a los asesinos, centrándose en cambio en su intrincada relación. La adaptación minimiza el papel de Tom White, el agente de la ley, para evitar eclipsar el sufrimiento de la comunidad Osage. A pesar de las poderosas actuaciones de actores nativos americanos, su representación del horror que enfrenta su comunidad queda opacada por un silencio predominante. Sin embargo, la adaptación de Roth brilla en el desarrollo de personajes multifacéticos detrás de la masacre, creando un estudio de personajes cautivador y una historia de amor retorcida sobre una mujer Osage que se casa sin saberlo con uno de los asesinos de su familia.
Leonardo DiCaprio ofrece una actuación notable como Ernest Burkhart, una figura clave en la masacre. La película comienza con el regreso de Ernest a Fairfax, Oklahoma, después de la Primera Guerra Mundial, destacando el cambio en la dinámica de poder debido a la recién adquirida riqueza de los Osage. La narrativa explora las distintas formas en que los blancos intentan explotar esta riqueza, incluyendo el matrimonio. Ernest, retratado como un hombre atractivo pero de mente simple, es manipulado por su tío, William Hale, para casarse con una mujer Osage, Mollie Kyle. Mollie, interpretada por Lily Gladstone, es un personaje agudo y resiliente, aunque su presencia en la película es limitada. La relación entre Ernest y Mollie, inicialmente genuina, se vuelve compleja a medida que se desarrolla la historia, revelando la oscura realidad detrás de su unión. Hacia el final, la película estrecha su enfoque, dejando algunos personajes y temas poco explorados, pero aún así logra transmitir un poderoso mensaje sobre la explotación, tanto personal como histórica, en América.
Los asesinos de la luna – Trailer oficial
Movie information
// Paramount Pictures, Apple TV+
// Director: Martin Scorsese
// Cast: Leonardo DiCaprio, Robert De Niro, Jesse Plemons, Brendan Fraser, Lily Gladstone, Tantoo Cardinal
SOBRE EL DIRECTOR
Martin Scorsese comienza a sentir una devoción especial por el cine siendo un adolescente y, aunque al principio se muestra interesado por la pintura, finalmente se gradúa en la Escuela de Cine en 1964. Allí filma sus primeros cortometrajes, aunque no es hasta 1967 cuando dirige su primer largometraje ‘¿Quién llama a mi puerta?’, protagonizado por Harvey Keitel. Unos años más tarde conoce al famoso productor Roger Corman, quien le ofrece financiar el que se convertiría en su segundo largometraje, ‘El tren de Bertha’. En 1973 trabaja por primera vez con el actor Robert de Niro, con quien realizaría multitud de trabajos a lo largo de su carrera, en ‘Malas calles’. A partir de entonces se convierte en uno de los directores más prometedores de su generación y comienza a desarrollar filmes más comerciales como ‘Alicia ya no vive aquí’ o ‘Taxi Driver’, que pasaría a la historia como una de las mejores películas de su carrera. Tras un periodo de decadencia a causa de su adicción a las drogas. En 1980 dirige una de sus obras maestras, ‘Toro salvaje (Raging Bull)’, por la que recibe su primera nominación al premio Oscar y a la que seguirían otros conocidos filmes que le consagrarían como uno de los mejores directores de todos los tiempos. Ejemplo de ello son títulos como ‘El rey de la comedia’ (1985) o ‘El color del dinero’ (1986),’La última tentación de Cristo’ (1988), ‘Uno de los nuestros’ (1990), ‘El cabo de miedo’ (1991), ‘Casino, de Scorsese’ (1995), ‘Gangs of New York’ (2002), ‘El aviador’ (2004) o ‘Infiltrados (The Departed)’, (2006), por la que recibiría su primer Oscar a Mejor Director.
Score [...]
Midway
SINOPSIS
Año 1942, Segunda Guerra Mundial. Después del devastador ataque sorpresa que destruyó Pearl Harbor, la Armada Imperial Japonesa se prepara para un nuevo ataque. Pero el Almirante Nimitz (Woody Harrelson) y Dick Best (Ed Skrein), el mejor piloto de la armada estadounidense, preparan un contraataque al imponente ejército japonés. Así, Best encabezará un ataque masivo que hará que Japón se dé cuenta de su error. Una decisión que cambió el curso de la historia para siempre. Mientras estos dos titánicos enemigos emprenden una letal batalla para cambiar el rumbo de la guerra, todas las miradas se vuelcan hacia la remota isla de Midway, donde una serie de contundentes ataques aéreos y marítimos pondrán a prueba la potencia y la fortaleza de ambas naciones.
MOVIE SHORT REVIEW
ENGLISH REVIEW
Roland Emmerich’s “Midway” is not the first film to portray the pivotal battle in the Pacific Theater during World War II. An earlier version, starring Charlton Heston and Henry Fonda, was released in 1976 with the same name. Interestingly, the previous film was presented by Universal Pictures with their unique Sensurround sound system, akin to 3-D for the ears. The system involved placing speakers under the seats in selected cinemas to simulate the sensation of experiencing earthquake scenes, like in 1974’s “Earthquake”. Heston’s “Midway” was the second film to utilize this technology, creating an immersive audience experience. However, it proved to be too immersive, causing damage to the theater infrastructure and unintended vibrations.
Compared to modern 4DX cinemas that vigorously shake your seat, Sensurround might seem outdated. Nevertheless, it is worth mentioning because the sound mix is the highlight of the new “Midway”. I found myself missing the sensation of Universal’s under-seat speakers. The film used sound effectively to create a tangible sense of excitement, from the rumble of airplane engines to the resonant blast of explosions. Emmerich, known for films like “Independence Day” and “2012”, often uses loud sound effects in his movies. His excessive use of CGI in “Midway” is problematic, often making the movie feel more like a video game. The lack of gore in the film due to its PG-13 rating further enhances this artificial feel.
The sanitized violence in the movie would be less noticeable if its characters were engaging. The cast includes both veteran actors and newcomers, but the characters they portray lack depth, making it hard for viewers to feel a genuine emotional connection. Despite the clichéd wartime performances, Emmerich’s attempt at the emotional distance seen in Christopher Nolan’s superior “Dunkirk” falls flat due to his inherent sentimentality. The director aims high with action sequences, including a recreation of the attack on Pearl Harbor. While these spectacles are impressive, they lack the historical inclusivity seen in similar films, like Michael Bay’s portrayal of Pearl Harbor, which recognized the contributions of African-American soldiers. Regrettably, Emmerich’s film omits this aspect of World War II history.
SPANISH REVIEW
“Midway” de Roland Emmerich no es la primera película que retrata la batalla decisiva en el Teatro del Pacífico durante la Segunda Guerra Mundial. Una versión anterior, protagonizada por Charlton Heston y Henry Fonda, se lanzó en 1976 con el mismo nombre. De manera interesante, la película anterior fue presentada por Universal Pictures con su exclusivo sistema de sonido, Sensurround, comparable a un 3-D para los oídos. El sistema consistía en colocar altavoces debajo de los asientos en ciertos cines para simular la sensación de experimentar escenas de terremotos, como en “Earthquake” de 1974. “Midway” de Heston fue la segunda película en emplear esta tecnología, creando una experiencia de audiencia inmersiva. Sin embargo, resultó ser demasiado inmersiva, causando daños en la infraestructura del teatro y vibraciones no intencionadas.
En comparación con los modernos cines 4DX que sacuden vigorosamente tu asiento, Sensurround puede parecer anticuado. Sin embargo, vale la pena mencionarlo porque la mezcla de sonido es lo más destacado de la nueva “Midway”. Me encontré extrañando la sensación de los altavoces bajo el asiento de Universal. La película usó el sonido de manera efectiva para crear una palpable sensación de emoción, desde el estruendo de los motores de los aviones hasta la explosión resonante de las explosiones. Emmerich, conocido por películas como “Independence Day” y “2012”, a menudo usa efectos de sonido fuertes en sus películas. Su uso excesivo de CGI en “Midway” es problemático, a menudo haciendo que la película se sienta más como un videojuego. La falta de gore en la película debido a su clasificación PG-13 aumenta aún más esta sensación artificial.
La violencia aséptica de la película sería menos notable si sus personajes fueran atractivos. El elenco incluye tanto a actores veteranos como a recién llegados, pero los personajes que interpretan carecen de profundidad, lo que dificulta que los espectadores sientan una conexión emocional genuina. A pesar de las actuaciones cliché de tiempos de guerra, el intento de Emmerich de conseguir la distancia emocional vista en el superior “Dunkirk” de Christopher Nolan se desploma debido a su inherente sentimentalidad. El director apunta alto con secuencias de acción, incluyendo una recreación del ataque a Pearl Harbor. Si bien estos momentos de espectáculo son impresionantes, carecen de la inclusividad histórica vista en películas similares como la representación de Pearl Harbor de Michael Bay, que reconocía las contribuciones de los soldados afroamericanos. Lamentablemente, la película de Emmerich omite este aspecto de la historia de la Segunda Guerra Mundial.
Midway – Official Trailer
MORE INFORMATION
// Lionsgate
// Director: Roland Emmerich
// Cast: Ed Skrein, Woody Harrelson, Patrick Wilson, Luke Evans, Dennis Quaid, Aaron Eckhart, Nick Jonas, Mandy Moore, Darren Criss, Luke Kleintank, Alexander Ludwig, Mark Rolston, James Carpinello, Tadanobu Asano, Jake Manley, Ellen Dubin, Keean Johnson, Kevan Ohtsji, Brandon Sklenar, Russell Dennis Lewis, Tyler Elliot Burke, Nobuya Shimamoto, Garret Sato, Robert Crooks, Johan Strombergsson-Denora, Alexandre Dubois, Michael Daniel Murphy, Jason Smiley, Dean Schaller, Adam Rogers, Svitlana Campbell, James Hicks
Score
4.5 [...]
Spider-Man: Into the Spider-Verse
SINOPSIS
En un universo paralelo donde Peter Parker ha muerto, un joven de secundaria llamado Miles Morales es el nuevo Spider-Man. Sin embargo, cuando el líder mafioso Wilson Fisk (a.k.a Kingpin) construye el “Super Colisionador” trae a una versión alternativa de Peter Parker que tratará de enseñarle a Miles como ser un mejor Spider-Man. Pero no será el único Spider Man en entrar a este universo, 4 versiones alternas de Spidey aparecerán y buscarán regresar a su universo antes de que toda la realidad colapse.
MOVIE SHORT REVIEW
ENGLISH REVIEW
“Into the Spider-Verse,” directed by Bob Persichetti, Peter Ramsey, and Rodney Rothman, brings a breath of fresh air to the comic book movie genre. Their dynamic and inventive use of tone, form, and texture rejuvenates a genre that has been repeatedly exploited. Each year we see Marvel movies, and the idea of one more might seem like market saturation or, even worse, a blatant cash grab. However, “Into the Spider-Verse” chooses a different path, offering a unique narrative style and a fresh perspective on the stakes. The film acknowledges that the audience is already familiar with the various versions of Spider-Man, and capitalizes on this familiarity through clever use of breaking the fourth wall and self-aware narration. The characters are comic book heroes who know they are in a comic, which makes their adventures even more thrilling.
The film’s outstanding cast of voice actors contributes to its appeal. Their sense of humor and timing, combined with the human elements and drama within their adventures, add weight to the plot. The audience doesn’t need to know the parallel universe of Spider-Man characters to enjoy the film. At the heart of the story is Brooklyn teenager Miles Morales, voiced by Shameik Moore. After being bitten by a radioactive spider, Morales undergoes an extraordinary transformation. His everyday life, depicted with detailed realism and comic book aesthetics, invites the audience into a visually stunning world. Like his counterpart, Peter B. Parker, Morales finds his new powers both exhilarating and terrifying. The characters introduce themselves in a humorous and self-aware way, repeatedly referencing their well-known origin stories, providing a constant source of laughs.
The film introduces us to a new angle of the iconic superhero, with a middle-aged, disillusioned, and somewhat overweight Peter Parker. Voiced by Jake Johnson, Parker becomes a reluctant, sarcastic, yet sad mentor to Morales. But there’s more to the story. A super collider built by crime lord Wilson Fisk brings several Spider-beings from other dimensions, such as the acrobatic Gwen Stacy/Spider-Woman, the hard-boiled detective Spider-Noir, the anime-inspired Penni Parker, and the scene-stealing Spider-Ham. Familiar characters like Peter’s love, Mary Jane, his loyal Aunt May, and notorious enemies including Doc Ock also appear in the film. Brian Tyree Henry and Mahershala Ali bring to life Morales’ father and uncle, two very different figures who have greatly influenced the intelligent and resourceful young man Morales has become, with Luna Lauren Velez voicing his supportive mother, Rio.
SPANISH REVIEW
“Into the Spider-Verse”, dirigida por Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman, aporta una bocanada de aire fresco al género de películas de cómics. Su uso dinámico e inventivo del tono, la forma y la textura insufla nueva vida a un género que ha sido explotado repetidamente. Cada año vemos películas de Marvel, y la idea de otra más podría parecer una saturación del mercado o, peor aún, una maniobra comercial descarada. Sin embargo, “Into the Spider-Verse” opta por un camino diferente, ofreciendo un estilo de narración único y una perspectiva fresca sobre las apuestas. La película reconoce que el público ya está familiarizado con las diversas versiones de Spider-Man, y aprovecha esta familiaridad mediante un ingenioso uso de la ruptura de la cuarta pared y la narración autoconsciente. Los personajes son héroes de cómic que saben que están en un cómic, lo que hace que sus aventuras sean aún más emocionantes.
El sobresaliente elenco de actores de voz de la película contribuye al atractivo de la misma. Su sentido del humor y su ritmo, combinados con los elementos humanos y el drama dentro de sus aventuras, aportan peso a la trama. El público no necesita conocer el universo paralelo de los personajes de Spider-Man para disfrutar de la película. En el centro de la historia está el adolescente de Brooklyn, Miles Morales, con voz de Shameik Moore. Después de ser mordido por una araña radioactiva, Morales experimenta una transformación extraordinaria. Su vida cotidiana, representada con un realismo detallado y estética de cómic, invita al público a un mundo visualmente impresionante. Al igual que su homólogo, Peter B. Parker, Morales encuentra sus nuevos poderes tanto emocionantes como aterradores. Los personajes se presentan a sí mismos de una manera humorística y consciente de sí mismos, haciendo referencia repetidamente a sus conocidas historias de origen, lo que proporciona una fuente constante de risas.
La película nos presenta un nuevo ángulo del icónico superhéroe, con un Peter Parker de mediana edad, desencantado y algo sobrepeso. Con voz de Jake Johnson, Parker se convierte en un mentor reacio, sarcástico pero triste para Morales. Pero hay más en la historia. Un super colisionador construido por el señor del crimen Wilson Fisk trae a varios Spider-seres de otras dimensiones, como la acrobática Gwen Stacy/Spider-Woman, el duro detective Spider-Noir, la inspirada en el anime Penni Parker, y el ladrón de escenas Spider-Ham. Personajes familiares como el amor de Peter, Mary Jane, su fiel tía May, y enemigos notorios incluyendo a Doc Ock también aparecen en la película. Brian Tyree Henry y Mahershala Ali dan vida al padre y al tío de Morales, dos figuras muy diferentes que han influido enormemente en el joven inteligente y capaz que Morales ha llegado a ser, con Luna Lauren Velez poniendo voz a su madre, Rio.
Spider-Man: Into the Spider-Verse – Official Trailer
MORE INFORMATION
// SONY PICTURES RELEASING
// Directors: Bob Persichetti / Peter Ramsey / Rodney Rothman
// Cast: Shameik Moore, Jake Johnson, Hailee Steinfeld, Mahershala Ali, Brian Tyree Henry, Lily Tomlin, Luna Lauren Velez, John Mulaney, Kimiko Glenn, Nicolas Cage, Liev Schreiber
Score
9 [...]
Doctor Sleep
SINOPSIS
Secuela del film de culto “El resplandor” (1980) dirigido por Stanley Kubrick y también basado en una famosa novela de Stephen King. La historia transcurre algunos años después de los acontecimientos de “The Shining”, y sigue a Danny Torrance (Ewan McGregor), traumatizado y con problemas de ira y alcoholismo que hacen eco de los problemas de su padre Jack, que cuando sus habilidades psíquicas resurgen, se contacta con una niña de nombre Abra Stone, a quien debe rescatar de un grupo de viajeros que se alimentan de los niños que poseen el don de “el resplandor”.
MOVIE SHORT REVIEW
ENGLISH REVIEW
Mike Flanagan’s “Doctor Sleep” brilliantly combines the visions of Stephen King and Stanley Kubrick, along with his own style, which gained recognition with Netflix’s “The Haunting of Hill House”. This blend works well even though the movie leans more towards Kubrick’s interpretation than King’s book, which is purely a sequel to a novel that Kubrick significantly changed during its adaptation in 1980. Creating a sequel to a film while remaining faithful to a book that disregards the changes made in the first movie is a challenging task, but Flanagan pulls it off successfully. For instance, the book and film versions of “The Shining” end differently, with the book culminating in the explosion of the Overlook Hotel, which doesn’t occur in Kubrick’s version. Despite the occasional struggle to appease both King and Kubrick fans, Flanagan demonstrates his talent in weaving together these different narratives.
The movie kicks off with a prologue that shows a young Danny Torrance learning to control his “shining” abilities and manage the ghosts that torment him. Ewan McGregor plays an adult Dan, who uses alcohol to suppress his traumatic past. This aspect is further expanded upon in the book. After hitting rock bottom, Dan moves to New Hampshire, joins an Alcoholics Anonymous program, befriends Billy (played by Cliff Curtis), and lands a job at a hospice. His shining abilities allow him to help dying patients transition peacefully. Flanagan’s empathetic and emotional approach adds a solemn tone to these scenes. He effectively explores the concept of someone who, after experiencing trauma and understanding the existence of ghosts, could provide comfort to those unsure of life after death.
Meanwhile, we’re introduced to new characters Rose the Hat (Rebecca Ferguson) and her group, the True Knot. They are powerful beings who have discovered the secret to immortality. They scour the country, hunting children who “shine,” to feed off their essence. Flanagan doesn’t hold back from portraying the brutal nature of these creatures, as depicted in one scene where they kidnap and mercilessly kill a boy (Jacob Tremblay). Abra Stone (Kyliegh Curran), who connects Dan and Rose’s storylines, is so potent that she draws the attention of the True Knot and establishes a psychic connection with Dan. This eventually leads to a final face-off at a location that is predictable to any film enthusiast.
Visually, “Doctor Sleep” doesn’t emulate “The Shining” for most of its duration. Instead, it resembles an episode of “Hill House” more than Kubrick’s original. The film’s overuse of close-ups and its cool gray/blue color scheme contribute to its spooky, twilight ambiance. Flanagan’s work stands out for its blend of emotional and supernatural elements, making it an apt fit for a book that requires an emotional touch to succeed as a film. The movie shines when Flanagan is free to expand and experiment beyond the source material and Kubrick’s film. However, when he revisits Kubrick’s vision, “Doctor Sleep” appears overshadowed, as it includes actors reprising iconic roles from the original movie.
SPANISH REVIEW
“Doctor Sleep” de Mike Flanagan combina de forma brillante las visiones de Stephen King y Stanley Kubrick, junto con su propio estilo, que ganó reconocimiento con “The Haunting of Hill House” de Netflix. Esta combinación funciona bien a pesar de que la película se inclina más hacia la interpretación de Kubrick que hacia el libro de King, que es puramente una secuela de una novela que Kubrick modificó significativamente durante su adaptación en 1980. Hacer una secuela de una película mientras se mantiene fiel a un libro que ignora los cambios realizados en la primera película es una tarea desafiante, pero Flanagan lo logra con éxito. Por ejemplo, el libro y la película de “El Resplandor” terminan de manera diferente, con el libro culminando en la explosión del Hotel Overlook, lo que no ocurre en la versión de Kubrick. A pesar de la lucha ocasional por complacer tanto a los fans de King como a los de Kubrick, Flanagan demuestra su talento para entrelazar estas diferentes narrativas.
La película comienza con un prólogo que muestra a un joven Danny Torrance aprendiendo a controlar sus habilidades de “resplandor” y a manejar a los fantasmas que lo atormentan. Ewan McGregor interpreta a un Dan adulto, que usa el alcohol para reprimir su pasado traumático. Este aspecto se amplía más en el libro. Después de tocar fondo, Dan se muda a New Hampshire, se une a un programa de Alcohólicos Anónimos, se hace amigo de Billy (interpretado por Cliff Curtis) y consigue un trabajo en un hospicio. Sus habilidades de resplandor le permiten ayudar a los pacientes moribundos a hacer una transición pacífica. El enfoque empático y emocional de Flanagan añade un tono solemne a estas escenas. Explora eficazmente el concepto de alguien que, tras experimentar un trauma y entender la existencia de fantasmas, podría proporcionar consuelo a aquellos inseguros sobre la vida después de la muerte.
Mientras tanto, nos presentan a nuevos personajes, Rose the Hat (Rebecca Ferguson) y su grupo, el True Knot. Son seres poderosos que han descubierto el secreto de la inmortalidad. Recorren el país, cazando a niños que “resplandecen” para alimentarse de su esencia. Flanagan no se contiene al retratar la brutalidad de estas criaturas, como se muestra en una escena en la que secuestran y asesinan despiadadamente a un niño (Jacob Tremblay). Abra Stone (Kyliegh Curran), que conecta las historias de Dan y Rose, es tan potente que atrae la atención del True Knot y establece una conexión psíquica con Dan. Esto finalmente conduce a un enfrentamiento final en un lugar predecible para cualquier aficionado al cine.
Visualmente, “Doctor Sleep” no emula “El Resplandor” durante la mayor parte de su duración. En cambio, se parece más a un episodio de “Hill House” que al original de Kubrick. El exceso de primeros planos de la película y su esquema de color gris/azul frío contribuyen a su ambiente espeluznante y crepuscular. El trabajo de Flanagan destaca por su combinación de elementos emocionales y sobrenaturales, lo que lo hace una elección adecuada para un libro que requiere un toque emocional para funcionar como película. La película brilla cuando Flanagan tiene la libertad de expandir y experimentar más allá del material de origen y la película de Kubrick. Sin embargo, cuando vuelve a la visión de Kubrick, “Doctor Sleep” parece opacada, ya que incluye a actores retomando roles icónicos de la película original.
Doctor Sleep – Official Trailer
MORE INFORMATION
// Warner Bros
// Director: Mike Flanagan
// Cast: Ewan McGregor, Rebecca Ferguson, Kyliegh Curran, Zahn McClarnon, Carl Lumbly, Cliff Curtis, Alex Essoe, Bruce Greenwood, Jacob Tremblay, Catherine Parker, Robert Longstreet, Carel Struycken, Emily Alyn Lind, Selena Anduze, Henry Thomas, Jocelin Donahue, Chelsea Talmadge, Juan Gaspard, Deadra Moore, David Michael-Smith, Kevin Petruski Jr., Mistie Gibby, Met Clark
Score
7 [...]
Joker
SINOPSIS
Arthur Fleck (Phoenix) vive en Gotham con su madre, y su única motivación en la vida es hacer reír a la gente. Actúa haciendo de payaso en pequeños trabajos, pero tiene problemas mentales que hacen que la gente le vea como un bicho raro. Su gran sueño es actuar como cómico delante del público, pero una serie de trágicos acontecimientos le hará ir incrementando su ira contra una sociedad que le ignora
MOVIE SHORT REVIEW
ENGLISH REVIEW
Comic book heroes typically possess a timeless quality, their virtues remaining consistent throughout the decades. However, each generation has its own interpretation of the Joker – at times he’s camp, other times he’s cruel, twisted, or eccentric. The most recent portrayal of the Joker is one America deserves at this moment. He is a villain for the dispossessed, much akin to X-Men’s Magneto, a Holocaust survivor with a legitimate grievance against the world. Joaquin Phoenix and director Todd Phillips present us with a character who is a blend of raw emotion and psychological complexity – a mentally ill individual neglected by a system that is bankrupted by self-serving politicians.
Phoenix portrays Arthur Fleck, a clown-for-hire in Gotham. His mother had always told him he was put on Earth to bring joy and laughter, but his stand-up comedy act starkly contradicts this philosophy. Arthur’s life is filled with delusions and failures, and he is incapable of handling any threat without resorting to uncontrollable laughter. His life takes a dramatic turn when he decides to fight back against the society that has marginalized him. The society in question is one that has been pillaged by the rich, leaving the working class, the disadvantaged, and the mentally ill abandoned. Phoenix delivers an outstanding performance that revolutionizes the genre, making the entire Marvel canon seem superficial in comparison. If there’s violence inspired by “Joker,” it won’t be seen in theaters. Instead, it will manifest in areas rife with corruption and unrestrained greed. The anti-hero portrayed in “Joker” is what current films want and need. This is the Joker this generation deserves.
SPANISH REVIEW
Los héroes de los cómics suelen tener una calidad atemporal, con sus virtudes permaneciendo consistentes a lo largo de las décadas. Sin embargo, cada generación tiene su propia interpretación del Joker: a veces es extravagante, otras veces cruel, retorcido o excéntrico. La representación más reciente del Joker es la que América merece en este momento. Es un villano para los desposeídos, muy similar a Magneto de los X-Men, quien, como sobreviviente del Holocausto, tiene un conflicto legítimo con el mundo. Joaquin Phoenix y el director Todd Phillips nos presentan un personaje que es una mezcla de emoción cruda y complejidad psicológica: un individuo mentalmente enfermo descuidado por un sistema que se encuentra en bancarrota por políticos egoístas.
Phoenix interpreta a Arthur Fleck, un payaso a sueldo en Gotham. Su madre siempre le había dicho que había sido puesto en la Tierra para llevar alegría y risa, pero su acto de comedia se contrapone totalmente a esta filosofía. La vida de Arthur está llena de delirios y fracasos, e incapaz de manejar cualquier amenaza sin recurrir a una risa incontrolable. Su vida da un giro dramático cuando decide luchar contra la sociedad que lo ha marginado. La sociedad en cuestión es una que está saqueada por los ricos, dejando a la clase trabajadora, los desfavorecidos y los enfermos mentales abandonados. Phoenix ofrece una actuación excepcional que revoluciona el género, haciendo que todo el canon de Marvel parezca superficial en comparación. Si la violencia está inspirada por “Joker”, no se verá en los cines. En cambio, se observará en áreas de corrupción y avaricia desenfrenadas. El anti-héroe representado en “Joker” es lo que las películas actuales quieren y necesitan. Este es el Joker que esta generación merece.
Joker – Official Trailer
MORE INFORMATION
// WARNER BROS. PICTURES
// Director: Todd Phillips
// Cast: Joaquin Phoenix, Robert De Niro, Zazie Beetz, Frances Conroy
Score
8 [...]
La casa de Jack
SINOPSIS
Estados Unidos, década de 1970. Seguimos a Jack durante un período de 12 años, descubriendo los asesinatos que marcarán su evolución como asesino en serie. La historia se vive desde el punto de vista de Jack, quien considera que cada uno de sus asesinatos es una obra de arte en sí misma.
Movie Short Review
English review
Every film by Lars von Trier seems to be a daring challenge, but his 155-minute film “The House That Jack Built” might arguably be the most outstanding of them all. This violent and graphic movie offers an intense exploration of a serial killer’s disturbed mind. Following the protagonist, Jack (played by Matt Dillon), as he describes his horrendous crimes to a man named Verge (Bruno Ganz), the movie delves into their dialogues about art, aesthetics, and Jack’s belief in the grandeur of his murders. Like “Nymphomaniac”, another movie by von Trier, “The House That Jack Built” uses extended flashbacks to narrate Jack’s crimes.
The film opens in the Pacific Northwest, where Jack encounters a woman (Uma Thurman) who jests about the possibility of him being a murderer. Her mockery turns out to be true, and so begins Jack’s saga of violence, which often escalates when he feels out of control. The film also integrates elements from von Trier’s own life, indirectly portraying it as an autobiographical narrative. Conversations with Verge and Jack’s monologues about his murders continue throughout the film, along with diversions into discussions about architecture, art, concentration camps, and violence in movies. This fusion of grim storytelling and intellectual discourse resonates with von Trier’s unique style, creating a disconcerting and unsettling atmosphere.
Dillon’s performance as Jack is impactful, making him a fascinating and terrifying character. His murders, portrayed as meticulous works of art, provide an outlet for his obsessive-compulsive disorder. The movie also touches on Jack’s errors and missteps, leading to some crime-gone-wrong sequences. These include a scene where Jack almost gets caught by the police and another where he purchases the wrong ammunition for a planned mass murder. There are particularly distressing scenes, including one where he forces a mother to feed her children pie after killing them. As the narrative progresses, it leaves us questioning how Jack, an articulate engineer, turned into a ruthless murderer. Von Trier deliberately avoids answering this, leaving room for viewer interpretation and emphasizing the unreliability of Jack’s narrative.
Spanish review
Cada película de Lars von Trier parece ser un audaz desafío, pero su película de 155 minutos “The House That Jack Built” podría ser la más destacada de todas. Esta película, violenta y gráfica, ofrece una intensa exploración de la mente perturbada de un asesino en serie. Siguiendo al protagonista, Jack (interpretado por Matt Dillon), mientras describe sus horrendos crímenes a un hombre llamado Verge (Bruno Ganz), la película se sumerge en sus diálogos sobre arte, estética y la creencia de Jack en la grandeza de sus asesinatos. Al igual que “Nymphomaniac”, otra película de von Trier, “The House That Jack Built” utiliza flashbacks prolongados para narrar los crímenes de Jack.
La película se abre en el noroeste del Pacífico, donde Jack se encuentra con una mujer (Uma Thurman) que bromea acerca de la posibilidad de que él sea un asesino. Su burla resulta ser cierta, y así comienza la saga de violencia de Jack, que a menudo se intensifica cuando se siente fuera de control. La película también integra elementos de la vida propia de von Trier, retratándola indirectamente como una narrativa autobiográfica. Las conversaciones con Verge y los monólogos de Jack sobre sus asesinatos continúan a lo largo de la película, junto con desviaciones hacia discusiones sobre arquitectura, arte, campos de concentración y violencia en las películas. Esta fusión de narración sombría y discurso intelectual resuena con el estilo único de von Trier, creando una atmósfera inquietante y desconcertante.
La actuación de Dillon como Jack es impactante, lo convierte en un personaje fascinante y aterrador. Sus asesinatos, retratados como meticulosas obras de arte, le proporcionan un escape para su trastorno obsesivo-compulsivo. La película también toca los errores y tropiezos de Jack, conduciendo a algunas secuencias de crímenes fallidos. Estas incluyen una escena en la que Jack casi es atrapado por la policía y otra en la que compra la munición incorrecta para un asesinato masivo planificado. Hay escenas particularmente angustiantes, incluyendo una donde obliga a una madre a alimentar a sus hijos con un pastel después de matarlos. A medida que avanza la narración, nos deja preguntándonos cómo Jack, un ingeniero elocuente, se convirtió en un despiadado asesino. Von Trier deliberadamente evita responder a esto, dejando espacio para la interpretación del espectador y enfatizando la falta de fiabilidad de la narrativa de Jack.
La casa de Jack – Trailer oficial
Movie information
// Zentropa Productions, Radio (DR), Film I Väst
// Director: Lars von Trier
// Cast: Matt Dillon, Bruno Ganz, Uma Thurman, Riley Keough, Sofie Gråbøl, Siobhan Fallon, Ed Speleers, Osy Ikhile, David Bailie, Yoo Ji-tae, Marijana Jankovic, Robert G. Slade
SOBRE EL DIRECTOR
Lars von Trier es un director de cine danés nacido el 30 de abril de 1956 en Copenhague, Dinamarca. Es conocido por su estilo provocador y controvertido, y es considerado uno de los cineastas más importantes e influyentes de su generación. Comenzó su carrera en el cine como guionista y director en 1984 con la película ‘The Element of Crime’, que recibió el Premio a la Mejor Película en el Festival de Cine de Venecia. Después de dirigir varias películas en Dinamarca, en 1996 fundó la productora Zentropa, que se ha convertido en una de las más importantes de Europa.
Von Trier ha dirigido varias películas aclamadas por la crítica, como ‘Breaking the Waves’ (1996), ‘Dancer in the Dark’ (2000) y ‘Dogville’ (2003). Ha ganado numerosos premios en festivales internacionales de cine, incluyendo la Palma de Oro en el Festival de Cannes por ‘Dancer in the Dark’. Sin embargo, von Trier también ha sido objeto de controversia debido a su estilo provocador y sus declaraciones públicas controvertidas. En el Festival de Cannes de 2011, fue expulsado del evento después de hacer comentarios polémicos sobre Hitler durante una conferencia de prensa. A pesar de la controversia, von Trier sigue siendo una figura influyente en el cine mundial y es admirado por muchos cineastas y críticos por su estilo único y su compromiso con la experimentación cinematográfica. Su última película, ‘The House That Jack Built’, se estrenó en 2018 y ha generado críticas polarizadas, como muchas de sus películas anteriores.
Score [...]
Jojo Rabbit
SINOPSIS
Jojo “Rabbit” Betzler (Roman Griffin Davis) es un solitario niño alemán perteneciente a las Juventudes Hitlerianas que ve su mundo puesto patas arriba cuando descubre que su joven madre Rosie (Scarlett Johansson) esconde en su ático a una niña judía (Thomasin McKenzie). Con la única ayuda de su mejor amigo imaginario, el mismísimo Adolf Hitler (Taika Waititi), Jojo deberá afrontar su ciego nacionalismo con las contradicciones de una guerra absurda.
MOVIE SHORT REVIEW
ENGLISH REVIEW
Theodor Adorno’s statement, “to write poetry after Auschwitz is barbaric,” has sparked lengthy debates among philosophers. One interpretation suggests that it’s inappropriate to make light of serious tragedies such as the Holocaust, a stance that would likely reject Taika Waititi’s fourth and controversial film. This “anti-hate satire” portrays Adolf Hitler more as a clumsy fool than a genocidal leader. The movie has ignited heated discussions among critics, similar to the reception of Todd Phillips’s Joker. Jojo Rabbit, despite winning the audience award at the Toronto International Film Festival, has also been unfavorably compared to Roberto Benigni’s Life is Beautiful. Waititi, who occasionally writes under his mother’s surname, “Cohen,” must have been aware of the risks associated with his project. The story revolves around a young boy named Jojo Betzler (Roman Griffin Davis), who is fully indoctrinated with Nazi ideology to the point of having an imaginary friend version of Hitler.
Waititi’s portrayal of Hitler resembles more a petulant child than a fearsome dictator, a character who sulks when his advice is ignored by his young confidant. One of the less controversial elements of the movie involves Jojo’s liberal mother, played by Scarlett Johansson, who sees her son’s obsession with Nazi propaganda as a phase that will eventually pass. Jojo’s beliefs are challenged when he discovers Elsa (Thomasin McKenzie), a Jewish girl, hidden within the walls of his home. Contrary to the grotesque stereotypes propagated by the Nazis, Elsa is a normal girl without horns or supernatural abilities, and this revelation begins to shift Jojo’s perspective.
The film’s comedic approach to the Holocaust has faced criticism, with some arguing that it’s simply not acceptable, while others feel that the humor doesn’t justify the risks taken. However, humor is highly subjective, and for some, the film’s blend of overt and subtle satire hits the mark. The film utilizes a montage of Nazi life set to the German version of “I Want to Hold Your Hand” to maintain its irreverent tone. Sam Rockwell and Rebel Wilson shine as minor officials promoting a ludicrous yet malevolent ideology, while Stephen Merchant portrays a clumsy Gestapo officer. Despite the comedic elements, the film does not downplay the horrors that result from such blind intolerance. The film’s whimsical visual and auditory style, reminiscent of a deranged Wes Anderson production, mirrors a child’s viewpoint without trivializing historical events. However, the movie assumes that all viewers come with a basic understanding and disdain for the Nazi regime, which may not always be the case. Although Jojo Rabbit strongly condemns hate, it does little to enlighten viewers about the specific horrors of Nazi Germany. Nonetheless, its call for tolerance is sincere. Balancing humor and seriousness, sentimentality and emotion, audacity and poor taste, the film pushes the boundaries of audience tolerance, making it a gamble that’s worth taking.
SPANISH REVIEW
La afirmación de Theodor Adorno, “escribir poesía después de Auschwitz es bárbaro”, ha desatado largos debates entre filósofos. Una interpretación sugiere que es inapropiado hacer ligereza de tragedias serias como el Holocausto, una postura que probablemente rechazaría la cuarta y controvertida película de Taika Waititi. Esta “sátira anti-odio” presenta a Adolf Hitler más como un tonto torpe que como un líder genocida. La película ha provocado acaloradas discusiones entre los críticos, similar a la recepción de Joker de Todd Phillips. Jojo Rabbit, a pesar de ser ganadora del premio del público en el Festival Internacional de Cine de Toronto, también ha sido comparada de manera desfavorable con La vida es bella de Roberto Benigni. Waititi, quien ocasionalmente escribe bajo el apellido de su madre, “Cohen”, debió ser consciente de los riesgos asociados con su proyecto. La historia gira en torno a un joven llamado Jojo Betzler (Roman Griffin Davis), quien está completamente adoctrinado con la ideología nazi hasta el punto de tener una versión imaginaria de Hitler como amigo.
La interpretación de Hitler por parte de Waititi se asemeja más a un niño malcriado que a un temible dictador, un personaje que se enfada cuando su consejo es ignorado por su joven confidente. Uno de los elementos menos controvertidos de la película involucra a la madre liberal de Jojo, interpretada por Scarlett Johansson, quien ve la obsesión de su hijo con la propaganda nazi como una fase que eventualmente pasará. Las creencias de Jojo se ven desafiadas cuando descubre a Elsa (Thomasin McKenzie), una niña judía, escondida dentro de las paredes de su casa. Contrariamente a los grotescos estereotipos propagados por los nazis, Elsa es una niña normal sin cuernos ni habilidades sobrenaturales, y esta revelación comienza a cambiar la perspectiva de Jojo.
El enfoque cómico de la película hacia el Holocausto ha enfrentado críticas, con algunos argumentando que simplemente no es aceptable, mientras que otros sienten que el humor no justifica los riesgos asumidos. Sin embargo, el humor es altamente subjetivo y, para algunos, la mezcla de sátira obvia y sutil de la película acierta. La película utiliza un montaje de la vida nazi ambientada en la versión alemana de “I Want to Hold Your Hand” para mantener su tono irreverente. Sam Rockwell y Rebel Wilson destacan como funcionarios menores que promueven una ideología ridícula pero malévola, mientras que Stephen Merchant retrata a un torpe oficial de la Gestapo. A pesar de los elementos cómicos, la película no minimiza los horrores que resultan de tal intolerancia ciega. El estilo visual y auditivo caprichoso de la película, que recuerda a una producción desquiciada de Wes Anderson, refleja el punto de vista de un niño sin trivializar los eventos históricos. Sin embargo, la película asume que todos los espectadores vienen con un entendimiento básico y desprecio por el régimen nazi, lo cual no siempre puede ser el caso. Aunque Jojo Rabbit condena fuertemente el odio, hace poco para ilustrar a los espectadores sobre los horrores específicos de la Alemania nazi. Sin embargo, su llamado a la tolerancia es sincero. Al equilibrar el humor y la seriedad, la sentimentalidad y la emoción, la audacia y el mal gusto, la película empuja los límites de la tolerancia del público, convirtiéndola en una apuesta que vale la pena correr.
Jojo Rabbit – Official Trailer
MORE INFORMATION
// Fox Searchlight Pictures
// Director: Taika Waititi
// Cast: Roman Griffin David, Thomasin McKenzie, Taika Waititi, Rebel Wilson, Sam Rockwell, Stephen Merchant, Alfie Allen, Scarlett Johansson
Score
9.5 [...]
Fear the Night
SINOPSIS
Tes, una veterana de la guerra de Irak, se prepara para contraatacar después de que un grupo de asaltantes ataca su casa durante la despedida de soltera de su hermana, y descubre que están decididos a no dejar testigos.
Movie Short Review
English review
“Fear the Night” is a thriller centered around a distressing home invasion during a bachelorette party, and it’s a challenge to discern who the joke is truly on. Set in the hills of California, the movie features Maggie Q as Tess, a disillusioned military veteran who must confront intruders breaking into her family’s farmhouse, where a pre-wedding celebration for her sister Rose is being held. A significant part of the movie displays the fear and frustration surrounding Tess and the other party attendees, as they attempt to evade the imminent threat of assault and potential murder. The film, written and directed by playwright Neal LaBute, known for his tasteless erotic vampire movie “House of Darkness,” often oscillates between intentional tedium and ruthless stinginess towards the audience, actors, and characters.
With “Fear the Night,” LaBute intends to provoke, consistently introducing the imminent threat of sexual violence. While some elements of dramatic irony attempt to portray the clichéd conflict of the movie under a darker light, they fail to significantly complicate the plot. The central event of the movie is the assault on the family farmhouse by a group of misogynistic men, during which Tess strives to maintain her composure and save the day. Meanwhile, her sister Beth, despite being aware of why they are being targeted, fails to clarify the situation and often seems irritatingly ignorant, further increasing the tension. Tess’s portrayal as a wounded warrior suggests that some values are inviolable despite the drama’s moral relativity, and other character clichés are either ridiculed or slightly complicated, contributing to the lack of well-developed characters in the movie.
The persistent threat of sexual violence in the film isn’t necessarily unrealistic, but the lack of imagination makes “Fear the Night” hard to watch, especially due to the superficiality of Tess’s dialogue. The bachelorette’s overly dramatic and hollow provocations, and the attackers’ repeated threats, only serve to underline the blatant genre pandering in the movie. Even the movie’s attempts at achieving post-feminist retribution seem empty, with no distinction between the type of movie LaBute aims to satirize and the one he ends up creating. The film feels like the work of artists who understand the genre in which they are working, but don’t care enough to make it appealing, resulting in a difficult journey for both intrigued and unsuspecting viewers.
Spanish review
“Fear the Night” es un thriller que gira en torno a una angustiante invasión domiciliaria durante una despedida de soltera, y es un desafío discernir quién es realmente el blanco de la broma en la película. Ambientada en las colinas de California, la película cuenta con Maggie Q como Tess, una veterana militar desilusionada, que debe enfrentar a los intrusos que irrumpen en la granja de su familia, donde se está celebrando una fiesta prenupcial para su hermana Rose. Gran parte de la película muestra el miedo y la frustración que rodean a Tess y a las demás asistentes a la fiesta, mientras intentan evadir la inminente amenaza de agresión y posible asesinato. El film, escrito y dirigido por el dramaturgo Neal LaBute, conocido por su insípida película vampírica erótica “House of Darkness”, a menudo oscila entre un tedio intencional y una despiadada mezquindad hacia la audiencia, los actores y los personajes.
Con “Fear the Night”, LaBute tiene la intención de provocar, introduciendo constantemente la amenaza inminente de violencia sexual. Si bien algunos elementos de ironía dramática intentan retratar el conflicto cliché de la película bajo una luz más sombría, no logran complicar significativamente la trama. El evento central de la película es el asalto a la granja familiar por un grupo de hombres misóginos, durante el cual Tess intenta mantener la compostura y salvar el día. Mientras tanto, su hermana Beth, a pesar de estar consciente del por qué son el blanco, no logra esclarecer la situación y a menudo parece irritantemente ignorante, lo que incrementa aún más la tensión. La representación de Tess como una guerrera herida sugiere que algunos valores son inviolables a pesar de la relatividad moral del drama, y otros clichés de los personajes son ridiculizados o levemente complicados, contribuyendo a la falta de personajes bien desarrollados en la película.
La amenaza persistente de violencia sexual en la película no es necesariamente poco realista, pero la falta de imaginación hace que “Fear the Night” sea difícil de ver, especialmente debido a la superficialidad del diálogo de Tess. Las despedidas de soltera con provocaciones excesivamente dramáticas y vacías, y las amenazas repetidas por los atacantes, solo sirven para subrayar el pandilleo de género evidente en la película. Incluso los intentos de la película de lograr una retribución post-feminista parecen vacíos, sin distinción entre el tipo de película que LaBute pretende satirizar y la que termina creando. La película se siente como el trabajo de artistas que comprenden el género en el que están trabajando, pero no se preocupan lo suficiente por hacerlo atractivo, lo que resulta en un viaje difícil tanto para los espectadores intrigados como para los desprevenidos.
Fear the Night – Trailer oficial
Movie information
// BondIt, Buffalo 8 Productions, Quiver Distribution.
// Director: Neil LaBute
// Cast: Gia Crovatin, Highdee Kuan, Ito Aghayere, James Carpinello, Kat Foster, KeiLyn Durrel Jones, Kirstin Leigh, Laith Wallschleger, Maggie Q, Travis Hammer
Score [...]
10 Cloverfield Lane
SINOPSIS
Una joven sufre un accidente de coche. Cuando despierta se encuentra encerrada en una celda bajo tierra, secuestrada por un hombre extraño (John Goodman) que dice haberla salvado del día del juicio final. El excéntrico captor asegura que el exterior es inhabitable por culpa de un terrible ataque químico, algo que no sabe si creer. Es así como comienza su pesadilla, en una espiral de desconocimiento. La mente del criminal es infranqueable, y ella tendrá que intentar analizar a su enemigo para conseguir sobrevivir.
MOVIE SHORT REVIEW
ENGLISH REVIEW
“10 Cloverfield Lane” is a distant relative of 2008’s “Cloverfield”, sharing only a few crumbs that suggest a stronger link between the two films. While “Cloverfield” was a dizzying handheld camera event, “10 Cloverfield Lane” is a third-person narrative shot in standard fashion. The film is set primarily in an apartment, on the open road, and in a fateful bunker, and succeeds in creating a sense of claustrophobia with every door locked by unforgiving metal and a lack of privacy.
John Goodman is excellent as Howard, the seemingly crazy owner of the bunker who is a walking enigma. It is unclear whether his story of devastating attacks outside is true, and what his personal story may be. Goodman’s portrayal of Howard is perfect, with a blend of sinister goodwill, anxiety, and a seething temper boiling beneath the surface. Mary Elizabeth Winstead is also faultless as Michelle, the defiant, weary hostage who starts out frantic and ends up scheming and playing the long game. John Gallagher Jr.’s character is just okay, not adding much to the movie.
The film is a slow burner, building tension and suspense, but I found the overly long sequences of nothingness to drag on and detract from the overall movie experience. As the third act picks up, it feels too little, too late, and too contrived to be a worthy payoff for the buildup. Additionally, many of the situations in the film feel too convenient, such as the shower curtain being a perfect fit for a fallout suit, the earring that is found, and the radio turning on just by the precise road sign.
While “10 Cloverfield Lane” has a great premise of whether to trust the menacing man who has entrapped you or try your luck outside in the potentially deadly air, the buildup doesn’t pay off in the end. The performances by Goodman and Winstead are the saving grace of the film, otherwise, it would score lower.
SPANISH REVIEW
“10 Cloverfield Lane” es un pariente lejano de “Cloverfield” de 2008, compartiendo solo algunas migajas que sugieren un vínculo más fuerte entre las dos películas. Mientras que “Cloverfield” fue un vertiginoso evento de cámara en mano, “10 Cloverfield Lane” es una toma narrativa en tercera persona de manera estándar. La película está ambientada principalmente en un departamento, en la carretera abierta y en un fatídico búnker, y logra crear una sensación de claustrofobia con todas las puertas cerradas con un metal implacable y falta de privacidad.
John Goodman es excelente como Howard, el propietario aparentemente loco del búnker que es un enigma ambulante. No está claro si su historia de ataques devastadores en el exterior es cierta y cuál puede ser su historia personal. La interpretación que hace Goodman de Howard es perfecta, con una mezcla de siniestra buena voluntad, ansiedad y un temperamento hirviente que hierve bajo la superficie. Mary Elizabeth Winstead también es impecable como Michelle, la rehén desafiante y cansada que comienza frenética y termina intrigando y jugando a largo plazo. El personaje de John Gallagher Jr. está bien, no agrega mucho a la película.
La película es lenta, genera tensión y suspenso, pero encontré que las secuencias demasiado largas de la nada alargan y restan valor a la experiencia cinematográfica en general. A medida que avanza el tercer acto, se siente demasiado pequeño, demasiado tarde y demasiado artificial para ser una recompensa digna de la acumulación. Además, muchas de las situaciones en la película se sienten demasiado convenientes, como que la cortina de la ducha se ajusta perfectamente a un traje fallido, el arete que se encuentra y la radio que se enciende justo al lado de la señal de tráfico precisa.
Si bien “10 Cloverfield Lane” tiene una gran premisa sobre si confiar en el hombre amenazante que te ha atrapado o probar suerte afuera en el aire potencialmente mortal, la acumulación no vale la pena al final. Las actuaciones de Goodman y Winstead son la gracia salvadora de la película, de lo contrario, obtendría una puntuación más baja.
10 Cloverfield Lane – Official Trailer
MORE INFORMATION
// PARAMOUNT PICTURES
// Director: Dan Trachtenberg
// Starring: John Goodman, Mary Elizabeth Winstead, John Gallagher Jr.
Score
6 [...]
A Wrinkle in Time
SINOPSIS
Tras la desaparición de su padre, un científico, tres seres peculiares envían a la joven Meg, a su hermano Charles y a su amigo Calvin al espacio, para intentar encontrarlo. Adaptación de la novela de Madeleine L’Engle
MOVIE SHORT REVIEW
ENGLISH REVIEW
“Selma”, directed by Ava DuVernay, excellently portrayed the charismatic figure of Martin Luther King Jr., showcasing his brilliance in shaping public perception in favor of his cause. This layer of modern relevance found in the historical subject matter added an impressive depth to the biopic, surpassing the clichés of Hollywood portrayals. In contrast, DuVernay’s approach in adapting Madeleine L’Engle’s classic novel “A Wrinkle in Time” fell short. Despite the novel predating numerous fantasy genre tropes, the film unfortunately gave the impression that it was merely retracing the steps of a modern blockbuster, lacking the innovative touch we saw in “Selma”.
The story begins with our protagonist, Meg Murry (Storm Reid), a lonely teenager whose scientist father (Chris Pine) disappeared four years ago. Her younger brother, Charles Wallace (Deric McCabe), described as “brilliant, but odd”, and three otherworldly godmother figures guide her journey. The trio – Mrs. Whatsit (Reese Witherspoon), Mrs. Who (Mindy Kaling), and Mrs. Which (Oprah Winfrey) – take Meg on a quest to find her father, traveling through space-time. The whimsical visuals and colorful costumes add a certain charm to the film; however, the promising concept is overshadowed by less than spectacular CGI and an overload of explanations of every element, reducing the sense of wonder and discovery. Viewers are told more than they are shown, with even Chris Pine’s character indulging in lengthy expository monologues in flashbacks.
While “A Wrinkle in Time” may offer bursts of peculiar energy and striking visuals, it unfortunately falls into a common pitfall of big-budget sci-fi/fantasy films: the spectacle feels summarized, not experienced. One of the most beautiful shots is, in fact, an early scene showing an aerial view of Meg’s neighborhood: this simple scene felt more fantastical than any of the outer space sequences. The Disney film attempts to empower Meg, but the narrative structure ends up turning her more into a passenger in her own hero’s journey. Furthermore, her self-image and societal expectations are touched upon, but not adequately explored. In the end, “A Wrinkle in Time”, although sincere in its attempt at empowerment, is weighed down by preachy messages and fails to do justice to its unique protagonist.
SPANISH REVIEW
“Selma”, dirigida por Ava DuVernay, retrató excelentemente a la figura carismática de Martin Luther King Jr., mostrando su brillantez para moldear la percepción pública a favor de su causa. Esta capa de relevancia moderna encontrada en la temática histórica aportó una impresionante profundidad a la biografía, superando los clichés de las representaciones de Hollywood. En contraste, el enfoque de DuVernay al adaptar la clásica novela de Madeleine L’Engle, “Un pliegue en el tiempo”, no logró dar en el blanco. A pesar de que la novela precede a numerosos tropos del género de fantasía, la película desafortunadamente dio la impresión de que simplemente reseguía los pasos de un blockbuster moderno, careciendo del toque innovador que vimos en “Selma”.
La historia comienza con nuestra protagonista, Meg Murry (Storm Reid), una adolescente solitaria cuyo padre científico (Chris Pine) desapareció hace cuatro años. Su hermano menor, Charles Wallace (Deric McCabe), descrito como “brillante, pero raro”, y tres figuras de madrinas sobrenaturales guían su viaje. El trío – Mrs. Whatsit (Reese Witherspoon), Mrs. Who (Mindy Kaling), y Mrs. Which (Oprah Winfrey) – lleva a Meg en una búsqueda para encontrar a su padre, viajando a través del espacio-tiempo. Las visuales caprichosas y los coloridos vestuarios aportan cierto encanto a la película; sin embargo, el concepto prometedor se ve opacado por un CGI menos que espectacular y una sobrecarga de explicaciones de cada elemento, reduciendo la sensación de asombro y descubrimiento. Los espectadores se ven más contados que mostrados, incluso con el personaje de Chris Pine indulgente en largos monólogos expositivos en flashbacks.
Mientras “Un pliegue en el tiempo” puede ofrecer ráfagas de energía peculiar y visuales impactantes, desafortunadamente cae en una trampa común de las películas de ciencia ficción/fantasía de gran presupuesto: el espectáculo se siente resumido, no experimentado. Una de las tomas más bellas es, de hecho, una escena temprana que muestra una vista aérea del vecindario de Meg: esta simple escena se sintió más fantástica que cualquiera de las secuencias del espacio exterior. La película de Disney intenta empoderar a Meg, pero la estructura narrativa termina convirtiéndola más en una pasajera de su propio viaje heroico. Además, se toca su autoimagen y las expectativas sociales, pero no se exploran adecuadamente. Al final, “Un pliegue en el tiempo”, aunque sincera en su intento de empoderamiento, se ve lastrada por mensajes moralizantes y no hace justicia a su singular protagonista.
A Wrinkle in Time – Official Trailer
MORE INFORMATION
// WALT DISNEY STUDIOS MOTION PICTURES
// Director: Ava DuVernay
// Cast: Oprah Winfrey, Reese Witherspoon, Mindy Kaling, Levi Miller, Deric McCabe, Gugu Mbatha-Raw, Michael Peña, Storm Reid, Zach Galifianakis, Chris Pine
Score
5.5 [...]
20 Days in Mariupol
SINOPSIS
Cuando comienza la invasión rusa, un equipo de periodistas ucranianos atrapados en la ciudad sitiada de Mariupol lucha por continuar su trabajo documentando las atrocidades de la guerra.
Movie Short Review
English review
“20 Days in Mariupol” is a documentary that chronicles the early days of the Russo-Ukrainian war from the perspective of Ukrainian AP international journalist, Mstyslav Chernov, field producer Vasilisa Stepanenko, and photographer Evgeniy Maloletka. The documentary follows their journey as the last journalists standing in Mariupol, a port city in the crosshairs of Russian forces. Some locals fled before the war reached the city, but many stayed, either due to an inability to leave or disbelief in the looming horror. The war broke out just an hour after Chernov and his team arrived in the city, giving rise to a real-time account of a community losing their homes, families, and livelihoods within a matter of days.
Shot entirely with Chernov’s camera, the footage provides a raw and terrifyingly immediate view of the brutal conflict. As the title suggests, the film chronicles the 20 days it took for Russian soldiers to turn Mariupol into a war zone. The city, without support from Ukrainian forces and besieged from all sides, left its remaining inhabitants, including Chernov and his team, trapped. The sudden air raids and shellings of city centers, universities, hospitals, and neighborhoods marked the beginning of the war. Chernov’s interactions with the locals revealed a community engulfed in fear and despair. Despite the chaos and dangers, Chernov continued documenting the situation, hoping that his footage might change the course of the war. With the city cut off from internet access, a police officer helped the crew send the footage to editors, revealing the reality of the war to the world at a time when the extent of the humanitarian crimes being committed was unknown.
The documentary does not shy away from showing the harsh reality of war. Scenes of people ducking for cover during air strikes, doctors trying to resuscitate a young boy caught in a bombing, and crowded hospitals and shelters present an unfiltered view of the war’s impact. The film also depicts the aftermath of the attacks, including the sight of dead bodies being placed into makeshift mortuaries, thrown into mass graves, or lying in the streets. Despite attempts by Russian media and government bodies to discredit the footage, Chernov’s camera captured the truth and showed the world the real face of the war. As Chernov says, “This is painful to watch. But it must be painful to watch.” His narration underscores the urgency of ensuring that the reality of war is seen and understood, no matter how hard it is to witness such atrocities.
Spanish review
“20 Days in Mariupol” es un documental que narra los primeros días de la guerra ruso-ucraniana desde la perspectiva del periodista internacional ucraniano de la AP, Mstyslav Chernov, la productora de campo Vasilisa Stepanenko y el fotógrafo Evgeniy Maloletka. El documental sigue su travesía como los últimos periodistas presentes en Mariupol, una ciudad portuaria en el punto de mira de las fuerzas rusas. Algunos locales huyeron antes de que la guerra llegara a la ciudad, pero muchos se quedaron, ya fuera por incapacidad para abandonarla o por incredulidad ante el horror que se avecinaba. La guerra estalló solo una hora después de que Chernov y su equipo llegaran a la ciudad, dando lugar a un relato en tiempo real de una comunidad que pierde sus hogares, familias y medios de vida en cuestión de días.
Grabado íntegramente con la cámara de Chernov, el metraje ofrece una visión cruda y aterradoramente inmediata del brutal conflicto. Tal como el título sugiere, la película narra los 20 días que los soldados rusos necesitaron para convertir Mariupol en una zona de guerra. La ciudad, sin apoyo de las fuerzas ucranianas y sitiada por todos lados, dejó a sus habitantes restantes, incluyendo a Chernov y su equipo, atrapados. Los repentinos bombardeos y ataques aéreos sobre los centros de la ciudad, universidades, hospitales y barrios marcaron el comienzo de la guerra. Las interacciones de Chernov con los locales revelaron una comunidad sumida en el miedo y la desesperación. A pesar del caos y los peligros, Chernov continuó documentando la situación, esperando que su material pudiera cambiar el rumbo de la guerra. Con la ciudad aislada del acceso a internet, un oficial de policía ayudó al equipo a enviar el material a los editores, mostrando la realidad de la guerra al mundo en un momento en que se desconocía la magnitud de los crímenes humanitarios cometidos.
El documental no se esconde a la hora de mostrar la dura realidad de la guerra. Escenas de personas agachándose para cubrirse durante los ataques aéreos, médicos tratando de reanimar a un niño atrapado en un bombardeo y hospitales y refugios abarrotados presentan una visión sin filtros del impacto de la guerra. La película también muestra las secuelas de los ataques, incluyendo la vista de cuerpos muertos siendo puestos en mortuorios improvisados, arrojados a fosas comunes, o yaciendo en las calles. A pesar de los intentos de los medios de comunicación y cuerpos gubernamentales rusos de desacreditar el material, la cámara de Chernov capturó la verdad y mostró al mundo el verdadero rostro de la guerra. Como dice Chernov, “Esto es doloroso de ver. Pero debe ser doloroso de ver”. Su narración resalta la urgencia de garantizar que la realidad de la guerra sea vista y comprendida, sin importar lo difícil que sea ser testigo de tales atrocidades.
20 Days in Mariupol – Trailer oficial
Movie information
// Director: Mstyslav Chernov
Score [...]
Wonder
SINOPSIS
August Pullman (Jacob Tremblay) es un niño nacido con malformaciones faciales que, hasta ahora, le han impedido ir a la escuela. Auggie se convierte en el más improbable de los héroes cuando entra en quinto grado del colegio local, con el apoyo de sus padres (Julia Roberts y Owen Wilson). La compasión y la aceptación de sus nuevos compañeros y del resto de la comunidad serán puestos a prueba, pero el extraordinario viaje de Auggie los unirá a todos y demostrará que no puedes camuflarte cuando has nacido para hacer algo grande.
Movie Short Review
English review
Narrative art shines in the realm of suggestion, indirectly guiding the audience to decipher its own meaning. This concept turns into a puzzle when creating a modern family movie, which seeks to tell a story simply for a young audience while incorporating complexity and depth. “Wonder”, the story of a boy, Auggie Pullman, who lives with a craniofacial disorder and his experiences with those around him, exemplifies this challenge. Instead of hiding its themes, the film adopts a method of accumulation, presenting its narrative plainly but diversifying its viewpoint. The movie begins as a depiction of a child facing adversities, but evolves into an exploration of community dynamics.
Auggie, played by Jacob Tremblay, is a ten-year-old boy who has undergone numerous surgeries to correct his facial abnormalities. He has been homeschooled by his mother, Isabel, until now and we are given few details about his condition. This absence of medical jargon subtly indicates Auggie’s familiarity with the medical world. Transitioning to middle school is a difficult task for any child, but for Auggie, who has been sheltered and often hidden behind an astronaut helmet, the experience is particularly daunting. His initial school experience is a struggle, but he shows resilience and understanding beyond his years, discerning people’s hidden emotions. When a schoolmate, Jack Will, extends his friendship, it brings joy but also exposes Auggie to potential heartbreaks.
However, “Wonder” is not solely Auggie’s narrative. The storytelling jumps among various characters, providing a comprehensive view of the emotional dynamics around him. We hear from his older sister, Via, who has accepted the reality that her needs often come second to Auggie’s. Her narrative further enriches the emotional landscape of the film. The perspectives of Miranda, Via’s estranged friend, and Jack Will are also explored, building empathy and showing that everyone, even those perceived as cruel, has their reasons. As the movie drifts away from Auggie’s predicament, the interactions between the characters begin to feel universally relatable. The film succeeds thanks to its gentle approach and the absence of unnecessary embellishments, highlighting a balance between emotional depth and simplicity.
Towards the end, Miranda’s drama class stages Thornton Wilder’s “Our Town,” which at first glance appears to be a manipulative move to provoke easy tears. However, the central themes of this play of humility, simplicity, and various perspectives align well with the film’s narrative. The bare, unadorned stage of “Our Town” serves as a metaphorical canvas for viewers to project their experiences. Thus, “Wonder” transcends its initial premise about a boy with a facial disorder, transforming into an emotive mirror that reflects each viewer’s experiences. If this nuanced, multi-faceted portrayal of life is not art, then the concept of art itself becomes elusive.
Spanish review
El arte narrativo brilla en el ámbito de la sugerencia, guiando indirectamente a la audiencia a descifrar su propio significado. Este concepto se convierte en un rompecabezas al crear una película familiar moderna, que busca contar una historia de manera simple para el público joven, mientras incorpora complejidad y profundidad. “Wonder”, la historia de un niño, Auggie Pullman, que vive con un trastorno craneofacial y sus experiencias con los que le rodean, ejemplifica este desafío. En lugar de ocultar sus temas, la película adopta un método de acumulación, presentando su narrativa de manera directa pero diversificando su punto de vista. La película comienza como una representación de un niño enfrentando adversidades, pero evoluciona hasta convertirse en una exploración de la dinámica comunitaria.
Auggie, interpretado por Jacob Tremblay, es un niño de diez años que ha tenido numerosas cirugías para corregir sus anormalidades faciales. Ha sido educado en casa por su madre, Isabel, hasta ahora y se nos dan pocos detalles sobre su condición. Esta ausencia de jerga médica indica sutilmente la familiaridad de Auggie con el mundo médico. La transición a la secundaria es una tarea difícil para cualquier niño, pero para Auggie, que ha estado protegido y a menudo oculto detrás de un casco de astronauta, la experiencia es particularmente desalentadora. Su experiencia escolar inicial es un desafío, pero muestra resiliencia y comprensión más allá de sus años, discerniendo las emociones ocultas de las personas. Cuando un compañero de estudios, Jack Will, extiende su amistad, trae alegría pero también expone a Auggie a posibles desengaños.
Sin embargo, “Wonder” no es solo la narrativa de Auggie. La narración salta entre varios personajes, proporcionando una visión completa de la dinámica emocional a su alrededor. Escuchamos a su hermana mayor, Via, quien ha aceptado la realidad de que sus necesidades a menudo quedan en segundo lugar respecto a las de Auggie. Su narrativa enriquece aún más el paisaje emocional de la película. También se exploran las perspectivas de Miranda, la amiga distanciada de Via, y Jack Will, construyendo empatía y mostrando que todos, incluso aquellos percibidos como crueles, tienen sus razones. A medida que la película se aleja del predicamento de Auggie, las interacciones entre los personajes comienzan a sentirse universalmente relacionables. La película tiene éxito gracias a su enfoque gentil y la ausencia de adornos innecesarios, destacando un equilibrio entre la profundidad emocional y la simplicidad.
Hacia el final, la clase de drama de Miranda representa “Nuestro Pueblo” de Thornton Wilder, que a primera vista parece un movimiento manipulador para provocar lágrimas fácilmente. Sin embargo, los temas centrales de esta obra de humildad, simplicidad y diversas perspectivas se alinean bien con la narrativa de la película. El escenario desnudo y sin adornos de “Nuestro Pueblo” sirve como un lienzo metafórico para que los espectadores proyecten sus experiencias. Así, “Wonder” trasciende su premisa inicial sobre un niño con un trastorno facial, transformándose en un espejo emotivo que refleja las experiencias de cada espectador. Si esta representación matizada y multifacética de la vida no es arte, entonces el concepto de arte en sí mismo se vuelve esquivo.
Wonder – Official Trailer
Movie information
// LIONSGATE
// Director: Stephen Chbosky
// Cast: Jacob Tremblay, Owen Wilson, Izabela Vidovic, Julia Roberts, Noah Jupe, Bryce Gheisar, Daveed Diggs, Millie Davis, Nadji Jeter
Score
9 [...]
While We Watched
SINOPSIS
El cineasta Vinay Shukla examina cómo los informes de noticias independientes en la India y más allá están cada vez más amenazados por los recortes presupuestarios y, especialmente, por los extremistas que aprovechan las plataformas alternativas para difundir información errónea.
Movie Short Review
English review
Integrated within the Indian news company NDTV, director Vinay Shukla turns his focus towards the work of Ravish Kumar, a journalist and broadcaster who stands up against the rising political extremism in his country. The situation in India during the 2019 parliamentary elections could seem familiar to many American viewers due to the similar prominence of Fox News. Over the course of 94 minutes, Shukla effectively captures the politicized ethics and escalating hysteria leading to the decline of contemporary journalism. He also highlights the uncertain position that NDTV occupies in the television landscape. However, it takes time for “While We Watched” to find its momentum: Shukla’s vérité approach spends the first half-hour broadly explaining the problem.
Following this introductory period, the documentary presents a series of loud clips with Indian anchors competing for public attention by sharing divisive views. They denounce any dissenter as an enemy of the state or anti-nationalist. These noisy clips are contrasted with images of Kumar in somber silence, creating a stark and dynamic contrast. This back-and-forth might seem exaggerated, as it doesn’t take long to understand the grave situation of journalism in the region. The documentary gains pace as it evolves into a crisis of faith for Kumar, leading him to question whether he can still practice the type of journalism necessary to keep the public informed in the face of extremism, or if he should leave the profession altogether.
As Kumar continues his pursuit of truth, we witness NDTV taking several hits: it’s possible that the government is censoring the station’s broadcasts, Kumar is attacked by other anchors, and he receives numerous death threats from enraged viewers. Consequently, NDTV begins to lose viewers and reach, prompting some journalists to leave and reducing the network to a skeleton crew. Even Kumar’s superiors hint that he might need to temper his criticisms of the government and other rival news programs. Despite the challenges, the documentary’s best scenes capture the craft of journalism, as these journalists tirelessly work to pull together breaking news stories, even when their limited resources present obstacles. It also offers insightful moments where Kumar reflects on his place in the industry, even edging towards despair at times. The threat intensifies with rising tensions between Hindus and Muslims, particularly following a 2019 terrorist attack that leads to the death of 40 CRPF soldiers in India.
Spanish review
Integrado en la compañía de noticias india NDTV, el director Vinay Shukla dirige su mirada a la labor de Ravish Kumar, un periodista y presentador que se opone al creciente extremismo político de su país. La situación en India en 2019, durante las elecciones parlamentarias del país, podría parecer familiar a muchos espectadores americanos debido a la prominencia similar de Fox News. A lo largo de 94 minutos, Shukla logra capturar eficazmente la ética politizada y la creciente histeria que conducen a la decadencia del periodismo contemporáneo. Asimismo, destaca la posición incierta que NDTV ocupa en el panorama televisivo. Sin embargo, le toma tiempo a “Mientras Observábamos” encontrar su impulso: el enfoque de Shukla en el cine de realidad pasa la primera media hora explicando el problema en general.
Siguiendo este período introductorio, el documental presenta una serie de clips estridentes con presentadores indios compitiendo por la atención del público al compartir opiniones divisivas. Denuncian a cualquier disidente como enemigo del estado o anti-nacionalista. Estos clips ruidosos se contrastan con imágenes de Kumar en silencio sombrío, creando un contraste marcado y dinámico. Este ir y venir puede parecer exagerado, ya que no se tarda mucho en comprender la grave situación del periodismo en la región. El documental toma ritmo a medida que se convierte en una crisis de fe para Kumar, llevándolo a cuestionar si aún puede practicar el tipo de periodismo necesario para mantener al público informado frente al extremismo, o si debería abandonar la profesión por completo.
A medida que Kumar continúa su búsqueda de la verdad, presenciamos cómo NDTV recibe varios golpes: es posible que el gobierno esté censurando las transmisiones de la estación, Kumar es atacado por otros presentadores, y recibe numerosas amenazas de muerte de espectadores enfurecidos. En consecuencia, NDTV comienza a perder espectadores y alcance, lo que provoca la salida de algunos periodistas y reduce la red a un equipo mínimo. Incluso los superiores de Kumar insinúan que tal vez debería moderar sus críticas al gobierno y a otros programas de noticias rivales. A pesar de los desafíos, las mejores escenas del documental capturan el oficio del periodismo, mientras estos periodistas trabajan incansablemente para unir noticias de última hora, incluso cuando sus recursos limitados presentan obstáculos. También ofrece momentos perspicaces donde Kumar reflexiona sobre su lugar en la industria, incluso rozando la desesperación en ocasiones. La amenaza se intensifica con las crecientes tensiones entre hindúes y musulmanes, particularmente después de un ataque terrorista en 2019 que lleva a la muerte de 40 soldados de la CRPF en India.
While We Watched – Trailer oficial
Movie information
// Britdoc Films
// Director: Vinay Shukla
Score [...]
Cobweb
SINOPSIS
Peter, de ocho años, vive atormentado por culpa de los misteriosos golpes provenientes del interior de la pared de su dormitorio. Sus padres insisten en que sólo están en su imaginación. A medida que el miedo de Peter se intensifica, empieza a creer que sus padres podrían estar escondiendo un terrible y peligroso secreto… ¿Qué hay más aterrador para un niño que dejar de confiar en su familia?
Movie Short Review
English review
The horror genre consistently seeks to challenge the audience’s expectations. In the past year, films like “Barbarian” and “M3GAN” have strived to narrate fresh and unique tales with potential for franchise development, highlighting the industry’s capability for innovative storytelling. This is particularly true for “Cobweb”, a highly original narrative penned by Chris Thomas Devlin, renowned for his work on the 2022 reboot of the “Texas Chainsaw Massacre”. Drawing significant inspiration from short-form horror content like “Tales From the Crypt” and features such as “The People Under the Stairs”, “Cobweb” promises to be a success, especially given its talented leads, Lizzy Caplan and Antony Starr. The story immediately grips the audience, revolving around young Peter, played by Woody Norman, who lives with his parents, Carol and Mark, in an old house. Peter’s mysterious hearing of strange tapping from behind his bedroom wall, disregarded by his parents, sets the plot into motion, sowing seeds of a potential dark secret lurking in his family.
“Cobweb” weaves a fascinating tale under the direction of Samuel Bodin and screenwriter Devlin. The whimsical, Tim Burton-esque production design by Alan Gilmore adds an enchanting layer to the narrative. Audiences are transported into a setting akin to a Grimm brothers’ fairy tale, featuring Peter as a lonely boy living in a dilapidated house with a random pumpkin patch in the backyard. His parents, Caplan’s Carol and Starr’s Mark, exude an off-kilter demeanor that adds to the overall uneasiness of the story. With a runtime of just 90 minutes, the film delivers a dense narrative that builds up to a compelling climax. However, it remains ambiguous whether the fear in Peter is real, tied to something living in the walls, or merely a result of his parents’ overt dishonesty.
The performance of the lead duo, Lizzy Caplan and Antony Starr, drives “Cobweb” forward. Their contrasting acting styles create an unsettling dynamic, making it seem as if they are merely two actors pretending to be a family, which paradoxically enhances the film’s atmosphere. Caplan’s Carol is portrayed as a fearful yet manipulative woman, while Starr’s Mark exudes an intimidating aura. Woody Norman’s portrayal of Peter is consistent, although his character lacks depth and the investigation into his situation is limited due to a confined setting. Despite these limitations and a quick loss of momentum due to the lack of character development or backstory, the film manages to captivate the audience by promising a compelling resolution to the mysterious narrative. However, the film might have been more effective as a short film or an installment in an anthology series. With a robust setup, it was challenging to envision a satisfactory ending, which, unfortunately, holds true for “Cobweb”. Regardless, it remains a worthy attempt in the landscape of franchise starters.
Spanish review
El género de horror, de manera constante, busca desafiar las expectativas del público. En el último año, películas como “Barbarian” y “M3GAN” han intentado narrar historias frescas y únicas con potencial para desarrollar franquicias, destacando la capacidad de la industria para la narración innovadora. Esto es especialmente cierto para “Cobweb”, una narrativa altamente original escrita por Chris Thomas Devlin, conocido por su trabajo en el reinicio de “Texas Chainsaw Massacre” en 2022. Con una gran inspiración de contenidos de horror en formato corto como “Tales From the Crypt” y características como “The People Under the Stairs”, “Cobweb” promete ser un éxito, especialmente teniendo en cuenta a sus talentosos protagonistas, Lizzy Caplan y Antony Starr. La historia atrapa al público de inmediato, girando en torno al joven Peter, interpretado por Woody Norman, quien vive con sus padres, Carol y Mark, en una vieja casa. La misteriosa percepción de Peter de un extraño golpeteo detrás de la pared de su habitación, desestimado por sus padres, pone en marcha la trama, insinuando un potencial secreto oscuro en su familia.
“Cobweb” teje una historia fascinante bajo la dirección de Samuel Bodin y el guionista Devlin. El diseño de producción caprichoso al estilo de Tim Burton, a cargo de Alan Gilmore, añade una capa encantadora a la narrativa. Los espectadores son transportados a un entorno similar a un cuento de hadas de los hermanos Grimm, con Peter como un niño solitario viviendo en una casa en mal estado con un parche de calabaza al azar en el patio trasero. Sus padres, Carol de Caplan y Mark de Starr, exudan una actitud inusual que añade a la inquietud general de la historia. Con una duración de solo 90 minutos, la película entrega una narrativa intensa que se construye hasta llegar a un clímax convincente. Sin embargo, queda ambiguo si el miedo en Peter es real, vinculado a algo vivo en las paredes, o simplemente es resultado de la obvia deshonestidad de sus padres.
La actuación del dúo principal, Lizzy Caplan y Antony Starr, impulsa “Cobweb” hacia adelante. Sus estilos de actuación contrastantes crean una dinámica inquietante, haciendo parecer como si solo fueran dos actores jugando a ser una familia ficticia, lo cual, paradójicamente, mejora la atmósfera de la película. Carol de Caplan se presenta como una mujer temerosa pero manipuladora, mientras que Mark de Starr emana un aura intimidante. La interpretación de Woody Norman de Peter es consistente, aunque su personaje carece de profundidad y la investigación de su situación se ve limitada debido a un entorno confinado. A pesar de estas limitaciones y una rápida pérdida de impulso debido a la falta de desarrollo de personajes o antecedentes, la película logra cautivar a la audiencia prometiendo una resolución convincente a la misteriosa narrativa. Sin embargo, la película podría haber sido más efectiva como un cortometraje o un capítulo en una serie de antología. Con una configuración robusta, era desafiante imaginar un final satisfactorio, lo cual, lamentablemente, se mantiene cierto para “Cobweb”. A pesar de todo, sigue siendo un intento digno en el panorama de los inicios de franquicias.
Cobweb – Trailer oficial
Movie information
// Lionsgate, Vertigo Entertainment, Point Grey Pictures.
// Director: Samuel Bodin
// Cast: Anton Kottas, Antony Starr, Cleopatra Coleman, Debora Zhecheva, Ellen Dubin, Jay Rincon, Jesse Vilinsky, Lizzy Caplan, Luke Busey, Steffanie Sampson, Woody Norman
Score [...]
Mother, May I?
SINOPSIS
Cuando Anya comienza a comportarse como su madre recientemente fallecida, Emmett debe enfrentar sus traumas más profundos para liberar a su prometida de esta posesión desconcertante.
Movie Short Review
English review
“Mother, May I?”, directed by Laurence Vannicelli, is characterized by its intentional disorder, reflecting the intrinsic complexity of repressed trauma, self-healing, and deeply rooted pain. This film, which follows the “Trauma Horror™” genre, albeit with a lesser focus on the “horror” aspect, offers a fresh interpretation of the representation of inner demons or survival instincts. Vannicelli effectively uses therapeutic language, role-playing, and an intriguing psychological plot to keep the audience engaged.
The film features the magnificent performances of Kyle Gallner and Holland Roden, who outstandingly portray a committed couple spending time in a rural setting. Emmett, Gallner’s character, has inherited his mother’s rustic lakeside estate, a woman about whom he shares very little. Roden plays Anya, who accompanies Emmett with the intention of preparing the property for resale and helping Emmett face his repressed traumas. However, when Anya begins to act as if she were possessed by Emmett’s mother’s spirit, his reality crumbles. Throughout “Mother, May I?”, Vannicelli employs ambiguity as a tactic to unsettle viewers. The audience is left uncertain whether Anya is truly possessed by the spirit of Emmett’s deceased mother or is committed to a prolonged psychological experiment. The hints of supernatural activity are subtle and leave room for interpretation. The ability of the cinematographer, Craig Harmer, to provoke the audience with partially visible ghostly images, contributes to the enigmatic nature of the film. Although some viewers might desire more concrete answers, the film’s focus on existential stress justifies its lack of conclusion.
“Mother, May I?” primarily serves as a platform for the performances of Gallner and Roden. Roden’s transformation from a metropolitan poet to a former dancer is striking, and she effortlessly portrays two distinct personalities. Gallner also delivers a compelling performance, portraying a fiancé tortured by his partner’s impersonation of his deceased mother. Their performances complement each other perfectly, embodying characters grappling with inherited mental pain. However, the film sometimes lacks structure, focusing too heavily on unexplained elements. Vannicelli’s audacity sometimes dominates the film, which can be seen as both a warning and an attraction. Despite this, “Mother, May I?” stands out for its excellent performances and personal appeal. Gallner and Roden bravely take on their roles, revealing their characters’ flaws and making them the primary source of tension in the film. The film’s heartfelt, harrowing, hopeful, and happy character is commendable and serves as a reminder that we should accept life’s messiness.
Spanish review
“Mother, May I?”, dirigida por Laurence Vannicelli, se caracteriza por su intencionada falta de orden, reflejando así la complejidad intrínseca del trauma reprimido, la autoreparación y el dolor profundamente arraigado. Esta película, que sigue el género del “Trauma Horror™”, aunque con menor enfoque en el aspecto de “horror”, ofrece una nueva interpretación de la representación de demonios internos o instintos de supervivencia. Vannicelli utiliza de manera efectiva el lenguaje terapéutico, el juego de roles y una intrigante trama psicológica para mantener a la audiencia enganchada.
La película cuenta con las magníficas actuaciones de Kyle Gallner y Holland Roden, quienes interpretan de manera sobresaliente a una pareja comprometida que pasa un tiempo en un entorno rural. Emmett, personaje de Gallner, ha heredado la rústica finca junto al lago de su madre, una mujer sobre la que comparte muy poco. Roden interpreta a Anya, quien acompaña a Emmett con la intención de preparar la propiedad para su reventa y de ayudar a Emmett a enfrentarse a sus traumas reprimidos. Sin embargo, cuando Anya comienza a actuar como si estuviera poseída por el espíritu de la madre de Emmett, la realidad de este se desmorona. Vannicelli emplea la ambigüedad a lo largo de “Mother, May I?” como táctica para desestabilizar a los espectadores. La audiencia se queda con la incertidumbre de si Anya está verdaderamente poseída por el espíritu de la madre fallecida de Emmett o si está comprometida con un prolongado experimento psicológico. Las insinuaciones de actividad sobrenatural son sutiles y dejan espacio para la interpretación. La habilidad del director de fotografía, Craig Harmer, para provocar a la audiencia con imágenes de fantasmas parcialmente visibles, contribuye a la naturaleza enigmática de la película. Aunque algunos espectadores podrían desear respuestas más concretas, el enfoque de la película en el estrés existencial justifica su falta de conclusión.
“Mother, May I?” sirve principalmente como plataforma para las actuaciones de Gallner y Roden. La transformación de Roden de una poeta metropolitana a una ex bailarina es impactante, y ella retrata sin esfuerzo dos personalidades distintas. Gallner también ofrece una actuación convincente, representando a un prometido torturado por su pareja que se hace pasar por su madre fallecida. Sus actuaciones se complementan a la perfección, encarnando a personajes que luchan con el dolor mental heredado. Sin embargo, la película a veces carece de estructura, centrándose demasiado en elementos inexplicados. La audacia de Vannicelli a veces domina la película, lo cual puede ser visto tanto como una advertencia como un atractivo. A pesar de esto, “Mother, May I?” destaca por sus excelentes actuaciones y su atractivo personal. Gallner y Roden asumen sus roles con valentía, revelando las fallas de sus personajes y convirtiéndolas en la principal fuente de tensión en la película. El carácter conmovedor, desgarrador, esperanzador y alegre de la película es loable y sirve como un recordatorio de que debemos aceptar el desorden de la vida.
Mother, May I? – Trailer oficial
Movie information
// Bad Grey, Burn Later Productions, Cine Primo, Slow Blink
// Director: Laurence Vannicelli
// Cast: Daphne Gaines, Kyle Gallner, Michael Giannone
Score [...]
Once Upon a Time in Uganda
SINOPSIS
Un fabricante de ladrillos se convierte en una celebridad en Uganda cuando prueba suerte dirigiendo películas de acción.ganda
Movie Short Review
English review
Wakaliwood, a self-managed film industry from Uganda, thrives on micro-budget filmmaking and has positioned itself on the world map. The documentary “Once Upon a Time in Uganda” does not begin in Uganda, but in Kazakhstan, with an enigmatic scene of American actor Alan Hofmanis in a desert mountain landscape. Hofmanis, upon finding himself in the impoverished neighborhood of Wakaligo in Uganda, located outside the capital, Kampala, unexpectedly became the star of a series of low-budget action films. These films were created by Nabwana I.G.G., an influential figure known as the godfather of Wakaliwood, who also happens to be a brickmaker. Wakaliwood, as VJ Emmie explains, is like Hollywood, but better, with the unique feature of a continuous commentary track that adds humor and description to the movies.
The documentary, directed by Cathryne Czubek, takes its audience to the contrasting realities of Uganda’s film industry: from open sewers to open hearts. The cinematic experience is predominantly for the rich, leaving the less fortunate to rely on homemade copies of classic American action films. Inspired by these circumstances, Nabwana founded Ramon Film Productions to create his own entertaining films using low-cost equipment, volunteer actors, DIY effects, and an editing suite assembled by himself. Contributing to the contagious enthusiasm is Dauda, a joyful maker and prop master. The unique and intriguing films produced by Nabwana have found admirers in both Hofmanis and a global audience. Wakaliwood films, like Nabwana’s “Bad Black” and “Who Killed Captain Alex,” have achieved cult status on YouTube and are acclaimed at film festivals, leading to physical releases by the American Genre Film Archive.
The documentary not only presents a cheerful portrayal of these unusual outsiders; it reveals the growing discord between Hofmanis and Nabwana. Hofmanis sees international potential in these projects, while Nabwana aspires to strengthen the Ugandan film industry. This rift becomes a pivot point and a window to understand how these two distinct dreamers complement each other. Hofmanis appears to be searching for something to fill a personal void and is fortunate to find these passionate Ugandan filmmakers. At the same time, Nabwana’s wife, Harriet, is not portrayed as a victim of her husband’s obsession; on the contrary, she shares the same fervor for filmmaking. The creators of the documentary, Czubek and Perez, offer a respectful yet amazed view of Wakaliwood, recognizing Nabwana’s simple goal: for everyone to have fun. This spirit is what distinguishes Wakaliwood as the home of the best movies.
Spanish review
Wakaliwood, una industria cinematográfica autogestionada de Uganda, prospera con la realización de películas de micro presupuesto y se ha situado en el mapa mundial. El documental “Once Upon a Time in Uganda” no comienza en Uganda, sino en Kazajstán, con una escena enigmática del actor estadounidense Alan Hofmanis en un desértico paisaje montañoso. Hofmanis, al encontrarse en el empobrecido barrio de Wakaligo en Uganda, situado fuera de la capital, Kampala, se convirtió inesperadamente en la estrella de una serie de películas de acción de bajo presupuesto. Estas películas fueron creadas por Nabwana I.G.G., una figura influyente conocida como el padrino de Wakaliwood, quien también resulta ser un fabricante de ladrillos. Wakaliwood, como explica VJ Emmie, es como Hollywood, pero mejor, con la característica única de una pista de comentarios continua que añade humor y descripción a las películas.
El documental, dirigido por Cathryne Czubek, lleva a su audiencia a las realidades contrastantes de la industria cinematográfica de Uganda: desde los cloacales abiertos hasta los corazones abiertos. La experiencia cinematográfica es predominantemente para los ricos, dejando a los menos afortunados confiar en copias caseras de clásicas películas de acción americanas. Inspirado por estas circunstancias, Nabwana fundó Ramon Film Productions para crear sus propias películas entretenidas utilizando equipos de bajo costo, actores voluntarios, efectos de bricolaje, y una suite de edición ensamblada por él mismo. Contribuyendo al entusiasmo contagioso está Dauda, un alegre fabricante y maestro de utilería. Las películas únicas e intrigantes producidas por Nabwana han encontrado admiradores tanto en Hofmanis como en una audiencia global. Las películas de Wakaliwood, como “Bad Black” y “Who Killed Captain Alex” de Nabwana, han alcanzado el estatus de culto en YouTube y son aclamadas en festivales de cine, lo que ha llevado a lanzamientos físicos por parte del American Genre Film Archive.
El documental no presenta únicamente una representación alegre de estos insólitos forasteros; revela el creciente discordancia entre Hofmanis y Nabwana. Hofmanis ve un potencial internacional en estos proyectos, mientras que Nabwana aspira a fortalecer la industria cinematográfica ugandesa. Esta fisura se convierte en un punto de inflexión y una ventana para entender cómo estos dos soñadores distintos se complementan el uno al otro. Hofmanis parece estar buscando algo para llenar un vacío personal y tiene la suerte de encontrar a estos apasionados cineastas ugandeses. Al mismo tiempo, la esposa de Nabwana, Harriet, no se presenta como una víctima de la obsesión de su marido; por el contrario, comparte el mismo fervor por la realización de películas. Los creadores del documental, Czubek y Perez, ofrecen una visión respetuosa y a la vez asombrada de Wakaliwood, reconociendo el objetivo simple de Nabwana: que todos se diviertan. Este espíritu es lo que distingue a Wakaliwood como el hogar de las mejores películas.
Once Upon a Time in Uganda – Trailer oficial
Movie information
// Director: Cathryne Czubek, Hugo Perez
// Cast: Nabwana I.G.G., V.J. Emmie, Alan Hofmanis, Bukenya Charles, Bisaso Dauda, Manisuru Kizza, Asiimwe Apollo, Namutebi Ritah, Kazibwe Ronald, Harriet Nabwana
Score [...]
Amanda
SINOPSIS
Amanda, de 24 años, vive en su mayor parte aislada y no tiene amigos, aunque es lo que más desea en el mundo. Se embarcará en una misión para convencer a su amiga de la infancia de que todavía son las mejores amigas.
Movie Short Review
English review
Carolina Cavalli’s film “Amanda” draws a portrait of loneliness, focusing on the protagonist’s struggle to forge connections in a world often experienced through cinema screens. The titular character, Amanda, seeks to rekindle a childhood bond with Rebecca, a friend who hasn’t left her room in years. The intention behind this is touching: Amanda desires someone she can relate to and share the cinema experience with. She is depicted as a young woman trapped in her own world, whose manners and lifestyle frustrate those around her. Despite living in a luxurious environment, her idleness serves as both her refuge and prison, and any redeeming qualities she may have seem to fade as she continues to aimlessly drift in her pool of isolation and confusion.
Amanda, a 25-year-old with no friends, is often seen aimlessly wandering around her family’s villa. The character’s realism is amplified by Benedetta Porcaroli’s portrayal and the apt wardrobe choices of costume designer Francesca Cibischino. A notable aspect of the film is the lack of costume changes, which adds a touch of humor to Amanda’s attempts to avoid social interactions. Her surroundings seem to validate her withdrawal from society, with the large but welcoming family home in stark contrast to the somewhat inhospitable city. The film effectively employs a peculiar surrealism to depict the desolation that comes from having no one to talk to and the fear that social situations can induce.
The depiction of loneliness in Amanda shares similarities with past films that tackle the theme of youthful isolation, using stylistic elements that recall the works of Anderson and the eccentricity of Moonrise Kingdom. However, the film takes a darker turn, suggesting that beneath the comic relief and glimpses of hope lurks the monstrous presence of existential despair, a fear that torments many of the characters. It also reflects the modern challenges following the pandemic era, where the digital world mediates many of our interactions, and economic factors lead to an extended childhood. Yet, this somber undercurrent starkly contrasts with the film’s playful surrealism. As a result, the film seems caught between fantasy and reality, limiting its charm. Amanda is likely to resonate more with those who lead a life similar to its protagonist rather than providing reasons to change.
Spanish review
La película “Amanda” de Carolina Cavalli traza un retrato de la soledad, centrando la atención en la lucha de la protagonista por forjar vínculos en un mundo a menudo experimentado a través de las pantallas de cine. La personaje titular, Amanda, busca reavivar un vínculo infantil con Rebecca, una amiga que no ha abandonado su habitación en años. La intención detrás de esto es conmovedora: Amanda desea a alguien con quien pueda relacionarse y compartir la experiencia del cine. Se la describe como una joven atrapada en su propio mundo, cuyas maneras y estilo de vida frustran a quienes la rodean. A pesar de vivir en un ambiente de lujo, su ociosidad es a la vez su refugio y prisión, y las cualidades redentoras que pueda tener parecen desvanecerse a medida que continúa flotando sin rumbo en su piscina de aislamiento y confusión.
Amanda, una joven de 25 años sin un amigo a su nombre, se ve a menudo deambulando sin rumbo por la villa familiar. El realismo de la personaje se ve potenciado por la interpretación de Benedetta Porcaroli y las acertadas elecciones de vestuario de la diseñadora Francesca Cibischino. Un aspecto notable de la película es la falta de cambios de vestuario, lo que añade un toque de humor a los intentos de Amanda de evitar las interacciones sociales. Sus alrededores parecen validar su retiro de la sociedad, con el hogar familiar, grande pero acogedor, en marcado contraste con la ciudad algo inhóspita. La película emplea eficazmente un surrealismo peculiar para retratar la desolación que proviene de no tener a nadie con quien hablar y el miedo que las situaciones sociales pueden inducir.
La representación de la soledad en Amanda comparte similitudes con películas pasadas que abordan el tema del aislamiento juvenil, utilizando elementos estilísticos que recuerdan las obras de Anderson y la excentricidad de Moonrise Kingdom. Sin embargo, la película toma un giro más oscuro, insinuando que bajo el alivio cómico y los atisbos de esperanza se encuentra la presencia monstruosa de la desesperación existencial, un temor que atormenta a muchos de los personajes. También refleja los desafíos modernos posteriores a la era de la pandemia, donde el mundo digital media muchas de nuestras interacciones, y los factores económicos llevan a una prolongación de la infancia. No obstante, este sombrío trasfondo contrasta fuertemente con el surrealismo juguetón de la película. En consecuencia, la película parece atrapada entre la fantasía y la realidad, lo que limita su encanto. Amanda es probable que resuene más con aquellos que llevan una vida similar a su protagonista más que ofrecer razones para cambiar.
Amanda – Trailer oficial
Movie information
// Elsinore Film, Wildside, Tenderstories
// Director: Carolina Cavalli
// Cast: Benedetta Porcaroli, Galatéa Bellugi, Michele Bravi, Monica Nappo, Margherita Maccapani Missoni, Giovanna Mezzogiorno
Score [...]
Stephen Curry: Underrated
SINOPSIS
El relato del viaje al estrellato que ha seguido uno de los jugadores de baloncesto más influyentes y sorprendentes en la historia de este deporte: Stephen Curry. Este documental, que combina imágenes actuales, de archivo y entrevistas grabadas, narra el ascenso de Curry desde sus comienzos en un pequeño equipo universitario y los problemas por su altura hasta lograr los cuatro campeonatos de la NBA que tiene en la actualidad, que le han hecho formar parte de una de las dinastías baloncestísticas más poderosas del mundo.
Movie Short Review
English review
Basketball is an American sport where players’ personalities are readily apparent due to its open and engaging nature. For any filmmaker attempting a biographical documentary on a basketball player, the challenge lies in adding value to what is already visible to the audience. NBA player Stephen Curry is an example of such a case. Though he doesn’t have the most imposing personality, Curry is far from being a characterless individual. A man unafraid to show emotion, he has lived a life immersed in sports and built a successful career in basketball, as demonstrated in the opening minutes of the documentary “Stephen Curry: Underrated”. To understand his journey, director Peter Nicks revisits Curry’s college years. The film largely focuses on Curry’s recruitment by Davidson College and his transformation from an undervalued point guard to a topic of national conversation.
“Underrated” highlights the lesser-seen moments of Curry’s time at Davidson, showcasing a more carefree and spontaneous side of him. Despite being entertaining, the film seems to struggle to justify its existence as it retraces the well-trodden path of Curry’s career. It tries to explain Curry’s success through his technical preparations, but the documentary leans more towards self-psychology, touching on his motivations and desire to prove his detractors wrong. However, the documentary serves as a mirror to Curry’s life, a notably fortunate sports journey.
The documentary presents Curry as a well-adjusted superstar who approaches his work with a routine-like attitude. However, there are times when Curry’s life seems more interesting in theory than in practice, such as his decision to complete his Davidson degree years after leaving college to enter the NBA Draft. While some parts appear redundant or lacking in depth, “Underrated” continues to offer interesting insights when it delves into Curry’s daily practice routine. Ultimately, though the film does an effective job of capturing Curry’s past two decades, it doesn’t add much new to what’s already visible about him. It gives the impression that it might have been better suited to a different medium, as it sometimes seems more like a written profile than a documentary.
Spanish review
El baloncesto es un deporte estadounidense donde las personalidades de los jugadores son fácilmente perceptibles gracias a su naturaleza abierta y atractiva. Para cualquier cineasta que intente realizar un documental biográfico sobre un jugador de baloncesto, el desafío radica en aportar valor a lo que ya es visible para la audiencia. El jugador de la NBA, Stephen Curry, es un ejemplo de tal caso. Aunque no tiene la personalidad más imponente, Curry está lejos de ser una persona sin carácter. Un hombre que no teme mostrar sus emociones, ha vivido rodeado de deportes y ha construido una carrera exitosa en el baloncesto, tal como se demuestra en los primeros minutos del documental “Stephen Curry: Underrated”. Para entender su trayectoria, el director Peter Nicks vuelve a los tiempos universitarios de Curry. La película se centra en gran medida en el reclutamiento de Curry por parte de Davidson College y cómo se transformó de un base infravalorado a un tema de conversación nacional.
“Underrated” destaca los momentos menos vistos de Curry en Davidson, mostrando un lado más despreocupado y espontáneo de él. A pesar de ser entretenida, la película parece luchar por justificar su existencia, ya que vuelve a recorrer el camino bien conocido de la carrera de Curry. Intenta explicar el éxito de Curry a través de sus preparativos técnicos, pero el documental tiende a inclinarse más hacia la auto-psicología, tocando sus motivaciones y el deseo de demostrar que sus detractores están equivocados. Sin embargo, el documental sirve como un espejo de la vida de Curry, una trayectoria deportiva notablemente afortunada.
El documental presenta a Curry como una superestrella bien ajustada que se enfrenta a su trabajo con una actitud similar a la rutina. Sin embargo, hay momentos en los que la vida de Curry parece más interesante en teoría que en la práctica, como su decisión de completar su título de Davidson años después de dejar la universidad para entrar en el draft de la NBA. A pesar de que algunas partes parecen redundantes o carentes de profundidad, “Underrated” sigue ofreciendo perspectivas interesantes cuando se adentra en la rutina diaria de práctica de Curry. En última instancia, aunque la película hace un trabajo efectivo al capturar las dos últimas décadas de Curry, no añade mucho nuevo a lo que ya es visible sobre él. Da la impresión de que podría haber sido más adecuada para un medio diferente, ya que a veces parece más un perfil escrito que un documental.
Stephen Curry: Underrated – Trailer oficial
Movie information
// Apple TV+
// Director: Peter Nicks
// Cast: Stephen Curry
SOBRE EL DIRECTOR
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Score [...]
El regreso de las golondrinas
SINOPSIS
La humilde y sencilla Ma, y el tímido Cao, han sido expulsados de sus respectivas familias y obligados a contraer un matrimonio concertado. Ahora tendrán que aunar sus fuerzas y construir un hogar donde sobrevivir. En medio de la adversidad, comienza a forjarse entre ellos un vínculo, ya que tanto Ma como Cao, en sintonía con los ciclos de la Tierra, se crean un refugio en el que pueden prosperar.
Movie Short Review
English review
“Return to Dust”, a tender and thought-provoking drama by director Li Ruijun, presents a unique love story. It’s about two people whose affection is shown more through actions than words or emotions. The story starts with a marriage of convenience between Guiying, a middle-aged woman with health problems, and Youtie, a stoic farm worker. Guiying, deemed past her childbearing years and battling chronic diseases such as incontinence, is joined in marriage to Youtie, a man who leads a monotonous life, accepting his fate with unflinching neutrality. This marriage, although not convenient for them, benefits their families. Living in extreme poverty, the pair form an unlikely alliance that slowly evolves from a purely transactional relationship into something resembling love.
The narrative unfolds in the desolate and arid landscape of the Gansu region in northwestern China, known to be the poorest region in the country. In this barren setting, Guiying and Youtie strive to create their own slice of paradise. The process of building their humble dwelling, a mud hut, forms a significant part of the story. Each step, from making each red-brown “brick” to its final assembly, is depicted with meticulous detail. Their struggle to build a life together amidst tough circumstances serves as a metaphor for their evolving relationship. However, these portrayals of rural hardship seem to have unsettled the censors, leading to the film being pulled from theaters, despite its initial approval.
The film subtly criticizes a political system that seems oblivious to the true struggles of its people. In one scene, the couple’s confusion is depicted when they’re relocated to an apartment block, unsure of how to accommodate their livestock, including a donkey. Despite their hardships, the film ultimately becomes a moving love story, where the unlikely couple establishes a bond based on deep understanding and empathy. Although its slow pace may test the audience’s patience at times, the film offers a touching climax that justifies the wait. This depiction of rural life, initially considered taboo by the Chinese government, paints an authentic and relatable portrait of the human experience.
Spanish review
“El regreso de las golondrinas”, un drama tierno y provocador del director Li Ruijun, ofrece una historia de amor única. Se trata de dos personas que expresan su cariño a través de acciones más que de palabras o emociones. La historia comienza con un matrimonio de conveniencia entre Guiying, una mujer de mediana edad con problemas de salud, y Youtie, un trabajador agrícola estoico. Guiying, quien está considerada más allá de su edad reproductiva y lucha contra enfermedades crónicas como la incontinencia, se une en matrimonio con Youtie, un hombre que lidera una vida monótona aceptando su destino con una neutralidad imperturbable. Este matrimonio, aunque no es conveniente para ellos, beneficia a sus familias. Viviendo en una extrema pobreza, la pareja forma una alianza improbable que evoluciona lentamente de una relación puramente transaccional a algo que se asemeja al amor.
La narrativa se desarrolla en el desolado y árido paisaje de la región de Gansu, en el noroeste de China, conocida por ser la región más pobre del país. En este paraje estéril, Guiying y Youtie se esfuerzan por crear su propio pedazo de paraíso. El proceso de construcción de su humilde morada, una cabaña de barro, forma una parte significativa de la historia. Cada paso, desde la creación de cada “ladrillo” marrón rojizo hasta su ensamblaje final, se muestra con meticuloso detalle. Su lucha por construir una vida juntos en medio de circunstancias difíciles sirve como metáfora de su relación en desarrollo. Sin embargo, estas representaciones de la dureza rural parecen haber inquietado a los censores, lo que llevó a que la película fuera retirada de los cines, a pesar de su aprobación inicial.
La película critica de manera sutil un sistema político que parece ajeno a las verdaderas luchas de su pueblo. En una escena, se retrata la confusión de la pareja cuando son reubicados en un bloque de apartamentos, sin saber cómo acomodar a su ganado, incluido un burro. A pesar de sus dificultades, la película finalmente se convierte en una conmovedora historia de amor, en la que la improbable pareja establece un vínculo basado en un profundo entendimiento y empatía. A pesar de que su ritmo lento puede poner a prueba la paciencia de los espectadores en algunos momentos, la película ofrece un clímax conmovedor que justifica la espera. Esta representación de la vida rural, aunque inicialmente considerada tabú por el gobierno chino, pinta un retrato auténtico y relatable de la experiencia humana.
El regreso de las golondrinas – Trailer oficial
Movie information
// Qizi Films, Beijing Showcase Culture Media, Shenzhen Haiyuan Dream Media, Alibaba Pictures, Aranya Pictures
// Director: Li Ruijun
// Cast: Wu Renlin, Christina Hai
Score [...]
Sound of Freedom
SINOPSIS
Narra la historia de Tim Ballard, un ex Agente de Seguridad Nacional de Estados Unidos que dejó su trabajo para dedicar su vida, sumergiéndose en el submundo del tráfico de personas a lo largo de Latinoamérica, a intentar salvar las vidas de cientos de niños.
Movie Short Review
English review
“Sound of Freedom”, directed by Alejandro Monteverde, tries to tell a crucial story but feels quite tedious due to its insistence on being a ‘message-first’ movie above all. Although it’s clear that the director had grand cinematic aspirations, aiming to create an art-house horror film, the end result is somewhat monotonous. The movie is saturated with dark, somber elements that stem from the bleak world it portrays. However, this overemphasis on projecting importance prevents the film from becoming a more immersive cinematic experience.
Despite its compelling themes, “Sound of Freedom” fails to deliver a captivating narrative. The film focuses on the protection of children, a universally important cause that resonates with all audiences. It tries to tap into the tension and fear, much like movies such as “Gone Baby Gone” and “Taken”, that emerge from stories about children in danger. However, the movie’s extreme commitment to solemnity and suffering often leads to its failure in properly developing its ideas, characters, and storyline. Unfortunately, there’s a lack of intensity in the protagonist’s relentless search for two children. The ‘true story’ framework of the movie does little to add a distinctive edge to it.
Interestingly, instead of creating tension through its story, the film often resorts to placing the protagonist in dull scenes with simplistic villains. The depicted undercover missions seem more about making the audience uncomfortable than showcasing the protagonist’s peril. Furthermore, the dialogues are often minimal, reducing complex scenes to a handful of lines. For instance, the protagonist’s motivation to change his line of work is explained in just one line, further undercutting the film’s depth. The character of Katherine, played by Mira Sorvino, who is supposedly the inspiration for the protagonist’s journey, is given barely any screen time or meaningful dialogue. Jim Caviezel’s performance, while restrained and intriguing, loses its appeal as his character, like many others, lacks depth and development.
“Sound of Freedom” tries to spark a conversation about child sex trafficking but falls short in providing informative content. Some facts about modern slavery are mentioned at the end, and the movie claims to have contributed to international legislation related to child trafficking, but these elements are overshadowed by the film’s self-centeredness. The movie ends with Jim Caviezel encouraging viewers to spread the word about the film, in the hopes of raising awareness and ending child trafficking. However, the movie fails to provide a clear understanding of how watching it could genuinely help combat this issue. This leaves “Sound of Freedom” with an unsettling aura of insincerity.
Spanish review
“Sound of Freedom”, dirigida por Alejandro Monteverde, intenta contar una historia crucial, pero se siente bastante tediosa debido a su insistencia en ser una película ‘con mensaje’ ante todo. Aunque es evidente que el director tenía grandes aspiraciones cinematográficas, con el objetivo de crear una película de terror con aire de cine de autor, el resultado final es algo monótono. La película está saturada de elementos oscuros y sombríos que derivan del mundo desolador que retrata. Sin embargo, esta sobreexposición al intentar proyectar importancia impide que la película se convierta en una experiencia cinematográfica más inmersiva.
A pesar de sus temas conmovedores, “Sound of Freedom” no logra entregar una narrativa cautivadora. La película se enfoca en la protección de los niños, una causa universalmente importante que resuena con todas las audiencias. Intenta captar la tensión y el miedo, al igual que películas como “Gone Baby Gone” y “Taken”, que emergen de historias sobre el peligro que corren los niños. Sin embargo, el compromiso extremo de la película con la solemnidad y el sufrimiento a menudo lleva a su fracaso en desarrollar adecuadamente sus ideas, personajes e historia. Lamentablemente, falta intensidad en la búsqueda incansable del protagonista por dos niños. El marco de ‘historia real’ de la película no hace mucho por agregarle un filo distintivo.
Curiosamente, en lugar de crear tensión a través de su historia, la película recurre a menudo a situar al protagonista en escenas aburridas con villanos simplistas. Las misiones encubiertas que se muestran parecen más encaminadas a hacer sentir incómodo al público que a mostrar el peligro que corre el protagonista. Además, los diálogos son a menudo mínimos, reduciendo escenas complejas a un puñado de líneas. Por ejemplo, la motivación del protagonista para cambiar su línea de trabajo se explica en una sola línea, lo cual socava aún más la profundidad de la película. El personaje de Katherine, interpretado por Mira Sorvino, quien supuestamente inspira el viaje del protagonista, apenas tiene tiempo en pantalla o diálogos significativos. La actuación de Jim Caviezel, aunque contenida e intrigante, pierde su atractivo ya que su personaje, como muchos otros, carece de profundidad y desarrollo.
“Sound of Freedom” intenta incitar una conversación sobre la trata de niños para la explotación sexual, pero no logra proporcionar contenido informativo. Se mencionan algunos datos sobre la esclavitud moderna al final, y la película afirma haber contribuido a la legislación internacional relacionada con la trata de niños, pero estos elementos quedan eclipsados por el egocentrismo de la película. La película termina con Jim Caviezel animando a los espectadores a difundir la palabra sobre la película, con la esperanza de crear conciencia y poner fin a la trata de niños. Sin embargo, la película no logra proporcionar una comprensión clara de cómo verla podría ayudar genuinamente a combatir este problema. Esto deja a “Sound of Freedom” con un aura inquietante de insinceridad.
Sound of Freedom – Trailer oficial
Movie information
// Santa Fé Films
// Director: Alejandro Monteverde
// Cast: Jim Caviezel
SOBRE EL DIRECTOR
El productor y director José Alejandro Gómez Monteverde mejor conocido como, Alejandro Monteverde, nació el 13 de julio de 1977 en Tampico, Tamaulipas, México. Estudió en la Universidad de Texas y en 2001 dirigió y produjo su primer cortometraje, Bocho, al que siguieron otros como Snack Attack, Crescendo I, El descubrimiento, Historia de un letrero y Waiting for Trains. En 2006 realizó su primer largometraje Bella, la cual escribió y dirigió, la cinta participó con gran éxito en el Festival Internacional de Cine de Toronto, obteniendo el premio People’s Choice. En 2015 dirigió y coescribió Little Boy, una película ambientada en la Segunda Guerra Mundial protagonizada por Jakob Salvati, Emily Watson y David Henrie. Entre sus proyectos más recientes como director encontramos las cintas The Conviction, Mary, Mother of Christ y Sound of Freedom, mientras que como productor se enroló en el proyecto The Wingwalker, protagonizada por Julio Cesar Cedillo, Omar Chaparro y Max Arciniega.
Score [...]
Oppenheimer
SINOPSIS
En tiempos de guerra, el brillante físico estadounidense Julius Robert Oppenheimer (Cillian Murphy), al frente del “Proyecto Manhattan”, lidera los ensayos nucleares para construir la bomba atómica para su país. Impactado por su poder destructivo, Oppenheimer se cuestiona las consecuencias morales de su creación. Desde entonces y el resto de su vida, se opondría firmemente al uso de armas nucleares.
Movie Short Review
English review
“Oppenheimer”, a captivating drama directed by Christopher Nolan, unveils the life and legacy of the renowned American physicist, J. Robert Oppenheimer, known as the ‘father of the atomic bomb’. This three-hour film, featuring a compelling performance by Cillian Murphy, seamlessly blends elements of courtroom procedural, Cold War thriller, and character study, leaving us intrigued by the complexities of Oppenheimer’s life. Nolan’s talent for creating exquisite visuals and exceptional craftsmanship shines in this portrait of a brilliant, yet tormented man, whose late realization of the horrifying impact of his creation is profound. Universal will release the film in the UK and the US on July 21, and despite its serious, non-commercial theme, Nolan’s reputation and the ensemble of Oscar-winning actors may attract viewers. A point of interest is the simultaneous release of “Barbie”, causing online excitement coined as “Barbenheimer”, potentially boosting the commercial success of both films. Award nominations for “Oppenheimer” also seem likely in the future.
Cillian Murphy stars as Oppenheimer, with the film focusing on two pivotal periods in the scientist’s life. Firstly, the 1940s, when Oppenheimer leads the Manhattan Project, leading to the development of the first atomic weapon, and secondly, the 1950s, when he grapples with the emotional and political consequences of his world-altering invention. Nolan, alongside editor Jennifer Lame, seamlessly transitions between these timelines, vividly depicting the intense 1950s hearings concerning Oppenheimer’s security clearance renewal, and the appointment of Lewis Strauss (Robert Downey Jr.) to the Atomic Energy Commission. This appointment becomes a significant plot point due to Strauss’s connection to Oppenheimer. Projected in 70mm IMAX, the cinematography by Hoyte van Hoytema lends a grandeur to the film that underscores the high stakes of Oppenheimer’s quest to develop atomic weapons. Murphy convincingly portrays Oppenheimer’s intellectual superiority and unshakeable confidence, while maintaining an enigmatic aura that intrigues viewers.
Once Oppenheimer assembles America’s top scientists for the Manhattan Project in the desolate deserts of New Mexico to conduct perilous nuclear tests, Nolan captures the sense of impending doom, rather than excitement. The long-awaited detonation of the first atomic bomb, rather than being thrilling, is filled with a dreadful anticipation, reflecting the protagonist’s slow realization of the danger he has unleashed upon the world. Matt Damon’s portrayal of Leslie Groves, a government official suspicious of Oppenheimer, provides a fascinating contrast to Murphy’s calm and collected Oppenheimer. Meanwhile, Robert Downey Jr.’s depiction of Lewis Strauss as a shrewd political player with a different kind of intelligence than Oppenheimer adds further depth to the narrative. However, the underutilized roles of Emily Blunt and Florence Pugh, playing Oppenheimer’s wife and former lover respectively, leave a significant gap in the film’s emotional fabric. The film concludes with a complex portrayal of Oppenheimer, a patriot branded as a communist sympathizer during the Red Scare following the Second World War, thus leaving us with a lingering sense of unease akin to the dread of a potential atomic catastrophe. This tension underscores the relevance of Oppenheimer’s legacy, even 55 years after his death.
Spanish review
“Oppenheimer”, un cautivador drama dirigido por Christopher Nolan, desvela la vida y el legado del famoso físico estadounidense, J. Robert Oppenheimer, conocido como el ‘padre de la bomba atómica’. Esta película de tres horas, con una actuación convincente de Cillian Murphy, fusiona sin esfuerzo elementos de procedimiento judicial, thriller de la Guerra Fría y estudio de personajes, dejándonos intrigados por las complejidades de la vida de Oppenheimer. El talento de Nolan para crear visuales exquisitos y su excepcional habilidad técnica brillan en este retrato de un hombre brillante, pero atormentado, cuya tardía comprensión del impacto aterrador de su creación es profunda. Universal lanzará la película en el Reino Unido y Estados Unidos el 21 de julio, y a pesar de su temática seria y no comercial, la reputación de Nolan y el reparto repleto de actores ganadores de premios Oscar podrían atraer espectadores. Un punto de interés es el lanzamiento simultáneo de “Barbie”, que causa excitación en línea acuñada como “Barbenheimer”, lo que potencialmente podría impulsar el éxito comercial de ambas películas. Las nominaciones a premios para “Oppenheimer” también parecen probables en el futuro.
Cillian Murphy protagoniza como Oppenheimer, y la película se centra en dos periodos cruciales en la vida del científico. Primero, los años 40, cuando Oppenheimer lidera el Proyecto Manhattan, que lleva al desarrollo de la primera arma atómica, y segundo, los años 50, cuando lidia con las consecuencias emocionales y políticas de su invento que cambió el mundo. Nolan, junto a la editora Jennifer Lame, transita sin problemas entre estos períodos de tiempo, representando vívidamente las intensas audiencias de los años 50 en torno a la renovación de la autorización de seguridad de Oppenheimer y el nombramiento de Lewis Strauss (Robert Downey Jr.) para la Comisión de Energía Atómica. Este nombramiento se convierte en un punto de trama significativo debido a la conexión de Strauss con Oppenheimer. Proyectada en IMAX de 70mm, la cinematografía de Hoyte van Hoytema aporta una grandiosidad al film que subraya las altas apuestas de la búsqueda de Oppenheimer para desarrollar armas atómicas. Murphy retrata convincentemente la superioridad intelectual y la confianza inquebrantable de Oppenheimer, mientras mantiene un aura enigmática que intriga a los espectadores.
Una vez que Oppenheimer reúne a los mejores científicos de América para el Proyecto Manhattan en los desiertos desolados de Nuevo México para realizar peligrosas pruebas nucleares, Nolan captura el sentido de la fatalidad inminente, más que la emoción. La largamente esperada detonación de la primera bomba atómica, en lugar de ser emocionante, está llena de una anticipación aterradora, reflejando la lenta realización del protagonista del peligro que ha liberado al mundo. La interpretación de Matt Damon de Leslie Groves, un funcionario del gobierno desconfiado de Oppenheimer, proporciona un contraste fascinante con el Oppenheimer tranquilo y recogido de Murphy. Mientras tanto, la representación de Robert Downey Jr. de Lewis Strauss como un astuto jugador político con un tipo de inteligencia diferente a la de Oppenheimer añade más profundidad a la narrativa. Sin embargo, los roles subutilizados de Emily Blunt y Florence Pugh, que interpretan a la esposa y la antigua amante de Oppenheimer respectivamente, dejan un vacío significativo en el tejido emocional de la película. La película concluye con una representación compleja de Oppenheimer, un patriota marcado como simpatizante comunista durante el Pánico Rojo que siguió a la Segunda Guerra Mundial, dejándonos con una sensación de inquietud persistente similar al temor de una potencial catástrofe atómica. Esta tensión subraya la relevancia del legado de Oppenheimer, incluso 55 años después de su muerte.
Oppenheimer – Trailer oficial
Movie information
// Universal Pictures, Atlas Entertainment, Syncopy Production, Gadget Films
// Director: Christopher Nolan
// Cast: Cillian Murphy, Robert Downey Jr., Matt Damon, Emily Blunt, Florence Pugh, Rami Malek, Benny Safdie, Josh Hartnett, Dane DeHaan, Jack Quaid
SOBRE EL DIRECTOR
Uno de los directores más admirados y respetados de los años recientes, Christopher Edward Nolan nació en Westminster, Londres, en el Reino Unido, el 30 de julio de 1970. Hijo de Brendan y Christina Nolan, ejecutivo de publicidad y azafata, respectivamente, Chris paso su infancia entre Londres y Chicago, donde adquirió el gusto por el cine, desde muy pequeño, quien, como muchos directores, empezó a filmar películas caseras en formato súper 8. Luego de estudiar literatura inglesa, en la University College de Londres, Chris se casó con su novia, Emma Thomas, quien, con los años, se convertiría en su productora y mano derecha de todas sus cintas. Sus cortometrajes fueron celebrados, siendo su primero, Tarantella, exhibido en el Image Union, exhibición de cine independiente. El siguiente, Larceny, fue selección del Cambridge Film Festival, en 1996.
En 1998, Nolan debuta en el cine, con la cinta Following (1998), sobre un escritor obsesionado con seguir los movimientos de otras personas. Nolan realizó la cinta durante los fines de semana de descanso, mientras estudiaba la universidad aún, en blanco y negro y con una cámara de 16 mm. Su siguiente cinta, basada en una historia de su hermano Jonathan, fue la aclamada Amnesia (2000), cuya estructura no lineal capturó la atención de crítica y público por igual. La cinta fue nominada, en las categorías de Mejor guión original y Mejor edición, en los premios de la Academia, en 2002, además de ser ganadora como Mejor director en los Independent Spirit Awards. En 2002, Chris dirige la cinta Insomnia (2002), remake de la cinta homonima de Noruega, trabajando con Al Pacino y Robin Williams. Su siguiente trabajo fue darle nueva vida al personaje de Batman, con la cinta Batman Inicia (2005), elegido para revivir la franquicia, luego del fracaso que fue Batman & Robin (1998). La cinta fue un éxito en taquilla y en la crítica, dando pie a lo que se convertiría en una trilogía celebrada, con El caballero de la noche (2008) y El caballero de la noche asciende (2012), cintas que han marcado un antes y después para las cintas basadas en comics.
Entre su trabajo en la trilogía de Batman, Nolan dirigió dos de las cintas más celebradas, El gran truco (2006), con Christian Bale y Hugh Jackman; y El origen (2010), con Leonardo DiCaprio, la cual fue nominada como Mejor película, en los premios Oscar, en 2011. En 2014, Nolan dirige la cinta Interestelar, una épica espacial, estelarizada por Matthew McConaughey, Anne Hathaway y Jessica Chastain. Recientemente dirigió la cinta Dunkerque (2017), por la cual obtuvo nominaciones a Mejor película y Mejor director, en los premios de la Academia de 2018.
Score [...]
Barbie
SINOPSIS
Barbie (Margot Robbie) lleva una vida ideal en Barbieland, allí todo es perfecto, con chupi fiestas llenas de música y color, y todos los días son el mejor día. Claro que Barbie se hace algunas preguntas, cuestiones bastante incómodas que no encajan con el mundo idílico en el que ella y las demás Barbies viven. Cuando Barbie se dé cuenta de que es capaz de apoyar los talones en el suelo, y tener los pies planos, decidirá calzarse unos zapatos sin tacones y viajar hasta el mundo real.
Movie Short Review
English review
On my way to the cinema, I remembered my admiration for Margot Robbie’s performances in Birds of Prey and I, Tonya. I also reflected on my appreciation for Greta Gerwig’s work in Frances Ha and Little Women. I was aware that the Barbie movie would have to navigate through Mattel’s involvement and control over the massive Barbie brand. However, I was sure that director Greta Gerwig and co-writer Noah Baumbach would find their unique way to unravel and scrutinize modern femininity and feminist thought. I envisioned the film as somewhat humorous, a little profound, possibly a bit simplistic, but with the hope that it would be more intelligent than The Lego Movie.
To my surprise, Barbie turned out to be a movie about Ken. Ryan Gosling managed to steal the show so masterfully that I couldn’t feel upset with him. Margot Robbie brilliantly plays what the movie refers to as “Stereotypical Barbie” – the blonde bombshell that children in Mattel focus groups identify as Barbie when presented with a variety of Barbie dolls. Stereotypical Barbie starts the movie as a confident woman who knows exactly who she is and doesn’t wish for anything to change. She resides in Barbieland, a fantasy realm created by Mattel, powered by children’s imagination as they play with Barbie dolls. However, due to the intense existential angst experienced by her owner, Stereotypical Barbie is forced to venture into the harsh world of “Reality.”
From the beginning of the film, it’s evident that this is Ken’s movie. Barbie has it all, and Robbie depicts the simple, joyous happiness of Barbieland with a satisfied, albeit frozen smile. However, for Ken, it’s never been that simple. Ken is only happy when Barbie acknowledges him. In a world where every night is a girls’ night, Ken can never feel content. He’s frustrated with having to compete with all the other Kens for Barbie’s affection, with the attractive and relatively young Simu Liu playing a version of Ken that makes Gosling’s Ken sweat. Ken lacks purpose in Barbieland, and he wants that to change. Without Barbie, he’s nothing, and most of the time, Ken is without Barbie. He’s a secondary character whose main role in life is to hold her purse.
The film gradually establishes the charming realm of Barbieland so that there’s a stark contrast when the movie eventually enters Reality. But even in this initial act, Gosling steals every scene from the sidelines, his face marked by constant heartbreak due to Barbie’s lack of interest in him. As a viewer, I found myself more drawn to his narrative arc. However, the Barbie movie always stays one step ahead of this thought. It leads to an expert commentary on how girls will eventually realize that the real world is ruled by men, and their Kens have more power than their Barbies. Once Gosling’s Ken arrives in Reality, he also realizes this and becomes a men’s rights activist, transitioning from Barbie’s stand-in boyfriend to one of the most captivating antagonists in modern pop cinema.
The film’s comedic yet incisive commentary on toxic masculinity is its strongest thread as it affects Gosling’s Ken, and eventually all other Kens and Barbies in Barbieland. It was delightful to see Robbie’s Barbie find her voice and finally call out Ken. It was refreshing to see a man, for once, be the one who was made to feel small and not-good-enough. It was gratifying to see Robbie’s Barbie, despite not being a perfect feminist icon, still find a way to inspire girls and women to stand up and fight. Barbie isn’t just a doll. She’s a message of empowerment for all women, and the Barbie movie is a joyful tribute to that message. As I left the screening, I was filled with various emotions. It was wonderful to see the beloved Barbie brand from my childhood addressed with such consideration, humor, and empathy. The Barbie movie managed to be funny, deep, and remarkably intelligent, to my delight.
Spanish review
Mientras me dirigía al cine, recordé mi admiración por las actuaciones de Margot Robbie en Birds of Prey y I, Tonya. También pensé en mi aprecio por el trabajo de Greta Gerwig en Frances Ha y Mujercitas. Era consciente de que la película de Barbie tendría que sortear la participación y el control de Mattel sobre la enorme marca Barbie. Sin embargo, tenía la certeza de que la directora Greta Gerwig y el coescritor Noah Baumbach encontrarían su manera única de desentrañar y examinar la feminidad moderna y el pensamiento feminista. Me imaginé la película con un toque de humor, algo de profundidad, posiblemente un tanto simplista, pero con la esperanza de que fuera más inteligente que The Lego Movie.
Para mi sorpresa, Barbie resultó ser una película sobre Ken. Ryan Gosling logró acaparar la atención de tal manera que no pude sentirme molesta con él. Margot Robbie interpreta a la perfección a quien la película denomina “Barbie Estereotípica” – la despampanante rubia que los niños en los grupos focales de Mattel identifican como Barbie cuando se les presenta una variedad de muñecas Barbie. Barbie Estereotípica comienza la película como una mujer segura de sí misma que sabe exactamente quién es y no desea que nada cambie. Reside en Barbielandia, un reino de fantasía creado por Mattel que se alimenta de la imaginación de los niños mientras juegan con las muñecas Barbie. Sin embargo, debido a la intensa angustia existencial experimentada por su dueña, Barbie Estereotípica se ve obligada a aventurarse en el duro mundo de la “Realidad”.
Desde el inicio de la película, es evidente que esta es la película de Ken. Barbie lo tiene todo, y Robbie retrata la felicidad simple y alegre de Barbielandia con una sonrisa satisfecha, aunque congelada. Sin embargo, para Ken, nunca ha sido tan sencillo. Ken solo es feliz cuando Barbie lo reconoce. En un mundo donde todas las noches son noches de chicas, Ken nunca puede sentirse satisfecho. Se siente frustrado por tener que competir con todos los otros Kens por el afecto de Barbie, con el atractivo y relativamente joven Simu Liu interpretando una versión de Ken que hace sudar al Ken de Gosling. A Ken le falta propósito en Barbielandia y quiere que eso cambie. Sin Barbie, él no es nada y la mayor parte del tiempo, Ken está sin Barbie. Es un personaje secundario cuyo principal rol en la vida es sostener su bolso.
La película establece gradualmente el encantador reino de Barbielandia para que exista un contraste marcado cuando la película finalmente entra en la Realidad. Pero incluso en este acto inicial, Gosling se roba todas las escenas desde el margen, su rostro marcado por un constante desamor debido a la falta de interés de Barbie en él. Como espectadora, me sentí más atraída por su arco narrativo. Sin embargo, la película de Barbie siempre se mantiene un paso por delante de este pensamiento. Conduce a un comentario experto sobre cómo las chicas eventualmente se darán cuenta de que el mundo real está gobernado por hombres y que sus Kens tienen más poder que sus Barbies. Una vez que el Ken de Gosling llega a la Realidad, él también se da cuenta de esto y se convierte en un activista por los derechos de los hombres, pasando de ser el novio suplente de Barbie a uno de los antagonistas más cautivadores del cine pop moderno.
El comentario cómico pero incisivo de la película sobre la masculinidad tóxica es su hilo más fuerte, ya que afecta al Ken de Gosling, y eventualmente a todos los demás Kens y Barbies en Barbielandia. Fue encantador ver a la Barbie de Robbie encontrar su voz y finalmente enfrentar a Ken. Fue refrescante ver que, por una vez, un hombre era el que se sentía pequeño e insuficiente. Fue gratificante ver a la Barbie de Robbie, a pesar de no ser un ícono feminista perfecto, encontrar una manera de inspirar a las niñas y mujeres a levantarse y luchar. Barbie no es solo una muñeca. Es un mensaje de empoderamiento para todas las mujeres, y la película de Barbie es un alegre homenaje a ese mensaje. Al salir de la proyección, me llené de diversas emociones. Fue maravilloso ver que la querida marca Barbie de mi infancia se abordaba con tanta consideración, humor y empatía. La película de Barbie logró ser divertida, profunda y notablemente inteligente, para mi deleite.
Barbie – Trailer oficial
Movie information
// Warner Bros., Heyday Films, Mattel, LuckyChap Entertainment.
// Director: Greta Gerwig
// Cast: Margot Robbie, Ryan Gosling, Will Ferrell, Simu Liu, America Ferrera, Ariana Greenblatt, Ncuti Gatwa, Emma Mackey
SOBRE EL DIRECTOR
Greta Celeste Gerwig nació el 4 de agosto de 1983, en Sacramento, California, Estados Unidos. Hija de Gordon y Christine Gerwig, un programador informático y una enfermera, respectivamente, Greta pasó su infancia bajo una educación católica. Estudió, en su adolescencia, en el Barnard College, estudiando inglés y filosofía. Luego de ser rechazada en los programas de dramaturgia de la MFA, Greta abandonó sus deseos de convertirse en escritora, para interesarse en la actuación. Mientras cursaba en el colegio, Greta obtuvo la oportunidad de participar en la cinta LOL (2006), del director Joe Swanberg, para luego aparecer en la cinta Baghead (2008), de los hermanos Duplass. Fascinada por la actuación y por la manera de trabajar de Swanberg y Duplass, Greta se asoció con Swanberg, y ambos escribieron la cinta Hannah Takes the Stairs (2007), además de dirigir con él, en la cinta Nights and Weekends (2008), ambas estelarizadas por Greta.
Su trabajo con Swanberg es considerado como fundamental para el género conocido como “mumblecore”, un subgénero de cine independiente, de bajo presupuesto y rodajes naturales, donde también destacan directores como Lena Dunham, Zachary Treitz, Mark Duplass, Ti West y Adam Wingard. Greta ha participado como actriz en cintas como House of the Devil (2009), Greenberg: Un perdedor sin ilusiones (2010), Damiselas en apuros (2011), De Roma con amor (2012) y Frances Ha (2012), en la que, además de escribir el guion, fue nominada a los Globos de Oro, como mejor actriz de comedia. Recientemente, Greta ha conquistado tanto a la crítica como al público en general, por su cinta Lady Bird (2017), donde escribe y dirige una historia de crecimiento, la cual ha sido nominada como Mejor película y ella ha sido nominada como Mejor director y Mejor guión original, para los premios Oscar.
Score [...]
Disturbios
SINOPSIS
Las nuevas tecnologías están transformando una ciudad relojera del siglo XIX en Suiza. Josephine, una joven trabajadora de una fábrica, produce la rueda de disturbios, que gira en el corazón del reloj mecánico. Expuesta a nuevas formas de organizar el dinero, el tiempo y el trabajo, se involucra en el movimiento local de los relojeros anarquistas, donde conoce al viajero ruso Pyotr Kropotkin.
Movie Short Review
English review
“Unrest”, by Cyril Schäublin, is a historical drama that aims to connect with the contemporary audience, through a story set in the Swiss Jura of the late 19th century, highlighting the struggle for workers’ well-being. The film, framed in the current interest in collective activism, centers its plot on two characters: Josephine, a worker in a Swiss watch factory, and Pyotr Kropotkin, a Russian geographer linked to the anarchist movement. Despite its promising premise, “Unrest” presents an execution that does not meet its ambition, with some discordant elements.
The film portrays, in a documentary style, the harsh conditions of the workers, who are deprived of basic benefits, subjected to an exhaustive control of their time, and severely penalized for minor delays. The contrast is established with the depiction of a grassroots initiative in which the workers, united in solidarity, extend their support to communities in difficulties around the world, contrasting with the ambition of the local elite. The film questions what will triumph, anarchism or nationalism?
However, “Unrest” is somewhat static, with characters who seem passive observers and a dynamic between the protagonists that lacks force. Despite being set in a symbolic place for the anarchist movement, the film focuses on dialogues and disagreements resolved by voting, resulting in a somewhat simplistic representation of the ideological clash against the growing nationalism, which would lead to catastrophic wars. In short, “Unrest” appears too restrained to effectively portray this conflict.
Spanish review
“Disturbios”, de Cyril Schäublin, es un drama histórico que pretende conectar con la audiencia contemporánea, a través de una historia ubicada en el Jura suizo de finales del siglo XIX, que destaca la lucha por el bienestar de los trabajadores. La película, que se enmarca en el actual interés por el activismo colectivo, centra su trama en dos personajes: Josephine, una trabajadora de una fábrica de relojes, y Pyotr Kropotkin, un geógrafo ruso vinculado al movimiento anarquista. A pesar de su prometedor planteamiento, “Disturbios” presenta una ejecución que no cumple con su ambición, con algunos elementos discordantes.
La cinta retrata, con estilo documental, las duras condiciones de los trabajadores, quienes son privados de beneficios básicos, sometidos a un control exhaustivo de su tiempo y severamente penalizados por mínimos retrasos. El contraste se establece con la representación de una iniciativa de base en la que los trabajadores, unidos en solidaridad, extienden su apoyo a comunidades en dificultades alrededor del mundo, contrastando con la ambición de la élite local. La película cuestiona qué triunfará, ¿el anarquismo o el nacionalismo?
Sin embargo, “Disturbios” peca de ser algo estático, con personajes que parecen observadores pasivos y una dinámica entre los protagonistas que carece de fuerza. A pesar de estar ambientada en un lugar simbólico para el movimiento anarquista, la película se enfoca en diálogos y desacuerdos resueltos por votación, resultando en una representación algo simplista del choque ideológico contra el creciente nacionalismo, que desembocaría en guerras catastróficas. En definitiva, “Disturbios” se muestra demasiado contenido para retratar de manera eficaz este conflicto.
Disturbios – Trailer oficial
Movie information
// Seeland Filmproduktion
// Director: Cyril Schäublin
// Cast: Clara Gostynski, Alexei Evstratov, Valentin Merz, Li Tavor, Daniel Stähli, Hélio Thiémard, Mayo Irion, Laurent Ferrero, Monika Stalder, Laurence Bretignier, Nikolai Bosshardt
Score [...]
Muerte en el Nilo
SINOPSIS
Basada en la novela de Agatha Christie, publicada en 1937. “Muerte en el Nilo” es un thriller de misterio dirigido por Kenneth Branagh sobre el caos emocional y las consecuencias letales que provocan los amores obsesivos. Las vacaciones egipcias del detective belga Hércules Poirot, a bordo de un glamuroso barco de vapor, se ven alteradas por la búsqueda de un asesino cuando la idílica luna de miel de una pareja perfecta se ve truncada de la forma más trágica.
Movie Short Review
English review
When the 2017 adaptation of Agatha Christie’s “Murder on the Orient Express” became a success, it wasn’t surprising that director and star Kenneth Branagh and screenwriter Michael Green returned to Christie’s library for another star-studded film. Interestingly, they chose “Death on the Nile” as their next project, just as it happened with the 1974 version of “Express.” In the 1978 “Death,” there was a change in the lead role from Albert Finney to Peter Ustinov, and Christie’s 1937 story of love, betrayal, and murder on an Egyptian steamboat was maintained.
Branagh’s new version of “Death” modifies the original material to eliminate characters, reshape others, and invent new motives, but faces challenges due to the pandemic delay and Armie Hammer’s performance. The film is entertaining but could be better, as it improves the flat “Express” with more luxurious environments and a more interesting puzzle. However, it fails to be a glamorous and absorbing piece of escapism. Branagh and Green attempt to turn Poirot into a melancholic hero with a lost love, but this detracts from the elegant investigation that the audience expects.
Set in 1937, the story revolves around heiress Linnet Ridgeway (Gal Gadot), her school friend Jacqueline (Emma Mackey), and Jacqueline’s fiancé Simon Doyle (Hammer). Linnet marries Simon, and they are harassed by the resentful Jacqueline during their honeymoon. Poirot is hired to intervene in the love triangle, leading to a murder mystery aboard the SS Karnak with a star-studded cast of suspects. The film struggles with contrasting styles in direction, cinematography, and acting but benefits from beautiful production design and period clothing. Despite its flaws, Branagh’s love for the material shines, making it an appealing visual experience and a fascinating mystery.
Spanish review
Cuando la adaptación de 2017 de “Asesinato en el Orient Express” de Agatha Christie se convirtió en un éxito, no fue sorprendente que el director y protagonista Kenneth Branagh y el guionista Michael Green regresaran a la biblioteca de Christie para otra película llena de estrellas. Curiosamente, eligieron “Muerte en el Nilo” como su siguiente proyecto, al igual que sucedió con la versión de 1974 de “Express”. En “Muerte” de 1978, se produjo un cambio en el papel principal de Albert Finney a Peter Ustinov y se mantuvo la historia de Christie de 1937 sobre amor, traición y asesinato en un barco de vapor egipcio.
La nueva versión de “Muerte” de Branagh modifica el material original para eliminar personajes, remodelar otros e inventar nuevos motivos, pero enfrenta desafíos debido al retraso por la pandemia y al rendimiento de Armie Hammer. La película es entretenida pero podría ser mejor, ya que mejora la plana “Express” con entornos más lujosos y un rompecabezas más interesante. Sin embargo, no logra ser una pieza de escapismo glamoroso y absorbente. Branagh y Green intentan convertir a Poirot en un héroe melancólico con un amor perdido, pero esto resta atractivo a la elegante investigación que el público espera.
Ambientada en 1937, la historia gira en torno a la heredera Linnet Ridgeway (Gal Gadot), su amiga de la escuela Jacqueline (Emma Mackey) y el prometido de Jacqueline, Simon Doyle (Hammer). Linnet se casa con Simon y son acosados por la despechada Jacqueline durante su luna de miel. Poirot es contratado para intervenir en el triángulo amoroso, lo que lleva a un misterio de asesinato a bordo del SS Karnak con un elenco de sospechosos lleno de estrellas. La película lucha con estilos contrastantes en dirección, cinematografía y actuación, pero se beneficia de un hermoso diseño de producción y vestuario de época. A pesar de sus defectos, el amor de Branagh por el material brilla, convirtiéndolo en una experiencia visual atractiva y un misterio fascinante.
Muerte en el Nilo – Trailer oficial
Movie information
// The Estate of Agatha Christie, 20th Century Studios
// Director: Kenneth Branagh
// Cast: Kenneth Branagh, Gal Gadot, Letitia Wright, Armie Hammer, Annette Bening, Ali Fazal, Sophie Okonedo, Tom Bateman, Emma Mackey, Dawn French, Rose Leslie, Jennifer Saunders, Russell Brand, Nikkita Chadha
SOBRE EL DIRECTOR
Kenneth Branagh es un reconocido director, guionista y actor de cine y teatro. Al principio de su carrera logró mucha fama debido a sus impecables representaciones en adaptaciones teatrales de Shakespeare. Su debut como guionista y director en Enrique V (1989) le valió sus primeras nominaciones al Oscar en las categorías a mejor director y mejor actor. Obtuvo otra nominación en la categoría a mejor cortometraje por Swan Song (1992). Su siguiente nominación fue por mejor guion adaptado por Hamlet (1996), y una más en 2011 por su actuación en Mi semana con Marilyn (2011), en la categoría a mejor actor de reparto. Como actor, Branagh también se ha destacado en Las aventuras de Jim West (1999), El camino hacia el dorado (2000), Harry Potter y la cámara de los secretos (2002), Operación Valkiria (2008), Dunkerque (2017) y Asesinato en el Expreso de Oriente (2017), ésta última también dirigió. También ha sido el director de Mucho ruido y pocas nueces (1993), Como gustéis (2006), Thor (2011), Operación sombra: Jack Ryan (2013) y Cenicienta (2015). En 2018 dirige una historia sobre los últimos días de Shakespeare, All is true (2018), que también protagoniza junto a Judi Dench e Ian McKellen.
Score [...]
Asteroid City
SINOPSIS
En 1955, colegiales y padres de todo el país se reúnen para un concurso escolar dedicado a la observación de fenómenos astronómicos (Junior Stargazer Convention) que se lleva a cabo en una ciudad ficticia del desierto estadounidense llamada Asteroid City. La convención se verá espectacularmente interrumpida por eventos que cambian el mundo.
Movie Short Review
English review
Wes Anderson is a renowned filmmaker, famous for his decorative charm, whimsical stories, and meticulous aesthetics. He has built a distinctive genre of his own. His early films, such as “Rushmore” and “The Royal Tenenbaums”, demonstrated his ability to tell captivating stories. Even when faced with criticism for films like ‘Life Aquatic’ and ‘Darjeeling Limited’, he persisted in refining his unique style, which finally culminated in the success of movies like “The Grand Budapest Hotel” and “The French Dispatch”. The latter, an extravagant love letter to journalism and expatriate life, has particularly resonated with audiences despite its myriad dimensions. However, Anderson’s latest film, “Asteroid City”, doesn’t quite hit the same mark. While it’s entertaining and occasionally magical, it tends to overindulge in artifice and inventiveness at the expense of the story’s emotional core.
“Asteroid City” is Anderson’s 11th film and arguably one of his busiest. The movie is set in a fictional American desert town in the 1950s during a Junior Astronomer convention, where an assortment of characters, each with their own personal dramas, converge. Like with other Anderson films, “Asteroid City” is filled with dense dialogue and visual richness. However, it becomes overly complicated when Anderson introduces a meta-artifice: a play within the movie, hosted by Bryan Cranston and written by Edward Norton. This added layer tends to obscure the core story and may distract viewers from empathizing with the characters and their desert-set tale.
Despite the plot’s complexity, Anderson attempts to highlight the story of Augie Steenbeck (Jason Schwartzman), a grieving father trying to tell his children about their mother’s death. The film also features a plethora of characters, including famous actors, local eccentrics, scientists, and military personnel, all of whom contribute to the film’s rich texture. However, when a UFO disrupts the astronomy convention, the plot becomes a chaotic whirlwind, further complicated by frequent shifts between the colorful desert narrative and the black-and-white theatrical subplot. Anderson seems to want to blend a classic theater movie with a tale set in the Southwest, but these two themes don’t always harmonize. Nevertheless, “Asteroid City” is a captivating invitation to explore a unique Wes Anderson universe, although it may lack the emotional depth seen in his previous works.
Spanish review
Wes Anderson es un cineasta reconocido, famoso por su encanto decorativo, sus historias caprichosas y su meticulosa estética, ha construido un género inimitable propio. Sus primeras películas, como “Rushmore” y “The Royal Tenenbaums”, demostraron su capacidad para contar historias cautivadoras. Incluso frente a la crítica por películas como ‘Life Aquatic’ y ‘Darjeeling Limited’, persistió en refinar su estilo único, que finalmente culminó en el éxito de películas como “The Grand Budapest Hotel” y “The French Dispatch”. Esta última, una extravagante carta de amor al periodismo y la vida de expatriado, ha resonado especialmente con el público a pesar de sus innumerables dimensiones. Sin embargo, la última película de Anderson, “Asteroid City”, no alcanza exactamente la misma marca. Si bien es entretenida y ocasionalmente mágica, tiende a excederse en artificio e inventiva a expensas del núcleo emocional de la historia.
“Asteroid City” es la undécima película de Anderson y, posiblemente, una de las más ocupadas. La película está ambientada en un ficticio pueblo del desierto estadounidense en la década de 1950 durante una convención de Jóvenes Astrónomos, donde se reúne un conjunto de personajes cada uno con sus propios dramas personales. Al igual que con otras películas de Anderson, “Asteroid City” está llena de diálogos densos y riqueza visual. Sin embargo, se vuelve excesivamente complicada cuando Anderson introduce una meta-artificio: una obra de teatro dentro de la película, presentada por Bryan Cranston y escrita por Edward Norton. Esta capa adicional tiende a oscurecer la historia central y puede distraer a los espectadores de empatizar con los personajes y su cuento ambientado en el desierto.
A pesar de la complejidad de la trama, Anderson intenta destacar la historia de Augie Steenbeck (Jason Schwartzman), un padre afligido que intenta contarles a sus hijos sobre la muerte de su madre. La película también cuenta con una gran cantidad de personajes, incluyendo actores famosos, excéntricos locales, científicos y personal militar, todos los cuales contribuyen a la rica textura de la película. Sin embargo, cuando un OVNI interrumpe la convención de astronomía, la trama se convierte en un torbellino caótico que se complica aún más con frecuentes cambios entre la colorida narrativa del desierto y la subtrama teatral en blanco y negro. Anderson parece querer mezclar una película de teatro clásica con un cuento ambientado en el suroeste, pero estos dos temas no siempre se armonizan. No obstante, “Asteroid City” es una invitación cautivadora para explorar un universo único de Wes Anderson, aunque puede que le falte la profundidad emocional que se ve en sus trabajos anteriores.
Movie information
// American Empirical Pictures, Indian Paintbrush, Focus Features.
// Director: Wes Anderson
// Cast: Tilda Swinton, Adrien Brody, Tom Hanks, Scarlett Johansson, Margot Robbie, Rupert Friend, Steve Carell, Jason Schwartzman, Sophia Lillis, Edward Norton, Jeff Goldblum
SOBRE EL DIRECTOR
Wesley Wales Anderson nació el 1 de mayo de 1969 en Houston, Texas, EE. UU. Sus padres se divorciaron cuando era pequeño, evento que marcó su vida y la de sus hermanos. Durante su infancia comenzó a escribir pequeñas obras de teatro y a hacer películas en súper 8. Estudió en Westchester High School y luego en St. John’s, una escuela privada en Houston, Texas que más tarde le serviría de inspiración para la película Academia Rushmore (1998). Asistió a la Universidad de Texas en Austin, donde estudió filosofía y conoció a Owen Wilson. Pronto se hicieron buenos amigos y comenzaron a hacer cortometrajes, uno de estos fue Bottle Rocket (1994), protagonizada por Owen y su hermano Luke Wilson. El corto se proyectó en el Festival de Cine de Sundance, donde fue recibido con éxito, tanto que recibieron fondos para realizar una versión de largometraje. Realizó Ladrón que roba a otro ladrón (1996) que si bien no fue un éxito comercial, le ganó una audiencia de culto y admiradores de alto perfil como Martin Scorsese. El éxito siguió con películas como Academia Rushmore (1998), Life Aquatic (2004), Los Tenenbaums. Una familia de genios (2001) y la película animada, Fantástico Sr. Fox (2009). Por las últimas dos cintas obtuvo nominaciones al Oscar. Sus últimas películas son El Gran Hotel Budapest (2014) e Isla de Perros (2018).
Score [...]
Theater Camp
SINOPSIS
A medida que llega el verano, niños de todas partes vuelven para asistir al AdirondACTS, un rudimentario campamento de teatro en el norte del estado de Nueva York que es un paraíso para los artistas en ciernes. Después de que su indomable fundadora, Joan (Amy Sedaris), cae en coma, su despistado hijo Troy (Jimmy Tatro) tiene la tarea de mantenerlo en funcionamiento. Con la ruina financiera a la vista, Troy debe unir fuerzas con Amos (Ben Platt), Rebecca-Diane (Molly Gordon) y su grupo de excéntricos profesores para encontrar una solución antes de que se levante el telón la noche del estreno.
Movie Short Review
English review
“Theater Camp,” an adaptation of a 2020 short film of the same name, offers a slightly satirical portrayal of life in a summer camp for children passionate about the performing arts. The camp, named Adiron Act, is run by its founders, Joan (Amy Sedaris) and Rita (Caroline Aaron). The plot unfolds when Joan suffers a seizure caused by strobe lights during a presentation at a local school, which puts her in a coma. In her absence, the responsibility of running the camp falls on her son Troy (Jimmy Tatro), a business influencer obsessed with social media who has no interest in theater. As the children begin to arrive at the camp, we meet the adults tasked with facilitating their four-week-long creative journey. These include Amos (Ben Platt), the head of drama; his best friend Rebecca-Diane (Gordon), the head of music; Clive (Nathan Lee-Graham), the head of dance, among other unique personalities. Troy, in an attempt to save money, replaces many experienced instructors with a novice named Janet (Ayo Edebiri), who is assigned to teach several disciplines despite her lack of experience.
The narrative of the film revolves around two main plotlines. The first involves Troy’s efforts to save the camp from being sold to a neighboring rival camp due to foreclosure, despite his limited business acumen. Patti Harrison plays an important role in this storyline as a cunning business representative with ulterior motives. The second plotline follows a dramatic twist in the 15-year-long friendship between Amos and Rebecca-Diane, triggered by a real-world opportunity that Rebecca-Diane cannot refuse. While Amos sees them as artists at heart, Rebecca-Diane no longer shares this sentiment. Amidst these conflicts, the camp participants strive to stage an original musical themed around Joan, the camp’s co-founder, who is still in a coma.
Despite parts of the film being improvised, the talented cast manages to pull it off successfully. According to the director’s remarks at the premiere, the film had to rely on title cards to progress the plot and provide punchlines that did not occur on camera. The film blends inside jokes about theater with other humorous elements to keep even the least involved viewer entertained. The songs, composed by Galvin, Gordon, Lieberman, Platt, and Mark Sonnenblick, form an integral part of the film and add hilarity to the unique musical performance. The talented young cast, including Alan Kim from “Minari” playing an aspiring agent, brings a great deal of energy and keeps the film engaging. With a surprising performance from Galvin in the third act, the movie ends on a high note that will likely leave viewers smiling. While “Theater Camp” may gain cult status, it’s a film that you might find yourself wanting to revisit sooner rather than later, perhaps next summer?
Spanish review
“Theater Camp”, una adaptación de un cortometraje del 2020 con el mismo nombre, ofrece una representación ligeramente satírica de la vida en un campamento de verano para niños apasionados por las artes escénicas. El campamento, denominado Adiron Act, es gestionado por sus fundadoras, Joan (Amy Sedaris) y Rita (Caroline Aaron). La trama se desarrolla cuando Joan sufre una crisis convulsiva causada por las luces estroboscópicas durante una presentación en una escuela local, y cae en coma. En su ausencia, la responsabilidad de dirigir el campamento recae en su hijo Troy (Jimmy Tatro), un influencer empresarial obsesionado con las redes sociales que carece de interés por el teatro. Con la llegada de los niños al campamento, conocemos a los adultos encargados de facilitar su viaje creativo de cuatro semanas. Entre ellos, se encuentran Amos (Ben Platt), el jefe de drama; su mejor amiga Rebecca-Diane (Gordon), jefa de música; Clive (Nathan Lee-Graham), jefe de danza, entre otras personalidades únicas. Troy, en un intento de economizar, reemplaza a muchos instructores experimentados por una novata llamada Janet (Ayo Edebiri), a quien se le asigna enseñar varias disciplinas a pesar de su inexperiencia.
La narrativa de la película gira en torno a dos tramas principales. La primera involucra los esfuerzos de Troy para salvar el campamento de ser vendido a un campamento rival vecino debido a una ejecución hipotecaria, a pesar de su limitado conocimiento empresarial. Patti Harrison desempeña un papel importante en esta historia como una astuta representante de negocios con segundas intenciones. La segunda trama sigue un giro dramático en la amistad de 15 años entre Amos y Rebecca-Diane, desencadenado por una oportunidad en el mundo real que Rebecca-Diane no puede rechazar. Aunque Amos los considera artistas de corazón, Rebecca-Diane ya no comparte este sentimiento. En medio de estos conflictos, los participantes del campamento se esfuerzan por montar un musical original tematizado en torno a Joan, la cofundadora del campamento, que todavía está en coma.
A pesar de que partes de la película fueron improvisadas, el talentoso elenco logra llevarla a cabo con éxito. Según los comentarios del director en el estreno, la película tuvo que recurrir a tarjetas de título para avanzar la trama y proporcionar remates necesarios que no ocurrieron en cámara. La película mezcla bromas internas sobre el teatro con otros elementos humorísticos para mantener entretenido incluso al espectador menos implicado. Las canciones, compuestas por Galvin, Gordon, Lieberman, Platt y Mark Sonnenblick, forman parte integral de la película y añaden hilaridad a la única representación musical. El talentoso joven elenco, incluyendo a Alan Kim de “Minari” interpretando a un agente en ciernes, aporta una gran energía y logra mantener la película atractiva. Con una sorprendente actuación de Galvin en el tercer acto, la película termina en un tono alto que probablemente dejará a los espectadores sonriendo. Aunque “Theater Camp” puede ganar estatus de culto, es una película que podrías querer volver a ver más pronto que tarde, ¿quizás el próximo verano?
Theater Camp – Trailer oficial
Movie information
// Gloria Sanchez Productions, Picturestart, First Look
// Director: Molly Gordon, Nick Lieberman
// Cast: Noah Galvin, Molly Gordon, Ben Platt, Jimmy Tatro, Patti Harrison, Nathan Lee Graham, Ayo Edebiri, Owen Thiele, Caroline Aaron, Amy Sedaris
Score [...]
The First Slam Dunk
SINOPSIS
Hanamichi Sakuragi es un delincuente juvenil con un largo historial de ser rechazado por varias chicas. Después de inscribirse en la escuela secundaria Shohoku, Hanamichi se interesa por una chica llamada Haruko que ama el baloncesto.
Movie Short Review
English review
For those who are familiar with Takehiko Inoue, the acclaimed manga author, they know he is not one to replicate his past works. His project, Slam Dunk, concluded a quarter-century ago, and he has consistently declined opportunities to reboot the series. When I found out that a Slam Dunk film was in development, I was surprised to learn that Inoue himself would be the director. Known for his perfectionism, Inoue decided to take control of the film to ensure it stayed true to his vision, marking his directorial debut with an impressive first film.
Artistically, the movie achieves a beautifully crafted balance between the 3D action sequences and the distinctive illustration style of the original manga. It immerses you in the world of the story, creating the sensation of being at an authentic basketball game. Inoue’s attention to detail is notable, making the film a technical marvel. Recognition must go to the director and his team for this achievement. The film’s dynamic energy is perfectly amplified by a fitting soundtrack. In terms of the plot, even though it remains true to the trajectory of the original manga, it is not simply an identical copy. You will experience familiar events from new perspectives and discover additional narratives that enrich the film’s coherence. I admire how Inoue portrayed the relationships between characters – he does so subtly and elegantly, reflecting the nuanced nature of Japanese culture.
One of the reasons why the original manga is so revered is because it resonates deeply with teenagers. It’s filled with inspiring narratives that transform into life lessons, and features charismatic yet relatable characters. If you’re unfamiliar with the manga, this film serves as an excellent introduction. The story it tells is not only about basketball, but also about growth, passion, and resilience, capturing the essence of what made the original series a timeless classic.
Spanish review
Para aquellos que conocen a Takehiko Inoue, el aclamado autor de manga, saben que no es de los que repiten sus obras pasadas. Su proyecto, Slam Dunk, concluyó hace un cuarto de siglo, y ha rechazado constantemente las oportunidades de reiniciar la serie. Cuando me enteré de que se estaba desarrollando una película de Slam Dunk, me sorprendió descubrir que el propio Inoue sería el director. Conocido por su perfeccionismo, Inoue decidió tomar las riendas de la película para asegurarse de que permaneciera fiel a su visión, marcando su debut como director con una impresionante primera película.
Artísticamente, la película logra un equilibrio bellamente conseguido entre las secuencias de acción en 3D y el estilo distintivo de ilustración del manga original. Te sumerge en el mundo de la historia, creando la sensación de estar presente en un auténtico partido de baloncesto. La atención al detalle de Inoue es notable, haciendo de la película una maravilla técnica. Un reconocimiento debe ir para el director y su equipo por este logro. La energía dinámica de la película es amplificada perfectamente por una banda sonora adecuada. En cuanto a la trama, aunque se mantiene fiel a la trayectoria del manga original, no es simplemente una copia idéntica. Experimentarás eventos familiares desde nuevas perspectivas y descubrirás narrativas adicionales que enriquecen la coherencia de la película. Admiro cómo Inoue retrató las relaciones entre los personajes – lo hace de manera sutil y elegante, reflejando la naturaleza matizada de la cultura japonesa.
Una de las razones por las que el manga original es tan venerado es porque resuena profundamente con los adolescentes. Está lleno de narrativas inspiradoras que se convierten en lecciones de vida, y presenta personajes carismáticos pero a la vez reales. Si no estás familiarizado con el manga, esta película sirve como una excelente introducción. La historia que cuenta no solo trata sobre baloncesto, sino también sobre crecimiento, pasión y resiliencia, capturando la esencia de lo que hizo de la serie original un clásico atemporal.
The First Slam Dunk – Trailer oficial
Movie information
// Dandelion Animation Studios, Toei Animation
// Director: Takehiko Inoue
Score [...]
Tyler Rake 2
SINOPSIS
Después de sobrevivir (a duras penas) a todo lo que le sucede en la primera película, Rake regresa como mercenario australiano de operaciones encubiertas al que se encomienda otra misión suicida: rescatar a la maltrecha familia de un despiadado gángster georgiano de la prisión donde se encuentra recluida.
Movie Short Review
English review
Released in 2020, Chris Hemsworth’s first portrayal of the black-ops mercenary Tyler Rake became one of the most-viewed original films in Netflix history. Now, with the highly anticipated sequel, Extraction 2, the action levels significantly increase. However, the movie continues to suffer from a weak script and storyline, just like its predecessor. The film picks up shortly after the events of the first installment when Rake recovers from his severe but non-lethal injuries. Yet, retirement is fleeting. The mysterious Alcott, portrayed by Idris Elba, arrives at Rake’s cabin with an irresistible job offer. This time, the mission is personal, forcing Rake to finally confront his past that he’s been evading for so long.
In this sequel, Hemsworth delivers a more emotionally charged performance revealing Rake’s vulnerability and torment. The always reliable star presents a multi-dimensional character, ensuring our hero is more than just a monotonous killing machine. Yet, if there’s one thing Rake excels at, it’s eliminating villains, and he does so with remarkable style in this film. The action scenes are fast-paced, explosive, and extremely violent, guaranteeing an experience that will pump up viewers’ adrenaline.
The veteran stunt-coordinator-turned-director, Sam Hargrave, returns to skillfully infuse energy into the action scenes. The 21-minute one-shot prison break sequence stands out and is already famous for its thrilling spectacle, making Extraction 2 a must-watch for action film enthusiasts. Unfortunately, the narrative and supporting characters fall short, echoing the problems of the first film. Despite Idris Elba’s charismatic presence, and Golshifteh Farahani’s underutilized role as Tyler’s fellow merc Nik, the villains remain forgettable, even with poorly executed attempts to provide them with a backstory via flashbacks. Nevertheless, with another memorable death-by-rake scene and captivating action sequences, the story’s weaknesses might not matter to most viewers. Despite its flaws, the climactic hint at a third installment promises fans more thrilling chaos to come.
Spanish review
Lanzada en 2020, la primera interpretación de Chris Hemsworth del mercenario de operaciones negras Tyler Rake se convirtió en una de las películas originales más vistas en la historia de Netflix. Ahora, con la muy esperada secuela, Extraction 2, los niveles de acción se incrementan significativamente. Sin embargo, la película sigue sufriendo de un guion y una trama débiles, al igual que su predecesora. La película retoma la historia poco después de los eventos de la primera entrega, cuando Rake se recupera de sus graves, pero no mortales, heridas. Sin embargo, el retiro es efímero. El misterioso Alcott, interpretado por Idris Elba, llega a la cabaña de Rake con una oferta de trabajo irresistible. Esta vez, la misión es personal, obligando a Rake a enfrentar finalmente su pasado, del que ha estado huyendo durante tanto tiempo.
En esta secuela, Hemsworth ofrece una actuación más cargada de emociones que revela la vulnerabilidad y el sufrimiento de Rake. La estrella, siempre confiable, presenta un personaje multidimensional, asegurándose de que nuestro héroe sea más que una máquina de matar monótona. Sin embargo, si hay algo en lo que Rake sobresale, es en eliminar a los villanos, y lo hace con un estilo notable en esta película. Las escenas de acción son rápidas, explosivas y extremadamente violentas, garantizando una experiencia que hará bombear la adrenalina de los espectadores.
El veterano coordinador de dobles que se convirtió en director, Sam Hargrave, vuelve para infundir habilidosamente energía en las escenas de acción. La secuencia de escape de prisión en un solo plano de 21 minutos destaca y ya es famosa por su emocionante espectáculo, convirtiendo a Extraction 2 en una película obligada para los amantes de la acción. Desafortunadamente, la narrativa y los personajes secundarios quedan cortos, haciendo eco de los problemas de la primera película. A pesar de la presencia carismática de Idris Elba y el papel subutilizado de Golshifteh Farahani como la compañera mercenaria de Tyler, Nik, los villanos siguen siendo olvidables, incluso con intentos mal ejecutados de darles un trasfondo mediante flashbacks. Sin embargo, con otra memorable escena de muerte por rastrillo y secuencias de acción cautivadoras, las debilidades de la historia podrían no importar a la mayoría de los espectadores. A pesar de sus defectos, la sugerencia climática de una tercera entrega promete a los fans más caos emocionante por venir.
Tyler Rake 2 – Trailer oficial
Movie information
// Netflix
// Director: Sam Hargrave
// Cast: Chris Hemsworth, Golshifteh Farahani, Daniel Bernhardt, Adam Bessa, Tina Dalakishvili, Olga Kurylenko, Levan Saginashvili, Idris Elba
SOBRE EL DIRECTOR
Sam Hargrave es un doble de acción, coordinador de acción y director estadounidense. Comenzó su carrera en el entretenimiento como doble de acción en diferentes series de televisión desde 2005 y en películas importantes como Piratas del Caribe: El cofre de la muerte (2006), X-Men orígenes: Wolverine (2009), El llanero solitario (2013), entre otras. También colaboró como coordinador de dobles en Los juegos del hambre: En llamas (2013), Atómica (2017) y Deadpool 2 (2018). Hargrave es mejor conocido por sus colaboraciones con los hermanos Russo: además de hacer el doble de Chris Evans en Los Vengadores (2012) y otras películas del Universo Cinematográfico de Marvel, fue el coordinador de acrobacias de varias películas del mismo como Capitán América: Civil War (2016). Hargrave hizo su debut como director con Chris Hemsworth como protagonista en el thriller de Netflix Misión de rescate, escrita por los Russo.
Score [...]
Biosphere
SINOPSIS
En un futuro no muy lejano, los dos últimos hombres sobre la tierra deberán adaptarse y evolucionar para salvar a la humanidad.
Movie Short Review
English review
In the opening scenes of “Jurassic Park”, a debate arises over whether Isla Nublar’s seemingly foolproof dinosaur control system can actually function as expected. Yet, chaos theorist Ian Malcolm warns, “Life finds a way”. This quote reverberates throughout the movie “Biosphere”, the directorial debut of Mel Eslyn, known for “The One I Love” and “Room 104”. The protagonists of the film, Ray and Billy, portrayed by Sterling K. Brown and Mark Duplass respectively, face the challenge of being the last two humans alive on Earth and the diverse evolutionary twists that nature presents to them.
“Biosphere” portrays Ray and Billy as the sole inhabitants of a bio-dome the size of an apartment, their refuge following an undefined disaster that has apparently eradicated all other life on Earth. It is hinted that Billy, who once served as the US president during a crisis, could be responsible for the catastrophe that transpired before the start of the film. Meanwhile, Ray is tormented by the memory of a magician at a birthday party who conjured a bowling ball out of nowhere. The world outside their dome is dark, devoid of sunlight. The pair live in a semblance of normalcy, their days dictated by the dome’s 24-hour clock, which simulates day and night. Their existence relies on a small hydroponic garden and a pool of fish. However, when one fish dies, leaving only two for the water filtration system, the confined nature within their tiny biosphere begins to adapt in surprising ways.
The film, co-written by Eslyn and Duplass, blends humor and sincerity. It delves into themes of gender, masculinity, and heterosexual male relationships. Set against the backdrop of an environmental collapse, it situates two cisgender Western men in a situation where societal constructs occasionally resurface despite their apparent irrelevance. Ray and Billy perform routines of domesticity within the dome: jogging, cooking, tending to the garden, and playing Super Mario Bros. A bright green light appearing in their sky marks a shift in their circumstances, complicating their existence in unexpected ways. The plot twist might seem disconcerting, even disturbing, but the chemistry between Brown and Duplass holds it all together. The ending might leave some viewers unsatisfied as it leaves several loose ends. It’s suggested that Ray, a logically-minded strategist, could have been a better fit for Billy’s leadership role, but the movie concludes on a metaphysical note before this contrast can be fully explored.
Spanish review
En las escenas iniciales de “Jurassic Park”, se plantea un debate sobre si el sistema de control de dinosaurios de Isla Nublar, que parece ser a prueba de fallos, realmente puede funcionar. Sin embargo, el teórico del caos, Ian Malcolm, advierte que “La vida se abre camino”. Esta cita resuena a lo largo de la película “Biosphere”, el debut como director de Mel Eslyn, conocido por “The One I Love” y “Room 104”. Los protagonistas de la película, Ray y Billy, interpretados por Sterling K. Brown y Mark Duplass respectivamente, deben enfrentarse a ser los últimos dos humanos vivos en la Tierra y a las diversas vueltas evolutivas que la naturaleza les presenta.
“Biosphere” muestra a Ray y Billy como los únicos habitantes de un biocúpula del tamaño de un apartamento, que es su refugio después de un desastre indefinido que aparentemente ha exterminado toda otra vida en la Tierra. Se insinúa que Billy, que una vez fue presidente de los Estados Unidos durante una crisis, puede ser responsable de la catástrofe que ocurrió antes del inicio de la película. Mientras tanto, Ray se ve atormentado por el recuerdo de un mago en una fiesta de cumpleaños que hizo aparecer una bola de bolos de la nada. El mundo fuera de su cúpula es oscuro, carente de luz solar. La pareja vive en un semblante de normalidad, sus días determinados por el reloj de 24 horas de la cúpula, que simula la luz del día y la noche. Su existencia se sustenta en un pequeño jardín hidropónico y un estanque de peces. Sin embargo, cuando uno de los peces muere, dejando solo dos para el sistema de filtración de agua, la naturaleza confinada dentro de su pequeña biosfera comienza a adaptarse de formas sorprendentes.
La película, coescrita por Eslyn y Duplass, es una mezcla de humor y sinceridad. Explora temas de género, masculinidad y relaciones masculinas heterosexuales. Ambientada en el contexto de un colapso medioambiental, coloca a dos hombres cisgénero occidentales en una situación en la que las construcciones sociales resurgen ocasionalmente a pesar de su irrelevancia. Ray y Billy realizan rutinas de domesticidad dentro de la cúpula: correr, cocinar, cuidar el jardín y jugar a Super Mario Bros. Una luz verde brillante que aparece en su cielo marca un cambio en su situación, complicando su existencia de formas inesperadas. El giro argumental puede parecer desconcertante, incluso perturbador, pero la química entre Brown y Duplass mantiene todo unido. El final puede dejar a algunos espectadores insatisfechos, ya que deja varios cabos sueltos. Se sugiere que Ray, un estratega de mente lógica, podría haber sido una mejor opción para el papel de liderazgo de Billy, pero la película termina en una nota metafísica antes de que este contraste pueda explorarse completamente.
Biosphere – Trailer oficial
Movie information
// Duplass Brothers Productions
// Director: Mel Eslyn
// Cast: Mark Duplass, Sterling K. Brown
Score [...]
Minions: El origen de Gru
SINOPSIS
Son los años 70 y Gru crece en un barrio residencial, en pleno boom de los peinados cardados y los pantalones de campana. Como fan incondicional de un famoso supergrupo de villanos, ‘Los salvajes 6’, Gru idea un plan para demostrarles que es lo suficientemente malvado como para trabajar con ellos. Por suerte, cuenta con la ayuda de sus fieles seguidores, los Minions, siempre dispuestos a sembrar el caos por donde pasan. Juntos, Kevin, Stuart, Bob, y Otto -un nuevo Minion con aparato en los dientes y desesperado por sentirse aceptado- desplegarán su potencial para construir junto a Gru su primera guarida, experimentar con sus primeras armas y llevar a cabo sus primeras misiones
Movie Short Review
English review
“Minions: The Rise of Gru”, more than just a simple sequel or animated film for children, is a display of manic and demented genius. This action-packed comedy filled with visual gags is more entertaining than any other animated children’s film of the year. The soundtrack features classics from the 70s, such as Paul Simon’s “Cecilia” and The Rolling Stones’ “You Can’t Always Get What You Want.” The plot revolves around Gru, who aspires to join the group of supervillains called the Vicious Six. However, in this prequel, Gru becomes a secondary character, which turns out to be a success, as the Minions take center stage.
Gru, about to turn 11 years old, tries to impress the Vicious Six by stealing the Zodiac Stone, a magical pendant. However, the Minions lose the stone during their escape, which leads to Gru’s kidnapping by the villain Wild Knuckles. The Minions embark on a series of adventures to rescue their “Mini-Boss” and recover the lost stone, which include a motorcycle ride with a biker (RZA), a stolen airplane to get to San Francisco, and martial arts training with an acupuncturist and Kung Fu Master Chow (Michelle Yeoh), whose small and plump appearance should not be underestimated.
“The Rise of Gru” is frantic and excessively violent but embraces the slapstick style of classic Looney Tunes cartoons, like those of Tex Avery and Chuck Jones. Set in the extravagant decade of the 70s, the movie is filled with jokes and musical references from that era. The villains’ hideout is located under a record store called “Criminal Records,” and the password is Linda Ronstadt’s “You’re No Good.” The film combines vibrant colors, action, deadpan gags, and musical and martial arts chaos, making it a movie that children won’t want to miss for a moment.
Spanish review
“Minions: El Origen de Gru”, más que una simple secuela o película animada para niños, es un despliegue de genialidad maníaca y demente. Esta comedia llena de acción y gags visuales supera en diversión a cualquier otra película animada infantil del año. La banda sonora presenta clásicos de los años 70, como “Cecilia” de Paul Simon y “You Can’t Always Get What You Want” de los Rolling Stones. La trama se centra en Gru, quien aspira unirse al grupo de supervillanos llamado los Vicious Six. Sin embargo, en esta precuela, Gru se convierte en un personaje secundario, lo que resulta ser un acierto, ya que los Minions asumen el protagonismo.
Gru, a punto de cumplir 11 años, intenta impresionar a los Vicious Six robando la Piedra del Zodíaco, un colgante mágico. No obstante, los Minions pierden la piedra durante la huida, lo que provoca el secuestro de Gru por parte del villano Wild Knuckles. Los Minions se embarcan en una serie de aventuras para rescatar a su “Mini-Jefe” y recuperar la piedra perdida, que incluyen un viaje en moto con un motociclista (RZA), un avión robado para llegar a San Francisco y un entrenamiento en artes marciales con la acupunturista y maestra de Kung Fu Chow (Michelle Yeoh), cuya apariencia pequeña y rechoncha no debe subestimarse.
Minions: El Origen de Gru es frenética y excesivamente violenta, pero adopta el estilo slapstick de los dibujos animados clásicos de Looney Tunes, como los de Tex Avery y Chuck Jones. Ambientada en la extravagante década de los años 70, la película está llena de chistes y referencias musicales de la época. El escondite de los villanos se ubica bajo una tienda de discos llamada “Criminal Records”, y la contraseña es “You’re No Good” de Linda Ronstadt. La película combina colores vibrantes, acción, gags con expresiones serias y caos musical y de artes marciales, convirtiéndola en una película que los niños no querrán perderse ni por un instante.
Minions: El origen de Gru – Trailer oficial
Movie information
// Illumination Entertainment, Universal Pictures
// Director: Kyle Balda, Brad Ableson, Jonathan del Val
Score [...]
Después del amor
SINOPSIS
Ambientada en la ciudad portuaria inglesa de Dover. Mary Hussain se encuentra repentinamente viuda tras la inesperada muerte de su marido. Un día después del entierro, descubre que él tenía un secreto a solo veintiún millas al otro lado del Canal de la Mancha, en Calais.
Movie Short Review
English review
Despite being separated by only 30 miles, the port cities of Dover and Calais experience a vast cultural chasm due to the English Channel, which includes differences in language and sexual customs. British-Pakistani filmmaker Aleem Khan explores this social and geographic disorientation in his debut film, “After Love.” Starring Joanna Scanlan in a restrained and impactful performance as a white Muslim widow discovering the separate lives her late husband led on both coasts. Khan’s debut combines classic melodrama with contemporary political awareness, reflecting the intercultural friction of the Brexit era while maintaining an intimate and domestic focus. Selected for the Critics’ Week program at the 2020 Cannes Film Festival, the film has achieved solid success on the UK independent film circuit, winning awards at the British Independent Film Awards and earning BAFTA nominations.
“After Love” is an intriguing start for Khan, who has already been nominated for BAFTAs for his work in short films. The film also serves as a major big-screen breakthrough for Scanlan, a highly regarded character actress known in the UK for her work in television comedies and supporting roles in British heritage films. Scanlan plays Mary, a grieving Dover housewife caught between lived, imagined, and hidden lives, bringing emotional conviction to a character whose decisions sometimes stem from a soap opera script. The film follows Mary in the immediate aftermath of her husband Ahmed’s death, as she uncovers fragments of his double life that lead her to the address in Calais of Genevieve, an elegant and cunning working mother, and her biracial son Solomon.
The film’s political commentary emerges in flashes and fissures, exploring the shared histories of women’s subjugation and their very different relationships with the cultural and religious mix. The queer element of the story further complicates matters, with a film that already has many conflicts to negotiate. “After Love” is sober and streamlined in all aspects, from the acting to its clean and airy aesthetic, carrying heavy baggage with elegant lightness and leaving its audience with more pondering to do.
Spanish review
A pesar de estar separadas por solo 30 millas, las ciudades portuarias de Dover y Calais experimentan un gran abismo cultural debido al Canal de la Mancha, que incluye diferencias en el idioma y las costumbres sexuales. El cineasta británico-paquistaní Aleem Khan explora esta desorientación social y geográfica en su primera película, “After Love”. Protagonizada por Joanna Scanlan en una actuación sobria e impactante como una viuda musulmana blanca descubriendo las vidas separadas que su difunto esposo llevó a cabo en ambas costas. El debut de Khan combina el melodrama clásico con una conciencia política contemporánea, reflejando la fricción intercultural de la era del Brexit mientras mantiene un enfoque íntimo y doméstico. Seleccionada para el programa de la Semana de la Crítica del festival de Cannes 2020, la película ha logrado un sólido éxito en el circuito de cine independiente en el Reino Unido, ganando premios en los British Independent Film Awards y obteniendo nominaciones a los BAFTA.
“After Love” es un comienzo intrigante para Khan, quien ya ha sido nominado a los BAFTA por su trabajo en cortometrajes. La película también sirve como un gran avance en la pantalla grande para Scanlan, una actriz de carácter muy apreciada conocida en el Reino Unido por su trabajo en comedias de televisión y roles secundarios en películas de patrimonio británico. Scanlan interpreta a Mary, una ama de casa afligida de Dover atrapada entre vidas vividas, imaginadas y ocultas, aportando convicción emocional a un personaje cuyas decisiones a veces provienen de un guion de telenovela. La película sigue a Mary en las secuelas inmediatas de la muerte de su esposo Ahmed, mientras descubre fragmentos de su doble vida que la llevan a la dirección en Calais de Genevieve, una madre trabajadora elegante y astuta, y su hijo birracial Solomon.
El comentario político de la película surge en destellos y fisuras, explorando las historias compartidas de subyugación de las mujeres y sus relaciones muy diferentes con la mezcla cultural y religiosa. El elemento queer de la historia complica aún más las cosas, con una película que ya tiene muchos conflictos para negociar. “After Love” es sobria y simplificada en todos los aspectos, desde la actuación hasta su estética limpia y aireada, llevando un pesado equipaje con una elegante ligereza y dejando a su audiencia con más reflexiones por hacer.
Después del amor – Trailer oficial
Movie information
// The Bureau, BBC Film, British Film Institute
// Director: Aleem Khan
// Cast: Joanna Scanlan
SOBRE EL DIRECTOR
Nació y creció en Kent, y tiene ascendencia inglesa y paquistaní. Su segundo cortometraje, “Three Brothers”, se estrenó en el festival BFI London y obtuvo una nominación a los BAFTA. Khan ha sido considerado una de las grandes promesas del cine británico con nombramientos como Screen International Star of Tomorrow por la revista Screen Daily y ha formado parte de los programas formativos de Sundance o Locarno.
Score [...]
Elemental
SINOPSIS
Ambientado en Ciudad Elemento, donde conviven habitantes de fuego, agua, tierra y aire. La protagonista de la historia es Candela, una joven fuerte, ingeniosa y con carácter, cuya amistad con un chico divertido, sensible y tranquilo, llamado Nilo, cambia su perspectiva sobre el mundo en el que viven.
Movie Short Review
English review
Back in 2009, Peter Sohn made his directorial debut with the Pixar short film, Partly Cloudy. Shown ahead of the deeply moving movie Up, Partly Cloudy told the imaginative tale of clouds that create babies for storks to deliver. This was a perfect example of the magical storytelling Pixar is known for, where short films serve as platforms for developing new ideas and advancing animation technology. Fast forward a decade, and Sohn is directing a cloud story again, but on a much larger scale. His new movie, Elemental, combines the technical wizardry of animation with an emotional plot that unfolds from start to finish. Elemental is more than just a simple love story. It delves into the harsh reality of immigrant life, the struggle to maintain one’s culture in a new land, and the importance of respecting the sacrifices of those who came before us. This might sound intense for a children’s movie, but Pixar has never shied away from mature themes. The film draws inspiration from a variety of sources, blending the romance of Amélie with the cross-cultural tension of Guess Who’s Coming to Dinner? and the dramatic resonance of West Side Story.
The film’s protagonist, Ember Lumen, is a fiery character living in Fire Town. She helps manage her father’s store, a family business that he hopes to pass on to the next generation to keep his legacy alive. Ember’s life takes a turn when Wade Ripple, a water bureaucrat, enters her life. Forced to work together, Ember and Wade overcome their differences and meet a host of characters, each contributing something unique to their shared community. While Elemental could easily be seen as a simple story about diversity and overcoming prejudice, it is more nuanced than that. The film empathizes with each character’s reactions and motivations, particularly the older generation, realistically portraying their fears and concerns. The plot is also sprinkled with dramatic events to keep viewers engaged, although it can sometimes seem a bit too convenient. The third act moves swiftly and, even though it lacks a punch, continues to effectively drive the story forward.
The middle act of the film, focusing on the budding relationship between Ember and Wade, is particularly captivating. Through exquisite animation and well-executed voice acting, the characters evoke genuine affection. The animation stands out especially, creating lifelike flames and water using techniques that would have seemed like magic just a few years ago. The result is a visually stunning film that brings the elements to life in a way viewers have never seen before. Although Elemental doesn’t reach the lofty standards set by Up, it continues to impress with its unique blend of elements that combine to deliver a satisfying and even moving experience. It handles a complex tone with grace, preventing the film from becoming either too simplistic or too didactic. Its world-building is reminiscent of another underrated Disney movie, Zootopia, but Elemental charts its own path with a predictably pleasing storyline and beautiful character animations. The end result is a film that has a lot to offer, once again demonstrating that Pixar knows how to tell a compelling story that resonates with audiences of all ages.
Spanish review
Allá por 2009, Peter Sohn debutó como director con el cortometraje de Pixar, Partly Cloudy. Proyectado antes de la conmovedora película Up, Partly Cloudy narraba la imaginativa historia de nubes que crean bebés para que las cigüeñas los entreguen. Esta era un perfecto ejemplo de la mágica narrativa por la que Pixar es conocido, donde los cortometrajes servían como plataformas para desarrollar nuevas ideas y avanzar en la tecnología de animación. Avanzamos una década y Sohn vuelve a dirigir una historia sobre nubes, pero en una escala mucho mayor. Su nueva película, Elemental, combina la magia técnica de la animación con una emotiva trama que se desarrolla de principio a fin. Elemental es más que una simple historia de amor. Se adentra en la dureza de la vida inmigrante, la lucha por mantener la propia cultura en una nueva tierra y la importancia de respetar los sacrificios de aquellos que nos precedieron. Esto puede sonar intenso para una película infantil, pero Pixar nunca ha evitado tratar temas maduros. La película se inspira en una variedad de fuentes, fusionando el romance de Amélie con la tensión intercultural de Guess Who’s Coming to Dinner? y la resonancia dramática de West Side Story.
La protagonista de la película, Ember Lumen, es un personaje ardiente que vive en Fire Town. Ayuda a administrar la tienda de su padre, un negocio familiar que él espera pasar a la siguiente generación para mantener viva su herencia. La vida de Ember da un giro cuando Wade Ripple, un burócrata del agua, entra en su vida. Obligados a trabajar juntos, Ember y Wade superan sus diferencias y conocen a una serie de personajes, cada uno aportando algo único a su comunidad compartida. Aunque Elemental podría verse fácilmente como una historia sencilla sobre diversidad y superación de prejuicios, es más matizada que eso. La película empatiza con las reacciones y motivaciones de cada personaje, especialmente la generación mayor, representando sus miedos y preocupaciones de manera realista. La trama también se espolvorea con eventos dramáticos para mantener a los espectadores enganchados, aunque a veces puede parecer un poco demasiado conveniente. El tercer acto avanza rápidamente y, aunque carece de golpe, sigue impulsando efectivamente la historia.
El segundo acto de la película, centrado en la floreciente relación entre Ember y Wade, es particularmente cautivador. A través de una animación exquisita y un doblaje bien ejecutado, los personajes evocan una genuina afecto. La animación destaca especialmente, creando llamas y agua realistas usando técnicas que habrían parecido magia hace sólo unos años. El resultado es una película visualmente asombrosa que da vida a los elementos de una manera que los espectadores nunca han visto antes. Aunque Elemental no alcanza las altas cotas establecidas por Up, sigue impresionando con su mezcla única de elementos que se combinan para ofrecer una experiencia satisfactoria e incluso conmovedora. Aborda un tono complejo con gracia, evitando que la película se convierta en algo demasiado simple o demasiado dogmático. Su construcción de mundo recuerda a otra película infravalorada de Disney, Zootopia, pero Elemental traza su propio camino con una trama predeciblemente agradable y una hermosa animación de personajes. El resultado final es una película que tiene mucho que ofrecer, demostrando una vez más que Pixar sabe cómo contar una historia cautivadora que resuena con espectadores de todas las edades.
Elemental – Trailer oficial
Movie information
// Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures.
// Director: Peter Sohn
SOBRE EL DIRECTOR
Mientras asistía a CalArts, Peter Sohn consiguió un trabajo de verano trabajando en la película animada de Brad Bird El gigante de hierro (1999). Después de graduarse de la escuela, trabajó en The Walt Disney Company y Warner Bros. antes de llegar a Pixar en los departamentos de arte e historia de Buscando a Nemo (2003). Sohn continuó en los departamentos de arte, historia y animación de con Los Increíbles (2004), en la que se centró en animar a los miembros de la familia Parr. También trabajó como artista de la historia en la ganadora del Oscar, WALL.E (2008). Hizo si debut como director en Pixar con el corto Partly Cloudy (2009), a lo que siguió su trabajo como director en la película original de Disney Pixar Un gran dinosaurio (2015), que se estrenó en los cines en 2015. Además de sus contribuciones como cineasta, Sohn prestó su voz a largometrajes de Pixar. En 2022, Sohn brindará la voz de Sox, un gatito robótico, en la película Lightyear de Pixar.
Score [...]
Misión imposible: Sentencia mortal, parte 1
SINOPSIS
Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo del FMI se embarcan en su misión más peligrosa hasta la fecha: Localizar, antes de que caiga en las manos equivocadas, una nueva y terrorífica arma que amenaza a toda la humanidad. En esta tesitura, y con unas fuerzas oscuras del pasado de Ethan acechando, comienza una carrera mortal alrededor del mundo en la que está en juego el control del futuro y el destino del planeta. Enfrentado a un enemigo misterioso y todopoderoso, Ethan se ve obligado a considerar que nada puede anteponerse a su misión, ni siquiera las vidas de aquellos que más le importan. Séptima entrega de la saga ‘Misión Imposible’.
Movie Short Review
English review
Tom Cruise is recognized for his dedication to the film industry, embodying Hollywood’s struggle against the digital revolution in both his on-screen and off-screen roles. As the icon of the “Mission: Impossible” series, Cruise sees digital innovations such as motion smoothing, venture capital, and artificial intelligence as threats to traditional filmmaking. The renowned actor has made it his personal mission to combat these changes, viewing them as attempts to degrade the cinematic experience, replace human intervention, and threaten the sanctity of reality in film. His concerns are also prominently featured in his films, notably in the Best Picture-nominated “Top Gun: Maverick” and his latest blockbuster, “Mission: Impossible – Final Judgment Part One”.
The “Mission: Impossible” series has managed to maintain its consistency by focusing on the vulnerabilities of its protagonist, Ethan Hunt. This focus on human elements contrasts with the digital age’s reliance on algorithms and data. Cruise’s character, Hunt, is portrayed as a superhuman capable of making impossible decisions while balancing intimate relationships and global threats. This narrative reinforces the overarching themes of technology versus humanity that have emerged in the series. The latest installment, “Final Judgment Part One”, elevates these themes by painting a dystopian future ruled by a rogue AI. It challenges the notion that the digital revolution is solely beneficial, highlighting the irreplaceable qualities of human touch in action sequences.
The film does not entirely condemn technology. Its marketing campaign showcased behind-the-scenes footage of Cruise performing a dangerous stunt that used a blend of practical action and digital enhancement. This seemingly contradictory stance reflects the broader industry’s struggle with incorporating digital tools without losing the magic of traditional cinema. The film features a climax that involves a moral dilemma encapsulating this struggle. It’s a striking combination of character-driven action and narrative, demonstrating the potential to achieve a balance between humanity and technology. Despite an uncertain future for both Hollywood and the world, “Final Judgment Part One” suggests that it’s never too late to adjust the course, serving as a hopeful reminder of the value of human choices.
Spanish review
Tom Cruise es reconocido por su dedicación a la industria cinematográfica, representando la lucha de Hollywood contra la revolución digital tanto en sus roles en pantalla como fuera de ella. Como el ícono de la serie “Misión: Imposible”, Cruise percibe innovaciones digitales como el suavizado de movimiento, el capital de riesgo y la inteligencia artificial como amenazas para la creación de películas tradicionales. El afamado actor ha convertido en su misión personal combatir estos cambios, que considera intentos de degradar la experiencia cinematográfica, suplantar la intervención humana y amenazar la sacralidad de la realidad en el cine. Sus preocupaciones también se destacan en sus películas, notablemente en la nominada a Mejor Película “Top Gun: Maverick” y en su última superproducción, “Misión: Imposible – Juicio Final Parte Uno”.
La serie “Misión: Imposible” ha logrado mantener su consistencia centrándose en las vulnerabilidades de su protagonista, Ethan Hunt. Este enfoque en elementos humanos contrasta con la dependencia de algoritmos y datos de la era digital. El personaje de Cruise, Hunt, es retratado como un superhumano capaz de tomar decisiones imposibles mientras equilibra relaciones íntimas y amenazas globales. Esta narrativa se suma a los temas predominantes de tecnología versus humanidad que han surgido en la serie. La última entrega, “Juicio Final Parte Uno”, eleva estos temas al pintar un futuro distópico gobernado por una inteligencia artificial renegada. Desafía la noción de que la revolución digital es únicamente beneficiosa, subrayando las cualidades insustituibles del toque humano en las secuencias de acción.
La película no condena completamente la tecnología. Su campaña de marketing presentó imágenes detrás de escena de Cruise realizando una peligrosa acrobacia que utilizó una mezcla de acción práctica y mejoramiento digital. Esta postura aparentemente contradictoria refleja la lucha más amplia de la industria con la incorporación de herramientas digitales sin perder la magia del cine tradicional. La película presenta un clímax que involucra un dilema moral que encapsula esta lucha. Es una combinación impactante de acción impulsada por personajes y narrativa, demostrando el potencial de alcanzar un equilibrio entre humanidad y tecnología. A pesar de un futuro incierto tanto para Hollywood como para el mundo, “Juicio Final Parte Uno” sugiere que nunca es demasiado tarde para ajustar el rumbo, sirviendo como un recordatorio esperanzador del valor de las elecciones humanas.
Misión imposible: Sentencia mortal, parte 1 – Trailer oficial
Movie information
// Bad Robot, Paramount Pictures, Skydance Productions, New Republic Pictures, TC Productions.
// Director: Christopher McQuarrie
// Cast: Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Rebecca Ferguson, Vanessa Kirby, Henry Czerny
SOBRE EL DIRECTOR
El aclamado productor, director y ganador de un Premio de la Academia, Christopher McQuarrie, nació el 12 de junio de 1968 en Princeton, Nueva Jersey, EE. UU. Creció en Princeton Junction, Nueva Jersey, en donde trabajó como asistente en la Escuela Cristiana y más adelante en una agencia de detectives. Tiempo después se mudó a Los Ángeles para iniciar su carrera cinematográfica. En 1995, su guión para Los sospechosos de siempre, cinta dirigida por su amigo de la infancia, Bryan Singer, le valió el Premio de la Academia, el Premio BAFTA a “Mejor guión original”, el Premio Edgar Allan Poe y el Independent Spirit Award. The Wright’s Guild of America ha nombrado a Los sospechosos de siempre como uno de los mejores guiones de todos los tiempos. Dirigió A sangre fría (2000), protagonizada por Ryan Phillippe, Benicio Del Toro y James Caan. En 2008, produjo y coescribió, Operación Valquiria, protagonizada por Tom Cruise, la cual fue el inicio de muchos proyectos junto al actor. En 2012 volvió a trabajar con Cruise en Jack Reacher y a las pocas horas de terminarla ya estaba trabajando nuevamente con él, reescribiendo el guión para Al filo del mañana. Mientras trabajaban en el guion de dicha película, Cruise le sugirió a McQuarrie una idea que, más tarde, se convertió en Misión: Imposible: Nación rebelde (2015). Su más reciente proyecto es Misión: Imposible – Repercusión (2018), cinta que dirigió, escribió y produjo.
Score [...]
Flash
SINOPSIS
Los mundos chocan en “Flash” cuando Barry utiliza sus superpoderes para viajar en el tiempo y cambiar los acontecimientos del pasado. Barry intenta salvar a su familia, pero sin saberlo altera el futuro y queda atrapado en una realidad en la que el general Zod ha regresado y amenaza con la aniquilación, pero en la que no hay Superhéroes a los que recurrir. A menos que Barry pueda persuadir a un Batman muy diferente para que salga de su retiro y rescate a un kryptoniano encarcelado… aunque no sea el que está buscando. En última instancia, para salvar el mundo en el que se encuentra y regresar al futuro que conoce, la única esperanza de Barry es luchar por seguir vivo. Pero ¿este último sacrificio será suficiente para reiniciar el universo?
Movie Short Review
English review
During the 1990s, Michael Keaton was predestined to star in a third Batman movie. Even after Tim Burton was replaced by Joel Schumacher as the director of Batman Forever, Keaton remained linked to the project for several months until he finally turned down a $15 million paycheck to appear in the film due to his dissatisfaction with the script. With just a few changes in history, such as a different screenwriter or a slightly darker story, Keaton might have stayed on for Batman Forever, which would have drastically altered the course of DC movies. Keaton could also have returned for Batman & Robin, either damaging his Batman legacy with ice puns exchanged with Arnold Schwarzenegger or maintaining the spirit of the Burton films to create another hit. This turn of events could even have led to Christopher Nolan never making his Dark Knight trilogy, changing his entire career. This twist in history hinged on whether Keaton accepted the role to play Batman for Joel Schumacher for $15 million.
In reality, more than 30 years passed before Keaton returned to play Batman again, which he does in The Flash, a film that is less about DC Comics’ speedy hero and more of a reboot of the DC Movie Universe with a variety of guest stars from the multiverse. The story begins with Barry Allen, also known as The Flash, who discovers his ability to time travel while helping his own universe’s Batman save Gotham City. As a child, Barry’s mother was murdered and his father was unjustly imprisoned for the crime. Barry realizes that he could use his time travel abilities to go back to the day of his mother’s death and prevent it from happening. Despite Batman’s warnings that changing the past could have unforeseen consequences, Barry is tempted to try.
However, when Barry goes back in time to alter his family’s past, he inadvertently breaks the world. In the new present caused by Barry’s interference, the evil Kryptonian warlord General Zod stands unopposed in his plan to conquer Earth as there is no Superman, Wonder Woman, or Aquaman to stop him in this altered timeline. There is, however, an older Bruce Wayne, played by Keaton, living as a hermit in Wayne Manor. Barry must convince this Batman to come out of retirement and help him stop Zod. The movie is jam-packed with plot, plot, and more plot, leavened with comic relief from Ezra Miller playing dual roles as both The Flash and the less mature Barry Allen of the alternate reality.
Although the film starts strong, with energy, humor, and recognition of the trauma often present in superhero origin stories, it starts to falter as it becomes entangled in fixing the unintended side effects of Barry’s actions. The movie is overloaded with new characters and plot twists, causing the motivations of the main characters to become lost. Despite this, Keaton’s return as Batman is enjoyable, and Miller does a commendable job of making the two Barrys distinct characters. The charisma of these stars keeps the film running at a good pace. However, the quips and fan service begin to feel like distractions, and the film’s ending, while tying up Barry’s emotional journey, undercuts its own message about dealing with grief. The Flash has its ups and downs but barely gets a recommendation. While some have hailed it as one of the greatest DC Comics movies ever made, it seems to stumble rather than sprint to the finish line.
Spanish review
Durante la década de 1990, Michael Keaton estaba predestinado a protagonizar una tercera película de Batman. Incluso después de que Tim Burton fue reemplazado por Joel Schumacher como director de Batman Forever, Keaton permaneció ligado al proyecto durante varios meses hasta que finalmente rechazó un cheque de 15 millones de dólares para aparecer en la película debido a su insatisfacción con el guión. Con solo unos pequeños cambios en la historia, como un guionista diferente o una historia un poco más oscura, Keaton podría haberse quedado para Batman Forever, lo que habría alterado drásticamente el rumbo de las películas de DC. Keaton también podría haber regresado para Batman & Robin, dañando su legado como Batman con chistes sobre el hielo intercambiados con Arnold Schwarzenegger o manteniendo el espíritu de las películas de Burton para crear otro éxito. Este cambio podría haber incluso llevado a que Christopher Nolan nunca realizara su trilogía de El Caballero Oscuro, cambiando por completo su carrera. Este giro en la historia dependía de si Keaton aceptaba el papel para interpretar a Batman para Joel Schumacher por 15 millones de dólares.
En realidad, pasaron más de 30 años para que Keaton volviera a interpretar a Batman, lo que hace en la película The Flash, que es menos sobre el veloz héroe de DC Comics y más un reinicio del Universo de Películas de DC con una variedad de estrellas invitadas del multiverso. La historia comienza con Barry Allen, también conocido como The Flash, quien descubre su capacidad para viajar en el tiempo mientras ayuda al Batman de su propio universo a salvar Gotham City. Cuando era niño, la madre de Barry fue asesinada y su padre fue injustamente encarcelado por el crimen. Barry se da cuenta de que podría usar sus habilidades de viaje en el tiempo para volver al día de la muerte de su madre y evitar que suceda. A pesar de las advertencias de Batman de que cambiar el pasado podría tener consecuencias imprevistas, Barry se siente tentado a intentarlo.
Sin embargo, cuando Barry viaja atrás en el tiempo para alterar el pasado de su familia, inadvertidamente rompe el mundo. En el nuevo presente causado por la interferencia de Barry, el malvado señor de la guerra kryptoniano General Zod se encuentra sin oposición en su plan para conquistar la Tierra, ya que no hay Superman, Wonder Woman ni Aquaman para detenerlo en esta línea de tiempo alterada. Sin embargo, existe un Bruce Wayne mayor, interpretado por Keaton, que vive como un ermitaño en la Mansión Wayne. Barry debe convencer a este Batman para que salga de su retiro y le ayude a detener a Zod. La película está repleta de trama, trama y más trama, sazonada con alivio cómico de Ezra Miller interpretando roles duales tanto como The Flash como el menos maduro Barry Allen de la realidad alternativa.
Aunque la película comienza con fuerza, con energía, humor y el reconocimiento del trauma que a menudo está presente en las historias de origen de los superhéroes, comienza a tambalearse a medida que se enreda en la solución de los efectos secundarios no intencionados de las acciones de Barry. La película se ve sobrecargada con nuevos personajes y giros de la trama, lo que hace que se pierdan las motivaciones de los personajes principales. A pesar de esto, el regreso de Keaton como Batman es agradable, y Miller hace un trabajo encomiable al hacer de los dos Barrys personajes distintos. El carisma de estas estrellas mantiene la película a buen ritmo. Sin embargo, los chistes y el servicio a los fans comienzan a sentirse como distracciones, y el final de la película, aunque ata el viaje emocional de Barry, socava su propio mensaje sobre cómo lidiar con el duelo. The Flash tiene sus altibajos pero apenas recibe una recomendación. Aunque algunos la han aclamado como una de las mejores películas de DC Comics jamás realizadas, parece tropezar más que correr hacia la línea de meta.
Flash – Trailer oficial
Movie information
// DC Comics, DC Entertainment, Warner Bros.
// Director: Andy Muschietti
// Cast: Ezra Miller, Michael Keaton, Sasha Calle, Ron Livingston, Maribel Verdú, Kiersey Clemons, Antje Traue, Michael Shannon, Ben Affleck, Gal Gadot
Score [...]
La puerta mágica
SINOPSIS
Paul Carpenter (Patrick Gibson) se convierte de la noche a la mañana en el nuevo becario de la misteriosa empresa J.W. Wells & Co, compartiendo mesa con la brillante Sophie (Sophie Wilde). Rápidamente, ambos se dan cuenta que su nuevo trabajo es cualquier cosa menos convencional. Mientras Sophie es ascendida al Departamento de Casualidades, el director general de la empresa, Humphrey Wells (Christoph Waltz) persuade al joven Paul para que busque el objeto más poderoso y codiciado del mundo: la puerta mágica. Esa oscura y peligrosa misión llevará a Paul a adentrarse en un sinfín de lugares increíbles: Desde las profundidades de un sótano infestado de duendes hasta las alturas del Himalaya. Será en esa búsqueda que Paul se convertirá en un héroe inesperado y deberá salvar al mundo del plan más maléfico y diabólico que jamás haya amenazado la raza humana.
Movie Short Review
English review
“The Portable Door” is a fantasy film aiming to meld magic, humor, and adventure. However, it falls short of achieving its purpose. It follows the story of Paul Carpenter, a young intern at the enigmatic company J. W. Wells & Co., which specializes in the supernatural. The plot unravels the secrets of this magical world as Paul navigates through a series of misadventures. Although it sounds thrilling, the film fails to meet expectations. One of the primary issues lies in the pace and structure of the narrative – the story feels disconnected, and the humor seems forced, making it hard to maintain interest in the characters and their adventures.
In addition to the narrative problems, the characters in “The Portable Door” lack depth. Even with a cast of talented actors such as Patrick Gibson and Gemma Whelan, the inadequate character development and weak dialogue hinder the creation of an emotional connection with them. On a positive note, the film excels in visual effects and production design, creating a world brimming with wonder. Nevertheless, this is not enough to offset the fundamental flaws of the movie. The plot appears to lack direction, and the narration fails to captivate the audience as it should.
In conclusion, “The Portable Door” does not provide a compelling cinematic experience. The fragmented storyline, flat characters, and bland humor prevented me from fully enjoying the film. While some may appreciate it, I found it disappointing. If you are looking for an appealing fantasy film that skillfully combines magic, humor, and adventure, I would suggest looking elsewhere. There are many other films within the genre that offer a more captivating experience.
Spanish review
“La puerta mágica” es una película de fantasía que busca fusionar la magia, el humor y la aventura. Sin embargo, no logra cumplir con su propósito. Se trata de la historia de Paul Carpenter, un joven pasante en la enigmática empresa J. W. Wells & Co., especializada en lo sobrenatural. La trama desvela los secretos de este mundo mágico mientras Paul navega a través de una serie de desventuras. Aunque suena emocionante, la película no cumple con las expectativas. Uno de los problemas principales radica en el ritmo y la estructura de la narrativa – la historia se siente desconectada y el humor forzado, dificultando mantener el interés en los personajes y sus peripecias.
Además de los problemas en la narrativa, los personajes en “La puerta mágica” carecen de profundidad. Incluso con un elenco de actores talentosos como Patrick Gibson y Gemma Whelan, la escasa construcción de los personajes y los diálogos débiles dificultan la creación de una conexión emocional con ellos. En una nota positiva, la película destaca en efectos visuales y diseño de producción, creando un mundo lleno de maravillas. Sin embargo, esto no es suficiente para compensar las fallas fundamentales de la película. La trama parece carecer de dirección y la narración no logra captar a la audiencia como debería.
En resumen, “La puerta mágica” no proporciona una experiencia cinematográfica convincente. La historia fragmentada, los personajes planos y el humor insípido me impidieron disfrutar plenamente de la película. Mientras que algunos podrían apreciarla, yo la encontré decepcionante. Si buscas una película de fantasía atractiva que combine con habilidad la magia, el humor y la aventura, te sugeriría buscar en otro lugar. Existen muchas otras películas dentro del género que ofrecen una experiencia más cautivadora.
La puerta mágica – Trailer oficial
Movie information
// Jim Henson Company, Story Bridge Films, MEP Capital
// Director: Jeffrey Walker
// Cast: Christoph Waltz, Sam Neill, Patrick Gibson, Sophie Wilde, Miranda Otto, Rachel House, Chris Pang, Jessica De Gouw, Damon Herriman
SOBRE EL DIRECTOR
Jeffrey Walker es un cineasta australiano, nacido el 10 de julio de 1982, en Melbourne, Australia. Comenzó su carrera en la industra como actor a la edad de siete años, apareciendo principalmente en series juveniles y teniendo papeles relevantes en Ocean Girl y en Wayne Wilson: Right and Right, que lo llevo a recibir, en 1997, un premio al actor joven del Australian Film Institute por este papel. Cuando era adolescente, se interesó por desarrollarse detrás de la cámara, primer como camarografo y después como director. Después de graduarse de Sandringham College, fue contratado por Jonathan M. Shiff Productions Pty. Ltd., con quien había trabajado anteriormente, con una oferta de una pasantía en producción y dirección, para después empezar a trabajar como director en la serie de televisión Neighbours. Ha desarrollado la mayor parte de su carrera en televisión y, en años recientes, ha dirigido series como Modern Family (2013-2019), Young Rock (2021-2022) y La Familia: Un culto australiano (2023), entre otras
Score [...]
Reposo absoluto
SINOPSIS
Tras años luchando por formar una familia, Julie Rivers (Melissa Barrera) está embarazada de nuevo y se muda a una nueva casa con su marido. Al recibir la orden del médico de guardar reposo absoluto, Julie comienza a sufrir unas aterradoras experiencias fantasmales que despertarán sus demonios del pasado y le harán preguntarse si su casa está embrujada o está todo en su cabeza. Atrapada y obligada a enfrentarse a su pasado y a lo sobrenatural Julie tendrá que luchar por protegerse a sí misma y a su bebé a punto de nacer.
Movie Short Review
English review
“Bed Rest” is a horror-drama film that uses supernatural elements to depict a high-risk pregnancy. The main character, Julie, played by Melissa Barrera, falls into this condition when she stumbles and falls down the stairs during her seventh month of pregnancy. To prevent premature labor, her doctor prescribes strict bed rest. However, being a genre film, it’s impossible to strictly adhere to the doctor’s orders. The setting of the movie involves a large, isolated brick house that seems too big for a couple, a charming husband who is mostly absent due to his new job, an overly attentive midwife who seems to be hiding something, and Julie, who hears terrifying noises while alone.
The director, Lori Evans Taylor, is a well-known fan of horror films, which is evident in every shot of her movie. The film revolves around the clichés of haunted house movies. However, Lori fails to extract anything new from these clichés. The shots of the movie seem uninspired, and the overuse of “jump scares” doesn’t help. Despite this, the convincing performance of the protagonist, Melissa Barrera, and her portrayal of a woman traumatized by a stillborn baby, expecting her second child, and tormented by the fear of another childbirth death, keep the movie above average.
“Bed Rest” tackles a complex topic and presents it in the form of a structured horror movie. The film draws upon the director’s tragic biography, as she had to deal with the early loss of her child. However, it remains a mystery why she chose to express this complex topic of long-term grief through a superficial horror movie. Despite its shortcomings, the movie is a testament to Melissa Barrera’s acting talent, demonstrating that she can carry a film by herself. She delivers a believable performance that sets “Bed Rest” apart from other average horror films.
Spanish review
“Bed Rest” es una película de drama y terror que utiliza elementos sobrenaturales para retratar un embarazo de alto riesgo. La protagonista, Julie, interpretada por Melissa Barrera, cae en tal condición cuando se tropieza y cae por las escaleras durante su séptimo mes de embarazo. Para prevenir un parto prematuro, su médico prescribe un reposo estricto en cama. Sin embargo, al ser una película de género, es imposible seguir al pie de la letra las órdenes del médico. El escenario de la película involucra una gran casa de ladrillos aislada que parece demasiado grande para una pareja, un encantador esposo que está mayormente ausente debido a su nuevo trabajo, una matrona excesivamente cuidadosa que parece ocultar algo, y Julie, quien escucha ruidos aterradores mientras está sola.
La directora, Lori Evans Taylor, es una reconocida fanática de las películas de terror, lo que es evidente en cada toma de su película. El film gira en torno a los clichés de las películas de casas encantadas. Sin embargo, Lori no logra extraer nada nuevo de estos clichés. Las tomas de la película parecen poco inspiradas, y el abuso de los “sustos repentinos” no ayuda. A pesar de esto, la convincente actuación de la protagonista Melissa Barrera y su representación de una mujer traumatizada por un bebé muerto al nacer, esperando a su segundo hijo y atormentada por el miedo a otra muerte en el parto, mantienen la película por encima del promedio.
“Bed Rest” aborda un tema complejo y lo presenta en forma de película de terror estructurada. La película se basa en la trágica biografía de la directora, ya que tuvo que lidiar con la pérdida temprana de su hijo. Sin embargo, sigue siendo un misterio por qué eligió expresar este complejo tema del luto a largo plazo a través de una película de terror superficial. A pesar de sus deficiencias, la película es un testimonio del talento actoral de Melissa Barrera, demostrando que puede llevar una película por sí misma. Ella ofrece una actuación creíble que distingue a “Bed Rest” de otras películas de terror promedio.
Reposo absoluto – Trailer oficial
Movie information
// BondIt, Buffalo 8 Productions, Project X.
// Director: Lori Evans Taylor
// Cast: Melissa Barrera
Score [...]
Hilma
SINOPSIS
Hilma af Klint forma parte importante de la historia del arte como una de las primeras pintoras que se atrevió a realizar arte abstracto y una de las más importantes de la historia de Suecia. Sin embargo, a diferencia de la obra de muchas de sus compañeras y compañeros de la época, la suya fue incomprendida y olvidada hasta mucho después de su muerte. Esta es la historia de Hilma y las circunstancias que hicieron posible sus pinturas.
Movie Short Review
English review
“Hilma,” directed by Lasse Hallström, is a noteworthy yet somewhat sentimental effort to familiarize the general public with the Swedish abstract artist, Hilma af Klint, whose work largely went unrecognized during her lifetime. Despite being a pioneering force in abstract painting, predating even the acclaimed modernist Wassily Kandinsky, her extraordinary work remained hidden from the public for years after her death in 1944. Recently, her art has enjoyed a resurgence, with extensive exhibitions in museums across Europe and the U.S., as well as the 2019 documentary “Beyond the Visible” by Halina Dyrschka.
Hallström’s film, known for his popular works such as “Chocolat,” “The Hundred-Foot Journey,” and “The Cider House Rules,” is a sensual and whimsical exploration of af Klint’s life and art. The film suggests that her artistic influence stemmed as much from her sister’s untimely death as from her idiosyncratic spiritual beliefs. Her work, depicted in the film as vibrant and ethereal with dizzyingly circular patterns, at times aligns well with Hallström’s sweet and sensory style. However, the director’s traditionalist approach can also conflict with af Klint’s unconventional nature, particularly when the film explores her youthful days and grief through somewhat predictable visions of her sister.
Despite this, Hallström’s film achieves a balance between accessibility and mystery, between the tangible and the abstract. His daughter, Tora, in her first leading role, delivers a warm and open performance as the young Hilma, contrasted with Lena Olin’s portrayal of the older Hilma, striving to generate interest for her art in a world unprepared for her. The film also follows the formation of The Five, a spiritual art collective of women studying theosophy together. Although hinting at Hilma’s romantic relationships with women, these segments feel somewhat shy. The film also introduces male characters, both as harsh critics and vague supporters of Hilma’s work. Ultimately, “Hilma” is a predominantly feminine film about af Klint’s soul and her profound creative longing, presenting a warm celebration of her work, despite its imperfections.
Spanish review
“Hilma”, dirigida por Lasse Hallström, es un esfuerzo notable, aunque algo sentimental, para familiarizar al público general con la artista sueca de arte abstracto, Hilma af Klint, cuyo trabajo permaneció en gran medida sin reconocimiento en vida. A pesar de ser una fuerza pionera en la pintura abstracta, incluso antes que el aclamado modernista Wassily Kandinsky, su extraordinaria obra permaneció oculta al público durante años después de su muerte en 1944. Recientemente, su arte ha disfrutado de un resurgimiento, con extensas exposiciones en museos de toda Europa y EE. UU., así como el documental de 2019 “Beyond the Visible” de Halina Dyrschka.
La película de Hallström, conocido por sus populares obras como “Chocolat”, “The Hundred-Foot Journey” y “The Cider House Rules”, es una exploración sensual y caprichosa de la vida y el arte de af Klint. La película sugiere que su influencia artística provino tanto de la muerte prematura de su hermana como de sus peculiares creencias espirituales. Su obra, representada en la película como viva y etérea con patrones circularmente vertiginosos, a veces se combina bien con el estilo dulce y sensorial de Hallström. Sin embargo, el enfoque tradicionalista del director también puede entrar en conflicto con la naturaleza poco convencional de af Klint, especialmente cuando la película explora sus días de juventud y su duelo a través de visiones algo predecibles de su hermana.
A pesar de esto, la película de Hallström logra un equilibrio entre accesibilidad y misterio, entre lo tangible y la abstracción. Su hija, Tora, en su primer papel principal, ofrece una interpretación cálida y abierta como la joven Hilma, contrastada con la interpretación de Lena Olin de la Hilma mayor, luchando por generar interés por su arte en un mundo que no está preparado para ella. La película también sigue la formación de Las Cinco, un colectivo espiritual de mujeres que estudian teosofía juntas. A pesar de insinuar las relaciones románticas de Hilma con mujeres, estos segmentos se sienten algo tímidos. La película también presenta personajes masculinos, tanto como críticos duros como vagos defensores de la obra de Hilma. En última instancia, “Hilma” es una película predominantemente femenina sobre el alma de af Klint y su profundo deseo creativo, presentando una cálida celebración de su trabajo, a pesar de sus defectos.
https://youtu.be/uCW_edlSjEo
Hilma – Trailer oficial
Movie information
// Nordic Entertainment Group
// Director: Lasse Hallström
// Cast: Tora Hallström, Lena Olin, Tom Wlaschiha, Lily Cole, Martin Wallström, Maeve Dermody, Rebecca Calder, Vaidotas Martinaitis, Adam Lundgren, Jens Hultén, Lukas Loughran, Jazzy De Lisser, Arman Fanni, Anna Björk, Aiste Dirziute, Karolis Kasperavicius, Gabija Jaraminaite, Leonardas Pobedonoscevas, Tomas Vengris, Paulius Markevicius, Karolina Elzbieta Mikolajunaite, Vytautas Kaniusonis, Romuald Lavynovic
SOBRE EL DIRECTOR
La gran estafa (2006), con Richard Gere, vio su estreno en abril de 2007 y fue objeto de gran reconocimiento. La primera nominación para el Oscar al mejor director de Lasse Hallström aconteció en 1985 con el estreno de Mi vida como un perro (1985), que también resultó nominada al mejor guión. En 1993, Hallström dirigió ¿A quién ama Gilbert Grape? (1993), según la novela de Peter Hedge, que protagonizaban Johnny Depp y Leonardo DiCaprio, quien lograra su primera nominación al Oscar. Hallström comenzó su carrera en su natal, Suecia, donde trabajó en televisión y en cortos. Además, dirigió videos musicales, entre los que destacan los del famoso grupo sueco, ABBA.
Score [...]
The Machine
SINOPSIS
20 años después, el pasado borracho de Bert lo alcanza, cuando él y su padre son secuestrados por aquellos a los que Bert robó hace 20 años mientras estaba borracho durante un semestre universitario en el extranjero en Rusia
Movie Short Review
English review
In “The Machine,” we encounter comedian Bert Kreischer portraying a version of himself that audiences have come to love for his unconventional humor. As the story unfolds, Bert confesses to his therapist that he’s been treating his teenage daughter with disrespect, marking the beginning of his realization that he needs to mend his relationships with his wife and daughter. His path to this revelation takes him on a transformative journey to Russia, which changes his perception of his family. This emotional awakening for Bert could inspire other fathers to reassess their relationships with their daughters and learn from his experience.
Bert’s career is characterized by his outlandish behavior, frequently serving as the subject of his own jokes. This sense of humor forms the backbone of “The Machine,” a film adaptation of his well-liked stand-up routine. Although Bert’s unique comedic style is a delight for his fans, it may not resonate with audiences looking for more thoughtful content. Bert’s career skyrocketed after he recounted an amusing story from a college trip to Russia on the Joe Rogan show in 2015, involving leading Russian gangsters on a heavy drinking adventure, a train robbery, and a hilarious language mix-up resulting in his nickname “The Machine.” The film picks up a few years after this memorable podcast episode, showing Bert living a life of luxury, a result of the fame brought by his story. However, he takes a step back from this glamorous lifestyle when he realizes its detrimental effects on his family life.
In his efforts to live a more normal life, Bert plans a quiet celebration for his daughter Sasha’s 16th birthday. This plan, however, is thrown off by the unexpected arrival of his father, Albert. Albert, who runs a successful carpet business, takes pleasure in undermining Bert at every turn. The tension between father and son escalates when Irina, a formidable Russian criminal, confronts Bert, revealing that his notorious stand-up routine has reached the ears of a Russian mobster still searching for his stolen pocket watch. Consequently, Bert and Albert are compelled to travel to Russia to help Irina find the lost timepiece. Once in Russia, they decide to recreate Bert’s original trip due to his cloudy memories, resulting in an adventurous roller coaster ride and numerous encounters with Russian gangsters.
“The Machine” ingeniously transforms Bert’s stand-up comedy into a film narrative, using different locations as stages for his comic routine. However, the film loses some of its allure when it abruptly shifts into an action movie. The action scenes, though largely made tolerable by Albert’s intermittent comic relief, lead to a foreseeable climax where Bert reverts to his party-hard persona, drinking heavily and stripping down. Despite the predictability, the movie ends on a high note, with Bert and Albert sharing a heartfelt father-son moment. It’s unclear, though, what lessons they’ve taken away from this journey. Amid the contradictions in Bert’s behavior—quitting substances for his family’s sake, only to fall back into heavy drinking—it’s clear that his family is happy at the end of the film. Perhaps this journey, in its own unique way, has imparted Bert with a newfound respect for his family, particularly during times of conflict.
Spanish review
En “The Machine”, nos encontramos con el comediante Bert Kreischer interpretando una versión de sí mismo que el público ha llegado a amar por su humor poco convencional. A medida que se desarrolla la historia, Bert confiesa a su terapeuta que ha estado tratando a su hija adolescente con falta de respeto, lo que marca el inicio de su toma de conciencia de que necesita reparar sus relaciones con su esposa e hija. Su camino hacia esta revelación lo lleva a un viaje transformador a Rusia, que cambia su percepción de su familia. Este despertar emocional de Bert podría inspirar a otros padres a reevaluar sus relaciones con sus hijas y aprender de su experiencia.
La carrera de Bert se caracteriza por su comportamiento extravagante, sirviendo frecuentemente como objeto de sus propios chistes. Este sentido del humor forma la columna vertebral de “The Machine”, una adaptación cinematográfica de su popular rutina de comedia en vivo. Aunque el estilo cómico único de Bert es un deleite para sus fans, puede que no resuene con las audiencias que buscan contenido más reflexivo. La carrera de Bert se disparó después de que relató una historia divertida de un viaje universitario a Rusia en el show de Joe Rogan en 2015, que implicaba liderar a gánsteres rusos en una aventura de beber pesadamente, un robo de tren, y un divertido lío de idiomas que resultó en su apodo “La Máquina”. La película retoma la narrativa unos años después de este memorable episodio del podcast, mostrando a Bert viviendo una vida de lujo, un resultado de la fama que su historia le trajo. Sin embargo, decide dar un paso atrás de este glamuroso estilo de vida cuando se da cuenta de sus efectos perjudiciales en su vida familiar.
En sus esfuerzos por llevar una vida más normal, Bert planea una tranquila celebración para el 16 cumpleaños de su hija Sasha. Este plan, sin embargo, se ve interrumpido por la llegada inesperada de su padre, Albert. Albert, que dirige un próspero negocio de alfombras, se complace en socavar a Bert en cada oportunidad. La tensión entre padre e hijo se intensifica cuando Irina, una formidable criminal rusa, confronta a Bert, revelando que su infame rutina de comedia en vivo ha llegado a los oídos de un mafioso ruso que todavía busca su reloj de bolsillo robado. En consecuencia, Bert y Albert se ven obligados a viajar a Rusia para ayudar a Irina a encontrar la pieza perdida. Una vez en Rusia, deciden recrear el viaje original de Bert debido a sus recuerdos nublados, lo que resulta en una montaña rusa de aventuras y numerosos encuentros con gánsteres rusos.
“The Machine” transforma ingeniosamente la rutina de comedia en vivo de Bert en una narrativa cinematográfica, utilizando diferentes lugares como escenarios para su rutina cómica. Sin embargo, la película pierde parte de su encanto cuando se convierte abruptamente en una película de acción. Las escenas de acción, aunque en gran parte tolerables gracias al alivio cómico intermitente de Albert, conducen a un clímax previsible donde Bert vuelve a su personalidad de fiestero, bebiendo pesadamente y desnudándose. A pesar de la previsibilidad, la película termina en un momento emotivo, con Bert y Albert compartiendo un momento sincero padre-hijo. Sin embargo, no está claro qué lecciones han sacado de este viaje. A pesar de las contradicciones en el comportamiento de Bert —dejar las sustancias por el bien de su familia, solo para volver a la bebida pesada— es evidente que su familia está feliz al final de la película. Tal vez este viaje, a su manera única, ha inculcado a Bert un nuevo respeto por su familia, especialmente durante los tiempos de conflicto.
The Machine – Trailer oficial
Movie information
// Shaken Not Stirred, Balkanic Media
// Director: Peter Atencio
// Cast: Bert Kreischer, Mark Hamill, Jimmy Tatro, Stephanie Kurtzuba, Nikola Đuričko, Oleg Taktarov
Score [...]
Tiburón negro
SINOPSIS
Paul Sturges (Josh Lucas), trabajador de una empresa petrolífera, aprovecha sus idílicas vacaciones familiares en la bahía azul de México para hacer una inspección rutinaria de una plataforma ubicada en medio del océano. Lo que prometía ser una tarea sencilla se convierte en una auténtica pesadilla al encontrarse cara a cara con un sanguinario megalodón obsesionado con proteger su territorio a toda costa. Abandonados a su suerte, y con la constante amenaza de ser devorados, la familia deberá encontrar el modo de regresar a tierra firme evitando los ataques mortales del enorme tiburón.
Movie Short Review
English review
“The Black Demon” (2023), directed by Adrian Grunberg and written by Carlos Cisco and Boise Esquerra, is an unusual blend of horror, science fiction, and thriller. The movie might have you oscillating between laughter and irritation. Instead of being a rollercoaster of emotions, it’s more akin to a carousel that’s gone off its course. The plot revolves around a family stuck on a crumbling platform in Baja, wrestling with a vengeful megalodon shark. The narrative springs from the ‘Black Demon’ legend, a beast purported by local fishermen to have claimed numerous lives and attacked whales in Baja California. While the concept is intriguing, the film falls short in its delivery.
The main actors of the film, Omar Chaparro, Bolivar Sanchez, and Carlos Solórzano, strive to keep the storyline afloat amidst a sea of clichés and predictable plot twists. Despite this, their earnest efforts almost make their performances appealing. From Chaparro’s role as an over-enthusiastic sidekick to Solórzano’s portrayal of ‘Tommy’, their acting is reminiscent of a school play, which ironically enhances the appeal of the movie. “The Black Demon” has an abundance of inconsistencies and logical errors so vast that you could drive a shark through them. However, it is precisely these shortcomings that make the movie hilariously entertaining. Scenes that were supposed to be terrifying end up being comic due to the exaggerated acting, mediocre special effects, and sometimes absurdly amusing dialogue.
The visual effects are a spectacle, but not in a good sense. The shark, which should be the horror element’s centerpiece, resembles a failed low-budget CGI experiment. Its movements are artificial and mechanical, prompting more laughter than fear. Neither the sound design nor the soundtrack can salvage this sinking ship. The repetitive, generic horror music in the background does little to create suspense or stir any genuine emotion. Despite these significant flaws, “The Black Demon” possesses a peculiar charm. Its overacting, laughable dialogue, and questionable CGI come together to form a movie that’s unintentionally amusing and entertaining in its own peculiar way. It could become a cult classic and is perfect for a fun evening with friends where the goal is laughter.
In conclusion, “The Black Demon” is a cinematic experience that doesn’t fit conventional ratings. It’s so comically bad that it becomes good again, earning a place as a masterpiece of unintentional comedy. If you enjoy “so bad they’re good” movies or love having a good laugh at a film’s expense, “The Black Demon” is worth a watch. However, if you’re seeking a serious, well-executed horror-thriller, this movie might not be for you.
Spanish review
“Tiburón negro” (2023), dirigida por Adrian Grunberg y escrita por Carlos Cisco y Boise Esquerra, es una mezcla singular de horror, ciencia ficción y thriller. La película podría hacer que osciles entre la risa y la irritación. En lugar de ser una montaña rusa de emociones, se asemeja más a un tiovivo que se ha desviado del camino. La trama se centra en una familia atrapada en una plataforma en ruinas en Baja, luchando contra un megalodón vengativo. La historia se basa en la leyenda del ‘Demonio Negro’, una bestia que, según los pescadores locales, ha cobrado numerosas vidas y atacado ballenas en Baja California. Aunque el concepto es intrigante, la película se queda corta en su ejecución.
Los actores principales de la película, Omar Chaparro, Bolivar Sanchez y Carlos Solórzano, se esfuerzan por mantener la trama a flote en medio de un mar de clichés y tropos predecibles. A pesar de esto, sus esfuerzos sinceros casi hacen que sus actuaciones sean atractivas. Desde el papel de Chaparro como un entusiasta compañero hasta la representación de ‘Tommy’ por parte de Solórzano, su actuación recuerda a una obra de teatro escolar, lo que irónicamente realza el atractivo de la película. “Tiburón negro” tiene una multitud de inconsistencias y errores lógicos tan grandes que podrías conducir un tiburón a través de ellos. Sin embargo, son precisamente estos defectos los que hacen que la película sea hilarantemente divertida. Las escenas que se supone que deben ser aterradoras terminan siendo cómicas debido a la actuación exagerada, los efectos especiales mediocres y a veces un diálogo absurdamente divertido.
Los efectos visuales son un espectáculo, pero no en un sentido positivo. El tiburón, que debería ser el centro de atención del elemento de horror, se parece a un experimento de CGI de bajo presupuesto que salió mal. Sus movimientos son artificiales y mecánicos, provocando más risa que miedo. Ni el diseño de sonido ni la banda sonora pueden rescatar este barco que se hunde. La música de horror genérica repetitiva en el fondo hace poco para crear suspense o despertar alguna emoción genuina. A pesar de estos defectos significativos, “Tiburón negro” posee un extraño atractivo. Su sobreactuación, diálogo risible y CGI dudoso se unen para formar una película que es involuntariamente divertida y entretenida a su manera peculiar. Podría convertirse en un clásico de culto y es ideal para una noche divertida con amigos donde el objetivo es reír.
Para concluir, “Tiburón negro” es una experiencia cinematográfica que no se ajusta a las calificaciones convencionales. Es tan terriblemente mala que se vuelve buena de nuevo, clasificándose como una obra maestra de la comedia involuntaria. Si disfrutas de las películas “tan malas que son buenas” o te diviertes a costa de los defectos de una película, “Tiburón negro” merece la pena ser vista. Sin embargo, si buscas un thriller de horror serio y bien ejecutado, es posible que quieras evitar esta película.
Tiburón negro – Trailer oficial
Movie information
// Mucho Mas Media, Silk Mass, Chocolatito, Lantica Media, Buzzfeed Studios
// Director: Adrian Grunberg
// Cast: Josh Lucas, Fernanda Urrejola, Julio Cedillo, Héctor Jiménez, Raúl Méndez, Edgar Flores
SOBRE EL DIRECTOR
Adrian Grunberg es director de cine y guionista. Comenzó su carrera como asistente de dirección en 1995. Participó desempeñando este trabajo en películas como Amores Perros (2000) y Frida (2002). Grunberg también trabajó como primer asistente de dirección en películas como Apocalypto (2006), Wall Street: El dinero nunca duerme (2010) y Jack Reacher: Sin regreso (2016). En 2012 debutó como director y guionista con la cinta de acción protagonizada por Mel Gibson Atrapen al gringo. Grunberg en años recientes colaboró con varios proyectos de Netflix: trabajó como primer asistente de dirección en dos episodios de la primera temporada de Narcos y como director de la segunda unidad en la tercera temporada, además repitió el papel en 2018 en Narcos: México. En agosto de 2018, Grunberg fue anunciado como el director de Rambo: Last Blood (2019), donde Sylvester Stallone regresa al icónico papel de John Rambo.
Score [...]
Ruby, aventuras de una kraken adolescente
SINOPSIS
La dulce y algo torpe Ruby Gillman tiene 16 años y solo quiere encajar con sus compañeros del instituto Oceanside High. Ayuda con las matemáticas a un compañero por el que está colada, pero él solo la admira por su habilidad con los fractales. No puede juntarse con las chicas y los chicos populares en la playa porque su sobreprotectora madre le tiene terminantemente prohibido meterse en el agua. Pero cuando por fin se salta la principal prohibición de su madre, Ruby descubre que desciende de las grandes reinas guerreras de los Kraken y que está destinada a heredar el trono de su exigente abuela, la Reina Guerrera de los Siete Mares.
Movie Short Review
English review
DreamWorks Animation, established roughly 25 years ago, initially attempted to balance its vision of developing the dramatic potential of American animation and challenging Disney’s established norms. This resulted in efforts to outdo Disney in releasing animations, often emulating successful titles. Although the rivalry between DreamWorks and Disney has cooled due to the emergence of other animation studios, elements of that competitive past persist. For instance, DreamWorks’ recent film, “Ruby Gillman, Teenage Kraken,” features an antagonist who is a clear reference to Disney’s iconic Little Mermaid character, in response to Disney’s live-action remakes of their animated classics. However, the film itself is less a satire and more a coming-of-age story.
The protagonist, Ruby, voiced by Lana Condor, is not the typical sea princess, but rather a kraken in disguise living amongst humans, pretending to be part of a Canadian family with her clan. Despite her alien appearance, she manages to integrate into her seaside school, make close friends, and even tutor her crush, Connor, in mathematics. A contrasting character, Chelsea, transfers to Ruby’s school and is characterized as the Little Mermaid reimagined as a living Bratz doll, in opposition to Ruby’s shy demeanor. Ruby’s life takes a turn when she saves Connor from drowning during a botched promposal event, which leads to the discovery of her true kraken abilities, much stronger than she ever knew. She then embarks on a journey to explore her powers and investigate the ancient feud between krakens and mermaids, guided by her grandmother, a warrior queen voiced by Jane Fonda.
Despite a compelling narrative and colorful character animations, “Ruby Gillman, Teenage Kraken” often resorts to formulaic storytelling and borrowed plot elements. For example, it bears unavoidable similarities to Pixar’s “Turning Red,” a story revolving around a mother-daughter conflict over an inherited ability to transform into a massive creature. Despite some innovative design choices, Ruby’s character lacks depth. The movie attempts to capture the awkwardness and confusion of adolescence but often falls short, choosing to smooth over the complexities of teenage life. Even its jab at Disney’s The Little Mermaid is more of a light-hearted joke than a critical satire. It’s a family-friendly film, one that its young audience might remember fondly or possibly view with skepticism due to its simplistic portrayal of teenage struggles.
Spanish review
DreamWorks Animation, establecida hace aproximadamente 25 años, inicialmente intentó equilibrar su visión de desarrollar el potencial dramático de la animación estadounidense y desafiar las normas establecidas de Disney. Esto resultó en intentos de superar a Disney en el lanzamiento de animaciones, emulando a menudo títulos exitosos. Aunque la rivalidad de DreamWorks con Disney se ha enfriado debido a la aparición de otros estudios de animación, aún persisten elementos de ese pasado competitivo. Por ejemplo, la reciente película de DreamWorks, “Ruby Gillman, Teenage Kraken,” presenta a una antagonista que es una clara referencia al icónico personaje de la sirenita de Disney, en respuesta a los remakes en acción real de Disney de sus clásicos de animación. Sin embargo, la película en sí es menos una sátira y más una historia de crecimiento personal.
La protagonista, Ruby, con la voz de Lana Condor, no es la típica princesa del mar, sino un kraken disfrazado que vive entre humanos, fingiendo ser parte de una familia canadiense con su clan. A pesar de su apariencia alienígena, logra integrarse en su escuela costera, hacer amigos cercanos e incluso ayudar a su enamorado, Connor, en matemáticas. Un personaje en contraste, Chelsea, se transfiere a la escuela de Ruby y se caracteriza como la Sirenita reimaginada como una muñeca Bratz viviente, en contraposición a la tímida conducta de Ruby. La vida de Ruby da un giro cuando salva a Connor de ahogarse durante un malogrado evento de propuesta de baile de graduación, lo que conduce al descubrimiento de sus verdaderas habilidades de kraken, mucho más fuertes de lo que ella nunca supo. Luego se embarca en un viaje para explorar sus poderes e investigar la antigua disputa entre krakens y sirenas, guiada por su abuela, una reina guerrera con la voz de Jane Fonda.
A pesar de una narrativa convincente y coloridas animaciones de personajes, “Ruby Gillman, Teenage Kraken” a menudo recurre a una narración formulista y elementos de trama prestados. Por ejemplo, tiene similitudes inevitables con “Turning Red” de Pixar, una historia que gira en torno a un conflicto madre-hija sobre una habilidad heredada para transformarse en una criatura masiva. A pesar de algunas elecciones de diseño innovadoras, el personaje de Ruby carece de profundidad. La película intenta capturar la torpeza y confusión de la adolescencia, pero a menudo falla, eligiendo suavizar las complejidades de la vida adolescente. Incluso su broma sobre La Sirenita de Disney es más una broma ligera que una sátira crítica. Es una película familiar, que su joven audiencia puede recordar con cariño o posiblemente ver con escepticismo por su representación simplista de las luchas adolescentes.
Ruby aventuras de una kraken adolescente – Trailer oficial
Movie information
// DreamWorks Animation, Universal Pictures.
// Director: Kirk DeMicco, Faryn Pearl
Score [...]
Operación Kandahar
SINOPSIS
Tras sabotear un reactor nuclear iraní, el agente de la CIA Tom Harris (Gerard Butler) descubre que su identidad ha sido revelada a los medios después de que un informante expusiera la implicación de la CIA en la destrucción del reactor. Harris dispone de sólo 30 horas para llegar al aeropuerto de Kandahar (Afganistán) y evitar su muerte y captura. Para conseguirlo, necesitará la ayuda de un traductor afgano llamado Mo (Navid Negahban) que desprecia la violencia y el derramamiento de sangre causado por el conflicto bélico. Perseguidos por peligrosas amenazas, entre las que se encuentra el despiadado asesino Kahil (Ali Fazal), Tom y Mo se verán obligados a unir fuerzas para llegar, de una pieza, a Kandahar.
Movie Short Review
English review
Gerard Butler, renowned for his roles in action movies, has recently delivered stellar performances in thrillers such as Copshop, Greenland, and Plane. Yet, his latest project, Kandahar, doesn’t quite rise to the level of his previous work. Directed by Ric Roman Waugh, a frequent collaborator, Kandahar features Butler as Tom Harris, an undercover CIA operative whose cover is blown. As Harris and his translator, played by Navid Negahban, evade their pursuers, they’re tasked with navigating their way to an extraction point in Kandahar city. While the plot is engaging, it bears an unfortunate resemblance to Guy Ritchie’s The Covenant, where Jake Gyllenhaal’s character embarks on a similar mission to save his translator. This overlap, though unintentional, may lead viewers to draw comparisons between the two films.
Unlike traditional Butler-centric narratives, Kandahar brings a fresh approach by offering varying perspectives. The film doesn’t just center on the typical good-versus-bad theme; it explores the perspectives of Negahban’s translator, the handling of a compromised agent by Travis Fimmel’s Roman Chalmers, and the machinations of Ali Fazal’s charismatic Kahil, providing a multi-faceted conflict. Kandahar also stands out as the first major American production entirely shot in Saudi Arabia, making remarkable use of the expansive landscapes and unique terrain, contributing to the film’s distinct visual aesthetic. However, despite its Middle Eastern setting, the film doesn’t fully delve into the complex sociopolitical issues inherent to the region.
While Kandahar showcases a broad range of narrative scope and meticulous craftsmanship, it doesn’t quite meet the high bar set by Butler’s recent performances. The film seems to grapple with indecision, which affects character development, plot progression, and even the execution of action sequences. Even the climactic confrontation, while fitting within the story’s context, feels somewhat contrived and predictable. Yet, Kandahar is far from being a disaster. It presents a visually striking spectacle owing to its unique filming location and will certainly entertain Butler’s fans with his trademark action sequences. Nevertheless, it could have fulfilled its potential more robustly and achieved the level of excellence characteristic of Butler’s recent works.
Spanish review
Gerard Butler, conocido por sus roles en películas de acción, ha entregado recientemente actuaciones estelares en thrillers como Copshop, Greenland y Plane. Sin embargo, su último proyecto, Kandahar, no logra alcanzar el nivel de sus trabajos anteriores. Dirigida por Ric Roman Waugh, colaborador habitual, Kandahar presenta a Butler como Tom Harris, un operativo encubierto de la CIA cuya identidad se ve comprometida. Mientras Harris y su traductor, interpretado por Navid Negahban, eluden a sus perseguidores, deben navegar hacia un punto de extracción en la ciudad de Kandahar. Aunque la trama es atrapante, guarda una desafortunada similitud con The Covenant de Guy Ritchie, donde el personaje de Jake Gyllenhaal emprende una misión similar para salvar a su traductor. Esta coincidencia, aunque no intencional, puede llevar a los espectadores a trazar comparaciones entre las dos películas.
A diferencia de las narrativas tradicionales centradas en Butler, Kandahar aporta un enfoque fresco al ofrecer perspectivas variadas. La película no se centra únicamente en el típico tema de buenos contra malos; explora las perspectivas del traductor de Negahban, el manejo de un agente comprometido por parte de Roman Chalmers de Travis Fimmel, y las maquinaciones del carismático Kahil de Ali Fazal, proporcionando un conflicto multifacético. Kandahar también destaca por ser la primera gran producción estadounidense filmada íntegramente en Arabia Saudita, aprovechando de manera notable los vastos paisajes y el terreno único, contribuyendo a la estética visual distintiva de la película. Sin embargo, a pesar de su ambientación en Oriente Medio, la película no profundiza completamente en los complejos problemas sociopolíticos inherentes a la región.
Mientras que Kandahar exhibe un amplio rango de alcance narrativo y una meticulosa artesanía, no logra cumplir con el alto estándar establecido por las recientes actuaciones de Butler. La película parece lidiar con la indecisión, que afecta al desarrollo del personaje, al progreso de la trama e incluso a la ejecución de las secuencias de acción. Incluso el enfrentamiento climático, aunque encaja en el contexto de la historia, se siente un tanto forzado y predecible. Aún así, Kandahar está lejos de ser un desastre. Presenta un espectáculo visualmente impresionante gracias a su singular ubicación de rodaje y sin duda entretendrá a los fans de Butler con sus secuencias de acción características. No obstante, podría haber cumplido su potencial de manera más robusta y alcanzado el nivel de excelencia característico de los trabajos recientes de Butler.
Operación Kandahar – Trailer oficial
Movie information
// G-BASE, Thunder Road Pictures, Capstone Group, MBC Studios
// Director: Ric Roman Waugh
// Cast: Gerard Butler, Ali Fazal, Navid Negahban, Nina Toussaint-White, Travis Fimmel, Bahador Foladi, Vassilis Koukalani
SOBRE EL DIRECTOR
Ric Roman Waugh es un director, actor y doble de riesgo estadounidense. Trabajó como doble de riesgo en los años 80 y 90: apareció en varias películas como Soldado universal (1992), El último de los mohicanos (1992), El último gran héroe (1993), Hard Target: Operación cacería (1993), El cuervo (1994), 60 segundos (2000) y The One (2001). Como actor participó en Kuffs (1992), protagonizada por Christian Slater y Milla Jovovich. La primer película como director de Roman Waugh fue In the Shadows (2001), protagonizada por James Caan, Matthew Modine y Cuba Gooding Jr. Posteriormente dirigió el drama criminal Felon (2008), protagonizada por Val Kilmer; El infiltrado (2013) con el actor Dwayne Johnson, y recibió buenas críticas por el thriller de crimen Shot Caller (2017) protagonizada por Nikolaj Coster-Waldau (Game of Thrones). Waugh dirigió la tercera parte de la serie de películas Angel Has Fallen, titulada Agente bajo fuego (2019). En el 2020 vuelve a trabajar con Gerard Butler para El día del fin del mundo, una película de acción en el que un hombre debe poner a salvo a su familia en lo que parece ser el último día de la humanidad en la Tierra.
Score [...]
Land of Gold
SINOPSIS
Kiren, un camionero punjabí de primera generación y un futuro padre ansioso, se encuentra con Elena, una niña indocumentada de 10 años que cambia sus expectativas de familia mientras la pasa de contrabando a través del país para encontrar un hogar.
Movie Short Review
English review
“Land of Gold” is a touching drama, albeit somewhat clumsy, that was created with the support of AT&T and the Tribeca Festival. The film effectively condenses the post-apocalyptic horrors of “The Last of Us” into a survival story of two people of color on a long journey across the United States. Unlike “The Last of Us”, our protagonists, a reluctant Punjabi hero and an ingenious Latina stowaway, traverse the country from California to Maine, rather than from Boston to Salt Lake City. Their challenge isn’t flesh-hungry zombies but navigating 3,000 miles plagued with overzealous ICE agents and suspicious white convenience store employees.
Khurmi’s debut, while it might seem as fantastical as HBO’s fungal apocalypse due to a forced plot and clumsy dialogue, manages to build a touching bond between a truck driver and his passenger. Both are first-generation immigrants, brought to this country by parents dreaming of a better future. Now, both feel betrayed by that shared dream. In this hostile and uncertain world, they might be the only ones capable of restoring each other’s faith in the future. Their exchange might seem insignificant, but their mutual need is undeniable and deeply human.
Unlike the grieving father in “The Last of Us”, the character of Kiran Singh, played by Khurmi, is a first-time father whose fear of the future leads him to emotionally distance himself from his unborn daughter. He promised his pregnant wife that he would quit his trucker job until after the baby was born, but he can’t resist the opportunity to make one last trip. Does he really need the money? While he seems to lead a comfortable middle-class life, financial security is an alien concept for someone who grew up in the shadow of his parents’ hardships. His father promised him he would give him the world, but now Kiran feels the weight of that world on his shoulders. Despite its flaws, “Land of Gold” offers a touching portrait of the hardships of immigrants and the anxieties of parenthood, reminding us that even in the darkest of times, it’s possible to find faith and hope.
Spanish review
“Land of Gold” es un drama conmovedor, aunque un tanto torpe, que se creó con el respaldo de AT&T y el Festival de Tribeca. La película condensa eficazmente los terrores postapocalípticos de “The Last of Us” en una historia de supervivencia de dos estadounidenses de color durante un largo viaje por los Estados Unidos. En contraste con “The Last of Us”, nuestros protagonistas, un reacio héroe Punjabi y una ingeniosa polizón Latina, recorren el país de California a Maine, en lugar de Boston a Salt Lake City. Su desafío no son monstruos zombis, sino recorrer 3,000 millas plagadas de agentes de ICE demasiado entusiastas y empleados de tiendas de conveniencia blancos sospechosos.
El debut de Khurmi, aunque podría parecer tan fantástico como el apocalipsis de los hongos de HBO debido a un argumento forzado y un diálogo torpe, logra construir un vínculo conmovedor entre un camionero y su pasajera. Ambos son inmigrantes de primera generación, llevados a este país por padres que soñaban con un futuro mejor. Ahora, ambos se sienten traicionados por ese sueño común. En este mundo hostil e incierto, pueden ser los únicos capaces de restaurar la fe del otro en el futuro. Su intercambio puede parecer insignificante, pero su necesidad mutua es innegable y profundamente humana.
A diferencia del padre en duelo en “The Last of Us”, el personaje de Kiran Singh, interpretado por Khurmi, es un padre primerizo cuyo miedo al futuro le lleva a distanciarse de su hija aún no nacida. Prometió a su esposa embarazada que dejaría su trabajo de camionero hasta que naciera el bebé, pero no puede resistirse a la oportunidad de realizar un último viaje. ¿Necesita realmente el dinero? Aunque parece llevar una vida de clase media confortable, la seguridad financiera es un concepto ajeno para alguien que creció a la sombra de las dificultades de sus padres. Su padre le prometió que le daría el mundo, pero ahora Kiran siente el peso de ese mundo en sus hombros. “Land of Gold”, a pesar de sus defectos, ofrece un retrato conmovedor de las dificultades de los inmigrantes y las ansiedades de la paternidad, recordándonos que incluso en los tiempos más oscuros, es posible encontrar fe y esperanza
Land of Gold – Trailer oficial
Movie information
// Warner Bros., HBO Max
// Director: Nardeep Khurmi
// Cast: Iqbal Theba, Caroline Valencia, Dustin Wilson, Josh Davis
Score [...]
Indiana Jones y el dial del destino
SINOPSIS
El arqueólogo Indiana Jones deberá emprender otra aventura contra el tiempo para intentar recuperar un dial legendario que puede cambiar el curso de la historia. Acompañado por su ahijada, Jones pronto se encuentra enfrentándose a Jürgen Voller, un ex nazi que trabaja para la NASA.
Movie Short Review
English review
“Indiana Jones and the Dial of Destiny” marks the grand finale of this beloved series, fittingly directed by James Mangold, known for concluding Wolverine’s journey in “Logan” from 2017. The film is steeped in nostalgia, whisking us around the world with Harrison Ford, our persistent adventurer, Indiana Jones, who once again confronts his Nazi adversaries. In contrast to “Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull” from 2008, this plot remains realistic up to its thrilling end.
The film takes off in 1944, showcasing a digitally rejuvenated Ford alongside his archaeologist friend, Basil Shaw, played by Toby Jones. Both are embroiled in a gripping race against the Nazis to secure the Lance of Longinus, an artifact believed to have drawn blood from Christ. The introductory sequence, despite its heavy reliance on CG effects, culminates in an exciting chase on a train where Indy faces off against the high-ranking Nazi, Jürgen Voller. Fast forward 25 years and we find Indy living in a drab apartment in New York, his days as Indiana Jones seeming to have long passed. However, his life takes an exciting turn when he is visited by his goddaughter, Helena Shaw, played by Phoebe Waller-Bridge, who is eager to continue her father’s search for the Dial of Archimedes, a device rumored to predict time rifts, prompting Indy to come out of retirement.
The film explores nuanced character development, such as Helena’s gambling debts and her intentions which are sincere, yet slightly deceptive. Indy’s journey takes him to diverse locales, from Tangier to Greece, and includes other characters like Teddy, Helena’s young protégé, and an old friend of Indy’s, a Spanish deep-sea diver played by Antonio Banderas. Mangold intelligently incorporates a balance of nostalgia and new elements into the film. Returning characters like Sallah, and the iconic map following the characters’ travels, remind us of the original series, while the introduction of new and fascinating elements, such as Voller’s involvement in the US Space Race, add a fresh twist to the tale.
The antagonist, Voller, convincingly portrayed by Mads Mikkelsen, is a chilling presence. Helena, played by Phoebe Waller-Bridge, serves as an interesting foil to Indy, playfully referring to him as “an ageing tomb-robber.” Ford reprises his iconic role with charm and wit, complete with his characteristic wry smile and sharp retorts. Mangold’s skilled touch shines in the action scenes, especially an exciting chase through Tangier. The emotional tone of the film is evident as it highlights an older Indy, filled with regret for past decisions. Despite a touch of melancholy, the film ends on a high note, offering a deserved tribute to one of cinema’s most legendary heroes.
Spanish review
“Indiana Jones y el Dial del Destino” marca el gran final de esta querida serie, dirigida apropiadamente por James Mangold, conocido por concluir el viaje de Wolverine en “Logan” de 2017. La película está impregnada de nostalgia, llevándonos por todo el mundo junto a Harrison Ford, nuestro perseverante aventurero, Indiana Jones, quien vuelve a enfrentarse a sus adversarios nazis. En contraste con “Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal” de 2008, esta trama se mantiene realista hasta su emocionante final.
La película arranca en 1944, presentándonos un rejuvenecido Ford gracias a la tecnología digital, junto a su amigo arqueólogo, Basil Shaw, interpretado por Toby Jones. Ambos se ven inmersos en una apasionante carrera contra los nazis para asegurar la Lanza de Longinos, un artefacto que se cree extrajo sangre de Cristo. La secuencia introductoria, a pesar de su gran dependencia de los efectos CG, culmina en una emocionante persecución en un tren donde Indy se enfrenta al nazi de alto rango, Jürgen Voller. Avanzamos 25 años y encontramos a Indy residiendo en un deslucido apartamento en Nueva York, sus días como Indiana Jones parecen haber quedado atrás. Sin embargo, su vida da un giro emocionante cuando recibe la visita de su ahijada, Helena Shaw, interpretada por Phoebe Waller-Bridge, quien está ansiosa por continuar la búsqueda de su padre por el Dial de Arquímedes, un dispositivo que se rumorea puede predecir fisuras en el tiempo, lo que lleva a Indy a salir de su retiro.
La película explora un desarrollo de personajes matizado, como las deudas de juego de Helena y sus intenciones sinceramente, pero ligeramente engañosas. El viaje de Indy lo lleva a lugares diversos, desde Tánger hasta Grecia, e incluye a otros personajes como Teddy, el joven protegido de Helena, y un viejo amigo de Indy, un buzo español interpretado por Antonio Banderas. Mangold incorpora de manera inteligente un equilibrio entre nostalgia y nuevos elementos en la película. Personajes que regresan, como Sallah, y el icónico mapa que sigue los viajes de los personajes nos recuerdan la serie original, mientras que la introducción de elementos nuevos y fascinantes, como la participación de Voller en la Carrera Espacial de los Estados Unidos, añaden un giro fresco al relato.
El antagonista, Voller, interpretado convincentemente por Mads Mikkelsen, es una presencia escalofriante. Helena, interpretada por Phoebe Waller-Bridge, funciona como un contrapunto interesante para Indy, refiriéndose a él juguetonamente como “un ladrón de tumbas envejecido.” Ford retoma su icónico papel con encanto e ingenio, completo con su característica sonrisa irónica y agudos comentarios. El toque hábil de Mangold brilla en las escenas de acción, especialmente una emocionante persecución en Tánger. El tono emocional de la película es evidente al destacar a un Indy mayor, lleno de arrepentimientos por las decisiones pasadas. A pesar de un toque de melancolía, la película termina en un tono elevado, ofreciendo un merecido tributo a uno de los héroes más legendarios del cine.
Indiana Jones y el dial del destino – Trailer oficial
Movie information
// Amblin Entertainment, Lucasfilm, Paramount Pictures.
// Director: James Mangold
// Cast: Harrison Ford, Phoebe Waller-Bridge, Mads Mikkelsen, John Rhys-Davies, Antonio Banderas
SOBRE EL DIRECTOR
James Mangold es un director y guionista norteamericano, de ascendencia judía, nacido el 16 de diciembre de 1963, en Nueva York. Egresado del programa de cine y video del California Institute of Arts (CalArts), Mangold consiguió entrar a Disney, donde desarrollo tres guiones para proyectos televisivos de la misma, como Disneylandia (1986), además del guion de la cinta animada Oliver & Company (1988). Tras esa experiencia, James decidió perfeccionar sus estudios en la Columbia University, donde obtuvo un master en artes. En dicha institución, James trabajo, al lado del reconocido cineasta y maestro, Milos Forman, en el guion del que fue su ópera prima, la cinta Tierra de policías (1997), estelarizada por Sylvester Stallone y Robert De Niro. Siguió cosechando éxitos con cintas como Inocencia interrumpida (1999), Johnny & June: Pasión y locura (2005) y 3:10 misión peligrosa (2007). Mangold fue el responsable de la cinta Wolverine: Inmortal (2013) y la aclamada Logan (2017), por la que fue nominado, en la categoría de mejor guion adaptado, en los premios de la academia de 2018. Recientemente, el cineasta ha terminado su participación en la anticipada cinta Ford v Ferrari (2019)
Score [...]
Assassin
SINOPSIS
Un hombre muere como parte de un programa militar experimental. Un ex soldado de operaciones encubiertas toma su lugar para encontrar quién lo mató.
Movie Short Review
English review
Bruce Willis, known for his prominent roles in major Hollywood films until 2019, has starred in about twenty direct-to-video movies of unfortunately disposable quality from 2020 to 2023. It is reported that Willis began to experience symptoms of frontotemporal dementia, which manifested in difficulties in remembering his lines and occasional disorientation. His presence on the set was reduced to a few days, which translated into limited screen time.
In March 2022, Willis’ family announced that the iconic 67-year-old actor had been diagnosed with aphasia and, consequently, was retiring from acting. Now, “Assassin,” his last film, is being released. In this action and science fiction film, at times intriguing but also complicated and almost indecipherable, Willis plays Valmora, the leader of a dangerous and experimental secret operation. Although Willis seems committed to his role and delivers his lines efficiently, his performance lacks the distinctive spark he used to have, which brings a general sense of sadness.
The plot of “Assassin” centers on Alexa, an American soldier portrayed by the talented South African actress Nomzano Mbatha. Alexa maintains a romantic relationship with Sebastian, a drone pilot who ends up in a coma. Valmora takes Alexa to a safe house in a remote location, where an ultra-secret operation is revealed to her, allowing the transfer of consciousness to other bodies. Alexa becomes the new assassin for the operation, with her main target being Adrien, a powerful problem solver.
While Willis makes sporadic appearances in “Assassin,” it is Mbatha who carries the weight of the plot. The film, which lasts 88 minutes, reaches an emotional but absurd conclusion. However, when recalling Willis’ remarkable career spanning four decades, these last years won’t be the highlight. We’ll remember his starring role in “Moonlighting,” his unforgettable performance in “Die Hard,” and his versatility in a wide range of genres, from “The Sixth Sense” and “Unbreakable” to “Pulp Fiction” and “Sin City,” not to mention “12 Monkeys” and “Moonrise Kingdom.” Without a doubt, it was a brilliant career.
Spanish review
Bruce Willis, conocido por sus roles destacados en grandes películas de Hollywood hasta 2019, ha protagonizado desde 2020 hasta 2023 una veintena de películas de video directo, desafortunadamente de calidad desechable. Se reporta que Willis comenzó a experimentar síntomas de demencia frontotemporal, lo que se manifestaba en dificultades para recordar sus líneas y ocasional desorientación. Su presencia en el set se reducía a unos pocos días, lo que se traducía en un tiempo limitado en la pantalla.
En marzo de 2022, la familia de Willis anunció que el icónico actor de 67 años había sido diagnosticado con afasia y, en consecuencia, se retiraba de la actuación. Ahora, se estrena “Assassin”, su última película. En este film de acción y ciencia ficción, a ratos intrigante pero también complicado y casi indescifrable, Willis interpreta a Valmora, el líder de una peligrosa y experimental operación secreta. A pesar de que Willis parece comprometido con su papel y entrega sus líneas de manera eficiente, su actuación carece de la chispa distintiva que solía tener, lo que aporta una sensación general de tristeza.
La trama de “Assassin” se centra en Alexa, una soldado estadounidense interpretada por la talentosa actriz sudafricana Nomzano Mbatha. Alexa mantiene una relación romántica con Sebastian, un piloto de drones que termina en coma. Valmora lleva a Alexa a una casa segura en un lugar remoto, donde se le revela una operación ultrasecreta que permite la transferencia de conciencia a otros cuerpos. Alexa se convierte en la nueva asesina para la operación, con su principal objetivo siendo Adrien, un poderoso solucionador de problemas.
Aunque Willis hace apariciones esporádicas en “Assassin”, es Mbatha quien lleva el peso de la trama. La película, que dura 88 minutos, llega a una conclusión emotiva pero absurda. Sin embargo, al recordar la notable carrera de Willis que abarca cuatro décadas, estos últimos años no serán lo que destaque. Recordaremos su papel estelar en “Moonlighting”, su inolvidable actuación en “Die Hard”, y su versatilidad en una amplia gama de géneros, desde “The Sixth Sense” y “Unbreakable” hasta “Pulp Fiction” y “Sin City”, y sin olvidar “12 Monkeys” y “Moonrise Kingdom”. Sin duda, fue una carrera brillante.
Assassin – Trailer oficial
Movie information
// Altamira Media, Brickell & Broadbridge International, Endless Media, Buffalo 8 Productions.
// Director: Jesse Atlas
// Cast: Nomzamo Mbatha, Dominic Purcell, Bruce Willis, Mustafa Shakir, Andy Allo, Fernanda Andrade, Eugenia Kuzmina, Vanessa Vander Pluym, Andrea Lareo, Christian Rodrigo, Barry Jay Minoff, Chris Mullinax, Adam Huel Potter, Macarena Abad, Bruce Cooper, Hannah Quinlivan, Dustin Quick
Score [...]
Sauce ciego, mujer dormida
SINOPSIS
Un gato perdido, una rana gigante parlanchina y un tsunami ayudan a un empleado bancario poco ambicioso, a su esposa frustrada y a un contador esquizofrénico a salvar Tokio de un terremoto y encontrar un sentido a sus vidas.
Movie Short Review
English review
Pierre Földes’ debut is an animated adaptation of several short stories by renowned Japanese author Haruki Murakami. Following the Oscar success of Ryusuke Hamaguchi’s Drive My Car, painter and filmmaker Pierre Földes presents another adaptation, Blind Willow, Sleeping Woman. This pastel-hued animated film weaves together a series of vignettes, blending everyday conversations with fantastical flights of fantasy inspired by dreams and inner thoughts. Set in various Japanese locations, the story follows characters as they explore their social and sexual insecurities while anticipating a massive earthquake.
The film features a range of intriguing scenarios: a portly salaryman is visited by a talking frog preparing for battle with a giant worm; his coworker, abandoned by his wife, embarks on a journey of self-discovery; and a woman shares a risqué sexual adventure in the great outdoors. While the film captures Murakami’s inquisitive literary spirit, it doesn’t quite convey the deep emotional aspects of his work, instead presenting a dry, ironic, and detached tone.
Fans of Richard Linklater’s rotoscoped dream diary, Waking Life, will certainly enjoy Blind Willow, Sleeping Woman. This animated adaptation provides a unique and engaging perspective on Haruki Murakami’s short stories, even if it doesn’t fully capture the emotional intensity of the original works.
Spanish review
El debut de Pierre Földes es una adaptación animada de varios cuentos del reconocido autor japonés Haruki Murakami. Después del éxito en los Óscar de Drive My Car de Ryusuke Hamaguchi, el pintor y cineasta Pierre Földes presenta otra adaptación, Blind Willow, Sleeping Woman. Esta película animada de tonos pastel entrelaza una serie de viñetas que combinan conversaciones cotidianas con vuelos fantásticos de fantasía inspirados en sueños y pensamientos internos. Ambientada en distintas localidades japonesas, la historia sigue a personajes que exploran sus inseguridades sociales y sexuales mientras anticipan un gran terremoto.
La película presenta una variedad de escenarios intrigantes: un corpulento asalariado recibe la visita de una rana parlante que se prepara para luchar contra un gusano gigante; su compañero de trabajo, abandonado por su esposa, emprende un viaje de autodescubrimiento; y una mujer comparte una aventura sexual atrevida al aire libre. Aunque la película capta el espíritu literario inquisitivo de Murakami, no logra transmitir los profundos aspectos emocionales de su obra, presentando en cambio un tono seco, irónico y distante.
Los fanáticos del diario de sueños rotoscópico de Richard Linklater, Waking Life, seguramente disfrutarán de Blind Willow, Sleeping Woman. Esta adaptación animada ofrece una perspectiva única y atractiva sobre los cuentos de Haruki Murakami, aunque no capta completamente la intensidad emocional de las obras originales.
https://youtu.be/LGyTf0x17OY
Sauce ciego, mujer dormida – Trailer oficial
Movie information
// Miyu Distribution, arte France Cinéma, Cinéma Defacto, Proton Cinema, Studio MA, micro_scope
// Director: Pierre Földes
SOBRE EL DIRECTOR
Score [...]
Mira como corren
SINOPSIS
Un desesperado productor de cine de Hollywood se propone convertir en película una popular obra de teatro. Cuando miembros de la producción son asesinados, el cansado inspector Stoppard y la agente novata Stalker se encontrarán en medio de una intrigante novela policíaca.
Movie Short Review
English review
Agatha Christie’s works have defined crime fiction, but audiences have come to anticipate specific elements in her murder mysteries. In an attempt to breathe new life into the whodunit genre in the post-“Knives Out” era, “See How They Run” introduces Agatha Christie as a character within the film itself. Directed by Tom George and penned by Mark Chappell, the movie features Saoirse Ronan and Sam Rockwell as detectives investigating the murder of a detested film director, played by Adrien Brody, set in 1950s London. The suspects consist of actors, writers, producers, and everyone involved in the Agatha Christie play “The Mousetrap,” which the director was tasked to adapt into a Hollywood production.
As the investigation unfolds, Ronan’s Constable Stalker and Rockwell’s Inspector Stoppard uncover links to the reclusive Agatha Christie. The movie toys with the conventional whodunit formula, with Brody’s character remarking that once you’ve seen one, you’ve seen them all. “See How They Run” deliberately includes elements of Christie’s “The Mousetrap” and her cherished character archetypes, such as the self-absorbed actor, obstinate screenwriter, and paranoid producer’s spouse.
Although “See How They Run” employs a recognizable formula, it aims to maintain audience engagement by playfully challenging the formula’s boundaries and subtly acknowledging viewers. Ronan and Rockwell drive the film, with Ronan’s earnest determination and Rockwell’s world-weary detective adding depth to their roles. Despite occasional missteps, the film offers a delightful and refreshing take on the classic Agatha Christie-style murder mystery.
Spanish review
Las obras de Agatha Christie han definido la novela policíaca, pero el público ha llegado a anticipar elementos específicos en sus misterios de asesinatos. En un intento de insuflar nueva vida al género del whodunit en la era posterior a “Knives Out”, “See How They Run” presenta a Agatha Christie como un personaje dentro de la propia película. Dirigida por Tom George y escrita por Mark Chappell, la película cuenta con Saoirse Ronan y Sam Rockwell como detectives que investigan el asesinato de un odiado director de cine, interpretado por Adrien Brody, ambientado en el Londres de los años 50. Los sospechosos incluyen actores, escritores, productores y todos los involucrados en la obra de Agatha Christie “The Mousetrap”, que el director fue contratado para adaptar a una producción de Hollywood.
A medida que se desarrolla la investigación, la Constable Stalker de Ronan y el Inspector Stoppard de Rockwell descubren vínculos con la reclusiva Agatha Christie. La película juega con la fórmula convencional del whodunit, con el personaje de Brody comentando que si has visto uno, los has visto todos. “See How They Run” incluye deliberadamente elementos de “The Mousetrap” de Christie y sus arquetipos de personajes tan apreciados, como el actor egocéntrico, el guionista obstinado y el cónyuge paranoico del productor.
Aunque “See How They Run” emplea una fórmula reconocible, pretende mantener la atención de la audiencia desafiando juguetonamente los límites de la fórmula y reconociendo sutilmente a los espectadores. Ronan y Rockwell llevan la película, con la decidida determinación de Ronan y el detective curtido de Rockwell aportando profundidad a sus roles. A pesar de algunos contratiempos ocasionales, la película ofrece una versión deliciosa y refrescante del clásico misterio de asesinato al estilo de Agatha Christie.
Mira como corren – Trailer oficial
Movie information
// Searchlight Pictures.
// Director: Tom George
// Cast: Saoirse Ronan, Sam Rockwell, Adrien Brody, Ruth Wilson, David Oyelowo, Harris Dickinson, Sian Clifford, Reece Shearsmith, Pippa Bennett-Warner, Angus Wright, Tim Key, Pearl Chanda, Lucian Msamati, Charlie Cooper, Paul Chahidi, Laura Frances-Morgan, Eileen Nicholas, Toni Beard, Philip Desmeules, Vickrem Gill
SOBRE EL DIRECTOR
Tom George es un productor y director británico, quien, tras terminar sus estudios académicos en cine y producción, empezó a trabajar en comerciales como asistente de dirección y de producción, para después dar el salto como asistente de producción en televisión, para la serie After the After After Party. Escribió el cortometraje The Double (2009), además de la historia del videojuego Driver: San Francisco (2011), antes de empezar a dirigir episodios de televisión de series como Hank Zipzer (2015) y Defending the Guilty (2019). Ha debutado, recientemente, como director de largometrajes con la cinta Mira como corren (2022), estelarizada por Sam Rockwell.
Score [...]
L’Immensità
SINOPSIS
Roma, años 70. Clara y Felice acaban de mudarse a un piso nuevo. Su matrimonio está acabado: ya no se aman, pero son incapaces de separarse. Lo único que los mantiene unidos son sus hijos, en los que Clara vuelca su deseo de libertad. Adriana, la mayor, acaba de cumplir 12 años y presencia muy de cerca los estados de ánimo de Clara y las tensiones cada vez mayores entre sus padres. Adriana rechaza su nombre y su identidad, quiere convencer a todo el mundo de que es un chico, y su obstinación hace que el ya frágil equilibrio familiar alcance un punto de ruptura. Mientras los niños esperan una señal que los guíe, todo cambia a su alrededor y en su interior.
Movie Short Review
English review
“L’Immensità,” is the first film directed by Emanuele Crialese in 11 years, and only the fifth in a quarter of a century. Despite its small-scale narrative and short duration, the film promises depth and sensitivity. The plot unfolds in the 1970s and features a 12-year-old boy, Andrea, who grapples with his gender identity while his mother, Clara, portrayed by Penélope Cruz, battles her mental health demons. Although it might appear modest in scope at first glance, the film conveys intense emotion and authenticity, setting it apart from insignificance. One aspect that lends depth to the film is the notion that it is somewhat of a distorted memoir for Crialese, reflecting his own childhood experiences through the perspective of a child born biologically female but longing for a different identity. Although it is ambiguous how directly Andrea, a captivating character played by newcomer Luana Giuliani, represents young Crialese, the film genuinely invests in Andrea’s plight.
The movie’s approach to transgender identity is subtle and nuanced, treating it not as a controversy but as a personal belief in a life already fraught with difficulties. The film is primarily interested in Andrea’s acceptance of his gender, rather than society’s resistance to it. However, given the ongoing struggle for trans rights, this subtlety is relevant and topical. This relevance, coupled with Cruz’s magnetism, promises to attract substantial interest from film distributors. The film fully exploits its star power. Cruz’s character, Clara, is introduced with a close-up shot, highlighting her as she adorns herself with pearl earrings and layers of smokey-eye makeup. Clara is also depicted as a beautifully wounded housewife in Sophia Loren’s hometown, Rome, making her an ideal fit for the role.
In the narrative, Clara is trapped in a loveless marriage with Felice (Vincenzo Amato). Andrea, insistent on his chosen name despite his family’s refusal to let go of his birth name, Adriana, is sensitive to the abuse Clara endures from Felice. Andrea finds solace in an undeveloped stretch of reeds across from their apartment, where he befriends a girl, Sara (Penelope Nieto Conti), the only person who accepts him as he is. Despite their challenging situations, Andrea and Clara find themselves allies in a family that views them as outsiders. The film occasionally ventures into fantasy musical sequences, illustrating their bond and setting them apart from their reality. Andrea is portrayed as a confident male partner to Clara’s enchanting singer. Despite the film’s fascination with Cruz, Giuliani delivers a remarkable performance, embodying Andrea’s self-awareness and physical discomfort. The film visually evokes the kitsch and glamour of 1970s Italy, depicting a world that is a blend of reality, memory, and possibility.
Spanish review
“L’Immensità” es la primera película dirigida por Emanuele Crialese en 11 años, y solo la quinta en un cuarto de siglo. A pesar de su narrativa de pequeña escala y breve duración, el film promete profundidad y sensibilidad. La trama se desarrolla en la década de 1970, y presenta a un niño de 12 años, Andrea, que lucha con su identidad de género, mientras su madre, Clara, interpretada por Penélope Cruz, batalla contra sus demonios de salud mental. Aunque a primera vista puede parecer modesta en alcance, la película transmite una intensa emoción y autenticidad, lo que la aleja de ser insignificante. Un aspecto que proporciona profundidad a la película es la idea de que es una especie de memoria distorsionada para Crialese, reflejando sus propias experiencias de infancia a través de la perspectiva de un niño nacido biológicamente como mujer pero que anhela una identidad diferente. Aunque cuán directamente representa Andrea, un personaje cautivador interpretado por la recién llegada Luana Giuliani, al joven Crialese es ambiguo, la película invierte genuinamente en la difícil situación de Andrea.
El enfoque de la película hacia la identidad transgénero es sutil y matizado, tratándolo no como una controversia sino como una creencia personal en una vida ya llena de dificultades. El film está principalmente interesado en la aceptación que hace Andrea de su género, más que en la resistencia que presenta la sociedad hacia él. Sin embargo, dada la lucha en curso por los derechos trans, esta sutileza es relevante y actual. Esta relevancia, junto con el magnetismo de Cruz, promete captar un interés sustancial por parte de los distribuidores de la película. El film aprovecha al máximo su poder estelar. El personaje de Cruz, Clara, se introduce con un primer plano, destacándola mientras se adorna con pendientes de perlas y capas de maquillaje para ojos ahumados. Clara también es retratada como una ama de casa hermosamente herida en la ciudad natal de Sophia Loren, Roma, lo que la convierte en una elección perfecta para el papel.
En la narrativa, Clara está atrapada en un matrimonio sin amor con Felice (Vincenzo Amato). Andrea, insistente en su nombre elegido a pesar de la negativa de su familia a abandonar su nombre de nacimiento, Adriana, es sensible al abuso que Clara sufre de Felice. Andrea encuentra consuelo en una extensión de cañas sin desarrollar frente a su departamento, donde se hace amigo de una niña, Sara (Penelope Nieto Conti), la única persona que lo acepta tal como es. A pesar de sus desafiantes situaciones, Andrea y Clara se encuentran aliados en una familia que los ve como ajenos. La película ocasionalmente se adentra en secuencias musicales de fantasía, ilustrando su vínculo y distinguiéndolos de su realidad. Andrea es retratado como un confiado compañero masculino de la cantante encantadora que es Clara. A pesar de la fascinación de la película por Cruz, Giuliani ofrece una actuación notable, encarnando la autoconciencia de Andrea y su incomodidad física. El film recuerda visualmente el kitsch y el glamour de la Italia de los años 70, representando un mundo que es una mezcla de realidad, memoria y posibilidad.
L’Immensità – Trailer oficial
Movie information
// Chapter 2, Wildside, France 3 Cinéma, Pathé, Canal+
// Director: Emanuele Crialese
// Cast: Alvia Reale, Carlo Gallo, India Santella, Luana Giuliani, María Chiara Goretti, Mariangela Granelli, Patrizio Francioni, Penélope Cruz, Penélope Nieto Conti, Vincenzo Amato
SOBRE EL DIRECTOR
Nació en Sicilia en 1965. Actualmente vive en Roma. Se trasladó a Estados Unidos en 1991 para estudiar realización en la Universidad de Nueva York, donde se graduó en 1995. Después de dirigir varios cortos, rodó su primer largo en 1997, Once We Were Strangers, seleccionado por el Festival de Sundance. En 1999 colaboró con el productor Bob Chartoff en la escritura de un tratamiento acerca de la isla Ellis. En 2002 ganó el Premio de la Crítica de Cannes por Respiro, que fue recibida con entusiasmo en Francia, se vendió a más de 30 países y se convirtió en un éxito de taquilla en Italia. La película transcurre en la agreste y soleada isla de Lampedusa y está protagonizada por Valeria Golino, cuya interpretación fue muy aclamada, y Vicenzo Amato, el actor fetiche del realizador. En 2006 rodaría con Charlotte Gainsbourg, “Nuevo mundo”, película por la que logró el León de Plata al Mejor Director en Venecia.
Score [...]
32 Sounds
SINOPSIS
Explora el fenómeno elemental del sonido y su poder para alterar el tiempo, cruzar las fronteras y moldear profundamente nuestra percepción del mundo que nos rodea.
Movie Short Review
English review
Following the invention of the phonograph in 1877, newspapers predicted that Thomas Edison’s machine could make human voices immortal, despite our ephemeral existence. Fast forward 150 years, and AI technology allows people to upload audio recordings of their loved ones to continue speaking with them after they have passed away. Sam Green’s documentary “32 Sounds,” although not including this recent development, explores the ambient power of acoustic vibration and how sound connects us to the universe more intensely than any other sense. Green, with the help of Le Tigre musician JD Samson, encourages the audience to leave with their ears wide open while blurring the line between sense and perception, science and poetry.
The documentary addresses various aspects of sound, from the educational, such as the invention of stereo sound, to more philosophical ideas, like Charles Babbage’s proposal that even the smallest vibrations continue to resonate around us forever. The film explores different sounds, from the faint pulse of a fetus’s heartbeat to the death music created from the sounds of bombs falling on Beirut. Although “32 Sounds” covers jet engines and disco music, it also delves into the latent power of sound to shape our world, even in silence. Deaf sound artist Christine Sun Kim argues that the unfiltered exposure of the hearing community to sound deprives them of a richer awareness of its details.
Green’s documentary also examines the relationship between sound and life, offering reflections on our connection with the world through sound. Despite the predominant focus on the relationship between sound and death, the film features moving moments, such as the recorded mating call of the last known Moho braccatus, a Hawaiian bird singing a life-or-death love song for no one. Ultimately, the film encourages us to recognize that “everything changes and nothing is lost,” but only if we learn to hear the difference. After being exposed to these “32 Sounds,” you are likely to find yourself listening for millions more.
Spanish review
Tras la invención del fonógrafo en 1877, los periódicos predijeron que la máquina de Thomas Edison podría hacer que las voces humanas fueran inmortales, a pesar de nuestra existencia efímera. Avanzando 150 años, la tecnología de IA permite a las personas cargar grabaciones de audio de sus seres queridos para seguir hablando con ellos después de que se hayan ido. El documental “32 Sounds” de Sam Green, aunque no incluye este avance reciente, explora el poder ambiental de la vibración acústica y cómo el sonido nos conecta con el universo de manera más intensa que cualquier otro sentido. Green, con la ayuda del músico de Le Tigre, JD Samson, anima al público a salir con los oídos bien abiertos, al mismo tiempo que difumina la línea entre el sentido y la percepción, la ciencia y la poesía.
El documental aborda diversos aspectos del sonido, desde los educativos, como la invención del sonido estéreo, hasta ideas más filosóficas, como la propuesta de Charles Babbage de que incluso las vibraciones más pequeñas continúan resonando a nuestro alrededor para siempre. La película explora diferentes sonidos, desde el débil pulso del latido de un feto hasta la música de la muerte creada a partir de los sonidos de las bombas cayendo sobre Beirut. Aunque “32 Sounds” abarca motores a reacción y música disco, también se adentra en el poder latente del sonido para dar forma a nuestro mundo, incluso en silencio. La artista sonora sorda Christine Sun Kim argumenta que la exposición sin filtro de la comunidad oyente al sonido les priva de una conciencia más rica de sus detalles.
El documental de Green también examina la relación entre el sonido y la vida, ofreciendo reflexiones sobre nuestra conexión con el mundo a través del sonido. A pesar del enfoque predominante en la relación entre el sonido y la muerte, la película presenta momentos conmovedores, como la llamada de apareamiento grabada del último Moho braccatus conocido, un ave hawaiana que canta una canción de amor de vida o muerte para nadie. En última instancia, la película nos anima a reconocer que “todo cambia y nada se pierde”, pero solo si aprendemos a escuchar la diferencia. Después de estar expuesto a estos “32 Sounds”, es probable que te encuentres escuchando millones más.
32 Sounds – Trailer oficial
Movie information
// Department of Motion Pictures, Impact Partners, Wavelength Productions
// Director: Sam Green
SOBRE EL DIRECTOR
Sam Green es un cineasta documentalista que ha realizado numerosas películas, entre las más recientes se encuentra 32 SOUNDS, una colaboración cinematográfica en vivo con el músico electrónico JD Samson. Sus “documentales en vivo” anteriores incluyen A Thousand Thoughts (con el Cuarteto Kronos), The Measure of All Things y The Love Song of R. Buckminster Fuller (con la banda de rock independiente Yo La Tengo). El documental de Sam, The Weather Underground, fue nominado a un Premio de la Academia e incluido en la Bienal Whitney de 2004.
Score [...]
Employee of the Month
SINOPSIS
Una empleada de una empresa de productos de limpieza comete accidentalmente un crimen desordenado y sangriento, por lo que debe descubrir cómo cubrir sus huellas con la ayuda de su joven aprendiz.
Movie Short Review
English review
“Employee of the Month” is a dark Belgian workplace comedy, bearing similarities with popular films such as “Nine to Five” and “Horrible Bosses”. Despite the familiar title (also known in French as “L’employée du mois”), it succeeds in offering a unique approach with its blend of comedy and murder mystery. The plot emphasizes how revenge, whether served cold or hot, can be equally satisfying, as long as you have the right cleaning supplies to tidy up the ensuing mess. The film centers on Inès, a longtime employee at EcoCleanPro. She’s had seven goldfish, all named Jean-Pierre, and despite practically managing the entire place, her workplace is far from fair. They call the small foyer where she handles calls and solves issues an “office”, a term that hardly does justice to her commitment.
Inès, portrayed by Jasmina Douieb, once had a proper office, but her status changed when a higher-ranking individual took her space. Initially, she started as a secretary, but now holds the title of a paralegal, carrying out many more tasks than her job title suggests. Despite her dedication and hard work, she hasn’t received a raise in 17 years, whereas the patronizing men who run the company, including the janitor, prosper. She has to cope with constant disregard, dismissive attitudes, pranks, and a heap of menial tasks. The arrival of a new intern, Melody (played by Laeticia Mampaka), the former cleaner’s daughter, further highlights the office’s injustice. Inès doesn’t expect any kindness from her apathetic, lazy boss (Peter Van den Begin), as she has been undervalued in his eyes for years. The top executive may be a woman (Laurence Bibot), but she is equally heartless, ruthless, and greedy. As the plot unfolds, it becomes apparent that the oppressed workers won’t tolerate their treatment for much longer. However, an unexpected event changes the course of the story: a sudden death that wasn’t intended. Now, Inès, who is typically meticulous and recognized as the constant “employee of the month”, is left with a body to dispose of, a mess to clean, and a plan to devise with Melody, her skeptical and slightly contemptuous intern. Living by the Latin principle “Mens sana in corpore sano”, Inès applies her knowledge of EcoCleanPro’s products in an effort to manage the sudden increase in bodies within her workspace.
The director, Véronique Jadin, who co-wrote the movie, presents a familiar theme: the accumulation of workplace injustices and the comedic but rough delivery of justice. Yet, the film doesn’t drag; instead, it swiftly moves forward. While there may be some plot conveniences and contrivances, these don’t significantly impact the movie. Jasmina Douieb portrays Inès as a loyal company woman, even as bodies and complications pile up, which both frustrates and educates Melody. The movie doesn’t shy away from showcasing sexist behavior in the workplace, displaying male colleagues enjoying their lunch and drinks while Inès is forced to eat at her desk. These abuses further escalate into sexual harassment. The portrayals might seem excessively exaggerated, but the performances by Douieb, Mampaka, Begin, and Philippe Résimont, who plays a complacent cop arriving late at the crime scene, manage to keep the narrative engaging, ensuring that the “employee” finishes her dirty job and cleans up afterwards. Overall, “Employee of the Month” is a dark comedy that, despite some clichés, manages to entertain and stand out thanks to its unusual blend of humor and mystery.
Spanish review
“Employee of the Month” es una comedia belga de ambiente laboral oscuro, que comparte similitudes con populares películas como “Nine to Five” y “Horrible Bosses”. A pesar de su título familiar (también conocido en francés como “L’employée du mois”), logra ofrecer un enfoque único con su mezcla de comedia y misterio de asesinato. La trama destaca cómo la venganza, servida fría o caliente, puede ser igualmente satisfactoria, siempre y cuando se tengan los utensilios de limpieza adecuados para asear el desorden posterior. El foco de esta película es Inès, una empleada de EcoCleanPro de larga data. Ha tenido siete peces dorados, todos llamados Jean-Pierre, y a pesar de que ella prácticamente gestiona todo el lugar, su lugar de trabajo dista mucho de ser justo. Llaman “oficina” al pequeño vestíbulo donde ella atiende las llamadas y resuelve los problemas, un término que apenas hace justicia a su dedicación.
Inès, interpretada por Jasmina Douieb, tuvo alguna vez una oficina adecuada, pero su estatus cambió cuando alguien de mayor rango ocupó su espacio. Al principio, ella comenzó como secretaria pero ahora lleva el título de paralegal, realizando muchas más tareas de las que su cargo sugiere. A pesar de su compromiso y arduo trabajo, no ha recibido un aumento en 17 años, mientras que los hombres condescendientes que dirigen la empresa, incluyendo al conserje, prosperan. Ella tiene que lidiar con la constante ignorancia, actitudes despectivas, bromas y un cúmulo de tareas menores. La llegada de una nueva pasante, Melody (interpretada por Laeticia Mampaka), hija de la ex limpiadora de la empresa, resalta aún más la injusticia en la oficina. Inès no espera ninguna bondad de su jefe apático y perezoso (Peter Van den Begin), ya que ha sido subestimada a sus ojos durante años. La ejecutiva principal puede ser una mujer (Laurence Bibot), pero es igualmente insensible, despiadada y avariciosa. A medida que avanza la trama, se hace evidente que los trabajadores oprimidos no tolerarán su trato por mucho más tiempo. Sin embargo, un evento inesperado cambia el rumbo de la historia: una muerte súbita que no se pretendía. Ahora, Inès, quien es usualmente meticulosa y reconocida como la “empleada del mes” constante, se ve obligada a deshacerse de un cuerpo, limpiar un desorden y tramar un plan con Melody, su pasante escéptica y ligeramente despreciativa. Viviendo por el principio latino “Mens sana in corpore sano”, Inès aplica su conocimiento de los productos de EcoCleanPro en un esfuerzo por manejar el repentino aumento de cuerpos en su espacio de trabajo.
La directora Véronique Jadin, quien coescribió la película, presenta un tema familiar: la acumulación de injusticias en el lugar de trabajo y la entrega cómica pero dura de la justicia. Sin embargo, la película no se arrastra; en cambio, avanza rápidamente. Si bien puede haber algunas conveniencias y artificios argumentales, estos no impactan significativamente en la película. Jasmina Douieb retrata a Inès como una mujer fiel a la empresa, incluso cuando los cuerpos y las complicaciones se acumulan, lo que tanto frustra como educa a Melody. La película no evita mostrar el comportamiento sexista en el lugar de trabajo, mostrando a colegas masculinos disfrutando de su almuerzo y bebidas mientras Inès se ve obligada a comer en su escritorio. Estos abusos escalan aún más hacia el acoso sexual. Los retratos podrían parecer excesivamente exagerados, pero las actuaciones de Douieb, Mampaka, Begin y Philippe Résimont, quien interpreta a un policía complaciente que llega tarde a la escena del crimen, consiguen mantener el relato atractivo, asegurando que la “empleada” termine su sucio trabajo y limpie después. En general, “Employee of the Month” es una comedia negra que, a pesar de algunos clichés, logra entretener y destacar gracias a su inusual mezcla de humor y misterio.
Employee of the Month – Trailer oficial
Movie information
// Velvet Films
// Director: Véronique Jadin
// Cast: Achille Ridolfi, Alex Vizorek, Christophe Bourdon, Ingrid Heiderscheidt, Jasmina Douieb, Laetitia Mampaka, Laurence Bibot, Peter Van den Begin, Philippe Grand'Henry, Philippe Résimont
Score [...]
El tutor
SINOPSIS
Sigue a un tutor que, después de que se le asignó una tarea inesperada en una mansión, se encuentra luchando con las obsesiones de su estudiante, quien amenaza con exponer sus secretos más oscuros.
Movie Short Review
English review
“The Tutor” is an exciting thriller that captivates viewers with its suspense and solid performances, despite a series of plot holes and a predictably unsatisfying ending. The film explores themes of class, privilege, and injustices in the realm of crime and punishment, and manages to maintain a certain plausibility thanks to a surprising twist in the finale. Although the plot is not always seamless, the film keeps us engaged as tensions rise and conflicts reach their breaking point.
Garrett Hedlund stars as Ethan, a scruffy tutor working for a New York service catering to wealthy families. The movie begins with a montage of Ethan teaching his spoiled students with attitudes of superiority. When his boss offers him a lucrative assignment at a Long Island mansion, Ethan accepts, motivated by the imminent birth of the baby he’s expecting with his girlfriend Annie (Victoria Justice). Upon meeting his new student, Jackson (Noah Schnapp), Ethan finds him intelligent but unsettling, displaying a disturbing intensity reminiscent of “American Psycho.”
As Jackson reveals his knowledge of Annie’s pregnancy and tests Ethan’s integrity with money, Ethan becomes increasingly distrustful of the situation. The sinister “cousin” and other teenagers with attitudes of superiority on the property only heighten his unease. Meanwhile, Justice’s character, Annie, is portrayed as overly trusting, quick to judge Ethan based on Jackson’s claims, despite their long-term relationship. As boundaries are crossed and new intrigues are introduced, the plot hurtles toward an inevitable conclusion.
Spanish review
“The Tutor” es un emocionante thriller que cautiva a los espectadores con su suspense y sólidas actuaciones, a pesar de una serie de fallas en la trama y un desenlace predeciblemente insatisfactorio. La película explora temas de clase, privilegio e injusticias en el ámbito del crimen y el castigo, y logra mantener cierta plausibilidad gracias a un sorprendente giro en el desenlace. Aunque la trama no siempre es fluida, el film logra mantenernos interesados a medida que aumentan las tensiones y los conflictos llegan a su punto crítico.
Garrett Hedlund interpreta a Ethan, un tutor desaliñado que trabaja para un servicio de Nueva York dirigido a familias adineradas. La película comienza con un montaje de Ethan enseñando a sus estudiantes malcriados y con actitudes de superioridad. Cuando su jefe le ofrece un lucrativo encargo en una mansión de Long Island, Ethan acepta, motivado por el inminente nacimiento del bebé que espera con su novia Annie (Victoria Justice). Al conocer a su nuevo alumno, Jackson (Noah Schnapp), Ethan lo encuentra inteligente pero inquietante, mostrando una intensidad perturbadora que recuerda a “American Psycho”.
A medida que Jackson revela su conocimiento sobre el embarazo de Annie y pone a prueba la integridad de Ethan con dinero, Ethan se vuelve cada vez más desconfiado de la situación. El siniestro “primo” y otros adolescentes con actitudes de superioridad en la propiedad solo aumentan su inquietud. Mientras tanto, el personaje de Justice, Annie, es retratada como excesivamente confiada, rápida para juzgar a Ethan basándose en las afirmaciones de Jackson, a pesar de su larga relación. A medida que se cruzan límites y se introducen nuevas intrigas, la trama se precipita hacia un desenlace inevitable.
El tutor – Trailer oficial
Movie information
// AZA Films, Three Point Capital, Vertical Entertainment
// Director: Jordan Ross
// Cast: Garrett Hedlund, Victoria Justice and Noah Schnapp
SOBRE EL DIRECTOR
Jordan Ross se involucró en la industria del entretenimiento por primera vez en los años noventa como actor, haciendo una pequeña aparición en Jerry Maguire (1996). Los siguientes años se involucró mayormente en el trabajo detrás de cámaras: escribió, dirigió y produjo algunos cortometrajes antes de involucrarse en la serie documental de MTV True Life (2006-2011), la cual seguía a tres personas únicas en sus situaciones cotidianas y documentaba los problemas y objetivos que enfrentaban. Después de años, regresó en 2017 como director y guionista de Thumper, un thriller de acción protagonizado por Eliza Taylor, Lena Headey y Pablo Schreiber.
Score [...]
In Viaggio. Viajando con el Papa Francisco
SINOPSIS
Viajando con el Papa Francisco
Movie Short Review
English review
The journey had a clear purpose: to offer apologies on behalf of the Catholic Church for its involvement in the residential school system for indigenous people in Canada. The contrast between the Pope, dressed in his white cassock and skullcap, and the indigenous leaders with their traditional feathered headdresses, proved to be a symbolically impactful scene. This image takes on an even deeper meaning when brief black-and-white scenes of indigenous children in their everyday school life are interspersed, brushing their teeth before bed or learning to dance. The uncertainty of how many of these children survived and what their adult lives held makes the symbolism of official reconciliation seem hauntingly insufficient.
Rosi’s film, characterized by its objectivity, draws heavily from television footage of the past decade. This compilation of clips is interwoven with sequences showing the Pope standing in the back of a white Jeep Wrangler, waving to the crowd with a rhythmic left-to-right movement. Other scenes take us into the heart of the emotionally charged crowds, where Pope Francis interacts closely with people, shaking hands, caressing heads, and kissing babies. A tangible fatigue is evident in his figure. Although he is the spiritual leader of 1.3 billion Catholics and one of the most powerful men in the world, he is also an elderly man struggling to rise from a chair. (Currently, the 86-year-old pontiff is hospitalized due to a lung infection.)
“In Viaggio” is neither a Vatican public relations film nor an exposé; it is rather an opportunity to accompany the Pope on his journeys. Its director, the 59-year-old Italian Rosi, based in New York, has been awarded in Europe for his documentaries about migrants crossing the Mediterranean Sea, conflicts at the Mexico-U.S. border, war-torn Middle Eastern regions, and places where human suffering is palpable—places that the Pope has also traveled to in the past decade. For believers, the Pope, born in Argentina, can be seen as a transformative figure and a global conscience who has prioritized interreligious dialogue, compassion, and justice for the most disadvantaged. Skeptics, however, may point out contradictions, such as his insistence on transparency around pedophile priests while supporting the controversial Chilean bishop Juan Barros Madrid. For those in a neutral position, the film serves as a reminder of the complexity of the role of the leader of the Catholic Church: an international figure of conscience, a real-world diplomat, and the leader of an ancient religious institution grappling with the aftermath of its past.
Spanish review
El viaje tenía un propósito claro: ofrecer disculpas en nombre de la Iglesia Católica por su implicación en el sistema de escuelas residenciales para indígenas en Canadá. El contraste entre el Papa, ataviado con su sotana blanca y solideo, y los líderes indígenas con sus tradicionales tocados de plumas, resultó ser una estampa simbólica de gran impacto. Esta imagen cobra un matiz aún más profundo cuando se suceden breves escenas en blanco y negro de niños indígenas en su cotidianidad escolar, cepillándose los dientes antes de dormir o aprendiendo a bailar. La incertidumbre sobre cuántos de estos niños sobrevivieron y qué les deparó la vida adulta, hace que el simbolismo de la reconciliación oficial parezca espeluznantemente insuficiente.
La película de Rosi, caracterizada por su objetividad, se nutre en gran parte de material televisivo de la última década. Dicha recopilación de clips se entreteje con secuencias en las que se aprecia al Papa, erguido en la parte trasera de un Jeep Wrangler blanco, saludando a los espectadores que se agolpan en las calles con un movimiento rítmico de izquierda a derecha. Otras escenas nos llevan al corazón de las multitudes emocionadas, donde el Papa Francisco interactúa de cerca con la gente, tocando manos, acariciando cabezas y besando a bebés. Se percibe un cansancio palpable en su figura. Aunque es el líder espiritual de 1.3 mil millones de católicos y uno de los hombres más poderosos del mundo, también es un anciano que lucha por levantarse de una silla. (Actualmente, el pontífice de 86 años se encuentra hospitalizado debido a una infección pulmonar.)
“In Viaggio” no es ni una película de relaciones públicas del Vaticano ni una denuncia, es más bien una oportunidad para acompañar al Papa en sus viajes. Su director, el italiano Rosi, radicado en Nueva York y de 59 años, ha sido galardonado en Europa por sus documentales sobre migrantes atravesando el Mar Mediterráneo, conflictos en la frontera entre México y Estados Unidos, zonas de guerra en Oriente Medio, y regiones donde el sufrimiento humano es palpable, lugares a los que el Papa también ha viajado en la última década. Para los creyentes, el Papa, nacido en Argentina, puede ser interpretado como una figura transformadora y conciencia global, que ha priorizado el diálogo interreligioso, la compasión y la justicia para los más desfavorecidos. Los escépticos, sin embargo, pueden señalar contradicciones, como su insistencia en la transparencia alrededor de los sacerdotes pedófilos mientras apoya al cuestionado obispo chileno Juan Barros Madrid. Para aquellos en una posición neutral, la película sirve como recordatorio de la complejidad del papel del líder de la Iglesia Católica: una figura internacional de conciencia, un diplomático en el mundo real, y el líder de una antigua institución religiosa que lucha con las secuelas de su pasado.
In Viaggio. Viajando con el Papa Francisco – Trailer oficial
Movie information
// 21 Unofilm, Stemal Entertainment, RAI Cinema
// Director: Gianfranco Rosi
Score [...]
Decision to Leave
SINOPSIS
Hae-Joon, un veterano detective, investiga la sospechosa muerte de un hombre en la cima de una montaña. Pronto, comenzará a sospechar de Sore, la mujer del difunto, mientras la atracción que siente por ella le desestabilizará.
Movie Short Review
English review
South Korean director Park Chan-wook is back with a thrilling new film inspired by Hitchcock’s “Vertigo.” The story begins when a mountain climber is found dead, with detective Hae-joon (Park Hae-il) taking the case. Hae-joon is a dedicated cop who puts his job before his personal life. His world is turned upside down when he meets his prime suspect, Seo-rae (Tang Wei). Hae-joon notices her lack of grief and starts to question her involvement in the crime. What follows is a strange romance filled with suspicion and stakeouts.
As Hae-joon continues to investigate, he learns that Seo-rae was abused by her husband, giving her a motive for the crime. However, her alibi doesn’t quite add up, leaving Hae-joon uncertain about her innocence. The script, co-written by Park and Jeong Seo-kyeong, keeps the audience guessing as it explores the complex relationship between the characters. In contrast to other films in the genre, “Decision to Leave” focuses more on the sensual aspects of the relationship than overt sexuality.
Park Hae-il’s performance as the flawed detective is captivating, while Tang Wei shines as the enigmatic femme fatale. The film’s intricate choreography and impressive camerawork by Kim Ji-yong add to its overall appeal. Although “Decision to Leave” may not be Park Chan-wook’s best work, it remains a dazzling piece of cinema and a tantalizing romantic mystery.
Spanish review
El aclamado director surcoreano Park Chan-wook regresa con una emocionante nueva película inspirada en “Vertigo” de Hitchcock. La trama se desarrolla cuando encuentran a un escalador de montaña muerto y el detective Hae-joon (Park Hae-il) se encarga del caso. Hae-joon es un policía entregado que antepone su trabajo a su vida personal. Su mundo se ve alterado cuando conoce a su principal sospechosa, Seo-rae (Tang Wei). Al notar la falta de dolor en ella, Hae-joon comienza a cuestionar su participación en el crimen, dando lugar a un extraño romance lleno de sospechas y vigilancias.
Mientras Hae-joon sigue investigando, descubre que Seo-rae fue maltratada por su esposo, lo que le proporciona un motivo para el crimen. Sin embargo, su coartada no termina de convencer, dejando a Hae-joon en duda sobre su inocencia. El guion, coescrito por Park y Jeong Seo-kyeong, mantiene al público en vilo mientras explora la compleja relación entre los personajes. A diferencia de otras películas del género, “Decision to Leave” se centra más en los aspectos sensuales de la relación que en la sexualidad explícita.
La actuación de Park Hae-il como el detective con defectos resulta fascinante, mientras que Tang Wei brilla en el papel de la enigmática femme fatale. La coreografía intrincada y el impresionante trabajo de cámara de Kim Ji-yong añaden atractivo al filme. Aunque “Decision to Leave” quizás no sea la mejor obra de Park Chan-wook, sigue siendo una deslumbrante pieza de cine y un misterio romántico seductor.
Decision to Leave – Trailer oficial
Movie information
// Moho Films, CJ Entertainment
// Director: Park Chan-wook
// Cast: Tang Wei, Park Hae-il
SOBRE EL DIRECTOR
Park Chan-wook es un director y guionista coreano, nacido el 23 de agosto de 1963, en Seúl, Corea del Sur. Estudio filosofía en la Universidad de Sogang, donde creó un club cinematográfico que le sirvió para publicar sus primeros artículos sobre cine contemporáneo. Originalmente deseaba ser crítico de arte, pero tras descubrir el cine de Alfred Hitchcock decidió que deseaba convertirse en cineasta también. Tras su graduación, escribió artículos de cine para diversos periódicos y logro algunas experiencias como asistente de dirección para cineastas como Yu Yeong-Jin y Kwak Jae-yong. Empezó a dirigir en 1992, con algunos cortometrajes y cintas que no tuvieron mucho éxito, hasta que presentó el largometraje Zona de riesgo (2000), con la que empezó a llamar la atención de la crítica especializada. Su siguiente cinta fue la aclamada Sympathy for Mr. Vengeance (2002), antes de conquistar festivales y mercados internacionales con la cinta Oldboy (2004), ganadora del Grand Prix en Cannes, a la que han seguido cintas como Lazos perversos (2012), The Handmaiden (2016) y Decision to Leave (2022), entre otras.
Score [...]
80 for Brady
SINOPSIS
Cuatro veteranas amigas se proponen como misión ir a la Super Bowl y conocer a la superestrella de la NFL Tom Brady.
Movie Short Review
English review
During the first two decades of our century, in the domain of the Patriots with 17 divisional titles, quarterback Tom Brady exerted a supernatural influence on mature women in New England. Brady’s optimistic resilience forms the link that connects him to the quartet of aging legends starring in “80 for Brady,” in which Jane Fonda, Lily Tomlin, Rita Moreno, and Sally Field portray a real group of friends from Massachusetts who find a new structure for their lifelong friendship in the weekly broadcast of the Pats games during the Brady-Belichick era. They gather to catch up and chat while enjoying a more stimulating activity than bingo, and the main goal of the film is good company and generating a warm sense of affection. Despite its kindness, the movie lacks finesse in its execution, and although it addresses universal themes, it falls into the trap of easy jokes and predictable situations.
Screenwriters Sarah Haskins and Emily Halpert do a good job of balancing the gentle humor of the elderly behaving inappropriately for their age with respectful empathy towards a neglected demographic. Although we are shown that the characters can still do and feel everything they did in their youth, that support often borders on pity. The plot includes comedic situations such as fast food contests, trips with THC gummies, and unexpected romantic encounters, but always remains in a safe and pleasant tone.
While this light-hearted film could be considered a tribute to four acting colossi, aspects such as aggressive product promotion and uncomfortable sequences weaken its impact as cinema. Viewers interested in the legacy of the screen queens of the 70s and 80s may feel melancholy when thinking about how their revolutionary careers once challenged complacent cinema with bold works and memorable entertainment. Although “80 for Brady” pays tribute to the greatness of these actresses, it fails to be an extension of the same.
Spanish review
Durante las dos primeras décadas de nuestro siglo, en el dominio de los Patriots con 17 títulos divisionales, el mariscal de campo Tom Brady ejerció una influencia sobrenatural sobre las mujeres maduras de Nueva Inglaterra. La resistencia optimista de Brady forma el vínculo que lo conecta al cuarteto de leyendas envejecidas que protagonizan “80 for Brady”, en el que Jane Fonda, Lily Tomlin, Rita Moreno y Sally Field interpretan a un grupo real de amigas de Massachusetts que encuentran una nueva estructura para su amistad de toda la vida en la transmisión semanal de los juegos de los Pats durante la era Brady-Belichick. Se reúnen para ponerse al día y conversar mientras disfrutan de una actividad más estimulante que el bingo, y el objetivo principal de la película es la buena compañía y generar una sensación cálida de afecto. A pesar de su amabilidad, la película carece de delicadeza en su ejecución, y aunque aborda temas universales, cae en la trampa de los chistes fáciles y las situaciones predecibles.
Las guionistas Sarah Haskins y Emily Halpert hacen un buen trabajo equilibrando el humor suave de los ancianos comportándose de manera inapropiada para su edad con una empatía respetuosa hacia un grupo demográfico desatendido. Aunque se nos muestra que los personajes aún pueden hacer y sentir todo lo que hacían en sus días de juventud, ese apoyo a menudo roza la lástima. La trama incluye situaciones cómicas como concursos de comida rápida, viajes con gomitas de THC y encuentros románticos inesperados, pero siempre se mantiene en un tono seguro y agradable.
Si bien esta película ligera podría considerarse como un homenaje a cuatro colosos de la actuación, aspectos como la agresiva promoción de productos y secuencias incómodas debilitan su impacto como cine. Los espectadores interesados en el legado de las reinas de la pantalla de los años 70 y 80 podrían sentir melancolía al pensar en cómo sus carreras revolucionarias alguna vez desafiaron al cine complaciente con obras audaces y entretenimiento memorable. Aunque “80 for Brady” rinde homenaje a la grandeza de estas actrices, no logra ser una extensión de la misma.
80 for Brady – Trailer oficial
Movie information
// 199 Productions, Endeavor Content, Watch This Ready.
// Director: Kyle Marvin
// Cast: Lily Tomlin, Jane Fonda, Rita Moreno, Sally Field, Tom Brady
SOBRE EL DIRECTOR
Kyle Marvin es un actor, productor, director y escritor norteamericano, quien ha formado una colaboración exitosa con el cineasta Michael Angelo Covino, su amigo más antiguo. Ambos se conocieron en Nueva York, cuando Marvin trabajaba en publicidad y comerciales y Covino empezaba a dar sus primeros pasos en la actuación. Pronto congeniaron y encontraron gustos y estilos similares, por lo que decidieron formar un dúo creativo para comerciales y publicidad, que luego los llevó a desear explorar las narrativas del cine. Tras años colaborando y creando cortometrajes, Marvin y Covino fueron reconocidos por su aclamado cortometraje The Climb (2018), que se presento en Cannes y que desarrollo un largometraje de la misma historia, con el mismo título, donde Marvin produce, Covino dirige y ambos coescriben y protagonizan la cinta. Dicho largometraje será distribuido por Sony Pictures Home Entertainment y tiene planeado su estreno en formato Blu-ray y DVD en enero 19 del 2021.
Score [...]
Emily la estafadora
SINOPSIS
Emily se ve involucrada en una estafa con tarjetas de crédito tras cargar con una deuda, lo que la arrastra al submundo criminal y mortal de Los Ángeles.
Movie Short Review
English review
Aubrey Plaza is rapidly emerging as a “must watch” performer, captivating viewers with her remarkable roles, such as her portrayal of Emily in “Emily the Criminal.” In this film, Plaza’s character, Emily, is a young woman weighed down by student debt and a criminal record that hinders her from securing stable employment. She stumbles upon “dummy shopping,” a scheme that involves buying expensive items with stolen credit cards and reselling them for profit. Despite initial hesitation, Emily chooses to partake in this illegal activity upon realizing its lucrative potential. During the film’s early stages, Plaza’s performance is both enthralling and believable as she creates a character who seeks cosmic justice after feeling as if her life has been stolen.
Emily becomes increasingly immersed in credit card fraud and decides to cut out the middleman to start her own operation. She seeks assistance from Youcef, her previous supplier of stolen credit cards. The film delves into Youcef’s character, revealing him to be a relatable individual with his own dreams and disappointments, rather than a one-dimensional crook. Writer-director John Patton Ford masterfully humanizes these characters by depicting them as individuals striving to survive, rather than simply labeling them as good or evil. The first part of “Emily the Criminal” focuses on Emily’s development of her credit card fraud empire and her growing connection with Youcef, presenting the film’s most captivating moments and a gritty, authentic world in which these characters live.
The movie, however, loses momentum when the focus shifts from Emily to Youcef and his conflicts with his criminal associates. Despite Theo Rossi’s praiseworthy portrayal of Youcef, relegating Emily to a secondary role in his story seems misguided. Nonetheless, Plaza’s progressively desperate and intense performance maintains the film’s engagement. Tension escalates as writer-director Ford orchestrates anxiety-provoking scenes, culminating in a pressure-cooker atmosphere destined to erupt. Though the film has some shortcomings, the most unforgettable element of “Emily the Criminal” is Aubrey Plaza’s exceptional performance, leaving viewers eager to see where her career leads her next.
Spanish review
Aubrey Plaza está emergiendo rápidamente como una intérprete “imprescindible”, cautivando a los espectadores con sus notables papeles, como su interpretación de Emily en “Emily the Criminal”. En esta película, el personaje de Plaza, Emily, es una joven agobiada por la deuda estudiantil y antecedentes penales que le impiden obtener un empleo estable. Ella tropieza con “dummy shopping”, un esquema que implica comprar artículos caros con tarjetas de crédito robadas y revenderlos para obtener ganancias. A pesar de la vacilación inicial, Emily decide participar en esta actividad ilegal al darse cuenta de su lucrativo potencial. Durante las primeras etapas de la película, la actuación de Plaza es cautivadora y creíble al crear un personaje que busca justicia cósmica después de sentir que su vida ha sido robada.
Emily se sumerge cada vez más en el fraude con tarjetas de crédito y decide eliminar al intermediario para comenzar su propia operación. Ella busca la ayuda de Youcef, su proveedor anterior de tarjetas de crédito robadas. La película profundiza en el personaje de Youcef, revelándolo como un individuo identificable con sus propios sueños y decepciones, en lugar de un delincuente unidimensional. El escritor-director John Patton Ford humaniza magistralmente a estos personajes al representarlos como individuos que luchan por sobrevivir, en lugar de simplemente etiquetarlos como buenos o malos. La primera parte de “Emily the Criminal” se centra en el desarrollo del imperio de fraude con tarjetas de crédito de Emily y su creciente conexión con Youcef, presentando los momentos más cautivadores de la película y un mundo auténtico y descarnado en el que viven estos personajes.
Sin embargo, la película pierde impulso cuando el enfoque cambia de Emily a Youcef y sus conflictos con sus cómplices criminales. A pesar de la elogiable interpretación de Theo Rossi como Youcef, relegar a Emily a un papel secundario en su historia parece desacertado. No obstante, el desempeño cada vez más desesperado e intenso de Plaza mantiene la participación en la película. La tensión se intensifica a medida que el escritor-director Ford orquesta escenas provocadoras de ansiedad, culminando en una atmósfera de olla a presión destinada a estallar. Aunque la película tiene algunas deficiencias, el elemento más inolvidable de “Emily the Criminal” es la excepcional actuación de Aubrey Plaza, dejando a los espectadores ansiosos por ver hacia dónde la lleva su carrera en el futuro.
Emily la estafadora – Trailer oficial
Movie information
// Low Spark Films
// Director: John Patton Ford
// Cast: Aubrey Plaza, Theo Rossi, Megalyn Echikunwoke, Gina Gershon
Score [...]
Pinocho de Guillermo del Toro
SINOPSIS
Versión musical en animación stop motion del famoso cuento de ‘Pinocho’, ambientada en la Italia fascista, durante la década de 1930. Guillermo del Toro y Mark Gustafson dirigen esta película, que en la versión original cuenta con un reparto estelar de voces: Ewan McGregor (Pepito Grillo), David Bradley (Geppetto) y el debutante Gregory Mann (Pinocho). También participan Finn Wolfhard, Cate Blanchett, John Turturro, Ron Perlman, Tim Blake Nelson, Burn Gorman, Christoph Waltz y Tilda Swinton.
Movie Short Review
English review
An elderly man, overwhelmed by grief and inebriated, works on a log in his workshop during a stormy night. As he chisels and saws, lightning illuminates his work, revealing the shadow of a child taking shape on the table. This moment marks the beginning of Guillermo del Toro’s “Pinocchio,” a stop-motion adaptation of Carlo Collodi’s novel “The Adventures of Pinocchio.” Geppetto, the old man, is filled with sorrow over the loss of his son, but the scene evokes James Whale’s “Frankenstein,” where the monster comes to life. Both scenes are imbued with a desire to defy the natural order and an underlying sadness. Del Toro’s signature darkness pervades the narrative, providing a welcome contrast to other adaptations of the story, such as Disney’s version. Tilda Swinton’s Wood Sprite, who sympathizes with Geppetto and brings the puppet to life, is a prime example of this macabre touch.
“Pinocchio” follows the episodic adventures of the titular character (Gregory Mann) as he tries to find his place in the world. Initially, Pinocchio seeks to make Geppetto proud by being obedient and attending school. However, he soon gets caught up with Count Volpe (Christoph Waltz), the leader of a traveling carnival who exploits him as a puppet on stage. Throughout these narrative twists, the film maintains its focus and rewards attentive viewers. Del Toro’s career-long obsessions are evident in the film, set in fascist Italy, paralleling the backdrop of his previous work “Pan’s Labyrinth” in Franco’s Spain. Fascism serves as an ideal contrast to the richness of del Toro’s mythological world.
Despite Pinocchio’s desire to be a real boy, the story needed higher stakes, as his wooden form had many advantages: not experiencing pain, replaceable limbs, and virtual immortality. Del Toro and co-director Mark Gustafson explore the fable’s potential by having Pinocchio temporarily die and be reborn, which catches the attention of the fascist Podestà, who sees him as the perfect soldier. Although this segment in a fascist training camp loses some tension, the film remains striking overall. “Pinocchio” stands out for its inventive and meticulously crafted scenes that linger in the viewer’s mind, showcasing del Toro’s ability to breathe new life into familiar material.
Spanish review
Un anciano, abrumado por la pena y embriagado, trabaja en un tronco en su taller durante una noche tormentosa. Mientras cincela y corta, un relámpago ilumina su obra, revelando la sombra de un niño que toma forma sobre la mesa. Este momento marca el comienzo de “Pinocho” de Guillermo del Toro, una adaptación en stop-motion de la novela de Carlo Collodi “Las aventuras de Pinocho”. Geppetto, el anciano, está lleno de tristeza por la pérdida de su hijo, pero la escena recuerda a “Frankenstein” de James Whale, donde el monstruo cobra vida. Ambas escenas están impregnadas de un deseo de desafiar el orden natural y una tristeza subyacente. La oscuridad característica de del Toro impregna la narrativa, ofreciendo un contraste bienvenido con otras adaptaciones de la historia, como la versión de Disney. El Hada de Madera de Tilda Swinton, que se compadece de Geppetto y da vida al muñeco, es un ejemplo destacado de este toque macabro.
“Pinocho” sigue las aventuras episódicas del personaje principal (Gregory Mann) mientras intenta encontrar su lugar en el mundo. Inicialmente, Pinocho busca enorgullecer a Geppetto siendo obediente y asistiendo a la escuela. Sin embargo, pronto se ve atrapado por el Conde Volpe (Christoph Waltz), el líder de un carnaval ambulante que lo explota como marioneta en el escenario. A lo largo de estos giros narrativos, la película mantiene su enfoque y recompensa a los espectadores atentos. Las obsesiones de toda la carrera de del Toro están presentes en la película, ambientada en la Italia fascista, paralela al trasfondo de su obra anterior “El laberinto del fauno” en la España de Franco. El fascismo sirve como contraste ideal para la riqueza del mundo mitológico de del Toro.
A pesar del deseo de Pinocho de ser un niño de verdad, la historia necesitaba mayores desafíos, ya que su forma de madera tenía muchas ventajas: no experimentar dolor, extremidades reemplazables e inmortalidad virtual. Del Toro y el codirector Mark Gustafson exploran el potencial de la fábula al hacer que Pinocho muera temporalmente y renazca, lo que capta la atención del fascista Podestà, quien lo ve como el soldado perfecto. Aunque este segmento en un campo de entrenamiento fascista pierde algo de tensión, la película sigue siendo impactante en general. “Pinocho” se destaca por sus escenas inventivas y meticulosamente elaboradas que permanecen en la mente del espectador, mostrando la habilidad de del Toro para insuflar nueva vida en material conocido.
Pinocho de Guillermo del Toro – Trailer oficial
Movie information
// ShadowMachine Films, Jim Henson Company, Netflix, Necropia Entertainment, Pathé, Double Dare You, Netflix Animation.
// Director: Guillermo del Toro, Mark Gustafson
// Cast: NiGregory Mann, David Bradley, Ewan McGregor, Finn Wolfhard, Cate Blanchett, John Turturro, Ron Perlman, Tim Blake Nelson, Burn Gorman, Christoph Waltz, Tilda Swinton
SOBRE EL DIRECTOR
Estudiante de efectos especiales, Guillermo del Toro comienza a sentirse atraído por el cine durante el instituto. Funda su propia productora, Necropia, y en 1985 comienza a producir sus primeros títulos. Su debut como director tiene lugar en 1986 con la serie ‘Hora marcada’, de la que se encargaría de seis episodios.Se estrena como director de un largometraje en 1993 con ‘Cronos’, de la que también es guionista. A pesar de tratarse de su primer trabajo consigue hacerse con muy buenas críticas. Se consolida como director algunos años más tarde, en 1997, con ‘Mimic’ y posteriormente se atreve con otros títulos como ‘El espinazo del diablo’ (2001), ‘Blade 2’ (2002), ‘Hellboy’ (2004), o ‘El laberinto del fauno’.Asimismo, Del Toro también desarrolla una prolífica carrera como productor con filmes como ‘El orfanato’, ‘Splice’ o ‘Los ojos de Julia’.
Score [...]
La Bestia
SINOPSIS
El Doctor Nate Samuels, que se ha quedado viudo recientemente, regresa a Sudáfrica, lugar en el que conoció a su mujer, para visitar una reserva de animales con sus hijas. Pero lo que empieza siendo un viaje de relax se convierte en una lucha por la supervivencia cuando un león que ha escapado de unos cazadores furtivos empieza a perseguirles.
Movie Short Review
English review
In “Beast,” an exciting survival thriller, Idris Elba stars as Nate, a New York-based doctor who takes his daughters, played by Iyana Halley and Leah Jeffries, to South Africa for a safari and to visit their mother’s ancestral African village following her passing. The family is welcomed by Nate’s old friend (Sharlto Copley), who fights against poachers targeting the native lions and other animals of the savannah. The plot focuses on the aftermath of a tragic event where an entire pride of lions is slaughtered, leaving a solitary and vengeful lion seeking revenge against humans. This presents a dangerous situation for Nate and his daughters, but also an opportunity for family healing.
“Beast” offers a straightforward yet thrilling cinematic experience with alternating moments of calm and attacks, intertwined with intense emotional scenes surrounding the family’s grief and their struggles. Director Baltasar Kormákur, known for his survival dramas, effectively uses handheld camera shots, some of which are seamlessly combined to create an immersive environment for the audience. While the film stands out for its modest scale and focus on human resourcefulness under extreme situations, its spectacle leans more towards technical achievement than artistic expression.
The climax of “Beast” is compared to the bear attack in “The Revenant,” as it showcases the practical learning and determination of the characters in the face of danger. The film features a particularly memorable scene in which the younger daughter bravely takes control of the situation using a tranquilizer dart. In summary, “Beast” is a brutal and action-packed film that will keep viewers on the edge of their seats.
Spanish review
En “Beast”, un emocionante thriller de supervivencia, Idris Elba interpreta a Nate, un médico radicado en Nueva York que lleva a sus hijas, interpretadas por Iyana Halley y Leah Jeffries, a Sudáfrica para disfrutar de un safari y visitar la aldea ancestral africana de su madre tras su fallecimiento. La familia es acogida por un viejo amigo de Nate (Sharlto Copley), quien lucha contra cazadores furtivos que atacan a los leones nativos y otros animales de la sabana. La trama se centra en las consecuencias de un trágico evento en el que una manada completa de leones es masacrada, dejando a un león solitario y vengativo que busca venganza contra los humanos. Esto presenta una situación peligrosa para Nate y sus hijas, pero también una oportunidad para la sanación familiar.
“Beast” ofrece una experiencia cinematográfica sencilla pero emocionante con momentos de calma y ataques alternados, entremezclados con intensas escenas emocionales que rodean el duelo familiar y sus luchas. El director Baltasar Kormákur, conocido por sus dramas de supervivencia, utiliza de manera efectiva tomas de cámara en mano, algunas de las cuales se unen sin problemas para crear un entorno inmersivo para el público. Si bien la película destaca por su escala modesta y enfoque en la ingeniosidad humana bajo situaciones extremas, su espectáculo se inclina más hacia el logro técnico que la expresión artística.
El clímax de “Beast” se compara con el ataque del oso en “El renacido”, ya que muestra el aprendizaje práctico y la determinación de los personajes ante el peligro. La película presenta una escena particularmente memorable en la que la hija menor toma valientemente el control de la situación usando un dardo tranquilizante. En resumen, “Beast” es una película brutal y llena de acción que mantendrá a los espectadores al borde de sus asientos.
La Bestia – Trailer oficial
Movie information
// RVK Studios, Universal Pictures, Will Packer Productions, Dentsu Inc.
// Director: Baltasar Kormákur
// Cast: Idris Elba, Sharlto Copley, Mel Jarnson, Anzor Alem
SOBRE EL DIRECTOR
El actor, escritor, productor y director, Baltasar Kormákur Samper, nació el 27 de febrero de 1966 en Reykjavik, Islandia. Su padre un pintor catalán y su madre una escultora islandesa, hicieron que desde pequeño estuviera en contacto con las artes. Estudió actuación en la Academia Nacional de Bellas Artes de Islandia y al graduarse fue contratado inmediatamente por el Teatro Nacional de Islandia, donde trabajó como uno de los artistas jóvenes más importantes hasta 1997. Desde entonces, ha dirigido y producido muchas obras teatrales como Almost There y Peer Gynt. En 2000 escribió, dirigió, actuó y produjo la película 101Reykjavik, que se convirtió en un éxito internacional y obtuvo el Discovery Award en el Festival Internacional de Cine de Toronto.
Su largometraje White Night Wedding (2008) fue seleccionada para representar a Islandia en los premios de la academia 2009, siendo nominada al Oscar en la categoría de mejor película de habla no inglesa. Entre sus últimos proyectos como director están las cintas The Good Spy y Atrapados (2016), así como la película protagonizada por Sam Claflin y Shailene Woodley, A la deriva (2018). Entre sus cintas más conocidas están The Sea (2002), Verdades ocultas (2005), Las marismas (2006), Inhale (2010), Armados y peligrosos (2013), Everest (2015), entre muchas otras.
Score [...]
Padre y soldado
SINOPSIS
1917, en la colonia francesa de Senegal. Bakary se alista en el ejército francés para quedarse con Thierno, su hijo de 17 años, reclutado contra su voluntad. Juntos, padre e hijo deben luchar la Primera Guerra Mundial en el frente en Francia, un país que no conocen y por el que Thierno está dispuesto a dar su vida. Bakary se embarca en una carrera intensa e infernal para salvar a su hijo.
Movie Short Review
English review
The often absurd and contradictory fates of films, as commercial or cultural products, can be rather intriguing. Imagine a scenario where a highly ambitious and successful Hollywood production, like Babylon by Damien Chazelle, suffers a hit due to its box office failure and near total absence among nominations at a prestigious awards ceremony. Conversely, a French film, Tirailleurs by Mathieu Vadepied, which initially was not expected to gain mass popularity, achieves a commercial breakthrough while being simultaneously recognized as a significant cultural and political artifact. The success of the film can be attributed to a series of fortunate events that helped elevate it to the status of a “serious” and “authoritative” film. Notably, it featured the popular actor Omar Sy and was selected for the reputable Cannes’ Un Certain Regard section, which effectively launched it.
Now that the film is in theaters and has been seen by a significant audience, it becomes apparent that Tirailleurs largely comes off as a drab, academically styled TV film. It follows a linear and didactic narrative of an individual journey meant to represent the collective experience of Senegalese riflemen who were forced or manipulated to serve as cannon fodder for the French state during World War I. Despite its attempts at realistic cinema and emotional family drama, the film fails to stir emotions, despite its heavy-handed approach and orchestral music. What remains is the tenacious didacticism of the project, a tedious burden of a film intended for debates and/or schools. The film bizarrely concludes with a surprising twist: the bones of the protagonist, Bakary, are collected by soldiers and brought back to the capital for burial. Where? Nowhere other than under the Arc de Triomphe. This twist reveals Bakary to be none other than the unknown soldier, with his voiceover emphasizing this revelation with a grandiloquent monologue.
Beyond the unexpected and frankly kitschy nature of this twist, there’s an air of impropriety and obscenity. Tirailleurs associates the beloved face of a French star with a symbol of the human loss caused by wars. The film leverages this narrative “discovery” as a dramatic device to try to inscribe the film into a cinematic mythology, positioning it as a benchmark of engaged and humanistic war film. This raises questions about the ethics of the creators and their responsibility towards the subjects they handle and reinterpret. The film’s didacticism and popularization seem to serve as a convenient cover, and while Tirailleurs might perfectly fit the bill of a “film for schools,” it primarily stands as a “case study,” definitively exposing what absolutely should not be done.
Spanish review
Los destinos a menudo absurdos y contradictorios de las películas, como productos comerciales o culturales, pueden resultar bastante interesantes. Imagina un escenario en el que una producción de Hollywood altamente ambiciosa y exitosa, como Babylon de Damien Chazelle, sufre un golpe con su fracaso en la taquilla y su casi total ausencia entre las nominaciones en una prestigiosa ceremonia de premios. Por el contrario, una película francesa, Tirailleurs de Mathieu Vadepied, que inicialmente no se esperaba que alcanzara una gran popularidad, logra un avance comercial mientras es reconocida simultáneamente como un importante artefacto cultural y político. El éxito de la película se puede atribuir a una serie de eventos afortunados que ayudaron a elevarla al estatus de una película “seria” y “autoritativa”. Es notable que contó con el popular actor Omar Sy y fue seleccionada para la reputada sección Un Certain Regard de Cannes, lo que ayudó a lanzarla de manera efectiva.
Ahora que la película está en los cines y ha sido vista por una audiencia significativa, se hace evidente que Tirailleurs se percibe en gran medida como una película de televisión de estilo académico y monótono. Sigue una narrativa lineal y didáctica de un viaje individual que se supone que representa la experiencia colectiva de los rifleros senegaleses forzados o manipulados para servir como carne de cañón para el estado francés durante la Primera Guerra Mundial. A pesar de sus intentos por lograr un cine realista y un drama familiar emocional, la película no logra conmover, a pesar de su enfoque contundente y música orquestal. Lo que queda es el didactismo tenaz del proyecto, una carga tediosa de una película destinada a debates y/o escuelas. La película concluye extrañamente con un sorprendente giro: los huesos del protagonista, Bakary, son recogidos por soldados y llevados de vuelta a la capital para su entierro. ¿Dónde? En ningún otro lugar que bajo el Arco del Triunfo. Este giro revela a Bakary como nada menos que el soldado desconocido, con su voz en off enfatizando esta revelación con un monólogo grandilocuente.
Más allá del carácter inesperado y francamente cursi de este giro, hay un aire de improcedencia y obscenidad. Tirailleurs asocia el querido rostro de una estrella francesa con un símbolo de la pérdida humana causada por las guerras. La película aprovecha este “descubrimiento” narrativo como un dispositivo dramático para intentar inscribir la película en una mitología cinematográfica, presentándola como un punto de referencia de la película de guerra comprometida y humanista. Esto plantea preguntas sobre la ética de los creadores y su responsabilidad hacia los sujetos que manejan y reinterpretan. El didactismo y la popularización de la película parecen actuar como una conveniente cobertura, y mientras que Tirailleurs podría encajar perfectamente en la categoría de una “película para las escuelas”, es principalmente un “caso de estudio”, exponiendo definitivamente lo que absolutamente no se debe hacer.
Padre y Soldado – Trailer oficial
Movie information
// Gaumont Télévision, Korokoro, Unité de production, Gaumont, France 3 Cinéma, Mille Soleils.
// Director: Mathieu Vadepied
// Cast: Omar Sy, Alassane Diong, Jonas Bloquet.
Score [...]
El hombre en el norte
SINOPSIS
En Islandia, en pleno siglo X, un príncipe nórdico (Skarsgard) busca vengar a toda costa la muerte de su padre.
Movie Short Review
English review
Robert Eggers’s debut film, The Witch, captivated audiences with its authentic portrayal of a Puritan family and a matter-of-fact tone. His latest work, The Northman, draws viewers into a vivid and realistic Viking world, following the story of Amleth (Alexander Skarsgård), a 10th-century prince on a quest for vengeance. The film’s atmospheric and meticulously crafted details create a distinctively immersive experience, presenting a raw Viking world that avoids clichés.
Inspired by the original Scandinavian legend that influenced Shakespeare’s Hamlet, The Northman tells the story of young Amleth witnessing his father’s murder by his uncle Fjölnir (Claes Bang). Fjölnir then seizes the throne and marries Amleth’s mother, Queen Gudrún (Nicole Kidman). Amleth’s journey for revenge is filled with supernatural encounters and moral dilemmas, as his character evolves into a living weapon, single-mindedly focused on his bloody mission.
The film delves into the gritty realism of warfare and the intricate mythos of the Viking age. Amleth’s coming-of-age ceremony reveals his connection to a long lineage of warriors, and throughout the film, he faces supernatural events such as communicating with an astral projection, battling a walking skeleton, and conversing with a disembodied head. These scenes artfully weave together the fantastical and thrilling aspects of the story with the essential steps Amleth must take to reach his ultimate goal. The film also portrays the darker aspects of Amleth’s journey, as he becomes a ruthless berserker warrior, pillaging and slaughtering without mercy.
An encounter with Olga (Anya Taylor-Joy), another prisoner of war, presents Amleth with the chance to break free from his cycle of violence and consider a more ordinary life. The film’s world-building, masterfully crafted by Eggers and co-writer Sjón, showcases both the grandeur of Viking folklore and the everyday realities of the era. The Northman’s climactic finale delivers the intensity expected from a tale that inspired Hamlet, but it is Eggers’s genuine and heartfelt vision that leaves a lasting impression on the audience.
Spanish review
La primera película de Robert Eggers, The Witch, cautivó al público con su auténtica representación de una familia puritana y un tono sobrio. Su último trabajo, The Northman, sumerge a los espectadores en un vívido y realista mundo vikingo, siguiendo la historia de Amleth (Alexander Skarsgård), un príncipe del siglo X en busca de venganza. Los detalles atmosféricos y meticulosamente elaborados de la película crean una experiencia distintivamente inmersiva, presentando un mundo vikingo crudo que evita los clichés.
Inspirada en la leyenda escandinava original que influyó en Hamlet de Shakespeare, The Northman cuenta la historia del joven Amleth, quien es testigo del asesinato de su padre a manos de su tío Fjölnir (Claes Bang). Fjölnir toma el trono y se casa con la madre de Amleth, la reina Gudrún (Nicole Kidman). El viaje de Amleth en busca de venganza está lleno de encuentros sobrenaturales y dilemas morales, mientras su personaje evoluciona hasta convertirse en un arma viviente, enfocado únicamente en su sangrienta misión.
La película profundiza en el realismo crudo de la guerra y el intrincado mito de la época vikinga. La ceremonia de iniciación de Amleth revela su conexión con una larga estirpe de guerreros, y a lo largo de la película enfrenta eventos sobrenaturales como comunicarse con una proyección astral, luchar contra un esqueleto viviente y conversar con una cabeza desencarnada. Estas escenas entrelazan hábilmente los aspectos fantásticos y emocionantes de la historia con los pasos esenciales que Amleth debe seguir para alcanzar su objetivo final. La película también muestra los aspectos más oscuros del viaje de Amleth, mientras se convierte en un despiadado guerrero berserker que saquea y mata sin piedad.
Un encuentro con Olga (Anya Taylor-Joy), otra prisionera de guerra, ofrece a Amleth la oportunidad de liberarse de su ciclo de violencia y considerar una vida más ordinaria. La construcción del mundo en la película, magistralmente elaborada por Eggers y su coguionista Sjón, muestra tanto la grandeza del folclore vikingo como las realidades cotidianas de la época. El clímax de The Northman ofrece la intensidad esperada de un cuento que inspiró a Hamlet, pero es la visión genuina y sincera de Eggers la que deja una impresión duradera en el público.
El hombre en el norte – Trailer oficial
Movie information
// Regency Television, Focus Features.
// Director: Robert Eggers
// Cast: Alexander Skarsgård, Nicole Kidman, Anya Taylor-Joy, Björk, Ralph Ineson, Ethan Hawke, Willem Dafoe
SOBRE EL DIRECTOR
Robert Eggers es un director de cine estadounidense, guionista y diseñador de producción. Comenzó su carrera como diseñador y director de producciones teatrales en Nueva York antes de pasar a trabajar en cine. Entre el 2007 y 2008 dirigió dos cortometrajes y luego trabajó como diseñador de producción en varias películas, series y cortometrajes. En 2015, Eggers hizo su debut como director con la película de terror La bruja, basada en su propio guion. La película se estrenó en el Festival de Cine de Sundance 2015, donde la recepción crítica fue en gran parte positiva y él recibió el Premio de Dirección: U.S. Dramático. Además ganó los premios al Mejor primer guion y al Mejor primer largometraje en los Independent Spirit Awards 2016. Se informó que Eggers escribiría y dirigiría una nueva versión de la película muda Nosferatu de 1922, basada en la mitología de Drácula y que está desarrollando una película “épica medieval” llamada The Knight, así como una miniserie basada en la vida de Rasputin. En 2019 se estrenó su más segundo filme, The lighthouse, protagonizada por Robert Pattinson y Willem Dafoe, el cual fue proyectado en Cannes 2019.
Score [...]
Acidman
SINOPSIS
Maggie sigue la pista de Lloyd, su padre separado y solitario; juntos intentan conectar por primera vez.
Movie Short Review
English review
There comes a point in our lives when we stop perceiving our parents as perfect figures of adulthood and begin to understand them as fallible individuals, possibly as lost as we are. This complex shift in perspective is explored in the poignant and subtle film “Acidman”, directed by Alex Lehmann. The plot focuses on the relationship between Lloyd (Thomas Haden Church), a hermit living in Oregon, and his estranged daughter, Maggie (Dianna Agron).
After years of separation, Maggie decides to visit Lloyd, who lives in isolation and spends his time trying to communicate with aliens and composing industrial music using everyday objects. Although Maggie arrives with good intentions, she also carries with her a latent concern for her father’s mental health, adding a tone of suspicion to their reunion.
The heart of the film is the relationship between Lloyd and Maggie, a relationship marked by a complicated past and an uncertain future. Despite Lloyd’s peculiarities and mental health issues, the love and respect between father and daughter are undeniable. The question posed is whether Maggie can come to accept her father’s peculiar lifestyle, considering her own issues. Thanks to the outstanding performances by Church and Agron, “Acidman” avoids becoming a moralizing drama in which Maggie has to “fix” her father. Instead, the film transforms into an emotive narrative about how a father and daughter learn to accept their reality without deteriorating their relationship, even if he insists on communicating with extraterrestrials that probably only exist in his imagination.
Spanish review
Llega un punto en nuestras vidas en el que dejamos de percibir a nuestros padres como figuras perfectas de la adultez para entenderlos como individuos falibles, posiblemente tan perdidos como nosotros. Este complejo cambio de perspectiva es explorado en la conmovedora y sutil película “Acidman”, dirigida por Alex Lehmann. La trama se centra en la relación entre Lloyd (Thomas Haden Church), un ermitaño que vive en Oregon, y su hija distanciada, Maggie (Dianna Agron).
Después de años de separación, Maggie decide visitar a Lloyd, quien vive en aislamiento y dedica su tiempo a intentar comunicarse con alienígenas y a la composición de música industrial utilizando objetos cotidianos. Aunque Maggie llega cargada de buenas intenciones, también trae consigo una preocupación latente por la salud mental de su padre, lo que añade un tono de sospecha a su reunión.
El núcleo de la película es la relación entre Lloyd y Maggie, una relación marcada por un pasado complicado y un futuro incierto. Pese a las peculiaridades y problemas mentales de Lloyd, el amor y el respeto entre padre e hija son innegables. La pregunta que se plantea es si Maggie puede llegar a aceptar el peculiar estilo de vida de su padre, teniendo en cuenta sus propios problemas. Gracias a las actuaciones sobresalientes de Church y Agron, “Acidman” evita convertirse en un drama moralizante en el que Maggie tenga que “corregir” a su padre. En su lugar, la película se transforma en un relato emotivo sobre cómo padre e hija aprenden a aceptar su realidad sin que ello deteriore su relación, incluso si él insiste en comunicarse con extraterrestres que probablemente solo existen en su imaginación.
Acidman – Trailer oficial
Movie information
// Manageable Monkey, Carte Blanche, OneWorld Entertainment
// Director: Alexandre Lehmann
// Cast: Dianna Agron, Thomas Haden Church, Sameerah Luqmaan-Harris
Score [...]
Todo sobre mi padre
SINOPSIS
Sebastian le dice a su padre Salvo, un inmigrante italiano chapado a la antigua, que tiene intención de pedirle matrimonio a su novia estadounidense, Ellie. Pero antes de dar su visto bueno, Salvo insiste en pasar un fin de semana con los padres de ella. El choque cultural entre ambas familias es sencillamente inevitable.
Movie Short Review
English review
“About My Father” invites viewers to delve into an emotional story about a father and son trying to understand each other amidst complex family relationships and impending in-laws. Driven by the talent of Sebastian Maniscalco and Robert De Niro, the film generates authentic laughter and surprises, showcasing the actors’ skills. However, it also has some weak points, such as the use of stereotyped characters and a lack of depth in certain aspects of the plot.
The relationship between Robert De Niro and Sebastian Maniscalco’s characters is one of the fundamental pillars of the movie. Their convincing on-screen chemistry provides realism and depth to their father-son relationship. The combination of funny and emotional moments in their interactions highlights the complexity of family ties and the process of seeking acceptance. In addition to this, “About My Father” manages to capture genuine laughter. The humor in the movie hits the mark, offering comedy that is both relevant and entertaining. The comedic talent of Maniscalco, coupled with De Niro’s experienced performance, generates memorable and pleasant scenes throughout the film.
Despite these strengths, the film’s reliance on cliché characters, particularly the portrayal of the “dumb brothers,” is somewhat disappointing. This dependence on well-known stereotypes subtracts originality from the story and could have deprived the script of the opportunity for more complex character development. Additionally, the relationship between the daughter-in-law and her parents could have been explored more. Although it is included in the plot, it feels somewhat underdeveloped, leaving the audience with a desire for more depth and impact. A positive feature of “About My Father” is its setting in a small town. This alternative to the grand locations often seen in films provides an intimate and realistic atmosphere, highlighting the importance of family ties and personal relationships. In conclusion, “About My Father” is a solid film that showcases Sebastian Maniscalco’s acting talent and Robert De Niro’s ongoing commitment to delivering powerful performances.
Spanish review
“About My Father” invita a los espectadores a sumergirse en una emotiva historia sobre un padre y un hijo intentando comprenderse mutuamente en medio de complejas relaciones familiares y futuros parientes políticos. Impulsada por el talento de Sebastian Maniscalco y Robert De Niro, la película genera auténticas carcajadas y sorpresas, poniendo en evidencia las habilidades de los actores. Sin embargo, también tiene algunos puntos débiles, como el uso de personajes estereotipados y una falta de profundización en ciertos aspectos de la trama.
La relación entre los personajes de Robert De Niro y Sebastian Maniscalco es uno de los pilares fundamentales de la película. Su convincente química en pantalla aporta realismo y profundidad a su relación de padre e hijo. La combinación de momentos divertidos y emotivos en sus interacciones resalta la complejidad de los lazos familiares y el proceso de buscar la aceptación. Además de esto, “About My Father” logra capturar auténticas carcajadas. El humor de la película da en el blanco, ofreciendo una comedia que es tanto relevante como entretenida. El talento cómico de Maniscalco, junto con la experimentada actuación de De Niro, genera escenas memorables y agradables a lo largo del film.
Pese a estas fortalezas, la dependencia de la película en personajes cliché, particularmente la representación de los “hermanos tontos”, es un tanto decepcionante. Esta dependencia en estereotipos conocidos resta originalidad a la historia y podría haber privado al guion de la posibilidad de un desarrollo de personajes más complejo. Adicionalmente, la relación entre la nuera y sus padres podría haberse explorado más. Aunque está incluida en la trama, se siente algo subdesarrollada, dejando al público con el deseo de mayor profundidad e impacto. Una característica positiva de “About My Father” es su ambientación en un pequeño pueblo. Esta alternativa a las ubicaciones grandiosas que se ven a menudo en las películas proporciona un ambiente íntimo y realista, resaltando la importancia de los lazos familiares y las relaciones personales. En conclusión, “About My Father” es una película sólida que muestra el talento actoral de Sebastian Maniscalco y la continua dedicación de Robert De Niro a entregar interpretaciones potentes.
Todo sobre mi padre – Trailer oficial
Movie information
// Depth of Field, Lionsgate
// Director: Laura Terruso
// Cast: Sebastian Maniscalco, Robert De Niro, Leslie Bibb, Kim Cattrall, Brett Dier, Anders Holm, David Rasche.
Score [...]
The Boogeyman
SINOPSIS
La alumna de instituto Sadie Harper y su hermana pequeña Sawyer se están recuperando de la reciente muerte de su madre pero no cuentan con demasiado apoyo por parte de su padre, Will, un terapeuta que está lidiando con su propio dolor. Cuando un paciente desesperado aparece inesperadamente en su casa buscando ayuda, deja atrás una aterradora entidad sobrenatural que se aprovecha de las familias y se alimenta del sufrimiento de sus víctimas.
Movie Short Review
English review
When it was announced that director Rob Savage was making a horror movie called “The Boogeyman,” memories of Lommel’s film came to mind. Despite the absence of clues pointing to artistic, financial, or nostalgic motives, I wondered if it might be a remake, but it turned out not to be. Simultaneously, a whimsical, though absurd notion emerged that the film might revolve around a family haunted by a disco song from the 70s. Considering Stephen King’s affinity for music and pop culture references from the 70s, it didn’t seem entirely improbable. After all, he often works wonders with the strangest ideas.
The film introduces us to a disheveled Lester Billings (David Dastmalchian), who arrives without prior notice at the residence of psychiatrist Dr. Will Harper (Chris Messina). This unscheduled visit to a psychiatrist, a common trope in the horror genre, indicates that things have escalated drastically. A young, progressive psychiatrist like Harper often sets the stage for high-level horror, with the aim of emulating classics like “Rosemary’s Baby” (1968) and “The Exorcist” (1973), but often ends up producing films that would fit perfectly into a Walmart DVD bargain bin. Billings recounts a chilling tale of an entity responsible for his family’s death, but the more he tries to convince Harper, the more unhinged he appears. As an audience, we understand that Billings isn’t making anything up, but poor Dr. Harper is about to learn a harsh lesson about the limitations of his profession, leading us to question the arrogance of the medical industry.
The plot thickens when Harper’s daughters, teenage Sadie (Sophie Thatcher), and her younger sister Sawyer (Vivien Lyra Blair), bear the brunt of their father’s denial. Already dealing with the death of their mother and a father mired in grief, the girls are tormented by a demon resembling a stick insect that looks like a mantis on stilts. This could symbolize how grief and fear allow us to create our monsters, though how this is relevant to this narrative isn’t entirely clear. Comparing “The Boogeyman” with Savage’s previous works, like the intriguing but revolting “Dashcam” (2021) and the early pandemic horror “Host” (2020), this film seems notably more subdued. Despite its technical superiority, solid performances, and better storytelling compared to Lommel’s version, “The Boogeyman” falls short with its G-rated scares and a pervasive sense of gloom, offering only a few well-executed scares amidst the murkiness.
Spanish review
Cuando se anunció que el director Rob Savage estaba realizando una película de terror llamada “The Boogeyman”, surgieron recuerdos de la película de Lommel. A pesar de la falta de indicios que apunten a motivos artísticos, financieros o nostálgicos, me pregunté si podría tratarse de un remake, pero resultó que no lo es. Simultáneamente, surgió una noción bastante caprichosa, aunque absurda, de que la película podría girar en torno a una familia atormentada por una canción disco de los años 70. Considerando la afinidad de Stephen King por la música y las referencias a la cultura pop de los años 70, no parecía del todo improbable. Después de todo, a menudo ha hecho maravillas con las ideas más extrañas.
La película nos presenta a un desaliñado Lester Billings (David Dastmalchian), quien llega sin previo aviso a la residencia del psiquiatra Dr. Will Harper (Chris Messina). Esta visita no programada a un psiquiatra, un recurso común en el género del terror, indica que las cosas han escalado drásticamente. Un psiquiatra joven y progresista como Harper suele preparar el escenario para un terror de alto nivel, con el objetivo de emular clásicos como “Rosemary’s Baby” (1968) y “The Exorcist” (1973), aunque a menudo resulta en películas que encajarían perfectamente en un contenedor de DVD de Walmart. Billings relata una historia escalofriante de una entidad responsable de la muerte de su familia, pero cuanto más intenta convencer a Harper, más desquiciado parece. Como audiencia, entendemos que Billings no está inventando nada, pero el pobre Dr. Harper está a punto de aprender una dura lección sobre las limitaciones de su profesión, lo que nos lleva a cuestionar la arrogancia de la industria médica.
La trama se complica cuando las hijas de Harper, la adolescente Sadie (Sophie Thatcher) y su hermana menor Sawyer (Vivien Lyra Blair), soportan el peso de la negación de su padre. Ya lidiando con la muerte de su madre y un padre sumido en la pena, las chicas son atormentadas por un demonio en forma de insecto palo que parece una mantis sobre zancos. Esto podría simbolizar cómo el duelo y el miedo nos permiten crear nuestros monstruos, aunque cómo esto es relevante para esta narrativa no está del todo claro. Comparando “The Boogeyman” con trabajos anteriores de Savage, como el intrigante pero repugnante “Dashcam” (2021) y el temprano horror pandémico “Host” (2020), esta película parece notablemente más apaciguada. A pesar de su superioridad técnica, sólidas actuaciones y mejor narrativa en comparación con la versión de Lommel, “The Boogeyman” flaquea con sus sustos clasificados para todas las edades y una omnipresente sensación de pesadumbre, ofreciendo solo unos pocos sustos bien ejecutados en medio de la penumbra.
The Boogeyman – Trailer oficial
Movie information
// 21 Laps Entertainment, 20th Century Fox.
// Director: Rob Savage
// Cast: Sophie Thatcher, Chris Messina, Vivien Lyra Blair, David Dastmalchian.
SOBRE EL DIRECTOR
Rob Savage es un director británico, nacido en julio de 1992, en Londres, Inglaterra. Escribió, dirigió, filmó, coprodujo y editó el largometraje de bajo presupuesto Strings (2012) a los 18 años, que se proyectó en varios festivales internacionales, incluido Raindance para su estreno en el Reino Unido y el Festival de Cine de Roma, para después lograr distribución por parte de Vertigo Films. Rob es alumno del Berlinale Talent Campus y ha ganado varios premios por sus cortometrajes, incluido el BFI Future Film Award y, en años recientes, destaco con cintas como Host (2020) y Dashcam (2021)
Score [...]
Como Dios manda
SINOPSIS
Andrés Cuadrado es un estricto funcionario del Ministerio de Hacienda. Se considera ante todo una “persona como Dios manda” y da por sentado que todo responde a un orden natural, jerárquico e inamovible. Tras un desafortunado enfrentamiento con una compañera de trabajo, es sancionado y trasladado a Igualdad, donde todo es nuevo para él. Allí tendrá que ponerse al día para poder adaptarse a ese nuevo orden de las cosas.
Movie Short Review
English review
For her directorial debut, Paz Jiménez has bravely taken on the challenge of directing ‘Como Dios manda’, a comedy penned by Marta Sánchez Guillé and Gonzalo Bendala, starring Leo Harlem. The film tells the story of Andrés Cuadrado, a man of antiquated values, who is a methodical and stern tax office worker. He is transferred to an Equality division as a punishment for making sexist remarks to a colleague. Although the plot can be a bit convoluted and predictable, it adds an element of intrigue to the film.
Comedies like ‘Como Dios manda’ aim to entertain and amuse audiences looking to have a good time. This comedic intent is evident in the film, but it also makes an undeniable call for equality that may not entirely resonate. The film attempts to reflect our diverse society and the need for acceptance and respect, aiming to leave intolerance behind. This message is well-portrayed through the noticeable transformation of the main character. However, there are certain aspects that might have been overlooked and don’t entirely align with the intended message. Alongside Harlem’s character’s storyline, he helps develop a love story between Ana (Stéphanie Magnin) and Martín (Daniel Pérez Prada). Their relationship is portrayed positively, emphasizing Martín’s respectful courtship attempts. However, the missed opportunity lies in the decision to showcase a heterosexual couple, instead of a trans couple who also appear in the plot. In addition, the protagonist plays a crucial role in two complex situations involving two women, one linked to domestic violence and the other to illegal immigration. Both situations are hinted at but not fully developed, leaving them without a clear resolution.
In terms of performances, María Morales as Lourdes and Julián Villagrán as Víctor stand out. Morales delivers a convincing performance, portraying a strong, independent woman who fights for what truly matters in life and society, and also reveals her character’s more sensitive side, explaining her essence. Villagrán nails his character, avoiding any hint of exaggeration or cliché. His artistic talent is also showcased in a musical performance in the film, although it ends up being a bit too long. In conclusion, ‘Como Dios manda’ achieves its objective as a comedy, managing to draw at least a smile from an audience focused on traditional jokes, timely comments, and the humor derived from the protagonist stepping out of his comfort zone. However, those seeking a stronger message on equality may leave with mixed feelings, as the film doesn’t fully commit to exploring these sensitive issues.
Spanish review
Para su debut como directora, Paz Jiménez ha asumido valientemente el reto de dirigir ‘Como Dios manda’, una comedia escrita por Marta Sánchez Guillé y Gonzalo Bendala, con Leo Harlem como protagonista. La película narra la historia de Andrés Cuadrado, un hombre de valores anticuados, trabajador metódico y severo en la oficina de impuestos, que es trasladado a una delegación de Igualdad como castigo por hacer comentarios sexistas a una colega. Aunque la trama puede resultar un poco enrevesada y predecible, aporta un elemento de intriga a la película.
Las comedias como ‘Como Dios manda’ tienen como objetivo entretener y divertir al público que busca pasar un buen rato. Este propósito cómico es evidente en la película, pero también tiene un indiscutible reclamo por la igualdad, que puede no impactar completamente. La película intenta reflejar nuestra diversa sociedad y la necesidad de aceptación y respeto, con el objetivo de dejar atrás la intolerancia. Este mensaje se retrata bien a través de la notable transformación del personaje principal. Sin embargo, hay ciertos aspectos que podrían haber sido pasados por alto y que no se alinean del todo con el mensaje pretendido. Junto a la historia del personaje de Harlem, él ayuda a desarrollar una historia de amor entre Ana (Stéphanie Magnin) y Martín (Daniel Pérez Prada). Su relación se retrata de manera positiva, enfatizando los intentos de cortejo respetuosos de Martín. Sin embargo, la oportunidad perdida radica en la decisión de presentar a una pareja heterosexual, en lugar de una pareja trans que también aparece en la trama. Además, el protagonista juega un papel crucial en dos situaciones complejas que involucran a dos mujeres, una relacionada con la violencia doméstica y la otra con la inmigración ilegal. Ambas situaciones se insinúan pero no se desarrollan completamente, dejándolas sin una resolución clara.
En cuanto a las interpretaciones, destacan las de María Morales en el papel de Lourdes y Julián Villagrán en el de Víctor. Morales ofrece una actuación convincente, retratando a una mujer fuerte e independiente que lucha por lo que realmente importa en la vida y en la sociedad, y también revela el lado más sensible de su personaje, explicando su esencia. Villagrán clava su personaje, evitando cualquier atisbo de exageración o cliché. Su talento artístico también se muestra en una actuación musical en la película, aunque acaba siendo un poco demasiado larga. En conclusión, ‘Como Dios manda’ cumple su objetivo como comedia, logrando arrancar al menos una sonrisa del público que se centra en los chistes tradicionales, comentarios oportunos y el humor generado por el protagonista al salir de su zona de confort. Sin embargo, aquellos que buscan un mensaje más fuerte sobre la igualdad pueden salir con sentimientos encontrados, ya que la película no se compromete completamente a explorar estas cuestiones sensibles.
Como dios manda – Trailer oficial
Movie information
// Atresmedia Cine, Como Dios Manda, Áralan Films
// Director: Paz Jiménez
// Cast: Leo Harlem, María Morales, Daniel Pérez Prada, Stéphanie Magnin, Maribel Salas, Julián Villagrán, Mariola Fuentes
Score [...]
Transformers: El Despertar De Las Bestias
SINOPSIS
En 1994, un par de arqueólogos se ven envueltos en un antiguo conflicto a través de una aventura por todo el mundo que se relaciona con tres facciones de Transformers: los Maximals, los Predacons y los Terrorcons mientras ayudan a Optimus Prime y los Autobots en una guerra para proteger la Tierra ante la llegada de Unicron.
Movie Short Review
English review
Let’s be frank, the live-action “Transformers” movies, which were essentially marketing campaigns for Hasbro toys, have hardly been cinematic gems. The original 2007 film had its moments, and “Bumblebee” (2018) showed promise with a heartfelt girl-meets-robot tale, replacing the brash Michael Bay style with something more earnest. Yet, despite its likeability and a series of nods to dedicated fans, it didn’t quite hit the mark. Disappointingly, the lukewarm box office response to “Bumblebee” seemed to confirm that the general audience was growing tired of the franchise, just when it seemed to be improving.
“Transformers: Rise of the Beasts” represents Hasbro and Paramount’s latest attempt to breathe new life into the series. Leaving behind the simpler, back-to-basics strategy that failed to excite viewers previously, they’ve adopted a plot inspired by the ’90s animated series “Beast Wars: Transformers,” a childhood favorite of the movie’s director, Steven Caple Jr. (“Creed II”). His nostalgia-infused approach brings a new energy to the franchise. However, despite a ’90s vibe, humorous elements, and impressive lead performances (notably Anthony Ramos’s endearing Noah Diaz and Pete Davidson’s scene-stealing voice role as Autobot Mirage), “Rise of the Beasts” falls short of expectations. It plays it safe, offering a predictable narrative arc that leaves even hardcore fans contemplating what could have been.
In “Rise of the Beasts,” we see familiar tropes. The movie opens with an exposition-laden prologue about creature-like Maximals, the imminent threat of “vile god” Unicron, and a key to a trans-warp system crucial to Transformers’ travel. The narrative then shifts to 1994 Brooklyn, introducing us to human leads Noah and Kris, played by Anthony Ramos and Dean Scott Vazquez respectively. The film invests significant screen time in humanizing these characters before diving into the Autobot plotline. While Noah is given a rich backstory and strong character development, co-lead Dominique Fishback’s character is unfortunately reduced to a mere expositor. As the film’s world-threatening plot unfolds, it abandons the nuanced human storyline, moving into formulaic fight scenes between familiar Autobots/Maximals and invading villains. Despite occasional bursts of fresh ideas and Pete Davidson’s standout performance as the Autobot Mirage, “Rise of the Beasts” struggles to justify its existence. It’s a competent movie with decent camerawork and an underwhelming score, but can’t escape feeling like a franchise running out of steam.
Spanish review
Seamos sinceros, las películas en vivo de “Transformers”, que esencialmente eran campañas de marketing para los juguetes Hasbro, apenas han sido joyas cinematográficas. La película original de 2007 tuvo sus momentos, y “Bumblebee” (2018) mostró promesa con una emotiva historia de una chica que encuentra un robot, reemplazando el estilo audaz de Michael Bay con algo más sincero. Aún así, a pesar de su simpatía y una serie de guiños a los fans incondicionales, no logró marcar un hito. Decepcionantemente, la tibia respuesta de taquilla a “Bumblebee” pareció confirmar que el público general se estaba cansando de la franquicia, justo cuando parecía estar mejorando.
“Transformers: El Despertar De Las Bestias” representa el último intento de Hasbro y Paramount de infundir nueva vida a la serie. Dejando atrás la estrategia anterior más simple y básica que no logró emocionar a los espectadores, han adoptado una trama inspirada en la serie animada de los años 90 “Beast Wars: Transformers”, favorita de la infancia del director de la película, Steven Caple Jr. (“Creed II”). Su enfoque impregnado de nostalgia aporta una nueva energía a la franquicia. Sin embargo, a pesar de un ambiente noventero, elementos humorísticos y notables actuaciones principales (destacando a Anthony Ramos como el encantador Noah Diaz y Pete Davidson en el papel de voz del Autobot Mirage), “Rise of the Beasts” no cumple con las expectativas. Opta por lo seguro, ofreciendo un arco narrativo predecible que deja incluso a los fans más incondicionales reflexionando sobre lo que podría haber sido.
En “Transformers: El Despertar De Las Bestias”, vemos tópicos familiares. La película comienza con un prólogo cargado de exposición sobre los Maximals, parecidos a criaturas, la inminente amenaza del “dios vil” Unicron, y una llave para un sistema de transwarpeo crucial para el viaje de los Transformers. La narrativa luego se desplaza a Brooklyn en 1994, presentándonos a los personajes humanos principales, Noah y Kris, interpretados respectivamente por Anthony Ramos y Dean Scott Vazquez. La película invierte tiempo significativo en humanizar estos personajes antes de sumergirse en la trama de los Autobots. Mientras que a Noah se le otorga una rica historia de fondo y un fuerte desarrollo de personaje, lamentablemente el personaje coprotagonista de Dominique Fishback se reduce a un simple expositor. A medida que se desarrolla la trama amenazadora del mundo de la película, abandona la delicada historia humana, moviéndose hacia peleas fórmulas entre los familiares Autobots/Maximals y los villanos invasores. A pesar de las ocasionales ráfagas de ideas frescas y la destacada actuación de Pete Davidson como el Autobot Mirage, “Transformers: El Despertar De Las Bestias” lucha por justificar su existencia. Es una película competente con una cámara decente y una banda sonora poco impresionante, pero no puede evitar dar la sensación de ser una franquicia que se está quedando sin fuerza.
Transformers: El Despertar De Las Bestias – Trailer oficial
Movie information
// Entertainment One, Hasbro, New Republic Pictures, Paramount Pictures, Skydance Productions, Di Bonaventura Pictures, Bay Films.
// Director: Steven Caple Jr.
// Cast: Anthony Ramos, Dominique Fishback, Lauren Vélez
SOBRE EL DIRECTOR
Steven Caple Jr. es un director, productor y guionista norteamericano, nacido el 16 de febrero de 1988, en Cleveland, Ohio. Luego de estudiar en la John Marshall High School, se mudaría a Berea, donde ingresó en el Baldwin Wallace College para estudiar cine y mercadotecnia. Sería aceptado, posteriormente, en la USC School Of Cinematic Arts, en 2013. Durante su etapa de estudiante, Steven presentaría varios cortometrajes como Process of Elimination (2011), Prentice-N-Fury’s Ice Cream Adventure (2012) y Directing Sample (2012), antes realizar A different Tree (2014), ganador del concurso de cortometrajes de HBO en el 2013. Poco después fue director de episodios de las series de televisión First (2014) y Class (2015). Su ópera prima, The Land (2016), fue una de las cintas independietes más aclamadas de 2016, presente en diversos festivales, entre ellos el Festival de Cine de Sundance. Con el éxito obtenido, Caple fue elegido para dirigir la esperada cinta Creed II (2018), secuela de la saga de Rocky Balboa.
Score [...]
Chile 76
SINOPSIS
1976, Chile. Carmen se va a la playa para supervisar la remodelación de su casa. Su marido, sus hijos y sus nietos van y vienen en las vacaciones de invierno. Cuando el sacerdote de su familia le pide que cuide a un joven que está alojando en secreto, Carmen se adentra en territorios inexplorados, lejos de la vida tranquila a la que está acostumbrada.
Movie Short Review
English review
Film titles can generate expectations, whether we want them to or not. For instance, “Summer of ’42” doesn’t insinuate a nostalgic coming-of-age drama, but when you find out that’s exactly what it is, you’re not surprised. However, with a title like “Chile ’76,” you would expect it to revolve around significant historical events. This is because 1976 in Chile marks three years after the violent overthrow of a democratic government and the beginning of Augusto Pinochet’s nearly 20-year brutal dictatorship. The film, written and directed by Manuela Martelli, should address this history, right? The answer is both yes and no. Pinochet is not mentioned in the film. This isn’t because the characters, who are mostly middle-class, are afraid to mention him. They casually describe their country as sad and mediocre during dinner conversations.
However, the film’s narrative doesn’t shy away from symbolism. In the first five minutes, Martelli employs three explicit visual metaphors. These scenes present the main character, Carmen, an upper-middle-class woman, in a run-down paint shop. She’s looking at a colorful tourist guide to Venice, trying to decide the perfect color for a summer house she plans to renovate. The first metaphor is a drop of paint falling from a sample stick onto her stylish black shoe, symbolizing chaos infiltrating her orderly life. The second is a disruption outside the shop where someone is being arrested, and the shop owner closes a metal blind, obscuring the event, indicating willful blindness. The third metaphor is a scene where a passenger in Carmen’s car carries a glass filled with water and two goldfish, representing life in a bubble.
Carmen’s tranquil life at her beach house takes a turn when Father Sánchez, her priest, introduces her to a wounded young man named Elías. Carmen suspects Elías is a criminal, but Father Sánchez insists he’s a victim of poverty, likening him to a “starving Christ.” Carmen, despite having some medical training, is not a doctor. Yet, she finds herself going to great lengths to get antibiotics for Elías, who, with his long hair and facial growth, does resemble a “starving Christ.” The task proves so challenging that Carmen resorts to trickery at a local veterinary clinic. Elías is not just a criminal, as Carmen initially thought. He’s an anti-government activist, the kind of person Pinochet would label as a traitor. Elías confides in Carmen about the danger he’s in, and despite not knowing her name, he enlists her help with risky tasks.
In “Chile ’76,” Martelli doesn’t use the plot to generate suspense. Instead, she opts for a storytelling style that leans towards ambiguity, reminiscent of Pablo Larraín’s work. The film is a character study of Carmen, a woman who does commendable things but fails to leave a strong impression on the viewers. Martelli aims for subtlety but ends up evading a deeper exploration of the character and the historical context. While “Chile ’76” promises a significant historical narrative, it only scratches the surface.
Spanish review
Los títulos de las películas pueden generar expectativas, queramos o no. Por ejemplo, “Verano del ’42” no insinúa un drama nostálgico de crecimiento personal, pero cuando descubres que es precisamente eso, no te sorprende. Sin embargo, con un título como “Chile ’76”, esperarías que girara en torno a eventos históricos relevantes. Esto se debe a que 1976 en Chile marca tres años después del violento derrocamiento de un gobierno democrático y el comienzo de la casi 20 años de brutal dictadura de Augusto Pinochet. La película, escrita y dirigida por Manuela Martelli, debería abordar esta historia, ¿verdad? La respuesta es sí y no. Pinochet no es mencionado en la película. Esto no se debe a que los personajes, en su mayoría de clase media, temen mencionarlo. Describen su país como triste y mediocre durante las cenas de forma casual.
Sin embargo, la narrativa de la película no evita el simbolismo. En los primeros cinco minutos, Martelli utiliza tres metáforas visuales explícitas. Estas escenas presentan a la protagonista, Carmen, una mujer de clase media alta, en una desvencijada tienda de pinturas. Está mirando una colorida guía turística de Venecia, tratando de decidir el color perfecto para una casa de verano que planea renovar. La primera metáfora es una gota de pintura que cae de un palito de muestra sobre su elegante zapato negro, simbolizando el caos que se infiltra en su vida ordenada. La segunda es una perturbación fuera de la tienda donde alguien está siendo arrestado, y el dueño de la tienda cierra una persiana metálica, ocultando el evento, lo que indica una ceguera voluntaria. La tercera metáfora es una escena en la que un pasajero en el coche de Carmen lleva un vaso lleno de agua y dos peces de oro, representando la vida en una burbuja.
La tranquila vida de Carmen en su casa de playa da un giro cuando el padre Sánchez, su sacerdote, le presenta a un joven herido llamado Elías. Carmen sospecha que Elías es un delincuente, pero el padre Sánchez insiste en que es una víctima de la pobreza, comparándolo con un “Cristo hambriento”. Carmen, a pesar de tener algo de formación médica, no es médico. Sin embargo, se encuentra yendo a grandes extremos para conseguir antibióticos para Elías, quien, con su largo cabello y crecimiento facial, se asemeja a un “Cristo hambriento”. La tarea resulta tan desafiante que Carmen recurre a la astucia en una clínica veterinaria local. Elías no es solo un delincuente, como Carmen pensaba inicialmente. Es un activista anti-gobierno, el tipo de persona que Pinochet etiquetaría como traidor. Elías confía en Carmen sobre el peligro en el que se encuentra, y a pesar de no conocer su nombre, le pide que le ayude con tareas riesgosas.
En “Chile ’76”, Martelli no utiliza la trama para generar suspense. En cambio, opta por un estilo de narración que se inclina hacia la ambigüedad, evocando el trabajo de Pablo Larraín. La película es un estudio de personaje de Carmen, una mujer que hace cosas loables pero que no logra dejar una fuerte impresión en los espectadores. Martelli apunta a la sutileza pero termina evadiendo una exploración más profunda del personaje y del contexto histórico. Aunque “Chile ’76” promete una narrativa histórica significativa, solo raspa la superficie.
Chile 76 – Trailer oficial
Movie information
// Cinestación, Magma Cine, Wood Producciones
// Director: Manuela Martelli
// Cast: Aline Küppenheim, Nicolás Sepúlveda, Hugo Medina, Alejandro Goic, Antonia Zegers, Carmen Gloria Martínez, Marcial Tagle, Amalia Kassai, Gabriel Urzúa, Mauricio Pesutic, Ernesto Meléndez, Graciela Tenenbaum, Mora Recalde, Elvis Fuentes, Francisco Ossa, Germán de Silva
SOBRE EL DIRECTOR
Aline Küppenheim es una actriz chilena, nacida el 10 de agosto de 1969, en Barcelona, España. De padre francés y madre chilena, Aline paso sus primeros años en varias ciudades de Europa, acompañando a sus padres artesanos, donde se intereso por las artes y el dibujo. Regreso a Chile en la década de los años 80, donde estudió actuación y teatro en la academia de Fernando González. Debuto en la televisión chilena, con un pequeño papel en la popular telenovela Ellas por ellas (1991) y desde entonces se ha consolidado como una de las actrices chilenas más notables, destacando en participaciones de series como Prófugos (2011-2013), El Bosque de Karadima: La serie (2015), Bala Loca (2016) y cintas como Allende en su laberinto (2014), Una mujer fantástica (2017) y Detrás de la lluvia (2022), entre otras.
Score [...]